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(4783, 4, '2019-06-27 14:57:13', '2019-06-27 18:57:13', '­Aujourd’hui, nous parlons d’écrire un texte, celui-ci. Nous parlons de ce dont nous devons discuter cet après-midi. Nous parlons d’un titre, d’un chantier. Nous faisons un café et le ménage du bureau.\r\n\r\nIl y a les publications dont nous parlons souvent. Aussi de l’obsolescence des chambres noires, des mandats du centre, de la place que VU occupe au sein de la coopérative Méduse, du rôle des centres d’artistes dans la culture québécoise. Nous parlons d’autogestion, et encore d’autogestion. Nous reparlons des mêmes choses sans les redire. Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\r\n\r\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. Écrire un texte, monter une exposition, faire et refaire des images, les aimer encore. Avancer.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre style=\"text-align: right\"><span style=\"color: #888888\">Photo : Alexis Desgagnés</span></pre>', 'Le cours de nos conversations   —un texte d\'Alexis Desgagnés et Anne-Marie Proulx', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '517-revision-v1', '', '', '2019-06-27 14:57:13', '2019-06-27 18:57:13', '', 517, 'http://vuphoto.org/fr/articles/517-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4787, 4, '2019-06-28 10:45:08', '2019-06-28 14:45:08', 'Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.', 'Rituels —un texte de Bernard Lamarche', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '4540-revision-v1', '', '', '2019-06-28 10:45:08', '2019-06-28 14:45:08', '', 4540, 'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4793, 4, '2019-06-28 10:52:10', '2019-06-28 14:52:10', '<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/temps-libres-photobooks/\">Temps libres : Photobooks</a><em> de Thomas Bouquin, Jean-François Hamelin et Josée Schryer du Photobook Club - Montréal et <a title=\"MARGES\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/assemblages-2/\">Assemblages</a> de Maxime Rheault et Valerian Mazataud.</em></span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">En prenant comme point de départ la réflexion de VU pour cette année de programmation, le Photobook Club – Montréal vous propose de feuilleter une sélection de « photobooks » récents qui ont attiré notre attention en reflétant différentes manières d’interpréter l’expression Temps libres. </span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la première section de l’exposition, vous découvrirez des projets qui portent une réflexion sur l’errance, l’exploration du territoire et l’idée du « wanderlust ». Prendre son temps pour observer, pour traîner. Pendant cinq ans, l’artiste japonais Chikara Umihara a parcouru les États-Unis en autocar Greyhound sans aucune destination précise en tête. Voyageant à travers les villes et les campagnes, l’artiste a limité les images du livre aux espaces confinés de l’autocar et des gares où il s’est arrêté. Whispering Hope est un carnet de voyage sans point de départ ni d’arrivée.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la deuxième section de l’exposition, l’idée de Temps libres est explorée dans le sens du hobby, du loisir et de l’évasion. Melissa Catanese s’amuse à créer des narrations à partir des photographies vernaculaires de la collection de Peter J. Cohen. Dans Voyagers, elle a rassemblé des images d’individus qui semblent captivés par leurs lectures. Ces photos sont ponctuées d’autres visions: des paysages, un ciel étoilé, des pyramides ou un rayon de soleil entrant par la fenêtre, ce qui nous permet d’imaginer les mondes visités par les sujets pendant leurs flâneries.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Pour la troisième section de l’exposition, le Photobook Club – Montréal s’est arrêté un peu plus sur le concept de liberté. Une expression de liberté, la liberté d’expression, d’expérimentation. Prendre le temps d’élargir ses horizons. Dans la tradition du road trip photographique, le duo d’artistes Nico Krebs et Taiyo Onorato met le cap sur Oulan-Bator, capitale de la Mongolie où iI s’attend à rencontrer le mystique et le surréel, à affronter l’inconnu. Les images de Continental Drift repoussent les limites du documentaire et offrent une nouvelle lecture du territoire en nous proposant des paysages parfois réels mais surprenants, d’autres fois créés de toutes pièces.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Prendre du temps pour explorer et expérimenter, c’est ce que la résidence de création Assemblages permet. Pour cette deuxième édition, ce sont Valérian Mazataud et Maxime Rheault qui, en travaillant sur leurs maquettes respectives de livres photo en galerie, entameront un dialogue dans l’espace américain. Cet échange se poursuivra avec les visiteurs et les différents intervenants qui passeront par VU entre le 12 et le 27 janvier.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Entre 2015 et 2016, Mazataud s’est rendu au Honduras pour investiguer une croyance de la communauté des Miskitos qui veut que leurs pêcheurs soient victimes d’une malédiction pour avoir pilé le fond des eaux. Lors de cette résidence en galerie, il cherchera à brouiller les repères du photojournalisme en infusant une nouvelle ouverture dans la narration de son projet de livre Liwa Marin, qui est à paraître dans l’année à venir. </span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Rheault travaillera sur la mise en forme d’un possible livre photo à venir, à partir d’un corpus d’images réalisées lors de deux voyages à Tokyo en 2008 puis en 2018. Il souhaite jouer avec les codes identitaires se manifestant dans sa série photographique en manipulant la séquence et le rythme des images, ainsi qu’en considérant la matérialité du livre en tant qu’objet. Son expérience comme designer graphique (Criterium design) l’a amené à collaborer à plusieurs projets d’édition, ce qui rendra les échanges en galerie des plus enrichissants.</span></p>\n<p class=\"p2\"></p>', 'Temps libres : Photobooks —un texte de Josée Schryer', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2601-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 10:52:10', '2019-06-28 14:52:10', '', 2601, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2601-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4796, 4, '2019-06-28 10:59:00', '2019-06-28 14:59:00', 'En remontant la trajectoire parcourue par ses ancêtres, Thomas Bouquin retrace le fil des événements depuis la fin du XIX<sup>e </sup>siècle à aujourd’hui qui ont donné lieu à des vagues d’immigration successives en provenance de la vallée d’Ercé en France vers New York. Un récit photographique singulier au sein duquel la mémoire s’incarne à travers des objets et des personnages du présent, provoquant un aplanissement de temps et de lieux où s’activent les métaphores.\r\n\r\nEnracinement, dualité, labilité tissent la toile de fond du <em>Roc d’Ercé</em>, avec comme préambule les montreurs d’ours, premiers migrants qui ont mis le pied en Amérique à la recherche d’une vie meilleure. Par d’habiles changements d’échelle et d’inversions spatio-temporelles, Thomas Bouquin reconstitue un ensemble d’objets associés à ces amuseurs publics et donne des visages aux descendants d’exilés ercéens, qu’ils soient membres de sa famille ou autres héritiers repérés lors de son périple en forme de pèlerinage. Sont également mises en parallèle des images des chaînes de montagnes pyrénéennes et du paisible village d’Ercé, avec celles des gratte-ciel de Manhattan et d’un Central Park surpeuplé.\r\n\r\nBien que ces chassés-croisés soient l’expression d’une double appartenance, voire d’inclinaisons et de flottements identitaires, Thomas Bouquin fixe paradoxalement son récit autour d’un rocher situé au cœur de Central Park. Point de rencontre, d’échanges et d’entraide, le roc fait dès lors figure de pierre angulaire chez ces migrants mi-ercéens mi-américains en quête d’assises. En retournant sur les pas de son arrière-arrière-grand-mère, le photographe cherche à donner un nouveau corps à l’histoire. Toutes empreintes saisies deviennent ainsi des pièces à conviction pour la construction d’un récit personnel et collectif à réinventer. C’est qu’entre la double posture des exilés, s’insère ici un vaste espace, permettant à l’imaginaire, comme à l’autofiction, de se déployer.', 'Le Roc d\'Ercé —un texte de Mona Hakim', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2170-revision-v1', '', '', '2019-06-28 10:59:00', '2019-06-28 14:59:00', '', 2170, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2170-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0);
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À cheval et à la verticale sur les territoires québécois et écossais, ils se feront alors ponts et ancrages, promesses de voyage pour s’arrimer dans l’autre image.\n\nLes gestes et regards résidents de Bertrand Carrière, Mat Hay, Melanie Letoré et Josée Pedneault ne seront pas ici retracés : pour ne jamais limiter la résidence à ses quatre murs ; pour ne rien refermer sur la création ; pour ne pas pointer uniquement l’apparition ; pour que chaque image ouvre alors un lieu, un temps d’une chambre nouvelle, où nous pourrons résider à notre tour, invités à traverser des brumes et à voyager autour de leurs chambres.\n\n<strong>Jour moins un</strong>\n\n<em>Having two homes / Avoir deux “chez-soi”<sup><strong>[1]</strong></sup></em>\n\nIl avait peur de voyager au-dessus de l’océan, ne l’avait dit à personne. Il ne savait pas quoi mettre dans sa valise, il voulait que l’avion soit léger, qu’il puisse s’envoler sans risque de s’écraser. Il voulait que son œil et ses gestes ne soient teintés d’aucune habitude ni d’aucun objet rattaché à son bord du monde. Il s’était dit qu’il achèterait plutôt une brosse à dents de l’autre côté de l’océan. Il se retrouverait devant un miroir, de cet autre côté d’un autre matin qui changerait son regard. Il se disait qu’il regarderait tout différemment, même son visage et la pâte à dents.\n\n<strong>Jour zéro</strong>\n\nIl avait tout de même pris quelques vêtements, une veste de pluie, puis s’était enfui. De son miroir et de son appartement, de sa chambre, de la chambre noire et du vent qui avait fait claquer la porte derrière lui, brusquement.\n\n<strong>Jour un</strong>\n\n<em>The first image to share is simply the view [...] </em><em style=\"font-size: 2.3rem\">taken on the first morning of the residency<sup><strong>[2]</strong></sup>.</em>\n\nIl était tombé dans la brume du matin. Elle goûtait un peu l’air marin, après l’air conditionné de l’allée de l’avion. « De l’air conditionnel », avait-il pensé, en ouvrant sa bouche et ses narines un peu plus grandes. Il en avait aspiré une gorgée, en un souffle reconditionné.\n\n« J’aimerais capturer ce souffle. » Il savait qu’il ne rentrerait pas dans l’objectif et s’était alors promis de photographier la brume tous les jours, de faire entrer l’air contre la lentille, d’inviter l’un et l’autre à se rencontrer comme des étrangers matinaux qui s’éveillent en évoquant leur nom pour la première fois. Un peu après, la brume s’était effilée et la ligne des bâtiments autour avait commencé à se déplacer à la verticale par à-coups, au rythme des rails.\n\nIl était entré dans sa chambre et avait regardé la table vide au bord du mur. Une promesse d’images où se dessinaient mentalement les rectangles des photographies qui y siégeraient, s’y découperaient en pochoirs de temps, prisons d’instants naviguant sans cadran. Le décalage avait eu raison de ses repères horaires.\n\n<strong>Jour trois</strong>\n\n<em>This morning, for a few minutes, </em>\n\n<em>I couldn’t see the mountains North-East of Quebec from my window<sup><strong>[3]</strong></sup>.</em>\n\nLa brume venait le visiter chaque matin. Il lui avait offert un coin de fenêtre et une bâche de fortune pour leur rendez-vous quotidien. Il installait son objectif contre elle, à la fois exigeant et timide, effacé et conciliant. Il avait trouvé la routine qui le déroutait, le repère à visiter pour ne jamais la regarder à l’identique. Il pensait parfois à la lumière de l’autre côté de l’Atlantique et à ce qu’il avait appris : les réglages, l’œil solide, les pas dans l’atelier, la crainte du développement. Son œil ici fuyait, vagabond de brumes qui mangeait tout, un témoin constamment hors champ et surexposé à ce qu’il voyait. Il écoutait sans pouvoir détacher tous les mots, détourer tous les lieux, tracer toutes les rues, pointer tous les horizons. La tête lui tournait parfois.\n\n<strong>Jour sept</strong>\n\n<em>Habituellement, je ne sens pas la responsabilité d’être vraie par rapport à l’image, </em><em>sa date, son lieu, son contexte ou même ses couleurs naturelles<sup><strong>[4]</strong></sup>.</em>\n\nAujourd’hui, le ciel ne s’était pas levé. Ce dernier était écrasé à terre et il devait regarder ses pieds attentivement à chacun de ses pas pour ne pas le briser. Il sentait sa caméra comme un corps étranger dans un pays greffé.\n\n<strong>Jour dix</strong>\n\n<em>Il me faut éliminer tout exotisme et ne garder que des images qui soient énigmatiques. </em><em>Puis, ramener le projet le plus proche possible de moi-même<sup><strong>[5]</strong></sup>.</em>\n\nLa table est habitée, les rectangles d’images assemblées sur son horizontal s’enfilent en collier de perles, en tas, en monticules des temps et lieux passants qui dépassent les murs. Il clôt du regard ses quatre coins, puis dévie vers celui de la fenêtre. Il devine la brume de l’autre côté, qui réside dans la nuit. Il enclôt les coins de la table, enserre chacune des images dans son œil. Il pense à son premier souffle de brume et à la mécanique des jours. La table l’observe, l’étau de mémoire est photographique, pour tracer les frontières sur une carte sans nom d’un pays dénommé dont les noms de rues lui accrochent encore la langue.\n\n<strong>Jour quinze</strong>\n\nIl a emprisonné les images pour remonter à bord. En bordure et hors champ réside encore le temps : temps de l’autre, antihoraire et à rebours qui défile dans la brume, de l’autre côté du monde. Chaque jour, il l’avait suivi dans la rue comme on suit la silhouette d’un inconnu, puis l’avait retrouvé au petit matin comme un complice dont on prononce le nom en chuchotant.\n\nClaire Moeder, août 2018\n\n&nbsp;\n<h6><sup>[1]</sup> Melanie Letoré, “Week 2 – back in Geneva”, dans <em>Photodialogues</em>, 29 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva\">http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva</a>.</h6>\n<h6><sup>[2]</sup> Mat Hay, “Bonjour Quebec!”, dans <em>Photodialogues</em>, 6 avril 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/bonjour-quebec\">http://photodialogues.net/bonjour-quebec</a>.</h6>\n<h6><sup>[3]</sup> Melanie Letoré, “Quebec Day 24”, dans <em>Photodialogues</em>, 23 octobre 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/quebec-day-22\">http://photodialogues.net/quebec-day-22</a>.</h6>\n<h6><sup>[4]</sup> Josée Pedneault, “Day 10 – Photo vérité”, dans <em>Photodialogues</em>, 22 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/day-10-photo-verite\">http://photodialogues.net/day-10-photo-verite</a>.</h6>\n<h6><sup>[5]</sup> Bertrand Carrière, “Et à la fin…”, dans <em>Photodialogues</em>, 30 juin 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/et-a-la-fin\">http://photodialogues.net/et-a-la-fin</a>.</h6>\n<h6></h6>', 'Le berceau de brume : faire voyage là où l’image disparaît —un texte de Claire Moeder', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2132-autosave-v1', '', '', '2019-11-08 10:45:44', '2019-11-08 15:45:44', '', 2132, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2132-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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À cheval et à la verticale sur les territoires québécois et écossais, ils se feront alors ponts et ancrages, promesses de voyage pour s’arrimer dans l’autre image.\r\n\r\nLes gestes et regards résidents de Bertrand Carrière, Mat Hay, Melanie Letoré et Josée Pedneault ne seront pas ici retracés : pour ne jamais limiter la résidence à ses quatre murs ; pour ne rien refermer sur la création ; pour ne pas pointer uniquement l’apparition ; pour que chaque image ouvre alors un lieu, un temps d’une chambre nouvelle, où nous pourrons résider à notre tour, invités à traverser des brumes et à voyager autour de leurs chambres.\r\n\r\n<strong>Jour moins un</strong>\r\n\r\n<em>Having two homes / Avoir deux “chez-soi”<a href=\"#_ftn1\" name=\"_ftnref1\"><sup><strong>[1]</strong></sup></a></em>\r\n\r\nIl avait peur de voyager au-dessus de l’océan, ne l’avait dit à personne. Il ne savait pas quoi mettre dans sa valise, il voulait que l’avion soit léger, qu’il puisse s’envoler sans risque de s’écraser. Il voulait que son œil et ses gestes ne soient teintés d’aucune habitude ni d’aucun objet rattaché à son bord du monde. Il s’était dit qu’il achèterait plutôt une brosse à dents de l’autre côté de l’océan. Il se retrouverait devant un miroir, de cet autre côté d’un autre matin qui changerait son regard. Il se disait qu’il regarderait tout différemment, même son visage et la pâte à dents.\r\n\r\n<strong>Jour zéro</strong>\r\n\r\nIl avait tout de même pris quelques vêtements, une veste de pluie, puis s’était enfui. De son miroir et de son appartement, de sa chambre, de la chambre noire et du vent qui avait fait claquer la porte derrière lui, brusquement.\r\n\r\n<strong>Jour un</strong>\r\n\r\n<em>The first image to share is simply the view [...] </em><em style=\"font-size: 2.3rem\">taken on the first morning of the residency<a href=\"#_ftn2\" name=\"_ftnref2\"><sup><strong>[2]</strong></sup></a>.</em>\r\n\r\nIl était tombé dans la brume du matin. Elle goûtait un peu l’air marin, après l’air conditionné de l’allée de l’avion. « De l’air conditionnel », avait-il pensé, en ouvrant sa bouche et ses narines un peu plus grandes. 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La table l’observe, l’étau de mémoire est photographique, pour tracer les frontières sur une carte sans nom d’un pays dénommé dont les noms de rues lui accrochent encore la langue.\r\n\r\n<strong>Jour quinze</strong>\r\n\r\nIl a emprisonné les images pour remonter à bord. En bordure et hors champ réside encore le temps : temps de l’autre, antihoraire et à rebours qui défile dans la brume, de l’autre côté du monde. Chaque jour, il l’avait suivi dans la rue comme on suit la silhouette d’un inconnu, puis l’avait retrouvé au petit matin comme un complice dont on prononce le nom en chuchotant.\r\n\r\nClaire Moeder, août 2018\r\n\r\n&nbsp;\r\n<h6><a href=\"#_ftnref1\" name=\"_ftn1\"><sup>[1]</sup></a> Melanie Letoré, “Week 2 – back in Geneva”, dans <em>Photodialogues</em>, 29 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva\">http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref2\" name=\"_ftn2\"><sup>[2]</sup></a> Mat Hay, “Bonjour Quebec!”, dans <em>Photodialogues</em>, 6 avril 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/bonjour-quebec\">http://photodialogues.net/bonjour-quebec</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref3\" name=\"_ftn3\"><sup>[3]</sup></a> Melanie Letoré, “Quebec Day 24”, dans <em>Photodialogues</em>, 23 octobre 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/quebec-day-22\">http://photodialogues.net/quebec-day-22</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref4\" name=\"_ftn4\"><sup>[4]</sup></a> Josée Pedneault, “Day 10 – Photo vérité”, dans <em>Photodialogues</em>, 22 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/day-10-photo-verite\">http://photodialogues.net/day-10-photo-verite</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref5\" name=\"_ftn5\"><sup>[5]</sup></a> Bertrand Carrière, “Et à la fin…”, dans <em>Photodialogues</em>, 30 juin 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/et-a-la-fin\">http://photodialogues.net/et-a-la-fin</a>.</h6>\r\n<h6></h6>', 'Le berceau de brume : faire voyage là où l’image disparaît —un texte de Claire Moeder', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2132-revision-v1', '', '', '2019-06-28 11:07:16', '2019-06-28 15:07:16', '', 2132, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2132-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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Je ne veux pas vous faire prendre un rhume.</em></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">– Marcel Proust</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je vous ai proposé de visiter cette exposition parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. L’été approchant, il me semblait qu’il fallait nous revoir, au moins une dernière fois, avant que la perspective de l’automne ne nous rattrape.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Depuis maintenant un an que je réfléchis à ce que c’est, d<i>’inventer le risque</i>. Plusieurs autres artistes et visiteurs sont passés par ici avant vous pour y réfléchir aussi. J’ai imaginé ces quatre-là dans une même exposition, non pas pour conclure le cycle en cours, mais pour continuer à investiguer cette grande idée. En faisant tenir ces propositions ensemble, j’ai cherché à mieux vous nourrir, mais aussi à vous déstabiliser un peu. Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. Il accueille des rencontres improbables, voire autodestructrices, et nos réconciliations aussi. C’est ce qui nous fait réfléchir, nous fait mieux nous connaître. Il fallait inventer ce risque.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire, car je crois que les œuvres en ont déjà beaucoup dit. Je vous rappellerai ici dans quelques mois, quand vous aurez des temps libres, avec sans doute beaucoup de photographies à vous montrer.</p>', 'Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1662-revision-v1', '', '', '2019-06-28 13:44:03', '2019-06-28 17:44:03', '', 1662, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1662-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. 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(4804, 4, '2019-06-28 13:52:41', '2019-06-28 17:52:41', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/550/Etant-donnes/\"><em>Étant donnés</em></a> de Lucie Rocher et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/572/painter-project-/\"><em>painter project</em></a><strong> </strong>de Simon M. Benedict.\n</span></p>\n<i>Épistémologiquement, l’imaginaire de la production concevait le monde comme </i>matières<i> engagées dans des rapports objectifs et finis de transformation. Il semble que l’imaginaire de la reproduction technologique conçoive plutôt le monde comme processus de synthèse, perpétuellement accéléré par d’infinis courants de virtualités.</i>\n\n– René Lapierre, <i>L’Atelier vide</i>\n<p style=\"text-align: justify\">Le travail active la matière du monde, c’est ce qui lui donne forme, ce qui la modèle selon une volonté, un plan, une ambition. L’échelle de cette matière n’a pas d’importance : tout commence au niveau moléculaire, pour éventuellement y retourner. Entre-temps sont créés des images et des objets, des outils et des espaces. Puis d’autres outils qui remodèleront la matière, recomposeront les images, et d’autres espaces où travailler différemment. La matière suit un cycle qui lui appartient et la possède tout à la fois. C’est aussi ce qu’on pourrait nommer le processus.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le mot <i>processus</i> vient du latin <i>pro</i> (au sens de « vers l’avant ») et de <i>cessus</i>, <i>cedere</i> (« aller, marcher »), ce qui signifie aller vers l’avant, avancer. Le processus projette et envisage. Dans ce mouvement, cette avancée, se trouve ce qu’on ne sait pas encore, ce qu’on ne connaîtra qu’au terme d’un ensemble complexe de gestes, d’intuitions et de décisions. C’est le travail lorsqu’il active l’inconnu, lorsqu’il progresse à l’aveugle dans l’espace de l’atelier et dans celui, abstrait, de la pensée. Dans le processus logent des vestiges du temps : les passages de la matière.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Si l’immobilité de l’image photographique ne peut traduire la littéralité du mouvement qui parfois l’habite, elle en est le témoin silencieux. En contrepartie, la vidéo et le cinéma redonnent à l’écran le caractère mouvant de toute chose. Au cœur du processus cependant, l’image – quelle qu’elle soit – danse, se superpose et se juxtapose, se voile ou reflète un hors-champ. Qu’elle soit fixe ou non, elle étend ses possibilités et distend le réel. Le processus mobilise l’image, il la meut dans un espace donné.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’atelier est un espace à la fois donné et témoin. Et c’est désormais un lieu physique tout autant qu’un écran : la projection d’idées excède le contexte, crée du réseau. D’<i>infinis courants de virtualités</i> traversent l’atelier, infiltrent l’art et le reste, le monde et sa production, son activité. Ce faisant, le processus se désancre de la matière de manière à devenir labeur désincarné. Un travail de 0 et de 1 cohabite avec le modelage et la coupe du bois, la peinture et la photographie. Mais l’atelier demeure habité : labeur et attente l’occupent, une attention est à l’œuvre.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’atelier aussi, l’artiste : observant l’ordre et le désordre de la vie, catalysant l’idée de transformation du monde, de transmutation des matières. Derrière le labeur artistique, il active les processus et travaille à désorienter l’existence des choses en les interrogeant – agglomérant et atomisant leur cœur battant. Il rompt des liens, déplace des préfixes, remixe, puis repense la récursivité des procédures. Il reformule incessamment un rapport au monde qui ne peut être fixé – qui n’est jamais autre chose que résilience et métamorphose. Nathalie Bachand est auteure et commissaire. Activement impliquée dans le milieu culturel, elle écrit régulièrement sur les arts visuels et médiatiques. Elle s’intéresse aux problématiques du numérique et à ses conditions d’émergence dans l’art contemporain. En 2016, elle co-commissariait avec Chloé Grondeau l’exposition ADC/DAC de l’artiste new yorkais Phillip David Stearns, présentée à Diagonale dans le cadre de la 3e édition de la BIAN. Plus récemment, elle a été commissaire de l’exposition de groupe The Dead Web – La fin, présentée à Eastern Bloc et du projet de 32 expositions UN MILLION D’HORIZONS du réseau Accès culture pour le 375e de Montréal qui avait lieu à l’été 2017. Elle occupe actuellement le poste de direction des savoirs culturels pour le Centre en art actuel Sporobole où elle écrit de courts essais qui abordent les relations art-science.</p>', 'Le travail, le processus', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1647-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 13:52:41', '2019-06-28 17:52:41', '', 1647, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1647-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4805, 4, '2019-06-28 13:53:27', '2019-06-28 17:53:27', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/550/Etant-donnes/\"><em>Étant donnés</em></a> de Lucie Rocher et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/572/painter-project-/\"><em>painter project</em></a><strong> </strong>de Simon M. Benedict.\r\n</span></p>\r\n<i>Épistémologiquement, l’imaginaire de la production concevait le monde comme </i>matières<i> engagées dans des rapports objectifs et finis de transformation. Il semble que l’imaginaire de la reproduction technologique conçoive plutôt le monde comme processus de synthèse, perpétuellement accéléré par d’infinis courants de virtualités.</i>\r\n\r\n– René Lapierre, <i>L’Atelier vide</i>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le travail active la matière du monde, c’est ce qui lui donne forme, ce qui la modèle selon une volonté, un plan, une ambition. L’échelle de cette matière n’a pas d’importance : tout commence au niveau moléculaire, pour éventuellement y retourner. Entre-temps sont créés des images et des objets, des outils et des espaces. Puis d’autres outils qui remodèleront la matière, recomposeront les images, et d’autres espaces où travailler différemment. La matière suit un cycle qui lui appartient et la possède tout à la fois. C’est aussi ce qu’on pourrait nommer le processus.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le mot <i>processus</i> vient du latin <i>pro</i> (au sens de « vers l’avant ») et de <i>cessus</i>, <i>cedere</i> (« aller, marcher »), ce qui signifie aller vers l’avant, avancer. Le processus projette et envisage. Dans ce mouvement, cette avancée, se trouve ce qu’on ne sait pas encore, ce qu’on ne connaîtra qu’au terme d’un ensemble complexe de gestes, d’intuitions et de décisions. C’est le travail lorsqu’il active l’inconnu, lorsqu’il progresse à l’aveugle dans l’espace de l’atelier et dans celui, abstrait, de la pensée. Dans le processus logent des vestiges du temps : les passages de la matière.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Si l’immobilité de l’image photographique ne peut traduire la littéralité du mouvement qui parfois l’habite, elle en est le témoin silencieux. En contrepartie, la vidéo et le cinéma redonnent à l’écran le caractère mouvant de toute chose. Au cœur du processus cependant, l’image – quelle qu’elle soit – danse, se superpose et se juxtapose, se voile ou reflète un hors-champ. Qu’elle soit fixe ou non, elle étend ses possibilités et distend le réel. Le processus mobilise l’image, il la meut dans un espace donné.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’atelier est un espace à la fois donné et témoin. Et c’est désormais un lieu physique tout autant qu’un écran : la projection d’idées excède le contexte, crée du réseau. D’<i>infinis courants de virtualités</i> traversent l’atelier, infiltrent l’art et le reste, le monde et sa production, son activité. Ce faisant, le processus se désancre de la matière de manière à devenir labeur désincarné. Un travail de 0 et de 1 cohabite avec le modelage et la coupe du bois, la peinture et la photographie. Mais l’atelier demeure habité : labeur et attente l’occupent, une attention est à l’œuvre.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’atelier aussi, l’artiste : observant l’ordre et le désordre de la vie, catalysant l’idée de transformation du monde, de transmutation des matières. Derrière le labeur artistique, il active les processus et travaille à désorienter l’existence des choses en les interrogeant – agglomérant et atomisant leur cœur battant. Il rompt des liens, déplace des préfixes, remixe, puis repense la récursivité des procédures. Il reformule incessamment un rapport au monde qui ne peut être fixé – qui n’est jamais autre chose que résilience et métamorphose.</p>', 'Le travail, le processus —un texte de Nathalie Bachand', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1647-revision-v1', '', '', '2019-06-28 13:53:27', '2019-06-28 17:53:27', '', 1647, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1647-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4806, 4, '2019-06-28 14:39:36', '2019-06-28 18:39:36', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a style=\"color: #000000\" title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">\n</span>\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>', 'Appareillage —un texte de Péio Eliceiry', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1625-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:39:36', '2019-06-28 18:39:36', '', 1625, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4807, 4, '2019-06-28 13:55:45', '2019-06-28 17:55:45', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.\r\n</span>\r\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>', 'Appareillage', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1625-revision-v1', '', '', '2019-06-28 13:55:45', '2019-06-28 17:55:45', '', 1625, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4808, 4, '2019-06-28 13:56:18', '2019-06-28 17:56:18', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.\r\n</span>\r\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>', 'Appareillage —un texte de Péio Eliceiry', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1625-revision-v1', '', '', '2019-06-28 13:56:18', '2019-06-28 17:56:18', '', 1625, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4811, 4, '2019-06-28 14:39:40', '2019-06-28 18:39:40', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/545/Nous-arriverons-vite-ensuite-nous-prendrons-notre-temps/\">Nous y arriverons vite et ensuite nous prendrons notre temps</a> </em>de Kotama Bouabane et <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/546/Conversation-with-Magic-Forms/\">Conversation with Magic Forms</a> </em>de Leisure.</span><span style=\"color: #888888\">\n</span>\n\n&nbsp;\n\n<i>« L’utopie est la relation de l’imaginaire avec cet ailleurs qui n’est jamais tout à fait nulle part, et qui nous déporte toujours vers du nouveau. »</i>\n<p style=\"text-align: justify\">Cette phrase, tirée du livre L’utopie ou la crise de l’imaginaire de Jean-Jacques Wunenburger, révèle les rapports de promiscuité qu’entretiennent l’utopie et la créativité. Le philosophe y critique l’effritement de la « fonction de l’irréel en l’homme » – conséquence du régime omnipotent de la rationalité cartésienne –, prônant plutôt le pouvoir cathartique de l’utopie. Icarienne, sa pensée nous invite à énoncer des passés uchroniques émancipés de leurs dépendances au présent. Un présent que l’utopie, bien mieux que l’histoire, a le pouvoir de reformuler en de nouvelles mises en scène où seul l’impossible est concevable. Atteindre un avenir meilleur en réinventant hier. Car l’utopie est une stratégie de création en elle-même, la méthodologie propre à l’imagination qui permet de se ressourcer à l’irrationnel. Elle est une science-fiction : une approche narrative bicéphale en mesure de gommer les contradictions qui caractérisent notre contemporanéité schizoïde car capable de véritablement penser autrement. De penser autre part.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">À l’instar de l’utopiste, l’artiste redéfinit sans cesse de nouvelles manières d’être au monde à travers des usages du réel renouvelés, déployés grâce à des agencements inexplorés du sens et de la matière. Chaque objet ou matériau, aussi quelconque fût-il, a ainsi le potentiel de devenir le protagoniste de mythologies improbables, invoquant cet univers animiste que seul l’enfant semble en mesure de percevoir avec autant d’acuité. Ces nouvelles configurations du vivant, conçues comme un continuum de possibilités et non comme des pôles distincts et dualistes, débordent ainsi dans le champ du non-vivant en modifiant considérablement les rapports séculaires mutuellement exclusifs entre « sujet » de savoir et « objet » de connaissance. Ces frontières taxinomiques qui nous paraissaient hier si étanches se brouillent aujourd’hui au point de rendre poreuse la limite entre le réel et la fiction. À la dissolution du sujet humaniste kantien correspond la prolifération de nouvelles subjectivités en périphérie du « vivant ».</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans cette foulée posthumaniste, c’est tout l’édifice théorique du régime de la visualité qui est ébranlé; régime où le corps est traditionnellement subsumé à la raison que seul l’humain détiendrait. La contemplation de l’objet d’art en tant que représentation du monde et agrégat sémantique fait ici place à une expérience polysensorielle des œuvres, devenues de véritables extensions du corps de celui ou celle qui les appréhende. Guidée par le potentiel narratif et la matérialité des objets qui la composent, l’expérience esthétique devient catalyseur de possibles, générant des cosmologies de significations capables de redéfinir notre relation au monde. Ce n’est peut-être qu’un rêve. Mais si c’est par les moyens de l’imagination collective que nous accédons au futur, comme le prétend Wunenburger, l’art est indéniablement l’oracle de notre temps, le prophète par excellence pour saisir les utopies qui donneront naissance à demain.</p>', 'Pièces détachées —un texte d\'Anne-Marie Dubois', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1603-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:39:40', '2019-06-28 18:39:40', '', 1603, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1603-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4813, 4, '2019-11-01 12:04:07', '2019-11-01 16:04:07', '<span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions<i><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/trauma/\"> Trauma</a> </i>de Joan Fontcuberta et<a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/espaces-peripheriques/\"> <em>Espaces périphériques</em></a> de Katia Gosselin.</span>\n</span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Il se passe quelque chose. Il y a des choses. Quelque part. Il y a quelqu’un. Il y a des gens. Et ailleurs c’est la même chose, mais jamais la même chose. C’est commun et unique à la fois. Un lieu. Un angle. Là. Va savoir. Dans le cadre des chambres, il y a des bibelots et des fragments de corps. Il y a des mains. Qu’est-ce qu’elles fabriquent ces mains ? Ces corps nous tournent le dos. Il y a des façades morcelées. Des visages qu’on ne voit pas.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Derrida soutient que, d’après Benjamin, la représentation photographique du visage est la dernière résistance du rituel. « Quand le visage commence à disparaître ou, comme ici, à ne plus occuper le haut ni le centre, s’impose la légende[1]. » Selon la légende, il s’est passé quelque chose. Aussi la légende se passe. Voyez toutes les promesses de mémoire dont les médias se désengagent, archivant leur désuétude, multipliant leur perte. La photographie, elle-même légende, se répète mais ne se sature jamais tout à fait. Derrida, qui a trouvé une carte postale où figurent des philosophes, ne nous dit pas où Benjamin passe ses vacances. Il n’y a pas de vacances pour Benjamin : qu’une longue dérive au seuil qu’est la vie, un regard non convenu sur la singularité en partage, un zoom progressif qui plonge dans les profondeurs d’une époque. Quelqu’un quelque part.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et de là, c’est indécidable. Impossible d’arracher quelqu’un à son regard. Mais dans la fixité de l’image, que reste-t-il de l’expérience ? Quelle est la part fictive de la représentation ? Benjamin à la plage entre l’horreur de la disparition et la splendeur de l’existence, ou inversement. Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il du regard ? Il reste du réel et du regard. La photographie que nous regardons. Voilà.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Que dit-elle, la photo ? Va savoir. La photo se dit. Quand la photo se dit, que reste-t-il ? Outre le déclic, l’instant saisi sur pellicule puis sur papier ; outre la représentation supposée, le temps fait son œuvre à même les surfaces. La photo se dit. Elle se dit au regard. Voilà. Le déclic, l’instant primordial, c’est le regard. Nous entendons : « […] l’éphémère relève désormais d’une véritable \"scopophilie\" (amour du regard) qui envahit les médias et les images »[2]. Voilà ! La photographie se dit soudain. Elle n’est plus l’art de capter l’éphémère. Elle est elle-même art éphémère.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’image éprouvée, l’image comme ombre d’elle-même, parle d’elle, de sa vanité, de sa matérialité. Elle n’est plus surface d’apparat, objet de désir du sens. Elle est lieu de contingence. Son sens ne vient pas d’une ressemblance mais d’une performance, d’une immédiateté. Voilà.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La photo se dit et le regard se creuse comme un visage. Un zoom progressif plonge dans les profondeurs d’une surface. Les masques tombent. Voilà. Voile après voile. Une surface en cache une autre, pareille mais jamais même. D’ici à ce que le temps ou le regard la ravage, la photo ne se représente plus qu’elle-même. Sa matérialité brute et flagrante saisit. Malgré la perdition, une beauté surgit dans son affirmation, à moins que ce ne soit dans l’acte même du regard.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Pendant que des escargots indifférents dévorent l’image, Benjamin fait de la voile.</p>\n\n<div></div>\n\n<hr align=\"left\" size=\"1\" width=\"33%\" />\n\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref1\">[1]</a> Jacques Derrida, <i>La Vérité en peinture</i>, Paris, Flammarion, 1978, p. 204.</div>\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref2\">[2]</a> Christine Buci-Glucksmann, <i>Esthétique de l\'éphémère</i>, Paris, Galilée, 2003, p. 18.</div>', 'Il se passe quelque chose quand les visages tombent —un texte d\'Hélène Matte', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1569-autosave-v1', '', '', '2019-11-01 12:04:07', '2019-11-01 16:04:07', '', 1569, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1569-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4819, 4, '2019-06-28 14:10:53', '2019-06-28 18:10:53', '<span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition <a title=\"Trilogie bleue\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/475/Trilogie-bleue/\"><em>Trilogie bleue</em></a> de Shuwei Liu.\n\n</span>\n<p style=\"text-align: justify\">Je compte les images - 30 images sans secondes, aucun battement du temps. Suspendues et étendues, au vent et sans cadran, comme des drapeaux sans mots. Les images ne se comptent plus ni en secondes ni en heures.<i> </i>Derrière toi, l’illusion de mouvement est délaissée et le monde se fige en ombres bleues et en lumières confuses. Alors c’est moi qui fais les comptes. Je compte jusqu’à 30 et la terre est bleue comme une orange. Je dénombre les lumières et les paysages. J’énumère les personnages, ils se sont déjà détournés. Je dénombre les silhouettes, l’horizon se perd. Il reste un reflet, une surface, une ligne vacante et le vide qui compte triple. J’ai fait les comptes, mais le bleu est inchiffrable. Alors je refais les comptes.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images creusées dans le moment, plongées dans l’indigo.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images séchées au vent du présent.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images bercées dans le bleu de l’enfance.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images soufflées par la couleur de l’errance.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images figées sur la paroi du monde.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images naviguées hors de portée.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Je dénombre les images qui s’oublient, je leur dessine des chiffres dans les yeux. Je suis la comptable des images secondes teintées du bleu du monde multiple comme une orange. Chassons le bleu du revers de la main, il reviendra toujours danser sous l’eau, là où il n’y a plus de bateaux. Là, en apnée, le bleu cesse de compter et navigue en creux de vague. Là, tu fais face aux images immenses et partielles, flottantes et figées, cadrées et assidues. Et tu les libères, l’une après l’autre, dans un autre océan.</p>', 'Ensevelir le compte des heures bleues', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1509-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:10:53', '2019-06-28 18:10:53', '', 1509, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1509-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4820, 4, '2019-06-28 14:11:34', '2019-06-28 18:11:34', '<span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition <a title=\"Trilogie bleue\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/475/Trilogie-bleue/\"><em>Trilogie bleue</em></a> de Shuwei Liu.\r\n\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je compte les images - 30 images sans secondes, aucun battement du temps. Suspendues et étendues, au vent et sans cadran, comme des drapeaux sans mots. Les images ne se comptent plus ni en secondes ni en heures.<i> </i>Derrière toi, l’illusion de mouvement est délaissée et le monde se fige en ombres bleues et en lumières confuses. Alors c’est moi qui fais les comptes. Je compte jusqu’à 30 et la terre est bleue comme une orange. Je dénombre les lumières et les paysages. J’énumère les personnages, ils se sont déjà détournés. Je dénombre les silhouettes, l’horizon se perd. Il reste un reflet, une surface, une ligne vacante et le vide qui compte triple. J’ai fait les comptes, mais le bleu est inchiffrable. Alors je refais les comptes.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images creusées dans le moment, plongées dans l’indigo.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images séchées au vent du présent.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images bercées dans le bleu de l’enfance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images soufflées par la couleur de l’errance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images figées sur la paroi du monde.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images naviguées hors de portée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je dénombre les images qui s’oublient, je leur dessine des chiffres dans les yeux. Je suis la comptable des images secondes teintées du bleu du monde multiple comme une orange. Chassons le bleu du revers de la main, il reviendra toujours danser sous l’eau, là où il n’y a plus de bateaux. Là, en apnée, le bleu cesse de compter et navigue en creux de vague. Là, tu fais face aux images immenses et partielles, flottantes et figées, cadrées et assidues. Et tu les libères, l’une après l’autre, dans un autre océan.</p>', 'Ensevelir le compte des heures bleues —un texte de Claire Moeder', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1509-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:11:34', '2019-06-28 18:11:34', '', 1509, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1509-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4821, 4, '2019-06-28 14:14:17', '2019-06-28 18:14:17', '<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a title=\"Faux Sites\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/473/Faux-Sites/\"><em>Faux Sites</em></a> de Gisele Amantea et <em><a title=\"one stack, three stacks\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/474/one-stack-three-stacks/\">one stack, three stacks</a> </em>de Christopher Boyne.\n\n</span>\n<p style=\"text-align: justify\">Pour réfléchir à l’humain, Arnold Gehlen, anthropologue et sociologue allemand du XX<sup>e </sup>siècle, a proposé une méthode : le concevoir comme un <i>être lacunaire</i>, physiologiquement déficient et vidé de ses instincts, voué aux mondes compensatoires de la technique et des institutions. Les propositions de Christopher Boyne et de Gisele Amantea renversent ce scénario fataliste, amplifient le réel en y superposant d’autres lignes de fuite, mondes fictifs et mises en doute de nos habitudes de regards.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Quand je regarde l’horizon lointain, je pense aux autres paysages que je verrais si j’y étais. À leur tour, ceux-ci font émerger un tiers espace et ainsi de suite. Ma vision doublée de l’imagination me donne toujours accès aux paysages derrière l’horizon, à ce qui se trouve à l’envers des objets que je côtoie et des espaces que j’habite. Il ne s’agit pas de sensations lacunaires que mes souvenirs viennent colmater, mais bien de la densité de ma propension à sublimer ce qui m’est donné par les sens. C’est l’affect sous-jacent à <i>one stack, three stacks </i>de Christopher Boyne, quand deux photographies de navires trouvées chez un antiquaire deviennent le creuset de toute une population de représentations.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Un court récit comportant des équivalences textuelles rigoureuses accompagne chaque photographie de navire. Saisissant jeu de miroir où les images et les mots sont offerts comme les données heuristiques d’un dispositif fictif. Car c’est bien le récit qui prend le pas, là où la phrase comme mesure logique et close rencontre le langage comme force primaire, spontanée et pragmatique. C’est un tiers espace qui émerge, qui me fait penser le monde dans la perspective du rêve, où les figures du double et l’imaginaire panoramique se dessinent en étendue dans mon rapport au réel.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Faux Sites</i> de Gisele Amantea, une distance entre différents régimes iconographiques se manifeste à ma conscience, comme la tentative de jouer sur les limites de ma connaissance de la culture. Un dessin du hall d’un musée montréalais évoque vaguement une des <i>Prisons imaginaires </i>de Giovanni Battista Piranesi et ses possibilités narratives angoissantes. Un migrant est couché au sol, brutale figure de proue de mon époque. J’appuie mon regard sur sa présence. La vertigineuse architecture recule en marge, mais ne cesse jamais d\'être là. On m’a dit par le passé qu’un musée est un <i>temple du beau</i>. Pourtant, à partir du moment où je pense ce refuge comme plénitude absolue, je le soustrais de l’envers et de l’endroit de mon monde massif. Le migrant m’y ramène dans tous les plans.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et d’autres images m’incitent encore à récuser mes croyances. Cagoulées, les Pussy Riot dans un souk d’Alep mettent en évidence les problèmes qui se posent à ma vision occidentale, tracent une ligne poreuse sur la valeur culturelle des choses. Les énergies en place – oppositions, déplacements, mélanges – ne rencontrent plus les difficultés dressées par certains de mes principes culturels privilégiant les séparations opaques. Comme elles, je veux renouer avec une fréquentation naïve du monde, ne plus être absolument étrangère à ces métissages. Sublimer, rêver et fabuler sont bien plus que l’envers d’une répression, mais un agir réel, une mise en récit, un étirement conjoint de mon corps et de ma pensée dans le monde.</p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\"><strong>Cynthia Fecteau</strong> détient une maîtrise en arts visuels de l’Université Laval. Interpellée par les formes de connaissances sensibles en philosophie et en création, notamment les concepts d’écosophie, d’être-au-monde, et de collectivité, elle s’intéresse à leurs manifestations concrètes en art actuel. Outre ses textes publiés dans <em>Espace art actuel</em>, <em>ETC MEDIA</em>, <em>Zone Occupée</em>, <em>Les Cahiers de la Galerie</em> et <em>Le Sabord</em>, elle a poursuivi ses recherches en écriture lors de résidences au Québec, à La Chambre Blanche (2014), au Centre Bang (2017) et en France, dans la commune de Saint-Mathieu (2015).</span></p>', 'De la vie lacunaire —un texte de Cynthia Fecteau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1476-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:14:17', '2019-06-28 18:14:17', '', 1476, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1476-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4822, 4, '2019-06-28 14:15:16', '2019-06-28 18:15:16', '<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a title=\"Faux Sites\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/473/Faux-Sites/\"><em>Faux Sites</em></a> de Gisele Amantea et <em><a title=\"one stack, three stacks\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/474/one-stack-three-stacks/\">one stack, three stacks</a> </em>de Christopher Boyne.\r\n\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pour réfléchir à l’humain, Arnold Gehlen, anthropologue et sociologue allemand du XX<sup>e </sup>siècle, a proposé une méthode : le concevoir comme un <i>être lacunaire</i>, physiologiquement déficient et vidé de ses instincts, voué aux mondes compensatoires de la technique et des institutions. Les propositions de Christopher Boyne et de Gisele Amantea renversent ce scénario fataliste, amplifient le réel en y superposant d’autres lignes de fuite, mondes fictifs et mises en doute de nos habitudes de regards.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Quand je regarde l’horizon lointain, je pense aux autres paysages que je verrais si j’y étais. À leur tour, ceux-ci font émerger un tiers espace et ainsi de suite. Ma vision doublée de l’imagination me donne toujours accès aux paysages derrière l’horizon, à ce qui se trouve à l’envers des objets que je côtoie et des espaces que j’habite. Il ne s’agit pas de sensations lacunaires que mes souvenirs viennent colmater, mais bien de la densité de ma propension à sublimer ce qui m’est donné par les sens. C’est l’affect sous-jacent à <i>one stack, three stacks </i>de Christopher Boyne, quand deux photographies de navires trouvées chez un antiquaire deviennent le creuset de toute une population de représentations.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Un court récit comportant des équivalences textuelles rigoureuses accompagne chaque photographie de navire. Saisissant jeu de miroir où les images et les mots sont offerts comme les données heuristiques d’un dispositif fictif. Car c’est bien le récit qui prend le pas, là où la phrase comme mesure logique et close rencontre le langage comme force primaire, spontanée et pragmatique. C’est un tiers espace qui émerge, qui me fait penser le monde dans la perspective du rêve, où les figures du double et l’imaginaire panoramique se dessinent en étendue dans mon rapport au réel.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Faux Sites</i> de Gisele Amantea, une distance entre différents régimes iconographiques se manifeste à ma conscience, comme la tentative de jouer sur les limites de ma connaissance de la culture. Un dessin du hall d’un musée montréalais évoque vaguement une des <i>Prisons imaginaires </i>de Giovanni Battista Piranesi et ses possibilités narratives angoissantes. Un migrant est couché au sol, brutale figure de proue de mon époque. J’appuie mon regard sur sa présence. La vertigineuse architecture recule en marge, mais ne cesse jamais d\'être là. On m’a dit par le passé qu’un musée est un <i>temple du beau</i>. Pourtant, à partir du moment où je pense ce refuge comme plénitude absolue, je le soustrais de l’envers et de l’endroit de mon monde massif. Le migrant m’y ramène dans tous les plans.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et d’autres images m’incitent encore à récuser mes croyances. Cagoulées, les Pussy Riot dans un souk d’Alep mettent en évidence les problèmes qui se posent à ma vision occidentale, tracent une ligne poreuse sur la valeur culturelle des choses. Les énergies en place – oppositions, déplacements, mélanges – ne rencontrent plus les difficultés dressées par certains de mes principes culturels privilégiant les séparations opaques. Comme elles, je veux renouer avec une fréquentation naïve du monde, ne plus être absolument étrangère à ces métissages. Sublimer, rêver et fabuler sont bien plus que l’envers d’une répression, mais un agir réel, une mise en récit, un étirement conjoint de mon corps et de ma pensée dans le monde.</p>', 'De la vie lacunaire —un texte de Cynthia Fecteau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1476-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:15:16', '2019-06-28 18:15:16', '', 1476, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1476-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4823, 4, '2019-11-01 12:24:19', '2019-11-01 16:24:19', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/pinel-nicolet-sq/\"><em>Pinel – Nicolet – SQ</em></a> d\'Emmanuelle Léonard <em>et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/479/Investigations/\">Investigations</a>.</em></span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie décrit moins qu’elle <i>révèle</i>. Capable d’arrêter le temps, d’en fixer la trace, elle prolonge le pouvoir de l’œil humain : voilà bien pourquoi depuis plus d’un siècle, on la croit <i>hypersensible</i>, et pourquoi on lui prête le pouvoir de faire apparaître quelque élément, quelque réalité imperceptible.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’histoire de la photographie, on le sait, est toute tissée de cette volonté de capter ce qui échappe à l’œil. Au tournant du XIX<sup>e</sup> siècle, déjà, la technique photographique nous aura permis de détailler le mouvement, de l’immobiliser, d’en comprendre les infimes étapes ; on aura pu comprendre le galop du cheval comme dans les photographies de Muybridge, les circonvolutions des fluides dans les images de Marey. Elle nous aura permis, de même, de saisir les corps et les objets, de les étudier, de les classer comme dans les projets anthropométriques d’identité judiciaire de Bertillon, ou dans les troublantes photographies d’hystériques de Charcot. Ces découvertes nous auront aussi donné l’occasion de rêver, de nous perdre dans des fabulations aussi belles que fantaisistes : et si l’image photographique se montrait capable, en raison de son pouvoir de révélation même, de saisir un monde invisible, doublant le nôtre, un monde d’esprits, de forces ?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">On sourit désormais de cette idée de <i>monde invisible</i> – et pour cause : nous ne sommes plus à l’ère des médiums et des tables tournantes, peu d’entre nous croient encore aux fantômes, aux ondes, aux esprits. Le temps de la photographie spirite, avec ses auras et ses ombres, semble bel et bien révolu.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, ce monde invisible existe. Il est bien là au milieu du visible, au milieu de nous. Il tient à tout ce qui opère en dessous du visible et ordonne : nos désirs, nos croyances, nos peurs, nos rêves, toutes ces structures qui anticipent et déterminent ce que nous pensons, ce que nous faisons, ce que nous souhaitons, toutes ces structures tiennent, si l’on y pense bien, de l’invisible.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">À saisir tout sans distinction, à donner à voir bien plus que ce que l’artiste croyait capter, la photographie semble dotée du pouvoir non pas de <i>montrer</i> cet invisible, mais de l’<i>indiquer</i>, d’en souligner le passage, les traces, les effets. À arrêter le regard, la photographie nous force à détailler ces visages, ces espaces ; elle nous force à y chercher ce qui, sans apparaître sur l’image, lui donne sa densité. En cela, la photographie se fait le moyen d’une enquête. D’une investigation, diraient certains.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’une de ces forces invisibles est évidemment le <i>pouvoir</i>, ces rapports de force qui déterminent ce que nous pouvons faire et dire, qui régissent nos comportements et nos gestes ; ceux que nous apprenons dans nos rapports interpersonnels, ceux aussi que l’on nous impose. L’exposition d’Emmanuelle Léonard nous plonge dans des environnements où le pouvoir s’exerce et se transmet. Ces traces sombres sur le mur de cette chambre de Pinel, ce miroir au coin de cette pièce d’entraînement de l’École nationale de police du Québec mal décorée, cette salle d’entretiens glaciale, nous indiquent bien que nous ne sommes plus dans une simple chambre ou dans un banal salon, mais face à la scène d’un théâtre, d’un dispositif où pourra se répéter, se pratiquer, s’enseigner l’exercice d’une autorité, d’un pouvoir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ce pouvoir s’apprend comme il se distribue par le biais du corps : celui que l’on entraîne, celui qu’on dissèque, que l’on sonde pour mieux le comprendre. La photographie de Léonard, descriptive, laisse ces espaces dépeuplés à leur silence : au bout d’un certain temps – celui du regard – c’est l’imagination du spectateur qui donne une voix à ces traces, imaginant les scènes qui s’y sont jouées, les gestes qui furent posés, ceux qui y furent appris, puis reproduits.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le livre photo permet d’élaborer des projets photographiques profitant de la spécificité du médium livresque, des projets travaillant, justement, sur ce qui ne saurait se réduire au visible. À la reproductibilité technique qu’offre le médium du livre, le livre photo permet, de même, de bâtir un univers ayant sa propre cohérence, un monde où la succession des images prolonge et parfois redouble leur portée singulière. En cela, et comme par définition, il rend compte d’un processus d’investigation que l’artiste nous offre comme un dossier à regarder, à lire, à feuilleter, à fréquenter, jusqu’à voir affleurer, lentement, ce qui donne son poids au visible.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Investigations</i>, quelque chose se manifeste, quelque chose que l’image photographique fait surgir, révèle : la violence de certains rapports humains, violence <i>qui s’indique</i> dans des regards, des postures ; la poésie de ces lieux que l’éblouissement de notre propre époque nous empêche de voir ; l’intimité, celle qui n’est pas faite pour être vue, ni dite, mais qui se découvre dans des expressions, des moments que la photographie trahit.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie révèle, disions-nous d’emblée. Dans notre ère de la vitesse et de l’urgence, celle aussi de la visibilité médiatique, elle nous prie de nous arrêter. À faire pause, au creux de ce silence, nous pourrons entendre son murmure : « Il est un autre monde. Regarde bien… »</p>', 'La photographie et l’invisible —un texte de Maxime Coulombe', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1435-autosave-v1', '', '', '2019-11-01 12:24:19', '2019-11-01 16:24:19', '', 1435, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1435-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4824, 4, '2019-06-28 14:23:29', '2019-06-28 18:23:29', '<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/470/Pinel-Nicolet-SQ/\"><em>Pinel – Nicolet – SQ</em></a> d\'Emmanuelle Léonard </span><em style=\"color: #888888\">et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/479/Investigations/\">Investigations</a></em>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie décrit moins qu’elle <i>révèle</i>. Capable d’arrêter le temps, d’en fixer la trace, elle prolonge le pouvoir de l’œil humain : voilà bien pourquoi depuis plus d’un siècle, on la croit <i>hypersensible</i>, et pourquoi on lui prête le pouvoir de faire apparaître quelque élément, quelque réalité imperceptible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’histoire de la photographie, on le sait, est toute tissée de cette volonté de capter ce qui échappe à l’œil. Au tournant du XIX<sup>e</sup> siècle, déjà, la technique photographique nous aura permis de détailler le mouvement, de l’immobiliser, d’en comprendre les infimes étapes ; on aura pu comprendre le galop du cheval comme dans les photographies de Muybridge, les circonvolutions des fluides dans les images de Marey. Elle nous aura permis, de même, de saisir les corps et les objets, de les étudier, de les classer comme dans les projets anthropométriques d’identité judiciaire de Bertillon, ou dans les troublantes photographies d’hystériques de Charcot. Ces découvertes nous auront aussi donné l’occasion de rêver, de nous perdre dans des fabulations aussi belles que fantaisistes : et si l’image photographique se montrait capable, en raison de son pouvoir de révélation même, de saisir un monde invisible, doublant le nôtre, un monde d’esprits, de forces ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On sourit désormais de cette idée de <i>monde invisible</i> – et pour cause : nous ne sommes plus à l’ère des médiums et des tables tournantes, peu d’entre nous croient encore aux fantômes, aux ondes, aux esprits. Le temps de la photographie spirite, avec ses auras et ses ombres, semble bel et bien révolu.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, ce monde invisible existe. Il est bien là au milieu du visible, au milieu de nous. Il tient à tout ce qui opère en dessous du visible et ordonne : nos désirs, nos croyances, nos peurs, nos rêves, toutes ces structures qui anticipent et déterminent ce que nous pensons, ce que nous faisons, ce que nous souhaitons, toutes ces structures tiennent, si l’on y pense bien, de l’invisible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À saisir tout sans distinction, à donner à voir bien plus que ce que l’artiste croyait capter, la photographie semble dotée du pouvoir non pas de <i>montrer</i> cet invisible, mais de l’<i>indiquer</i>, d’en souligner le passage, les traces, les effets. À arrêter le regard, la photographie nous force à détailler ces visages, ces espaces ; elle nous force à y chercher ce qui, sans apparaître sur l’image, lui donne sa densité. En cela, la photographie se fait le moyen d’une enquête. D’une investigation, diraient certains.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’une de ces forces invisibles est évidemment le <i>pouvoir</i>, ces rapports de force qui déterminent ce que nous pouvons faire et dire, qui régissent nos comportements et nos gestes ; ceux que nous apprenons dans nos rapports interpersonnels, ceux aussi que l’on nous impose. L’exposition d’Emmanuelle Léonard nous plonge dans des environnements où le pouvoir s’exerce et se transmet. Ces traces sombres sur le mur de cette chambre de Pinel, ce miroir au coin de cette pièce d’entraînement de l’École nationale de police du Québec mal décorée, cette salle d’entretiens glaciale, nous indiquent bien que nous ne sommes plus dans une simple chambre ou dans un banal salon, mais face à la scène d’un théâtre, d’un dispositif où pourra se répéter, se pratiquer, s’enseigner l’exercice d’une autorité, d’un pouvoir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce pouvoir s’apprend comme il se distribue par le biais du corps : celui que l’on entraîne, celui qu’on dissèque, que l’on sonde pour mieux le comprendre. La photographie de Léonard, descriptive, laisse ces espaces dépeuplés à leur silence : au bout d’un certain temps – celui du regard – c’est l’imagination du spectateur qui donne une voix à ces traces, imaginant les scènes qui s’y sont jouées, les gestes qui furent posés, ceux qui y furent appris, puis reproduits.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le livre photo permet d’élaborer des projets photographiques profitant de la spécificité du médium livresque, des projets travaillant, justement, sur ce qui ne saurait se réduire au visible. À la reproductibilité technique qu’offre le médium du livre, le livre photo permet, de même, de bâtir un univers ayant sa propre cohérence, un monde où la succession des images prolonge et parfois redouble leur portée singulière. En cela, et comme par définition, il rend compte d’un processus d’investigation que l’artiste nous offre comme un dossier à regarder, à lire, à feuilleter, à fréquenter, jusqu’à voir affleurer, lentement, ce qui donne son poids au visible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Investigations</i>, quelque chose se manifeste, quelque chose que l’image photographique fait surgir, révèle : la violence de certains rapports humains, violence <i>qui s’indique</i> dans des regards, des postures ; la poésie de ces lieux que l’éblouissement de notre propre époque nous empêche de voir ; l’intimité, celle qui n’est pas faite pour être vue, ni dite, mais qui se découvre dans des expressions, des moments que la photographie trahit.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie révèle, disions-nous d’emblée. Dans notre ère de la vitesse et de l’urgence, celle aussi de la visibilité médiatique, elle nous prie de nous arrêter. À faire pause, au creux de ce silence, nous pourrons entendre son murmure : « Il est un autre monde. Regarde bien… »</p>', 'La photographie et l’invisible —un texte de Maxime Coulombe', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1435-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:23:29', '2019-06-28 18:23:29', '', 1435, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1435-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4825, 4, '2019-11-01 12:28:57', '2019-11-01 16:28:57', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/lessor/\"><em>L\'essor</em></a><em> de Matthieu Brouillard et <em><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/marges/\">MARGES</a> </em>de Jérémie Lenoir.</em></span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Le centre VU présente deux artistes dont les travaux sont très différents. Pourtant, l’un d’eux, Matthieu Brouillard, nous offre l’histoire d’une performance qui mène le protagoniste à une expérience visuelle dont les œuvres du second, Jérémie Lenoir, paraissent être la représentation.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Matthieu Brouillard, avec L’essor, donne la vedette à un des sujets de ses projets antérieurs, qui nous présentaient des personnages assez singuliers, cherchant désespérément à préserver leur individualité, acharnés à s’extirper d’un environnement envahissant, décor grotesque qui les incorporait à sa matière même. Ce sujet, Christian Forget, est atteint d’albinisme oculo-cutané et il désire, plus que tout, voler en parapente. Malgré sa condition dont découlent une peau dépigmentée ultrasensible aux rayons du soleil et un important handicap visuel, il a obtenu la permission d’effectuer des vols en solo, pourvu qu’il reçoive l’assistance radio d’un instructeur. Le voilà prêt, à 63 ans, à prendre son envol!</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La référence au personnage mythique d’Icare, qui s’est brûlé les ailes en voulant atteindre le soleil, est ici incontournable. Pour tous, il représente le désir forcené d’échapper à sa condition. Évidemment, le sort que connaîtra Christian Forget est loin d’être aussi dramatique que son inspirateur. Mais, pour celui-là aussi, le soleil représente un danger et son désir d’élévation trahit la volonté d’échapper à une condition de personne handicapée qui le marginalise. On conçoit bien que, contrairement à son illustre prédécesseur, il ne sera pas puni pour son inqualifiable audace et qu’il s’élèvera, libre et heureux d’avoir su oser, pour planer au-dessus de ses frères humains. Il arrivera ainsi, dans les airs, à se singulariser de manière positive, cette fois.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Puisqu’il reviendra au sol sain et sauf, une caméra fixée à son casque, on peut imaginer qu’il sera en mesure, lors de sa descente, de capter des images semblables à celles de Jérémie Lenoir. L’exposition de ce dernier, Marges, présente des photos de certaines régions de la France et du Québec, images captées de lieux intermédiaires où le paysage affronte la transformation qu’il subit aux abords des grandes villes, alors qu’il passe des zones urbaines à des secteurs campagnards. La plongée radicale de la prise de vue, jointe à une constante dans la distance privilégiée de cette saisie depuis le sol, permet la production d’œuvres où l’image hésite entre réalisme géographique et tableau abstrait. Il n’y a guère d’éléments naturels reconnaissables dans ces images. Ou s’ils le sont, c’est tout juste, à la limite d’être identifiés. Seuls des mouvements sur un sol dénudé en viennent à composer des figures où véhicules et édifices peuvent être devinés, sans plus. Mais, par leur aspect graphique évident, leur dépouillement, ces images donnent à la terre les allures d’un labyrinthe dont nous serions tous les auteurs consternés, parce que nous y contribuons par des travaux résultant de nos désirs d’habitation. On comprend dès lors mieux les désirs d’élévation de certains. On imagine bien qu’il faille parfois prendre une distance pour mieux voir ce que nous avons fait de nos espaces de vie.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Icare s’envolait d’un labyrinthe dont il voulait à toutes forces, et son père avec lui, s’échapper. Christian Forget, lui, revient vers une terre qu’il trouverait, s’il était en mesure de bien la voir, difficilement reconnaissable sur les images de Jérémie Lenoir – une terre dont on peut se demander qui pourrait bien l’habiter.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Mais le retour sur cette terre cadastrée par nos travaux est inévitable.<span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">\n</span></p>', 'Icare —un texte de Sylvain Campeau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1393-autosave-v1', '', '', '2019-11-01 12:28:57', '2019-11-01 16:28:57', '', 1393, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1393-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4826, 4, '2019-06-28 14:29:13', '2019-06-28 18:29:13', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <em><a style=\"color: #000000\" title=\"L\'essor\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/508/L-essor/\">L\'essor</a></em><em> de Matthieu Brouillard et <em><a style=\"color: #000000\" title=\"MARGES\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/509/MARGES/\">MARGES</a> </em>de Jérémie Lenoir.</em></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le centre VU présente deux artistes dont les travaux sont très différents. Pourtant, l’un d’eux, Matthieu Brouillard, nous offre l’histoire d’une performance qui mène le protagoniste à une expérience visuelle dont les œuvres du second, Jérémie Lenoir, paraissent être la représentation.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Matthieu Brouillard, avec L’essor, donne la vedette à un des sujets de ses projets antérieurs, qui nous présentaient des personnages assez singuliers, cherchant désespérément à préserver leur individualité, acharnés à s’extirper d’un environnement envahissant, décor grotesque qui les incorporait à sa matière même. Ce sujet, Christian Forget, est atteint d’albinisme oculo-cutané et il désire, plus que tout, voler en parapente. Malgré sa condition dont découlent une peau dépigmentée ultrasensible aux rayons du soleil et un important handicap visuel, il a obtenu la permission d’effectuer des vols en solo, pourvu qu’il reçoive l’assistance radio d’un instructeur. Le voilà prêt, à 63 ans, à prendre son envol!</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La référence au personnage mythique d’Icare, qui s’est brûlé les ailes en voulant atteindre le soleil, est ici incontournable. Pour tous, il représente le désir forcené d’échapper à sa condition. Évidemment, le sort que connaîtra Christian Forget est loin d’être aussi dramatique que son inspirateur. Mais, pour celui-là aussi, le soleil représente un danger et son désir d’élévation trahit la volonté d’échapper à une condition de personne handicapée qui le marginalise. On conçoit bien que, contrairement à son illustre prédécesseur, il ne sera pas puni pour son inqualifiable audace et qu’il s’élèvera, libre et heureux d’avoir su oser, pour planer au-dessus de ses frères humains. Il arrivera ainsi, dans les airs, à se singulariser de manière positive, cette fois.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Puisqu’il reviendra au sol sain et sauf, une caméra fixée à son casque, on peut imaginer qu’il sera en mesure, lors de sa descente, de capter des images semblables à celles de Jérémie Lenoir. L’exposition de ce dernier, Marges, présente des photos de certaines régions de la France et du Québec, images captées de lieux intermédiaires où le paysage affronte la transformation qu’il subit aux abords des grandes villes, alors qu’il passe des zones urbaines à des secteurs campagnards. La plongée radicale de la prise de vue, jointe à une constante dans la distance privilégiée de cette saisie depuis le sol, permet la production d’œuvres où l’image hésite entre réalisme géographique et tableau abstrait. Il n’y a guère d’éléments naturels reconnaissables dans ces images. Ou s’ils le sont, c’est tout juste, à la limite d’être identifiés. Seuls des mouvements sur un sol dénudé en viennent à composer des figures où véhicules et édifices peuvent être devinés, sans plus. Mais, par leur aspect graphique évident, leur dépouillement, ces images donnent à la terre les allures d’un labyrinthe dont nous serions tous les auteurs consternés, parce que nous y contribuons par des travaux résultant de nos désirs d’habitation. On comprend dès lors mieux les désirs d’élévation de certains. On imagine bien qu’il faille parfois prendre une distance pour mieux voir ce que nous avons fait de nos espaces de vie.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Icare s’envolait d’un labyrinthe dont il voulait à toutes forces, et son père avec lui, s’échapper. Christian Forget, lui, revient vers une terre qu’il trouverait, s’il était en mesure de bien la voir, difficilement reconnaissable sur les images de Jérémie Lenoir – une terre dont on peut se demander qui pourrait bien l’habiter.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais le retour sur cette terre cadastrée par nos travaux est inévitable.<span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">\r\n</span></p>', 'Icare —un texte de Sylvain Campeau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1393-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:29:13', '2019-06-28 18:29:13', '', 1393, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1393-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4827, 4, '2019-06-28 14:31:08', '2019-06-28 18:31:08', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.', 'Rituels —un texte de Bernard Lamarche', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '4540-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:31:08', '2019-06-28 18:31:08', '', 4540, 'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4828, 4, '2019-06-28 14:32:05', '2019-06-28 18:32:05', '<p class=\"p1\"><span class=\"s1\" style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/temps-libres-photobooks/\">Temps libres : Photobooks</a><em> de Thomas Bouquin, Jean-François Hamelin et Josée Schryer du Photobook Club - Montréal et <a style=\"color: #000000\" title=\"MARGES\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/assemblages-2/\">Assemblages</a> de Maxime Rheault et Valerian Mazataud.</em></span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">En prenant comme point de départ la réflexion de VU pour cette année de programmation, le Photobook Club – Montréal vous propose de feuilleter une sélection de « photobooks » récents qui ont attiré notre attention en reflétant différentes manières d’interpréter l’expression Temps libres.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Dans la première section de l’exposition, vous découvrirez des projets qui portent une réflexion sur l’errance, l’exploration du territoire et l’idée du « wanderlust ». Prendre son temps pour observer, pour traîner. Pendant cinq ans, l’artiste japonais Chikara Umihara a parcouru les États-Unis en autocar Greyhound sans aucune destination précise en tête. Voyageant à travers les villes et les campagnes, l’artiste a limité les images du livre aux espaces confinés de l’autocar et des gares où il s’est arrêté. Whispering Hope est un carnet de voyage sans point de départ ni d’arrivée.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Dans la deuxième section de l’exposition, l’idée de Temps libres est explorée dans le sens du hobby, du loisir et de l’évasion. Melissa Catanese s’amuse à créer des narrations à partir des photographies vernaculaires de la collection de Peter J. Cohen. Dans Voyagers, elle a rassemblé des images d’individus qui semblent captivés par leurs lectures. Ces photos sont ponctuées d’autres visions: des paysages, un ciel étoilé, des pyramides ou un rayon de soleil entrant par la fenêtre, ce qui nous permet d’imaginer les mondes visités par les sujets pendant leurs flâneries.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Pour la troisième section de l’exposition, le Photobook Club – Montréal s’est arrêté un peu plus sur le concept de liberté. Une expression de liberté, la liberté d’expression, d’expérimentation. Prendre le temps d’élargir ses horizons. Dans la tradition du road trip photographique, le duo d’artistes Nico Krebs et Taiyo Onorato met le cap sur Oulan-Bator, capitale de la Mongolie où iI s’attend à rencontrer le mystique et le surréel, à affronter l’inconnu. Les images de Continental Drift repoussent les limites du documentaire et offrent une nouvelle lecture du territoire en nous proposant des paysages parfois réels mais surprenants, d’autres fois créés de toutes pièces.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Prendre du temps pour explorer et expérimenter, c’est ce que la résidence de création Assemblages permet. Pour cette deuxième édition, ce sont Valérian Mazataud et Maxime Rheault qui, en travaillant sur leurs maquettes respectives de livres photo en galerie, entameront un dialogue dans l’espace américain. Cet échange se poursuivra avec les visiteurs et les différents intervenants qui passeront par VU entre le 12 et le 27 janvier.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Entre 2015 et 2016, Mazataud s’est rendu au Honduras pour investiguer une croyance de la communauté des Miskitos qui veut que leurs pêcheurs soient victimes d’une malédiction pour avoir pilé le fond des eaux. Lors de cette résidence en galerie, il cherchera à brouiller les repères du photojournalisme en infusant une nouvelle ouverture dans la narration de son projet de livre Liwa Marin, qui est à paraître dans l’année à venir.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Rheault travaillera sur la mise en forme d’un possible livre photo à venir, à partir d’un corpus d’images réalisées lors de deux voyages à Tokyo en 2008 puis en 2018. Il souhaite jouer avec les codes identitaires se manifestant dans sa série photographique en manipulant la séquence et le rythme des images, ainsi qu’en considérant la matérialité du livre en tant qu’objet. Son expérience comme designer graphique (Criterium design) l’a amené à collaborer à plusieurs projets d’édition, ce qui rendra les échanges en galerie des plus enrichissants.</span></p>', 'Temps libres : Photobooks —un texte de Josée Schryer', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2601-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:32:05', '2019-06-28 18:32:05', '', 2601, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2601-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0);
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(4829, 4, '2019-06-28 14:33:29', '2019-06-28 18:33:29', 'Texte pour l\'exposition <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/le-roc-derce/\">Le Roc d\'Ercé</a> de Thomas Bouquin.\n\n&nbsp;\n\nEn remontant la trajectoire parcourue par ses ancêtres, Thomas Bouquin retrace le fil des événements depuis la fin du XIX<sup>e </sup>siècle à aujourd’hui qui ont donné lieu à des vagues d’immigration successives en provenance de la vallée d’Ercé en France vers New York. Un récit photographique singulier au sein duquel la mémoire s’incarne à travers des objets et des personnages du présent, provoquant un aplanissement de temps et de lieux où s’activent les métaphores.\n\nEnracinement, dualité, labilité tissent la toile de fond du <em>Roc d’Ercé</em>, avec comme préambule les montreurs d’ours, premiers migrants qui ont mis le pied en Amérique à la recherche d’une vie meilleure. Par d’habiles changements d’échelle et d’inversions spatio-temporelles, Thomas Bouquin reconstitue un ensemble d’objets associés à ces amuseurs publics et donne des visages aux descendants d’exilés ercéens, qu’ils soient membres de sa famille ou autres héritiers repérés lors de son périple en forme de pèlerinage. Sont également mises en parallèle des images des chaînes de montagnes pyrénéennes et du paisible village d’Ercé, avec celles des gratte-ciel de Manhattan et d’un Central Park surpeuplé.\n\nBien que ces chassés-croisés soient l’expression d’une double appartenance, voire d’inclinaisons et de flottements identitaires, Thomas Bouquin fixe paradoxalement son récit autour d’un rocher situé au cœur de Central Park. Point de rencontre, d’échanges et d’entraide, le roc fait dès lors figure de pierre angulaire chez ces migrants mi-ercéens mi-américains en quête d’assises. En retournant sur les pas de son arrière-arrière-grand-mère, le photographe cherche à donner un nouveau corps à l’histoire. Toutes empreintes saisies deviennent ainsi des pièces à conviction pour la construction d’un récit personnel et collectif à réinventer. C’est qu’entre la double posture des exilés, s’insère ici un vaste espace, permettant à l’imaginaire, comme à l’autofiction, de se déployer.', 'Le Roc d\'Ercé —un texte de Mona Hakim', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2170-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:33:29', '2019-06-28 18:33:29', '', 2170, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2170-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4830, 4, '2019-06-28 14:33:36', '2019-06-28 18:33:36', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/le-roc-derce/\">Le Roc d\'Ercé</a> de Thomas Bouquin.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn remontant la trajectoire parcourue par ses ancêtres, Thomas Bouquin retrace le fil des événements depuis la fin du XIX<sup>e </sup>siècle à aujourd’hui qui ont donné lieu à des vagues d’immigration successives en provenance de la vallée d’Ercé en France vers New York. Un récit photographique singulier au sein duquel la mémoire s’incarne à travers des objets et des personnages du présent, provoquant un aplanissement de temps et de lieux où s’activent les métaphores.\r\n\r\nEnracinement, dualité, labilité tissent la toile de fond du <em>Roc d’Ercé</em>, avec comme préambule les montreurs d’ours, premiers migrants qui ont mis le pied en Amérique à la recherche d’une vie meilleure. Par d’habiles changements d’échelle et d’inversions spatio-temporelles, Thomas Bouquin reconstitue un ensemble d’objets associés à ces amuseurs publics et donne des visages aux descendants d’exilés ercéens, qu’ils soient membres de sa famille ou autres héritiers repérés lors de son périple en forme de pèlerinage. Sont également mises en parallèle des images des chaînes de montagnes pyrénéennes et du paisible village d’Ercé, avec celles des gratte-ciel de Manhattan et d’un Central Park surpeuplé.\r\n\r\nBien que ces chassés-croisés soient l’expression d’une double appartenance, voire d’inclinaisons et de flottements identitaires, Thomas Bouquin fixe paradoxalement son récit autour d’un rocher situé au cœur de Central Park. Point de rencontre, d’échanges et d’entraide, le roc fait dès lors figure de pierre angulaire chez ces migrants mi-ercéens mi-américains en quête d’assises. En retournant sur les pas de son arrière-arrière-grand-mère, le photographe cherche à donner un nouveau corps à l’histoire. Toutes empreintes saisies deviennent ainsi des pièces à conviction pour la construction d’un récit personnel et collectif à réinventer. C’est qu’entre la double posture des exilés, s’insère ici un vaste espace, permettant à l’imaginaire, comme à l’autofiction, de se déployer.', 'Le Roc d\'Ercé —un texte de Mona Hakim', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2170-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:33:36', '2019-06-28 18:33:36', '', 2170, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2170-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4831, 4, '2019-06-28 14:35:21', '2019-06-28 18:35:21', '<span style=\"color: #000000\"><strong>Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/ondes-lumineuses-echange-quebec-glasgow/\">Ondes lumineuses</a>.</strong></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<strong>Avant-propos</strong>\r\n\r\nPuisqu’il est question d’une résidence, effaçons-en les murs. À cheval et à la verticale sur les territoires québécois et écossais, ils se feront alors ponts et ancrages, promesses de voyage pour s’arrimer dans l’autre image.\r\n\r\nLes gestes et regards résidents de Bertrand Carrière, Mat Hay, Melanie Letoré et Josée Pedneault ne seront pas ici retracés : pour ne jamais limiter la résidence à ses quatre murs ; pour ne rien refermer sur la création ; pour ne pas pointer uniquement l’apparition ; pour que chaque image ouvre alors un lieu, un temps d’une chambre nouvelle, où nous pourrons résider à notre tour, invités à traverser des brumes et à voyager autour de leurs chambres.\r\n\r\n<strong>Jour moins un</strong>\r\n\r\n<em>Having two homes / Avoir deux “chez-soi”<sup><strong>[1]</strong></sup></em>\r\n\r\nIl avait peur de voyager au-dessus de l’océan, ne l’avait dit à personne. Il ne savait pas quoi mettre dans sa valise, il voulait que l’avion soit léger, qu’il puisse s’envoler sans risque de s’écraser. Il voulait que son œil et ses gestes ne soient teintés d’aucune habitude ni d’aucun objet rattaché à son bord du monde. Il s’était dit qu’il achèterait plutôt une brosse à dents de l’autre côté de l’océan. Il se retrouverait devant un miroir, de cet autre côté d’un autre matin qui changerait son regard. Il se disait qu’il regarderait tout différemment, même son visage et la pâte à dents.\r\n\r\n<strong>Jour zéro</strong>\r\n\r\nIl avait tout de même pris quelques vêtements, une veste de pluie, puis s’était enfui. De son miroir et de son appartement, de sa chambre, de la chambre noire et du vent qui avait fait claquer la porte derrière lui, brusquement.\r\n\r\n<strong>Jour un</strong>\r\n\r\n<em>The first image to share is simply the view [...] </em><em style=\"font-size: 2.3rem\">taken on the first morning of the residency<sup><strong>[2]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nIl était tombé dans la brume du matin. Elle goûtait un peu l’air marin, après l’air conditionné de l’allée de l’avion. « De l’air conditionnel », avait-il pensé, en ouvrant sa bouche et ses narines un peu plus grandes. Il en avait aspiré une gorgée, en un souffle reconditionné.\r\n\r\n« J’aimerais capturer ce souffle. » Il savait qu’il ne rentrerait pas dans l’objectif et s’était alors promis de photographier la brume tous les jours, de faire entrer l’air contre la lentille, d’inviter l’un et l’autre à se rencontrer comme des étrangers matinaux qui s’éveillent en évoquant leur nom pour la première fois. Un peu après, la brume s’était effilée et la ligne des bâtiments autour avait commencé à se déplacer à la verticale par à-coups, au rythme des rails.\r\n\r\nIl était entré dans sa chambre et avait regardé la table vide au bord du mur. Une promesse d’images où se dessinaient mentalement les rectangles des photographies qui y siégeraient, s’y découperaient en pochoirs de temps, prisons d’instants naviguant sans cadran. Le décalage avait eu raison de ses repères horaires.\r\n\r\n<strong>Jour trois</strong>\r\n\r\n<em>This morning, for a few minutes, </em>\r\n\r\n<em>I couldn’t see the mountains North-East of Quebec from my window<sup><strong>[3]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nLa brume venait le visiter chaque matin. Il lui avait offert un coin de fenêtre et une bâche de fortune pour leur rendez-vous quotidien. Il installait son objectif contre elle, à la fois exigeant et timide, effacé et conciliant. Il avait trouvé la routine qui le déroutait, le repère à visiter pour ne jamais la regarder à l’identique. Il pensait parfois à la lumière de l’autre côté de l’Atlantique et à ce qu’il avait appris : les réglages, l’œil solide, les pas dans l’atelier, la crainte du développement. Son œil ici fuyait, vagabond de brumes qui mangeait tout, un témoin constamment hors champ et surexposé à ce qu’il voyait. Il écoutait sans pouvoir détacher tous les mots, détourer tous les lieux, tracer toutes les rues, pointer tous les horizons. La tête lui tournait parfois.\r\n\r\n<strong>Jour sept</strong>\r\n\r\n<em>Habituellement, je ne sens pas la responsabilité d’être vraie par rapport à l’image, </em><em>sa date, son lieu, son contexte ou même ses couleurs naturelles<sup><strong>[4]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nAujourd’hui, le ciel ne s’était pas levé. Ce dernier était écrasé à terre et il devait regarder ses pieds attentivement à chacun de ses pas pour ne pas le briser. Il sentait sa caméra comme un corps étranger dans un pays greffé.\r\n\r\n<strong>Jour dix</strong>\r\n\r\n<em>Il me faut éliminer tout exotisme et ne garder que des images qui soient énigmatiques. </em><em>Puis, ramener le projet le plus proche possible de moi-même<sup><strong>[5]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nLa table est habitée, les rectangles d’images assemblées sur son horizontal s’enfilent en collier de perles, en tas, en monticules des temps et lieux passants qui dépassent les murs. Il clôt du regard ses quatre coins, puis dévie vers celui de la fenêtre. Il devine la brume de l’autre côté, qui réside dans la nuit. Il enclôt les coins de la table, enserre chacune des images dans son œil. Il pense à son premier souffle de brume et à la mécanique des jours. La table l’observe, l’étau de mémoire est photographique, pour tracer les frontières sur une carte sans nom d’un pays dénommé dont les noms de rues lui accrochent encore la langue.\r\n\r\n<strong>Jour quinze</strong>\r\n\r\nIl a emprisonné les images pour remonter à bord. En bordure et hors champ réside encore le temps : temps de l’autre, antihoraire et à rebours qui défile dans la brume, de l’autre côté du monde. Chaque jour, il l’avait suivi dans la rue comme on suit la silhouette d’un inconnu, puis l’avait retrouvé au petit matin comme un complice dont on prononce le nom en chuchotant.\r\n\r\nClaire Moeder, août 2018\r\n\r\n&nbsp;\r\n<h6><sup>[1]</sup> Melanie Letoré, “Week 2 – back in Geneva”, dans <em>Photodialogues</em>, 29 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva\">http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[2]</sup> Mat Hay, “Bonjour Quebec!”, dans <em>Photodialogues</em>, 6 avril 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/bonjour-quebec\">http://photodialogues.net/bonjour-quebec</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[3]</sup> Melanie Letoré, “Quebec Day 24”, dans <em>Photodialogues</em>, 23 octobre 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/quebec-day-22\">http://photodialogues.net/quebec-day-22</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[4]</sup> Josée Pedneault, “Day 10 – Photo vérité”, dans <em>Photodialogues</em>, 22 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/day-10-photo-verite\">http://photodialogues.net/day-10-photo-verite</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[5]</sup> Bertrand Carrière, “Et à la fin…”, dans <em>Photodialogues</em>, 30 juin 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/et-a-la-fin\">http://photodialogues.net/et-a-la-fin</a>.</h6>\r\n<h6></h6>', 'Le berceau de brume : faire voyage là où l’image disparaît —un texte de Claire Moeder', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2132-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:35:21', '2019-06-28 18:35:21', '', 2132, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2132-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4832, 4, '2019-06-28 14:37:13', '2019-06-28 18:37:13', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les attentes</em></a> d\'Evelyne Leblanc-Roberge et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</em></a> d\'Elsa Stubbé.</span>\r\n</span></p>\r\n&nbsp;\r\n\r\nEvelyne Leblanc-Roberge et Elsa Stubbé investissent les galeries de VU avec leurs projets respectifs, <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i>. Bien qu’issus de quêtes exploratoires distinctes et articulées selon des protocoles méthodologiques divergents, ces corpus photographiques se rejoignent à plusieurs égards. Leurs résonances mutuelles contribuent à faire émerger des bribes de sens qui sauront ouvrir le bal de la nouvelle programmation chez VU, axée cette année autour de la notion de liberté en création.\r\n\r\nLes deux artistes proposent des transpositions dans l’espace de séries photographiques initialement diffusées sous la forme de livres. Tirant parti des possibilités offertes par les paramètres de la galerie d’exposition, elles reconfigurent la logique narrative de leurs corpus en les redéployant dans l’espace selon différents jeux d’échelle et dispositifs de présentation. Ces propositions nous permettent de parcourir autrement leurs univers photographiques, et d’en faire l’expérience sous un nouveau jour.\r\n\r\nChez Leblanc-Roberge comme chez Stubbé, la photographie constitue un médium de prédilection pour sonder nos rapports aux espaces que nous occupons, qu’ils soient intérieurs et cloîtrés ou extérieurs et étendus; qu’ils soient réels et habités ou imaginaires et rêvés. Un certain nombre d’images présentées ouvrent à des espaces libérés de toutes contraintes tels que le ciel bleu et l’écosystème naturel laissé intact, alors que d’autres laissent entrevoir des lieux délimités et contrôlés, signifiés notamment par le mur de béton ou le paysage aménagé du jardin botanique.\r\n\r\nLes photographies déroutantes de Leblanc-Roberge offrent des perspectives souvent tronquées de scènes énigmatiques donnant à voir les vestiges de ce qui n’est plus : une voiture détériorée abandonnée; les empreintes de ce qui était jadis accroché sur un mur; le soleil couchant prêt à disparaître à l’horizon. Celles de Stubbé érigent une vision décalée et parcellaire du monde naturel conjugué au cosmos, en répertoriant des atmosphères et formes curieuses trouvées au fil d’explorations improvisées.\r\n\r\nDans les deux cas, ces images témoignent d’une spontanéité affirmée dans le choix de sujets qui, pour la plupart, sont survenus au fil d’errances antérieures. Ressorties des archives personnelles des photographes, elles sont réinvesties à l’aune de pistes de recherche définies : Leblanc-Roberge y replonge en s’inspirant des lieux décrits par ses interlocuteurs, alors que Stubbé y sélectionne des perspectives inédites du monde naturel. Ces images latentes prennent dès lors sens dans leurs mises en relation les unes avec les autres, et dans leurs interrelations poétiques avec le texte et l’image d’archives.\r\n\r\nChez Leblanc-Roberge, le caractère indiciaire de l’image photographique trouve son pendant dans les fragments découpés de lettres écrites à la main. Ces traces parcellaires de correspondances sensibles entre l’artiste et des personnes incarcérées agissent sur notre lecture polysémique des images récoltées. Stubbé, quant à elle, complète sa collecte d’images photographiques avec celle des ouvrages de vulgarisation scientifique et de science-fiction. Elle condense un ensemble d’images-sources pour élaborer des collages aux compositions surréelles. La construction manifeste de ces images, ici indiquée par les découpes assumées du processus de collage, atteste la présence de l’artiste dans l’élaboration de fictions.\r\n\r\nUn passage anonyme issu des lettres de Leblanc-Roberge s’avère particulièrement emblématique des deux projets artistiques : « it’s a rather strange life these days »<sup>1</sup> . <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i> produisent justement cet effet, celui de faire étrange. Leurs visions singulières ouvrent des brèches symboliques de détours dans l’imaginaire poétique; elles procurent des mises à distance momentanées du monde tel qu’on le connaît. Que ce soit pour mieux aménager nos mondes environnants à nos mondes intérieurs ou pour établir de meilleurs rapports aux espaces que nous habitons, la fuite du monde (facilitée par le geste artistique) nous permet ici de mieux y revenir.', 'Errances imaginaires —un texte de Michelle Drapeau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1687-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:37:13', '2019-06-28 18:37:13', '', 1687, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1687-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4833, 4, '2019-06-28 14:37:57', '2019-06-28 18:37:57', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition collective <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire</em></a> réfléchie par Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx.</span>\r\n</span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\"><em>Je vous ai demandé de venir dîner dans cette île parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire. Mais j’ai peur qu’il ne fasse bien humide et que vous n’ayez froid. (…) Je vous permets, madame, de lutter encore un quart d’heure contre le froid, pour ne pas vous tourmenter, mais dans un quart d’heure, je vous ramènerai de force. Je ne veux pas vous faire prendre un rhume.\r\n</em>– Marcel Proust</p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je vous ai proposé de visiter cette exposition parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. L’été approchant, il me semblait qu’il fallait nous revoir, au moins une dernière fois, avant que la perspective de l’automne ne nous rattrape.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Depuis maintenant un an que je réfléchis à ce que c’est, d<i>’inventer le risque</i>. Plusieurs autres artistes et visiteurs sont passés par ici avant vous pour y réfléchir aussi. J’ai imaginé ces quatre-là dans une même exposition, non pas pour conclure le cycle en cours, mais pour continuer à investiguer cette grande idée. En faisant tenir ces propositions ensemble, j’ai cherché à mieux vous nourrir, mais aussi à vous déstabiliser un peu. Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. Il accueille des rencontres improbables, voire autodestructrices, et nos réconciliations aussi. C’est ce qui nous fait réfléchir, nous fait mieux nous connaître. Il fallait inventer ce risque.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire, car je crois que les œuvres en ont déjà beaucoup dit. Je vous rappellerai ici dans quelques mois, quand vous aurez des temps libres, avec sans doute beaucoup de photographies à vous montrer.</p>', 'Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire —un texte de Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1662-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:37:57', '2019-06-28 18:37:57', '', 1662, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1662-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4834, 4, '2019-06-28 14:39:05', '2019-06-28 18:39:05', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/550/Etant-donnes/\"><em>Étant donnés</em></a> de Lucie Rocher et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/572/painter-project-/\"><em>painter project</em></a><strong> </strong>de Simon M. Benedict.</span>\r\n</span></p>\r\n&nbsp;\r\n\r\n<i>Épistémologiquement, l’imaginaire de la production concevait le monde comme </i>matières<i> engagées dans des rapports objectifs et finis de transformation. Il semble que l’imaginaire de la reproduction technologique conçoive plutôt le monde comme processus de synthèse, perpétuellement accéléré par d’infinis courants de virtualités.\r\n</i>– René Lapierre, <i>L’Atelier vide</i>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le travail active la matière du monde, c’est ce qui lui donne forme, ce qui la modèle selon une volonté, un plan, une ambition. L’échelle de cette matière n’a pas d’importance : tout commence au niveau moléculaire, pour éventuellement y retourner. Entre-temps sont créés des images et des objets, des outils et des espaces. Puis d’autres outils qui remodèleront la matière, recomposeront les images, et d’autres espaces où travailler différemment. La matière suit un cycle qui lui appartient et la possède tout à la fois. C’est aussi ce qu’on pourrait nommer le processus.\r\n\r\nLe mot <i>processus</i> vient du latin <i>pro</i> (au sens de « vers l’avant ») et de <i>cessus</i>, <i>cedere</i> (« aller, marcher »), ce qui signifie aller vers l’avant, avancer. Le processus projette et envisage. Dans ce mouvement, cette avancée, se trouve ce qu’on ne sait pas encore, ce qu’on ne connaîtra qu’au terme d’un ensemble complexe de gestes, d’intuitions et de décisions. C’est le travail lorsqu’il active l’inconnu, lorsqu’il progresse à l’aveugle dans l’espace de l’atelier et dans celui, abstrait, de la pensée. Dans le processus logent des vestiges du temps : les passages de la matière.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Si l’immobilité de l’image photographique ne peut traduire la littéralité du mouvement qui parfois l’habite, elle en est le témoin silencieux. En contrepartie, la vidéo et le cinéma redonnent à l’écran le caractère mouvant de toute chose. Au cœur du processus cependant, l’image – quelle qu’elle soit – danse, se superpose et se juxtapose, se voile ou reflète un hors-champ. Qu’elle soit fixe ou non, elle étend ses possibilités et distend le réel. Le processus mobilise l’image, il la meut dans un espace donné.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’atelier est un espace à la fois donné et témoin. Et c’est désormais un lieu physique tout autant qu’un écran : la projection d’idées excède le contexte, crée du réseau. D’<i>infinis courants de virtualités</i> traversent l’atelier, infiltrent l’art et le reste, le monde et sa production, son activité. Ce faisant, le processus se désancre de la matière de manière à devenir labeur désincarné. Un travail de 0 et de 1 cohabite avec le modelage et la coupe du bois, la peinture et la photographie. Mais l’atelier demeure habité : labeur et attente l’occupent, une attention est à l’œuvre.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’atelier aussi, l’artiste : observant l’ordre et le désordre de la vie, catalysant l’idée de transformation du monde, de transmutation des matières. Derrière le labeur artistique, il active les processus et travaille à désorienter l’existence des choses en les interrogeant – agglomérant et atomisant leur cœur battant. Il rompt des liens, déplace des préfixes, remixe, puis repense la récursivité des procédures. Il reformule incessamment un rapport au monde qui ne peut être fixé – qui n’est jamais autre chose que résilience et métamorphose.</p>', 'Le travail, le processus —un texte de Nathalie Bachand', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1647-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:39:05', '2019-06-28 18:39:05', '', 1647, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1647-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4835, 4, '2019-06-28 14:39:44', '2019-06-28 18:39:44', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a style=\"color: #000000\" title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">\r\n</span>\r\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>', 'Appareillage —un texte de Péio Eliceiry', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1625-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:39:44', '2019-06-28 18:39:44', '', 1625, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4836, 4, '2019-06-28 14:40:42', '2019-06-28 18:40:42', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/545/Nous-arriverons-vite-ensuite-nous-prendrons-notre-temps/\">Nous y arriverons vite et ensuite nous prendrons notre temps</a> </em>de Kotama Bouabane et <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/546/Conversation-with-Magic-Forms/\">Conversation with Magic Forms</a> </em>de Leisure.</span><span style=\"color: #888888\">\r\n</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<i>« L’utopie est la relation de l’imaginaire avec cet ailleurs qui n’est jamais tout à fait nulle part, et qui nous déporte toujours vers du nouveau. »</i>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette phrase, tirée du livre L’utopie ou la crise de l’imaginaire de Jean-Jacques Wunenburger, révèle les rapports de promiscuité qu’entretiennent l’utopie et la créativité. Le philosophe y critique l’effritement de la « fonction de l’irréel en l’homme » – conséquence du régime omnipotent de la rationalité cartésienne –, prônant plutôt le pouvoir cathartique de l’utopie. Icarienne, sa pensée nous invite à énoncer des passés uchroniques émancipés de leurs dépendances au présent. Un présent que l’utopie, bien mieux que l’histoire, a le pouvoir de reformuler en de nouvelles mises en scène où seul l’impossible est concevable. Atteindre un avenir meilleur en réinventant hier. Car l’utopie est une stratégie de création en elle-même, la méthodologie propre à l’imagination qui permet de se ressourcer à l’irrationnel. Elle est une science-fiction : une approche narrative bicéphale en mesure de gommer les contradictions qui caractérisent notre contemporanéité schizoïde car capable de véritablement penser autrement. De penser autre part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À l’instar de l’utopiste, l’artiste redéfinit sans cesse de nouvelles manières d’être au monde à travers des usages du réel renouvelés, déployés grâce à des agencements inexplorés du sens et de la matière. Chaque objet ou matériau, aussi quelconque fût-il, a ainsi le potentiel de devenir le protagoniste de mythologies improbables, invoquant cet univers animiste que seul l’enfant semble en mesure de percevoir avec autant d’acuité. Ces nouvelles configurations du vivant, conçues comme un continuum de possibilités et non comme des pôles distincts et dualistes, débordent ainsi dans le champ du non-vivant en modifiant considérablement les rapports séculaires mutuellement exclusifs entre « sujet » de savoir et « objet » de connaissance. Ces frontières taxinomiques qui nous paraissaient hier si étanches se brouillent aujourd’hui au point de rendre poreuse la limite entre le réel et la fiction. À la dissolution du sujet humaniste kantien correspond la prolifération de nouvelles subjectivités en périphérie du « vivant ».</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans cette foulée posthumaniste, c’est tout l’édifice théorique du régime de la visualité qui est ébranlé; régime où le corps est traditionnellement subsumé à la raison que seul l’humain détiendrait. La contemplation de l’objet d’art en tant que représentation du monde et agrégat sémantique fait ici place à une expérience polysensorielle des œuvres, devenues de véritables extensions du corps de celui ou celle qui les appréhende. Guidée par le potentiel narratif et la matérialité des objets qui la composent, l’expérience esthétique devient catalyseur de possibles, générant des cosmologies de significations capables de redéfinir notre relation au monde. Ce n’est peut-être qu’un rêve. Mais si c’est par les moyens de l’imagination collective que nous accédons au futur, comme le prétend Wunenburger, l’art est indéniablement l’oracle de notre temps, le prophète par excellence pour saisir les utopies qui donneront naissance à demain.</p>', 'Pièces détachées —un texte d\'Anne-Marie Dubois', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1603-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:40:42', '2019-06-28 18:40:42', '', 1603, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1603-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4837, 4, '2019-06-28 14:41:07', '2019-06-28 18:41:07', '<span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions<i> <a style=\"color: #000000\" title=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\">Trauma</a> </i>de Joan Fontcuberta et <a style=\"color: #000000\" title=\"Espaces périphériques\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/544/Espaces-peripheriques/\"><em>Espaces périphériques</em></a> de Katia Gosselin.</span>\r\n</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il se passe quelque chose. Il y a des choses. Quelque part. Il y a quelqu’un. Il y a des gens. Et ailleurs c’est la même chose, mais jamais la même chose. C’est commun et unique à la fois. Un lieu. Un angle. Là. Va savoir. Dans le cadre des chambres, il y a des bibelots et des fragments de corps. Il y a des mains. Qu’est-ce qu’elles fabriquent ces mains ? Ces corps nous tournent le dos. Il y a des façades morcelées. Des visages qu’on ne voit pas.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Derrida soutient que, d’après Benjamin, la représentation photographique du visage est la dernière résistance du rituel. « Quand le visage commence à disparaître ou, comme ici, à ne plus occuper le haut ni le centre, s’impose la légende[1]. » Selon la légende, il s’est passé quelque chose. Aussi la légende se passe. Voyez toutes les promesses de mémoire dont les médias se désengagent, archivant leur désuétude, multipliant leur perte. La photographie, elle-même légende, se répète mais ne se sature jamais tout à fait. Derrida, qui a trouvé une carte postale où figurent des philosophes, ne nous dit pas où Benjamin passe ses vacances. Il n’y a pas de vacances pour Benjamin : qu’une longue dérive au seuil qu’est la vie, un regard non convenu sur la singularité en partage, un zoom progressif qui plonge dans les profondeurs d’une époque. Quelqu’un quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et de là, c’est indécidable. Impossible d’arracher quelqu’un à son regard. Mais dans la fixité de l’image, que reste-t-il de l’expérience ? Quelle est la part fictive de la représentation ? Benjamin à la plage entre l’horreur de la disparition et la splendeur de l’existence, ou inversement. Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il du regard ? Il reste du réel et du regard. La photographie que nous regardons. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Que dit-elle, la photo ? Va savoir. La photo se dit. Quand la photo se dit, que reste-t-il ? Outre le déclic, l’instant saisi sur pellicule puis sur papier ; outre la représentation supposée, le temps fait son œuvre à même les surfaces. La photo se dit. Elle se dit au regard. Voilà. Le déclic, l’instant primordial, c’est le regard. Nous entendons : « […] l’éphémère relève désormais d’une véritable \"scopophilie\" (amour du regard) qui envahit les médias et les images »[2]. Voilà ! La photographie se dit soudain. Elle n’est plus l’art de capter l’éphémère. Elle est elle-même art éphémère.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’image éprouvée, l’image comme ombre d’elle-même, parle d’elle, de sa vanité, de sa matérialité. Elle n’est plus surface d’apparat, objet de désir du sens. Elle est lieu de contingence. Son sens ne vient pas d’une ressemblance mais d’une performance, d’une immédiateté. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photo se dit et le regard se creuse comme un visage. Un zoom progressif plonge dans les profondeurs d’une surface. Les masques tombent. Voilà. Voile après voile. Une surface en cache une autre, pareille mais jamais même. D’ici à ce que le temps ou le regard la ravage, la photo ne se représente plus qu’elle-même. Sa matérialité brute et flagrante saisit. Malgré la perdition, une beauté surgit dans son affirmation, à moins que ce ne soit dans l’acte même du regard.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pendant que des escargots indifférents dévorent l’image, Benjamin fait de la voile.</p>\r\n\r\n<div></div>\r\n\r\n<hr align=\"left\" size=\"1\" width=\"33%\" />\r\n\r\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref1\">[1]</a> Jacques Derrida, <i>La Vérité en peinture</i>, Paris, Flammarion, 1978, p. 204.</div>\r\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref2\">[2]</a> Christine Buci-Glucksmann, <i>Esthétique de l\'éphémère</i>, Paris, Galilée, 2003, p. 18.</div>', 'Il se passe quelque chose quand les visages tombent —un texte d\'Hélène Matte', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1569-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:41:07', '2019-06-28 18:41:07', '', 1569, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1569-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4838, 4, '2019-06-28 14:41:24', '2019-06-28 18:41:24', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" title=\"Entre trace et aura\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/476/Entre-trace-aura/\"><em>Entre trace et aura</em></a> de Martin Guimont, Alphiya Joncas et Audrée Demers-Roberge.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce surgissement de l’appareil photographique apparaît comme une pulsion, lorsqu’un lieu et un moment, unique entrelacs, émergent dans le cours du vécu perçu. Notamment, lors de cette expérience <i>auratique</i> de la nature, quand le regard se pose sur elle et qu’elle lève les yeux en retour, semblant réclamer de laisser une trace. La nature semble nous étreindre, par sa perceptibilité ; l’horizon lointain aux lignes sinueuses ou bien l’ombre d’une branche dont l’aura, cercle de vapeur, s’avère encline à se laisser aspirer.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Inapprochable, l’entrelacs d’espace et de temps qu’est l’aura benjaminienne se dérobe sans cesse à l’entendement par la richesse de son ambiguïté et par la pluralité de ses définitions. Walter Benjamin a prédit la défection de l’aura, comme si à chaque prise de vue, elle devenait imperceptible dans l’image mécanisée qui tente de la reproduire. Comment garder la trace de l’aura si la reproduction photographique n’en retient à peine qu’une lointaine émanation lumineuse ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La reproductibilité technique offre le potentiel d’exposer les images, et d’en faire apparaître la proximité, entre elles; entre nous et elles également. Compte tenu de la manière dont les artistes rassemblent les traces de différentes occurrences de la perception <i>auratique</i> – aussi fragmentaires et éloignées soient-elles –, serait-ce dans leur intention que l’aura réapparaît ? L’aura peut alors redevenir perceptible, non pas à la surface des images, mais en émanant de leur rencontre, dans l’espace de jeu qui leur permet d’être ensemble. Ralliées, les photographies, libres de se croiser, de se répéter, de s’interpeller, se prêtent au jeu des artistes, un jeu entre trace et aura.</p>\r\n&nbsp;', 'Entre trace et aura —un texte de Gentiane La France', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1512-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:41:24', '2019-06-28 18:41:24', '', 1512, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1512-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4839, 4, '2019-06-28 14:42:49', '2019-06-28 18:42:49', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" title=\"Trilogie bleue\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/475/Trilogie-bleue/\"><em>Trilogie bleue</em></a> de Shuwei Liu.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je compte les images - 30 images sans secondes, aucun battement du temps. Suspendues et étendues, au vent et sans cadran, comme des drapeaux sans mots. Les images ne se comptent plus ni en secondes ni en heures.<i> </i>Derrière toi, l’illusion de mouvement est délaissée et le monde se fige en ombres bleues et en lumières confuses. Alors c’est moi qui fais les comptes. Je compte jusqu’à 30 et la terre est bleue comme une orange. Je dénombre les lumières et les paysages. J’énumère les personnages, ils se sont déjà détournés. Je dénombre les silhouettes, l’horizon se perd. Il reste un reflet, une surface, une ligne vacante et le vide qui compte triple. J’ai fait les comptes, mais le bleu est inchiffrable. Alors je refais les comptes.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images creusées dans le moment, plongées dans l’indigo.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images séchées au vent du présent.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images bercées dans le bleu de l’enfance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images soufflées par la couleur de l’errance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images figées sur la paroi du monde.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images naviguées hors de portée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je dénombre les images qui s’oublient, je leur dessine des chiffres dans les yeux. Je suis la comptable des images secondes teintées du bleu du monde multiple comme une orange. Chassons le bleu du revers de la main, il reviendra toujours danser sous l’eau, là où il n’y a plus de bateaux. Là, en apnée, le bleu cesse de compter et navigue en creux de vague. Là, tu fais face aux images immenses et partielles, flottantes et figées, cadrées et assidues. Et tu les libères, l’une après l’autre, dans un autre océan.</p>', 'Ensevelir le compte des heures bleues —un texte de Claire Moeder', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1509-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:42:49', '2019-06-28 18:42:49', '', 1509, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1509-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0);
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(4840, 4, '2019-06-28 14:43:49', '2019-06-28 18:43:49', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" title=\"Faux Sites\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/473/Faux-Sites/\"><em>Faux Sites</em></a> de Gisele Amantea et <em><a style=\"color: #000000\" title=\"one stack, three stacks\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/474/one-stack-three-stacks/\">one stack, three stacks</a> </em>de Christopher Boyne.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pour réfléchir à l’humain, Arnold Gehlen, anthropologue et sociologue allemand du XX<sup>e </sup>siècle, a proposé une méthode : le concevoir comme un <i>être lacunaire</i>, physiologiquement déficient et vidé de ses instincts, voué aux mondes compensatoires de la technique et des institutions. Les propositions de Christopher Boyne et de Gisele Amantea renversent ce scénario fataliste, amplifient le réel en y superposant d’autres lignes de fuite, mondes fictifs et mises en doute de nos habitudes de regards.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Quand je regarde l’horizon lointain, je pense aux autres paysages que je verrais si j’y étais. À leur tour, ceux-ci font émerger un tiers espace et ainsi de suite. Ma vision doublée de l’imagination me donne toujours accès aux paysages derrière l’horizon, à ce qui se trouve à l’envers des objets que je côtoie et des espaces que j’habite. Il ne s’agit pas de sensations lacunaires que mes souvenirs viennent colmater, mais bien de la densité de ma propension à sublimer ce qui m’est donné par les sens. C’est l’affect sous-jacent à <i>one stack, three stacks </i>de Christopher Boyne, quand deux photographies de navires trouvées chez un antiquaire deviennent le creuset de toute une population de représentations.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Un court récit comportant des équivalences textuelles rigoureuses accompagne chaque photographie de navire. Saisissant jeu de miroir où les images et les mots sont offerts comme les données heuristiques d’un dispositif fictif. Car c’est bien le récit qui prend le pas, là où la phrase comme mesure logique et close rencontre le langage comme force primaire, spontanée et pragmatique. C’est un tiers espace qui émerge, qui me fait penser le monde dans la perspective du rêve, où les figures du double et l’imaginaire panoramique se dessinent en étendue dans mon rapport au réel.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Faux Sites</i> de Gisele Amantea, une distance entre différents régimes iconographiques se manifeste à ma conscience, comme la tentative de jouer sur les limites de ma connaissance de la culture. Un dessin du hall d’un musée montréalais évoque vaguement une des <i>Prisons imaginaires </i>de Giovanni Battista Piranesi et ses possibilités narratives angoissantes. Un migrant est couché au sol, brutale figure de proue de mon époque. J’appuie mon regard sur sa présence. La vertigineuse architecture recule en marge, mais ne cesse jamais d\'être là. On m’a dit par le passé qu’un musée est un <i>temple du beau</i>. Pourtant, à partir du moment où je pense ce refuge comme plénitude absolue, je le soustrais de l’envers et de l’endroit de mon monde massif. Le migrant m’y ramène dans tous les plans.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et d’autres images m’incitent encore à récuser mes croyances. Cagoulées, les Pussy Riot dans un souk d’Alep mettent en évidence les problèmes qui se posent à ma vision occidentale, tracent une ligne poreuse sur la valeur culturelle des choses. Les énergies en place – oppositions, déplacements, mélanges – ne rencontrent plus les difficultés dressées par certains de mes principes culturels privilégiant les séparations opaques. Comme elles, je veux renouer avec une fréquentation naïve du monde, ne plus être absolument étrangère à ces métissages. Sublimer, rêver et fabuler sont bien plus que l’envers d’une répression, mais un agir réel, une mise en récit, un étirement conjoint de mon corps et de ma pensée dans le monde.</p>', 'De la vie lacunaire —un texte de Cynthia Fecteau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1476-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:43:49', '2019-06-28 18:43:49', '', 1476, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1476-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4841, 4, '2019-06-28 14:44:11', '2019-06-28 18:44:11', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/470/Pinel-Nicolet-SQ/\"><em>Pinel – Nicolet – SQ</em></a> d\'Emmanuelle Léonard <em>et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/479/Investigations/\">Investigations</a>.</em></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie décrit moins qu’elle <i>révèle</i>. Capable d’arrêter le temps, d’en fixer la trace, elle prolonge le pouvoir de l’œil humain : voilà bien pourquoi depuis plus d’un siècle, on la croit <i>hypersensible</i>, et pourquoi on lui prête le pouvoir de faire apparaître quelque élément, quelque réalité imperceptible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’histoire de la photographie, on le sait, est toute tissée de cette volonté de capter ce qui échappe à l’œil. Au tournant du XIX<sup>e</sup> siècle, déjà, la technique photographique nous aura permis de détailler le mouvement, de l’immobiliser, d’en comprendre les infimes étapes ; on aura pu comprendre le galop du cheval comme dans les photographies de Muybridge, les circonvolutions des fluides dans les images de Marey. Elle nous aura permis, de même, de saisir les corps et les objets, de les étudier, de les classer comme dans les projets anthropométriques d’identité judiciaire de Bertillon, ou dans les troublantes photographies d’hystériques de Charcot. Ces découvertes nous auront aussi donné l’occasion de rêver, de nous perdre dans des fabulations aussi belles que fantaisistes : et si l’image photographique se montrait capable, en raison de son pouvoir de révélation même, de saisir un monde invisible, doublant le nôtre, un monde d’esprits, de forces ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On sourit désormais de cette idée de <i>monde invisible</i> – et pour cause : nous ne sommes plus à l’ère des médiums et des tables tournantes, peu d’entre nous croient encore aux fantômes, aux ondes, aux esprits. Le temps de la photographie spirite, avec ses auras et ses ombres, semble bel et bien révolu.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, ce monde invisible existe. Il est bien là au milieu du visible, au milieu de nous. Il tient à tout ce qui opère en dessous du visible et ordonne : nos désirs, nos croyances, nos peurs, nos rêves, toutes ces structures qui anticipent et déterminent ce que nous pensons, ce que nous faisons, ce que nous souhaitons, toutes ces structures tiennent, si l’on y pense bien, de l’invisible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À saisir tout sans distinction, à donner à voir bien plus que ce que l’artiste croyait capter, la photographie semble dotée du pouvoir non pas de <i>montrer</i> cet invisible, mais de l’<i>indiquer</i>, d’en souligner le passage, les traces, les effets. À arrêter le regard, la photographie nous force à détailler ces visages, ces espaces ; elle nous force à y chercher ce qui, sans apparaître sur l’image, lui donne sa densité. En cela, la photographie se fait le moyen d’une enquête. D’une investigation, diraient certains.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’une de ces forces invisibles est évidemment le <i>pouvoir</i>, ces rapports de force qui déterminent ce que nous pouvons faire et dire, qui régissent nos comportements et nos gestes ; ceux que nous apprenons dans nos rapports interpersonnels, ceux aussi que l’on nous impose. L’exposition d’Emmanuelle Léonard nous plonge dans des environnements où le pouvoir s’exerce et se transmet. Ces traces sombres sur le mur de cette chambre de Pinel, ce miroir au coin de cette pièce d’entraînement de l’École nationale de police du Québec mal décorée, cette salle d’entretiens glaciale, nous indiquent bien que nous ne sommes plus dans une simple chambre ou dans un banal salon, mais face à la scène d’un théâtre, d’un dispositif où pourra se répéter, se pratiquer, s’enseigner l’exercice d’une autorité, d’un pouvoir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce pouvoir s’apprend comme il se distribue par le biais du corps : celui que l’on entraîne, celui qu’on dissèque, que l’on sonde pour mieux le comprendre. La photographie de Léonard, descriptive, laisse ces espaces dépeuplés à leur silence : au bout d’un certain temps – celui du regard – c’est l’imagination du spectateur qui donne une voix à ces traces, imaginant les scènes qui s’y sont jouées, les gestes qui furent posés, ceux qui y furent appris, puis reproduits.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le livre photo permet d’élaborer des projets photographiques profitant de la spécificité du médium livresque, des projets travaillant, justement, sur ce qui ne saurait se réduire au visible. À la reproductibilité technique qu’offre le médium du livre, le livre photo permet, de même, de bâtir un univers ayant sa propre cohérence, un monde où la succession des images prolonge et parfois redouble leur portée singulière. En cela, et comme par définition, il rend compte d’un processus d’investigation que l’artiste nous offre comme un dossier à regarder, à lire, à feuilleter, à fréquenter, jusqu’à voir affleurer, lentement, ce qui donne son poids au visible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Investigations</i>, quelque chose se manifeste, quelque chose que l’image photographique fait surgir, révèle : la violence de certains rapports humains, violence <i>qui s’indique</i> dans des regards, des postures ; la poésie de ces lieux que l’éblouissement de notre propre époque nous empêche de voir ; l’intimité, celle qui n’est pas faite pour être vue, ni dite, mais qui se découvre dans des expressions, des moments que la photographie trahit.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie révèle, disions-nous d’emblée. Dans notre ère de la vitesse et de l’urgence, celle aussi de la visibilité médiatique, elle nous prie de nous arrêter. À faire pause, au creux de ce silence, nous pourrons entendre son murmure : « Il est un autre monde. Regarde bien… »</p>', 'La photographie et l’invisible —un texte de Maxime Coulombe', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1435-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:44:11', '2019-06-28 18:44:11', '', 1435, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1435-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4842, 4, '2019-06-28 14:46:42', '2019-06-28 18:46:42', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition Ensemble.</span></p>\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Tu m’as dit : « Écrire est un souffle », la suggestion d’un rythme, entre le vide et le plein, l’énonciation et l’écoute.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">J’écoutais. Tes paroles inscrites dans l’épaisseur de l’air. Souffle-matière jusqu’à mon oreille. J’avais traîné mon carnet pour noter des pensées que je n’ai finalement jamais écrites. Je me revois plutôt racler le sable et ensevelir ce carnet comme s’il s’agissait d’un os.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Tu appelais une réponse. Je t’ai répondu en répétant tes mots comme une question, contre le mur blanc du brouillard. Une invitation : sondons ce qui veut se dire à même le creuset des mots échangés. Sachons reconnaître ces formes-là qui se dessinent pour mieux s’effacer. Préserver le commun dans sa manifestation la plus précaire, en sommes-nous capables ?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Nous n’avons pas cherché, ce jour-là. Nous avons simplement parlé des œuvres que nous connaissons, que nous aimons comme des amies. Celles qui nous préexistent et celles en devenir, d’autres qui naissent et qui meurent avant même que nous puissions les voir. Nous avons parlé des images qui nous accompagnent, mais surtout de celles qui nous relient. À l’intérieur et autour d’elles, nous avons rôdé. Nous nous sommes introduites ensemble dans une mine d’air, de lumière et de sel, pour un rendez-vous furtif. C’est alors que s’est chargée la matière des mots, latente, en suspens pour la suite.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Il semble qu’une œuvre soit toujours déjà pleine à craquer d’êtres-en-présence. Dans une même image s’énoncent simultanément la lumière et l’ombre ; des humains qui se prolongent dans des gestes et des regards ; des plats – compotiers, sucriers, chandeliers – aussi bavards que les piles de photographies, prêts à recevoir les fruits à ingérer, à partager ; la face du Soleil ou de Dieu parfaitement lissée sur un panneau publicitaire, qui aveugle et réunit une communauté secrète ; ce qui se presse à la surface d’une feuille d’or et qui finit par se dire ou par se taire. Ultimement, il n’y aurait donc que cela, des œuvres aux signatures plurielles, qui arrivent avec ce qui les précède et les seconde. Jusqu’à ces yeux-là qui, plus tard, reçoivent l’image, la tirent de son monde pour l’enchaîner délicatement à d’autres ensembles, encore et encore. Recevoir, décanter, relayer.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Une ponction suave dans le cours des rencontres. L’art transperce, jusqu’à cet espace en creux où survivent les assemblages les plus ténus. La pensée tremble, les pupilles virent vers l’intérieur. Vers une cavité passive aménagée pour accueillir et composer avec la voix de l’autre et l’entendre peut-être enfin. Mesurer ce qu’elle remue en soi. Faisons-le ensemble ; déjà, nous ne savons plus où creuser ni où faire le guet. Renversons l’approche ; l’énigme nous tombe entre les mains – pierre muette. Avec son poids, sa part d’ombre. Le lieu depuis lequel nous la recevons est fait d’une matière semblable ; notre attention est obscure, vibrante, patiente, prête à se lier malgré les distances.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Nous sommes parties, avons laissé le carnet derrière, parfaitement recouvert de sable roux. Sous un monticule, nous avons sécurisé un espace d’attention. Une moelle tendre, pas tout à fait un silence, d’où s’entendre. Il n’est sans doute plus important de savoir qui tu es ou qui je suis. Nos voix emboîtées sont devenues le vent. Nos paroles ne nous appartiennent plus. Il suffit peut-être alors de palper l’écran de brume pour retrouver les fils, les perles de nos paroles assimilées l’une à l’autre, l’une avalant l’autre, du rouge au blanc, du blanc au rouge, sans ordre prédéfini.</p>\n« Je te suis. »', 'Ensemble', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1341-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:46:42', '2019-06-28 18:46:42', '', 1341, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1341-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4843, 4, '2019-06-28 14:47:03', '2019-06-28 18:47:03', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition Ensemble.</span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Tu m’as dit : « Écrire est un souffle », la suggestion d’un rythme, entre le vide et le plein, l’énonciation et l’écoute.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">J’écoutais. Tes paroles inscrites dans l’épaisseur de l’air. Souffle-matière jusqu’à mon oreille. J’avais traîné mon carnet pour noter des pensées que je n’ai finalement jamais écrites. Je me revois plutôt racler le sable et ensevelir ce carnet comme s’il s’agissait d’un os.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Tu appelais une réponse. Je t’ai répondu en répétant tes mots comme une question, contre le mur blanc du brouillard. Une invitation : sondons ce qui veut se dire à même le creuset des mots échangés. Sachons reconnaître ces formes-là qui se dessinent pour mieux s’effacer. Préserver le commun dans sa manifestation la plus précaire, en sommes-nous capables ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Nous n’avons pas cherché, ce jour-là. Nous avons simplement parlé des œuvres que nous connaissons, que nous aimons comme des amies. Celles qui nous préexistent et celles en devenir, d’autres qui naissent et qui meurent avant même que nous puissions les voir. Nous avons parlé des images qui nous accompagnent, mais surtout de celles qui nous relient. À l’intérieur et autour d’elles, nous avons rôdé. Nous nous sommes introduites ensemble dans une mine d’air, de lumière et de sel, pour un rendez-vous furtif. C’est alors que s’est chargée la matière des mots, latente, en suspens pour la suite.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il semble qu’une œuvre soit toujours déjà pleine à craquer d’êtres-en-présence. Dans une même image s’énoncent simultanément la lumière et l’ombre ; des humains qui se prolongent dans des gestes et des regards ; des plats – compotiers, sucriers, chandeliers – aussi bavards que les piles de photographies, prêts à recevoir les fruits à ingérer, à partager ; la face du Soleil ou de Dieu parfaitement lissée sur un panneau publicitaire, qui aveugle et réunit une communauté secrète ; ce qui se presse à la surface d’une feuille d’or et qui finit par se dire ou par se taire. Ultimement, il n’y aurait donc que cela, des œuvres aux signatures plurielles, qui arrivent avec ce qui les précède et les seconde. Jusqu’à ces yeux-là qui, plus tard, reçoivent l’image, la tirent de son monde pour l’enchaîner délicatement à d’autres ensembles, encore et encore. Recevoir, décanter, relayer.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Une ponction suave dans le cours des rencontres. L’art transperce, jusqu’à cet espace en creux où survivent les assemblages les plus ténus. La pensée tremble, les pupilles virent vers l’intérieur. Vers une cavité passive aménagée pour accueillir et composer avec la voix de l’autre et l’entendre peut-être enfin. Mesurer ce qu’elle remue en soi. Faisons-le ensemble ; déjà, nous ne savons plus où creuser ni où faire le guet. Renversons l’approche ; l’énigme nous tombe entre les mains – pierre muette. Avec son poids, sa part d’ombre. Le lieu depuis lequel nous la recevons est fait d’une matière semblable ; notre attention est obscure, vibrante, patiente, prête à se lier malgré les distances.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Nous sommes parties, avons laissé le carnet derrière, parfaitement recouvert de sable roux. Sous un monticule, nous avons sécurisé un espace d’attention. Une moelle tendre, pas tout à fait un silence, d’où s’entendre. Il n’est sans doute plus important de savoir qui tu es ou qui je suis. Nos voix emboîtées sont devenues le vent. Nos paroles ne nous appartiennent plus. Il suffit peut-être alors de palper l’écran de brume pour retrouver les fils, les perles de nos paroles assimilées l’une à l’autre, l’une avalant l’autre, du rouge au blanc, du blanc au rouge, sans ordre prédéfini.</p>\r\n« Je te suis. »', 'Ensemble —un texte de Caroline Loncol Daigneault et Anne-Marie Proulx', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1341-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:47:03', '2019-06-28 18:47:03', '', 1341, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1341-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4844, 4, '2019-06-28 14:48:35', '2019-06-28 18:48:35', 'Devant nous s’étale une suite de tableaux composés d’un assemblage de miroirs disposés de manière à évacuer tout point de repère spatial. Comme animée d’un rythme qui lui est propre, cette forme réfléchissante se recompose en battements. D’abord en une position de flottement, presque en lévitation. Puis, les bords s’agencent en équilibre pour permettre au temps de s’imprégner sur eux, lentement. Enfin, dans une série de pulsations saccadées, l’ensemble revient en son centre, se replie et laisse entrevoir une perspective sans fin. À chacun des battements, un événement.\n\nÀ chaque étape de son déploiement, cet étrange capteur fixe un instant, un point de vue unique qui ne saurait exactement se répéter. Pendant que la structure découpe des morceaux de visible, elle ne cesse de se réarranger, en magnifiant le plus petit fragment. Chaque face renvoie une géométrie précieuse qui miroite comme une gemme. Néanmoins, c’est dans la fragilité des surfaces et de ce qu’elles réfléchissent que tient leur préciosité.\n\nÀ la moindre variation de lumière, l’image s’évanouit pour en produire une autre et ainsi remonter le temps. Ce délicat support ne retiendra rien en lui-même, il laisse voir simplement. Il rappelle cette boîte à vision qu’est le kaléidoscope en opérant le remontage constant d’un espace perceptible dans son instabilité et sa malléabilité. Plus encore, les infinies configurations évoquées ne font pas que multiplier les symétries possibles, elles font apparaître le temps, en cadences simultanées.\n\nC’est donc par l’intermédiaire de la captation photographique d’un objet insituable que l’on est censé voir l’espace. On ne saisira finalement que la teneur et la temporalité de ce dernier. Et cet espace, s’il est lignes, lumière, chaleur et durée, n’est pourtant ni territoire ni lieu.\n\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Texte pour l’exposition <em><a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/426/\">Contre-espaces (déploiements)</a> </em>de Caroline Cloutier, présentée à VU du 6 mai au 5 juin 2016.</span>', 'L\'espace d\'un battement', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1284-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:48:35', '2019-06-28 18:48:35', '', 1284, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1284-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4845, 4, '2019-06-28 14:49:24', '2019-06-28 18:49:24', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Contre-espaces (déploiements) de Caroline Cloutier.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nDevant nous s’étale une suite de tableaux composés d’un assemblage de miroirs disposés de manière à évacuer tout point de repère spatial. Comme animée d’un rythme qui lui est propre, cette forme réfléchissante se recompose en battements. D’abord en une position de flottement, presque en lévitation. Puis, les bords s’agencent en équilibre pour permettre au temps de s’imprégner sur eux, lentement. Enfin, dans une série de pulsations saccadées, l’ensemble revient en son centre, se replie et laisse entrevoir une perspective sans fin. À chacun des battements, un événement.\r\n\r\nÀ chaque étape de son déploiement, cet étrange capteur fixe un instant, un point de vue unique qui ne saurait exactement se répéter. Pendant que la structure découpe des morceaux de visible, elle ne cesse de se réarranger, en magnifiant le plus petit fragment. Chaque face renvoie une géométrie précieuse qui miroite comme une gemme. Néanmoins, c’est dans la fragilité des surfaces et de ce qu’elles réfléchissent que tient leur préciosité.\r\n\r\nÀ la moindre variation de lumière, l’image s’évanouit pour en produire une autre et ainsi remonter le temps. Ce délicat support ne retiendra rien en lui-même, il laisse voir simplement. Il rappelle cette boîte à vision qu’est le kaléidoscope en opérant le remontage constant d’un espace perceptible dans son instabilité et sa malléabilité. Plus encore, les infinies configurations évoquées ne font pas que multiplier les symétries possibles, elles font apparaître le temps, en cadences simultanées.\r\n\r\nC’est donc par l’intermédiaire de la captation photographique d’un objet insituable que l’on est censé voir l’espace. On ne saisira finalement que la teneur et la temporalité de ce dernier. Et cet espace, s’il est lignes, lumière, chaleur et durée, n’est pourtant ni territoire ni lieu.\r\n\r\n&nbsp;', 'L\'espace d\'un battement —un texte de Emmanuelle Choquette', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1284-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:49:24', '2019-06-28 18:49:24', '', 1284, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1284-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4846, 4, '2019-06-28 14:51:11', '2019-06-28 18:51:11', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Moirés et automoirés de Jocelyn Robert.</span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">au plus près __ personne __ peu de choses __ des objets __ sous la main __ moi __ une lampe __ bleue __ composite __ vis-à-vis __ une montre __ rouge __ composite __ tout autant __ d’autres objets __ assemblés __ perpendiculaire __ une plume __ tu cherches __ la\nligne d’horizon __ un coupe-ongles __ rasoir __ sur une table __ d’opération __ de cuisine __ d’atelier __ un homme __ un titre __ numéroté __ l’art numérique __ une géométrie __ particulière __ je ne fais __ jamais __ attention __ à la résolution __ j’agrandis __ je recadre __ superpose __ coïncide __ ainsi __ de même __ un appel __ à l’addition __ une expérience de la surface __ des nombres __ ce que nous sommes __ sans dégradés __ et moindres __ c’est variable __ jusqu’à douze __ après __ tu perds la lumière __ le contenu __ similaire __ dans Google __ une enquête est possible __ quatre ou cinq __ la base __ +1 __ +2 __ qui suis-je se dissout __ apparaissent des ressemblances __ des apparences __ des dissemblances __ des apparats __ data __ l’un sur l’autre __ vaillance de genres __ andro __ Anciens __ Rubens __ Rembrandt __ Nunes __</p>\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">Marey __ Vernier __ +1 __ +2 __ Robert __ un type __ en stéréo __ des tueurs __ recherchés __ non identifiés __ une galerie __ une expertise __ une autorité __ ici __ capture __ cimaise __ un coin __ agora __ peut-être une table __ livre ouvert __ ou pas __ livre ouvert __ bis __ ombilic __ stabile __ mobile __ toujours\nmobile __ changement d’échelle __ de détails __ battements __ d’interférence __ des indices __ interstices __ des espaces __ Berlin __ moirés __ bougés __ les mêmes __ infinitum __ p __ égale __ un pas __ fond noir __ généreux __ sérieux __ un angle __ à</p>\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">côté __ régie __ studio __ grotte __ baroque __ un piano __ adjacent __ des bélugas __ beauté __ fondamentale __ minimaliste __ réaliste __ nommer __ Klee __ le réflexe de l’unité __ la science n’est pas unifiée __ moi non plus __ disponible au hasard __ je revois __ je relativise __ j’analyse</p>\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">j’analyse __ je synthétise __ si nécessaire</p>\n&nbsp;', 'Moirés et automoirés', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1234-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:51:11', '2019-06-28 18:51:11', '', 1234, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1234-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4847, 4, '2019-06-28 14:51:30', '2019-06-28 18:51:30', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Moirés et automoirés de Jocelyn Robert.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">au plus près __ personne __ peu de choses __ des objets __ sous la main __ moi __ une lampe __ bleue __ composite __ vis-à-vis __ une montre __ rouge __ composite __ tout autant __ d’autres objets __ assemblés __ perpendiculaire __ une plume __ tu cherches __ la\r\nligne d’horizon __ un coupe-ongles __ rasoir __ sur une table __ d’opération __ de cuisine __ d’atelier __ un homme __ un titre __ numéroté __ l’art numérique __ une géométrie __ particulière __ je ne fais __ jamais __ attention __ à la résolution __ j’agrandis __ je recadre __ superpose __ coïncide __ ainsi __ de même __ un appel __ à l’addition __ une expérience de la surface __ des nombres __ ce que nous sommes __ sans dégradés __ et moindres __ c’est variable __ jusqu’à douze __ après __ tu perds la lumière __ le contenu __ similaire __ dans Google __ une enquête est possible __ quatre ou cinq __ la base __ +1 __ +2 __ qui suis-je se dissout __ apparaissent des ressemblances __ des apparences __ des dissemblances __ des apparats __ data __ l’un sur l’autre __ vaillance de genres __ andro __ Anciens __ Rubens __ Rembrandt __ Nunes __</p>\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">Marey __ Vernier __ +1 __ +2 __ Robert __ un type __ en stéréo __ des tueurs __ recherchés __ non identifiés __ une galerie __ une expertise __ une autorité __ ici __ capture __ cimaise __ un coin __ agora __ peut-être une table __ livre ouvert __ ou pas __ livre ouvert __ bis __ ombilic __ stabile __ mobile __ toujours\r\nmobile __ changement d’échelle __ de détails __ battements __ d’interférence __ des indices __ interstices __ des espaces __ Berlin __ moirés __ bougés __ les mêmes __ infinitum __ p __ égale __ un pas __ fond noir __ généreux __ sérieux __ un angle __ à</p>\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">côté __ régie __ studio __ grotte __ baroque __ un piano __ adjacent __ des bélugas __ beauté __ fondamentale __ minimaliste __ réaliste __ nommer __ Klee __ le réflexe de l’unité __ la science n’est pas unifiée __ moi non plus __ disponible au hasard __ je revois __ je relativise __ j’analyse</p>\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">j’analyse __ je synthétise __ si nécessaire</p>\r\n&nbsp;', 'Moirés et automoirés —un texte de Chantal Neveu', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1234-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:51:30', '2019-06-28 18:51:30', '', 1234, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1234-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4848, 4, '2019-06-28 14:54:24', '2019-06-28 18:54:24', 'Texte pour l’exposition Fading de Elis Hoffman.\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify;line-height: 25px\">On voit l’arme, la plaie, l’œil clos. On ne voit pas la marche silencieuse qui s’avance sur le pays, la main diaphane qui patiemment délave les herbes, abaisse les paupières. Non plus les lames de fond qui sourdement opèrent en deçà des identités qu’elles chavirent et transfigurent. En chaque être, en chaque lieu, rôde un silence. Par échos visuels, des broussailles aux corps malades, Elis Hoffman relève en l’enveloppant ce noyau commun, qui va subrepticement gagner la surface. On perçoit alors les saillies, les dernières exhalaisons, la vie qui se retire vers l’intérieur. Puis une poésie souterraine qui d’une tendre et lente attention aux choses remonte jusqu’au cœur. C’est ce même silence qui scelle les images, les arrache aux bavardages et aux bruissements du monde, qui les presse doucement sur le plan étale du papier photo pour en extraire les jus. Elles ne tiennent pas à grand-chose, ces images, tout près du basculement, de l’évaporation. Un rien les ferait détaler. Et pourtant, en chacune, les secondes s’étirent, une pierre respire. Le principe d’effacement qui balaie <i>Fading</i> n’évide en rien les images, pas plus qu’il ne les affaiblit. Les formes qui se meurent, on le constate, réinventent, ruminent jusqu’au bout leurs visages et leur poids. Même la mort fait tache. Les photographies d’Elis Hoffman sont ainsi inversement proportionnelles au déclin des choses : s’il y a saignée, elles s’abreuvent. Si le voile s’abîme, se déchire, patiemment, elles se gorgent de lumière.</p>\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: right\">\n\n\n</p>', 'De ce qui s’effondre tout apprendre', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1201-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 14:54:24', '2019-06-28 18:54:24', '', 1201, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1201-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4849, 4, '2019-06-28 14:55:16', '2019-06-28 18:55:16', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Fading de Elis Hoffman.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify;line-height: 25px\">On voit l’arme, la plaie, l’œil clos. On ne voit pas la marche silencieuse qui s’avance sur le pays, la main diaphane qui patiemment délave les herbes, abaisse les paupières. Non plus les lames de fond qui sourdement opèrent en deçà des identités qu’elles chavirent et transfigurent. En chaque être, en chaque lieu, rôde un silence. Par échos visuels, des broussailles aux corps malades, Elis Hoffman relève en l’enveloppant ce noyau commun, qui va subrepticement gagner la surface. On perçoit alors les saillies, les dernières exhalaisons, la vie qui se retire vers l’intérieur. Puis une poésie souterraine qui d’une tendre et lente attention aux choses remonte jusqu’au cœur. C’est ce même silence qui scelle les images, les arrache aux bavardages et aux bruissements du monde, qui les presse doucement sur le plan étale du papier photo pour en extraire les jus. Elles ne tiennent pas à grand-chose, ces images, tout près du basculement, de l’évaporation. Un rien les ferait détaler. Et pourtant, en chacune, les secondes s’étirent, une pierre respire. Le principe d’effacement qui balaie <i>Fading</i> n’évide en rien les images, pas plus qu’il ne les affaiblit. Les formes qui se meurent, on le constate, réinventent, ruminent jusqu’au bout leurs visages et leur poids. Même la mort fait tache. Les photographies d’Elis Hoffman sont ainsi inversement proportionnelles au déclin des choses : s’il y a saignée, elles s’abreuvent. Si le voile s’abîme, se déchire, patiemment, elles se gorgent de lumière.</p>', 'De ce qui s’effondre tout apprendre —un texte de Caroline Loncol Daigneault', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1201-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:55:16', '2019-06-28 18:55:16', '', 1201, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1201-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4850, 4, '2019-11-01 12:37:57', '2019-11-01 16:37:57', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Shade and Shelter de Jonas St.Michael</span>.\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Être là devant ce qu’on ne nous donne pas à voir; faire irruption dans la scène qui se déploie, sans rythme, comme si une pause s’était amorcée.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ce sont les couleurs du silence, celles auxquelles on pense après la pluie et qui nous laissent sans voix. Ou alors, c’est plutôt l’arrêt, ce fragment de temps qui nous sépare d’un détournement éventuel. Cet espace temporel où l’on est invisible à l’autre, où l’idée seule de notre présence ne s’est pas encore manifestée.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et ce sont ces regards qui frappent, perdus dans un infini qui transcende l’image. On voudrait percer ce mystère, fouler l’espace pour cerner ce néant et empêcher qu’il ne s’affaisse. Mais toujours des ombres longues, des traces au sol ou bien un sentiment d’absence imprégné dans chaque pièce nous ramènent vers une déréliction envahissante, une impression de solitude spirituelle.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’exil des regards nous confronte à la distance et fait de chacun de nos pas une intrusion plus profonde. Un questionnement subsiste : notre présence est-elle de mise?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ne reste donc plus, derrière ces visages et ces scènes, que le triomphe d’une nuit morale, la réprobation obligatoire des certitudes et le confinement à l’inquiétude. Se trame alors le tableau d’une errance aliénée, à mi-chemin entre le rêve et la perdition. L’immensité du vide se ressent, l’âme des sujets se déploie dure et lancinante, mais aussi pleine d’humanité.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Sans trop se questionner sur l’état de ces personnages presque éteints, on perçoit l’abandon : c’est le portrait de l’inertie.</p>', 'S’abriter de l’indolence —un texte d\'Hubert Gaudreau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1146-autosave-v1', '', '', '2019-11-01 12:37:57', '2019-11-01 16:37:57', '', 1146, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1146-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4851, 4, '2019-06-28 14:59:23', '2019-06-28 18:59:23', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Shade and Shelter de Jonas St.Michael</span>.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Être là devant ce qu’on ne nous donne pas à voir; faire irruption dans la scène qui se déploie, sans rythme, comme si une pause s’était amorcée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce sont les couleurs du silence, celles auxquelles on pense après la pluie et qui nous laissent sans voix. Ou alors, c’est plutôt l’arrêt, ce fragment de temps qui nous sépare d’un détournement éventuel. Cet espace temporel où l’on est invisible à l’autre, où l’idée seule de notre présence ne s’est pas encore manifestée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et ce sont ces regards qui frappent, perdus dans un infini qui transcende l’image. On voudrait percer ce mystère, fouler l’espace pour cerner ce néant et empêcher qu’il ne s’affaisse. Mais toujours des ombres longues, des traces au sol ou bien un sentiment d’absence imprégné dans chaque pièce nous ramènent vers une déréliction envahissante, une impression de solitude spirituelle.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’exil des regards nous confronte à la distance et fait de chacun de nos pas une intrusion plus profonde. Un questionnement subsiste : notre présence est-elle de mise?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ne reste donc plus, derrière ces visages et ces scènes, que le triomphe d’une nuit morale, la réprobation obligatoire des certitudes et le confinement à l’inquiétude. Se trame alors le tableau d’une errance aliénée, à mi-chemin entre le rêve et la perdition. L’immensité du vide se ressent, l’âme des sujets se déploie dure et lancinante, mais aussi pleine d’humanité.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Sans trop se questionner sur l’état de ces personnages presque éteints, on perçoit l’abandon : c’est le portrait de l’inertie.</p>', 'S’abriter de l’indolence —un texte d\'Hubert Gaudreau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1146-revision-v1', '', '', '2019-06-28 14:59:23', '2019-06-28 18:59:23', '', 1146, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1146-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4852, 4, '2019-11-01 15:09:49', '2019-11-01 19:09:49', '<b><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/sur-la-trace-du-renard/\">Sur la trace du renard</a> de Louis Perreault.</span></b>\n\n&nbsp;\n\nDepuis ses toutes premières images, <strong>Jessica Auer</strong> montre un intérêt évident pour la domestication grandissante des sites naturels. Loin de chercher à déconstruire le prestige du paysage et la notion de sublime qui lui semble attachée, elle s’emploie plutôt à traquer les manifestations actuelles de son existence pérenne, grâce à sa conversion en stéréosites, c’est-à-dire en constructions préétabliees, en quelque sorte, préparées depuis les points de vue que l’on aménage pour qu’il soit perçu selon certains angles et sous un jour avantageux. Cela vaut pour une grande part de ses œuvres.\n\nMais, ici, dans le cas des œuvres photographiques et vidéographiques présentées dans le cadre de <em>Studies on How to View Landscape</em>, la photographe a converti ses préoccupations en une forme de leçon du regard.  Dans chacune des pièces montrées, le paysage forme la toile de fond. En avant-plan, ce sont plutôt les regardeurs qui constituent le point focal de toute l’entreprise. Tels quels, ils apparaissent un rien disruptifs, déplacés. Nous sommes en effet habitués à voir sans humains les images de tels lieux, pour mieux en mesurer la majesté. Car l’expérience du sublime représente la possibilité de toucher à une forme d’idéalité qui transcende la présence humaine et nous rassure sur un certain divin.\n\nLes œuvres vidéographiques vont encore plus loin. En celles-ci, les touristes passent, vont, viennent, se prennent en photo, admirent et s’extasient selon des formes convenues. Notre propre réaction, qui serait sans doute à la mesure des leurs, s’en trouve donc désamorcée. Nous en venons à la conclusion que, devant une telle domestication, le paysage perd en majesté et devient forme patentée.', 'Jessica Auer : La nature sécularisée —un texte de Sylvain Campeau', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '506-autosave-v1', '', '', '2019-11-01 15:09:49', '2019-11-01 19:09:49', '', 506, 'http://vuphoto.org/fr/articles/506-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4853, 4, '2019-06-28 15:12:00', '2019-06-28 19:12:00', 'Les grands papiers voyagent enroulés.\n\nElle a soupesé les bleus d’architecte lestés de bois et d\'ammoniac. Se tournant vers la lumière, elle projeta son regard dans le tube, au travers des coupes et des élévations. En tirant, en tapant le rouleau, les laminages semblaient vouloir se dilater un peu, hors foyer.\n<p style=\"text-align: justify\">L’espace se déploie dans les piles de pages télescopées les unes autour des autres. S’additionnant, les impressions appellent un grand vide, d’un bleu d’encre. Un bleu saturé, sans échelles ni repères. Un monde pourtant jalonné de cartouches, de légendes et de raccordements de tubes, emboutis dans toutes les directions.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le temps qu\'il faut, les vues en plans ont séjourné dans l’espace, bavant dans les marges. Le bleu profond s’est installé à demeure dans l’atelier, comme un postulat d’infini entre les murs. Demain et les autres jours, elle pourrait dérouler ce bleu-là et peut-être en fouler les feuillets, creuser latéralement. L’installation va s’installer dans la poussière. Les miroirs des télescopes vont se retourner et les cartes montrer leur épaisseur. Le temps pourrait lui aussi ne plus savoir encadrer la suite des choses.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Les architectes du ciel se partagent l’infini. Juste en retrait des bornes plantées dans le monde, c’est quelque part en eux qu’ils prennent appui pour trianguler les perspectives, se les relayant et les retournant sur elles-mêmes. Pour seul uniforme, ils arborent des bleus aux genoux, aux coudes, puis les portent dans la tête. Comme les sceaux de ceux qui cherchent au loin et qui défont les sceaux.</p>\n<img src=\"http://vuphoto.org/workspace/uploads/2014/05/blanc.gif\" alt=\"\" width=\"1\" height=\"10\" />\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Texte pour l’exposition <em><a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/403/Trou-noir-rituels-familiaux/\">Trou noir et rituels familiaux</a> </em>de Stéphanie Roland, présentée à VU du 23 octobre au  22 novembre 2015.</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Née en 1984, Stéphanie Roland vit et travaille principalement à Bruxelles, mais aussi autour du monde au rythme des résidences d\'artistes auxquelles elle participe activement. Elle y développe un travail multidisciplinaire et des expérimentations autour de l\'image photographique, en questionnant l\'aspect fictionnel du médium et son rapport au cinéma. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions à l\'international, notamment à Los Angeles, Buenos Aires, Barcelone et Athènes. Diplômée de l\'École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre, elle est également récipiendaire d\'un grand nombre de prix et bourses, notamment la bourse de la Fondation de la Vocation, le Prix Médiatine du public et le Full Contact Award 2012 du festival international de photographie Scan de Tarragone. Elle a récemment été mise en nomination pour le Prix HSBC pour la Photographie ainsi que pour le prix Oskar Barnack Leica.</span>\n\n</p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">François Mathieu est d\'abord passé par la philosophie avant de se consacrer aux arts plastiques, qu\'il pratique maintenant depuis vingt-cinq ans. On le connaît principalement comme sculpteur. Il est également chargé de cours à l\'École des arts visuels de l\'Université Laval. Suivant la parution d\'un essai sur les cloches d\'église, chez Septentrion en 2010, il a publié un livre d\'artiste aux éditions J\'ai VU en 2011. Il vit et travaille à St-Sylvestre, au sud de Québec.</span></p>', 'Les grands papiers', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1035-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 15:12:00', '2019-06-28 19:12:00', '', 1035, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1035-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4854, 4, '2019-06-28 15:13:10', '2019-06-28 19:13:10', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Trou noir et rituels familiaux de Stéphanie Roland.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes grands papiers voyagent enroulés.\r\n\r\nElle a soupesé les bleus d’architecte lestés de bois et d\'ammoniac. Se tournant vers la lumière, elle projeta son regard dans le tube, au travers des coupes et des élévations. En tirant, en tapant le rouleau, les laminages semblaient vouloir se dilater un peu, hors foyer.\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’espace se déploie dans les piles de pages télescopées les unes autour des autres. S’additionnant, les impressions appellent un grand vide, d’un bleu d’encre. Un bleu saturé, sans échelles ni repères. Un monde pourtant jalonné de cartouches, de légendes et de raccordements de tubes, emboutis dans toutes les directions.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le temps qu\'il faut, les vues en plans ont séjourné dans l’espace, bavant dans les marges. Le bleu profond s’est installé à demeure dans l’atelier, comme un postulat d’infini entre les murs. Demain et les autres jours, elle pourrait dérouler ce bleu-là et peut-être en fouler les feuillets, creuser latéralement. L’installation va s’installer dans la poussière. Les miroirs des télescopes vont se retourner et les cartes montrer leur épaisseur. Le temps pourrait lui aussi ne plus savoir encadrer la suite des choses.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Les architectes du ciel se partagent l’infini. Juste en retrait des bornes plantées dans le monde, c’est quelque part en eux qu’ils prennent appui pour trianguler les perspectives, se les relayant et les retournant sur elles-mêmes. Pour seul uniforme, ils arborent des bleus aux genoux, aux coudes, puis les portent dans la tête. Comme les sceaux de ceux qui cherchent au loin et qui défont les sceaux.</p>', 'Les grands papiers —un texte de François Mathieu', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1035-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:13:10', '2019-06-28 19:13:10', '', 1035, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1035-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0);
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(4855, 4, '2019-06-28 15:14:33', '2019-06-28 19:14:33', '<p style=\"text-align: justify\">Faisant de sa pratique visuelle un espace d’exploration et de négociation de son identité fractionnée, Jinyoung Kim présente une combinaison d’œuvres réalisées en Corée du Sud. Leur rassemblement dresse un portrait personnel du lien qu’entretient l’artiste avec la maison de son grand-père, allégorie de l’ancrage identitaire et de relations humaines déterminantes.\n\nKim est retournée dans son pays natal accompagnée de son père, qui n’y avait pas encore remis les pieds depuis son départ vers le Canada. Les clichés de <i>The Fathers in Sanctuary</i> documentent la demeure de son aïeul, l’intérieur comme l’extérieur, qui cristallise chez elle des souvenirs d’un chez-soi bien réel, nourri à distance grâce à la mémoire, mais devenu étranger. Les objets photographiés – des récipients entassés comme des portraits encadrés à la fois anciens et plus récents – soulignent le rythme journalier, mais aussi le temps qui façonne et s’immisce entre les générations. L’autoroute galopante, voire envahissante, qui borne la maison familiale témoigne des changements radicaux qu’ont dû subir les lieux qui, selon l’artiste, restent néanmoins immuables.\n\nAvec <i>Objects on the Rooftop</i>, elle déplace la représentation sur le toit, où des objets usuels sont disposés selon diverses configurations. Ventilateur, briques, chaises et tapis sont parfois regroupés pour simuler une maison imaginaire sans murs. Plus souvent, ces objets sont ironiquement ficelés, comme s’ils étaient prêts à être déménagés ou entreposés pour un temps imprécis. Ils rendent compte d’une absence tout comme d’un désir fondamental de conjuguer endroit d’attachement et quotidien en transformation ou encore de construire un pont qui faciliterait l’union du passé et du présent.\n\nLes études diasporiques insistent particulièrement sur l’apport des technologies dans le maintien et le développement de connexions transnationales parmi les membres d’une communauté déterritorialisée avec ceux demeurés au pays. Au lieu de simuler ce rapprochement partiel que permettent les avancées actuelles, Kim transporte la caméra dans son pays natal afin qu’elle témoigne d’une nostalgie persistante et de cette proximité physique interrompue que même la technologie n’arrivera jamais entièrement à combler.</p>\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 17.1429px\">Texte pour l’exposition <a title=\"Après le pont où se rencontrent les rivières\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/402/Apres-pont-se-rencontrent-les-rivieres/\"><em>Après le pont où se rencontrent les rivières</em></a> de Jinyoung Kim, présentée à VU du 23 octobre au  22 novembre 2015.</span>\n\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 17.1429px\">Jinyoung Kim </span><span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 1.71429\">traduit des histoires qui lui sont personnelles en visions poétiques, où se trouvent condensés des éléments à la fois symboliques et métaphoriques. Son travail résonne avec des expériences du quotidien, auxquelles elle attribue un sens en se les appropriant dans différents contextes. Elle s\'intéresse à l\'identité en lien avec la liminalité et le déplacement. Kim est titulaire d\'un baccalauréat en beaux-arts de l\'université torontoise OCAD et d\'une maîtrise en beaux-arts de l\'Université Concordia. Ses œuvres ont été présentées à Toronto et à Montréal, notamment à la Galerie Leonard-et-Bina-Ellen, à la Galerie Lilian Rodriguez et à l\'Espace Cercle Carré. En 2014, elle a fait partie des candidats pour les Bourses Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain, et a été récipiendaire de la Roloff Beny Foundation Fellowship in Photography. </span>\n\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 1.71429\">Kim vit et travaille à Montréal. </span><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Julie Alary Lavallée prépare actuellement sa thèse de doctorat en histoire de l’art à l’Université Concordia, traitant de l’art contemporain de l’Inde dans le champ des études muséales et diasporiques. Ses recherches portent notamment sur la participation de la diaspora indienne dans le cadre d’expositions nationales d’art contemporain indien. Coordonnatrice aux communications et aux archives du centre OPTICA, elle publie régulièrement dans les revues spécialisées en art contemporain et agit à titre de vice-présidente au sein du conseil d’administration du centre d’artistes Studio XX.</span><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">\n</span>\n\n&nbsp;', 'L\'expérience migratoire temporalisée et spatialisée', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1048-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 15:14:33', '2019-06-28 19:14:33', '', 1048, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1048-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4856, 4, '2019-06-28 15:15:36', '2019-06-28 19:15:36', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Après le pont où se rencontrent les rivières de Jinyoung Kim.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Faisant de sa pratique visuelle un espace d’exploration et de négociation de son identité fractionnée, Jinyoung Kim présente une combinaison d’œuvres réalisées en Corée du Sud. Leur rassemblement dresse un portrait personnel du lien qu’entretient l’artiste avec la maison de son grand-père, allégorie de l’ancrage identitaire et de relations humaines déterminantes.\r\n\r\nKim est retournée dans son pays natal accompagnée de son père, qui n’y avait pas encore remis les pieds depuis son départ vers le Canada. Les clichés de <i>The Fathers in Sanctuary</i> documentent la demeure de son aïeul, l’intérieur comme l’extérieur, qui cristallise chez elle des souvenirs d’un chez-soi bien réel, nourri à distance grâce à la mémoire, mais devenu étranger. Les objets photographiés – des récipients entassés comme des portraits encadrés à la fois anciens et plus récents – soulignent le rythme journalier, mais aussi le temps qui façonne et s’immisce entre les générations. L’autoroute galopante, voire envahissante, qui borne la maison familiale témoigne des changements radicaux qu’ont dû subir les lieux qui, selon l’artiste, restent néanmoins immuables.\r\n\r\nAvec <i>Objects on the Rooftop</i>, elle déplace la représentation sur le toit, où des objets usuels sont disposés selon diverses configurations. Ventilateur, briques, chaises et tapis sont parfois regroupés pour simuler une maison imaginaire sans murs. Plus souvent, ces objets sont ironiquement ficelés, comme s’ils étaient prêts à être déménagés ou entreposés pour un temps imprécis. Ils rendent compte d’une absence tout comme d’un désir fondamental de conjuguer endroit d’attachement et quotidien en transformation ou encore de construire un pont qui faciliterait l’union du passé et du présent.\r\n\r\nLes études diasporiques insistent particulièrement sur l’apport des technologies dans le maintien et le développement de connexions transnationales parmi les membres d’une communauté déterritorialisée avec ceux demeurés au pays. Au lieu de simuler ce rapprochement partiel que permettent les avancées actuelles, Kim transporte la caméra dans son pays natal afin qu’elle témoigne d’une nostalgie persistante et de cette proximité physique interrompue que même la technologie n’arrivera jamais entièrement à combler.</p>', 'L\'expérience migratoire temporalisée et spatialisée —un texte de Julie Alary Lavallée', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1048-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:15:36', '2019-06-28 19:15:36', '', 1048, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1048-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4857, 4, '2019-06-28 15:16:27', '2019-06-28 19:16:27', '<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Après le pont où se rencontrent les rivières de Jinyoung Kim.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Faisant de sa pratique visuelle un espace d’exploration et de négociation de son identité fractionnée, Jinyoung Kim présente une combinaison d’œuvres réalisées en Corée du Sud. Leur rassemblement dresse un portrait personnel du lien qu’entretient l’artiste avec la maison de son grand-père, allégorie de l’ancrage identitaire et de relations humaines déterminantes.</p>\r\nKim est retournée dans son pays natal accompagnée de son père, qui n’y avait pas encore remis les pieds depuis son départ vers le Canada. Les clichés de <i>The Fathers in Sanctuary</i> documentent la demeure de son aïeul, l’intérieur comme l’extérieur, qui cristallise chez elle des souvenirs d’un chez-soi bien réel, nourri à distance grâce à la mémoire, mais devenu étranger. Les objets photographiés – des récipients entassés comme des portraits encadrés à la fois anciens et plus récents – soulignent le rythme journalier, mais aussi le temps qui façonne et s’immisce entre les générations. L’autoroute galopante, voire envahissante, qui borne la maison familiale témoigne des changements radicaux qu’ont dû subir les lieux qui, selon l’artiste, restent néanmoins immuables.\r\n\r\nAvec <i>Objects on the Rooftop</i>, elle déplace la représentation sur le toit, où des objets usuels sont disposés selon diverses configurations. Ventilateur, briques, chaises et tapis sont parfois regroupés pour simuler une maison imaginaire sans murs. Plus souvent, ces objets sont ironiquement ficelés, comme s’ils étaient prêts à être déménagés ou entreposés pour un temps imprécis. Ils rendent compte d’une absence tout comme d’un désir fondamental de conjuguer endroit d’attachement et quotidien en transformation ou encore de construire un pont qui faciliterait l’union du passé et du présent.\r\n\r\nLes études diasporiques insistent particulièrement sur l’apport des technologies dans le maintien et le développement de connexions transnationales parmi les membres d’une communauté déterritorialisée avec ceux demeurés au pays. Au lieu de simuler ce rapprochement partiel que permettent les avancées actuelles, Kim transporte la caméra dans son pays natal afin qu’elle témoigne d’une nostalgie persistante et de cette proximité physique interrompue que même la technologie n’arrivera jamais entièrement à combler.', 'L\'expérience migratoire temporalisée et spatialisée —un texte de Julie Alary Lavallée', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1048-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:16:27', '2019-06-28 19:16:27', '', 1048, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1048-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4858, 4, '2019-06-28 15:19:17', '2019-06-28 19:19:17', '<p style=\"text-align: justify\">Situé entre la passante côte d’Abraham et la discrète rue De Saint-Vallier, le grand amalgame de bâtiments qu’est Méduse représente un carrefour unique de création, lui-même traversé de nombreuses voies de circulation. Sur la rue, plus bas, entrent les artistes et les travailleurs (ils sont souvent les deux) pour se rencontrer dans les ateliers et les laboratoires qui facilitent la production des œuvres, qu’elles soient photographiques, picturales, sculpturales, audio, vidéo, numériques ou tout ça en même temps. Les œuvres sortiront de Méduse pour être exposées ailleurs, ou encore parcourront les couloirs de la coopérative pour continuer à se développer dans un autre atelier ou pour être présentées dans une des galeries accessibles par la côte.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Il en est ainsi depuis vingt ans. C’est grâce à la vision d’artistes engagés et passionnés que différents organismes ont imaginé un regroupement sous forme de coopérative.  À ce moment, VU en était à l’aube de ses quinze ans et déjà vivait au cœur d’une communauté de gens partageant valeurs, ressources, idées. Méduse existait pour ainsi dire avant même sa création. Membres artistes, administrateurs, travailleurs, auteurs, visiteurs, tous ceux et celles qui passent par VU et par Méduse sont appelés à jouer différents rôles qui sont essentiels à l’énergie artistique de Québec.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Parmi eux, les artistes Ève Cadieux et Reno Salvail ont grandement contribué à ce dynamisme. Leur engagement envers la réflexion et la création en photographie se reflète dans leurs œuvres, où nous voyons s’entremêler des temps passés et à venir. Adoptant respectivement les figures de l’archéologue et de l’aventurier, les deux artistes offrent des visions d’éternité à travers des documents ambigus, qui pourraient être autant des archives du futur que des prédictions du passé.</p>\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Archéologue du futur</b></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><b> </b>Téléphones, baladeurs, jeux et jouets, appareils photo, matériel de chambre noire, calendriers perpétuels, machines à écrire, téléviseurs : déposés les uns à côté des autres, les nombreux objets donnent l’impression d’une collection archéologique. Mais avant de se retrouver là, en exposition, ils avaient d’abord été délaissés et éventuellement mis en vente. Ils avaient été photographiés par leurs propriétaires pour être affichés sur Internet, dans l’espoir qu’un nouvel acquéreur leur trouverait une importance quelconque. Certaines de ces photographies ont été collectées par Ève Cadieux, qui les dispose comme dans un cabinet de curiosités redonnant aux objets leurs lettres de noblesse, à l’intérieur d’un ensemble qui défie la hiérarchie.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Apparaissant frontalement, presque fièrement, les objets sont magnifiés et dévoilent leurs moindres détails. Mais n’en ayant conservé que les images, l’artiste les garde aussi à distance; la photographie les fait apparaître ici, alors qu’ils sont physiquement ailleurs. La nostalgie qu’ils pourraient éveiller n’est cependant qu’effleurée : ils sont davantage présentés comme des spécimens technologiques que comme des reliques avec chacune une histoire personnelle, si ce n’est celle de l’artiste, qui a formé un ensemble teinté de son vécu. Exposés sans descriptifs, les artéfacts en appellent à la mémoire des initiés qui en connaissent les rouages, ou à la curiosité d’apprentis qui chercheront, peut-être, à les découvrir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Même si les photographies montrent des objets qui sont pour la plupart désuets, la technologie par laquelle elles circulent aujourd’hui est actuelle, et toujours en renouvellement. L’obsolescence viendra irrémédiablement, encore une fois, rattraper l’objet d’avant-garde. Il sera vite remplacé, pour ensuite peut-être trouver une place dans la collection de l’artiste, dont le potentiel infini contribue à réfléchir le passé et à imaginer le futur.</p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><b> </b></span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Aventurier de terres mythiques</b></p>\n<p style=\"text-align: justify\">Foulant des coins reculés de la planète – volcans, îles nordiques, lacs acides –, ou se tournant vers son propre corps comme un territoire à examiner, Reno Salvail met en œuvre des expéditions qui relèvent d’exploits tant physiques que psychiques. Il présente ces lieux explorés comme des environnements en mouvement, rassemblés dans un espace-temps élargi, dépassant toute représentation.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Les documents photographiques que l’artiste-aventurier rapporte de ses voyages sont des visions du réel, auxquelles il fait ensuite subir des transfigurations. Les photographies deviennent alors pour l’artiste de nouveaux territoires à explorer, où il est en position d’intervenir et auxquels il peut imposer des états sublimes. Se produisent des renversements de notions d’échelle, jusqu’à confondre le corps avec des territoires terrestres ou célestes – la rivière devenant un vaisseau sanguin ou une constellation apparaissant à la surface de la peau. Ces interversions ne font ni mourir ni disparaître le sujet d’origine, mais lui confèrent une portée nouvelle.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Les métamorphoses qu’opère l’artiste sur les images introduisent ainsi une dimension mythologique et participent à reconstruire le monde et à expliquer ses phénomènes naturels. Alors que l’univers et les organismes subissent toutes sortes de bouleversements, l’artiste transcende la frayeur qu’ils pourraient susciter pour leur donner sens. Ces nouvelles images réinterprétées déploient une douce poésie lucide et essentielle à l’appréciation des ébranlements subis par les terrains physiques et psychologiques. À travers le troublant, on peut se sentir soulevé par un souffle de vie. Et par la certitude d’une continuité.</p>\n&nbsp;', 'États de passage', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1005-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 15:19:17', '2019-06-28 19:19:17', '', 1005, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1005-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4859, 4, '2019-06-28 15:20:12', '2019-06-28 19:20:12', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions (PETITS) VESTIGES ANNONCÉS d\'Ève Cadieux et Souffle d\'air et tremblement d\'étoiles de Reno Salvail.</span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Situé entre la passante côte d’Abraham et la discrète rue De Saint-Vallier, le grand amalgame de bâtiments qu’est Méduse représente un carrefour unique de création, lui-même traversé de nombreuses voies de circulation. Sur la rue, plus bas, entrent les artistes et les travailleurs (ils sont souvent les deux) pour se rencontrer dans les ateliers et les laboratoires qui facilitent la production des œuvres, qu’elles soient photographiques, picturales, sculpturales, audio, vidéo, numériques ou tout ça en même temps. Les œuvres sortiront de Méduse pour être exposées ailleurs, ou encore parcourront les couloirs de la coopérative pour continuer à se développer dans un autre atelier ou pour être présentées dans une des galeries accessibles par la côte.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il en est ainsi depuis vingt ans. C’est grâce à la vision d’artistes engagés et passionnés que différents organismes ont imaginé un regroupement sous forme de coopérative.  À ce moment, VU en était à l’aube de ses quinze ans et déjà vivait au cœur d’une communauté de gens partageant valeurs, ressources, idées. Méduse existait pour ainsi dire avant même sa création. Membres artistes, administrateurs, travailleurs, auteurs, visiteurs, tous ceux et celles qui passent par VU et par Méduse sont appelés à jouer différents rôles qui sont essentiels à l’énergie artistique de Québec.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Parmi eux, les artistes Ève Cadieux et Reno Salvail ont grandement contribué à ce dynamisme. Leur engagement envers la réflexion et la création en photographie se reflète dans leurs œuvres, où nous voyons s’entremêler des temps passés et à venir. Adoptant respectivement les figures de l’archéologue et de l’aventurier, les deux artistes offrent des visions d’éternité à travers des documents ambigus, qui pourraient être autant des archives du futur que des prédictions du passé.</p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Archéologue du futur</b></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><b> </b>Téléphones, baladeurs, jeux et jouets, appareils photo, matériel de chambre noire, calendriers perpétuels, machines à écrire, téléviseurs : déposés les uns à côté des autres, les nombreux objets donnent l’impression d’une collection archéologique. Mais avant de se retrouver là, en exposition, ils avaient d’abord été délaissés et éventuellement mis en vente. Ils avaient été photographiés par leurs propriétaires pour être affichés sur Internet, dans l’espoir qu’un nouvel acquéreur leur trouverait une importance quelconque. Certaines de ces photographies ont été collectées par Ève Cadieux, qui les dispose comme dans un cabinet de curiosités redonnant aux objets leurs lettres de noblesse, à l’intérieur d’un ensemble qui défie la hiérarchie.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Apparaissant frontalement, presque fièrement, les objets sont magnifiés et dévoilent leurs moindres détails. Mais n’en ayant conservé que les images, l’artiste les garde aussi à distance; la photographie les fait apparaître ici, alors qu’ils sont physiquement ailleurs. La nostalgie qu’ils pourraient éveiller n’est cependant qu’effleurée : ils sont davantage présentés comme des spécimens technologiques que comme des reliques avec chacune une histoire personnelle, si ce n’est celle de l’artiste, qui a formé un ensemble teinté de son vécu. Exposés sans descriptifs, les artéfacts en appellent à la mémoire des initiés qui en connaissent les rouages, ou à la curiosité d’apprentis qui chercheront, peut-être, à les découvrir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Même si les photographies montrent des objets qui sont pour la plupart désuets, la technologie par laquelle elles circulent aujourd’hui est actuelle, et toujours en renouvellement. L’obsolescence viendra irrémédiablement, encore une fois, rattraper l’objet d’avant-garde. Il sera vite remplacé, pour ensuite peut-être trouver une place dans la collection de l’artiste, dont le potentiel infini contribue à réfléchir le passé et à imaginer le futur.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><b> </b></span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Aventurier de terres mythiques</b></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Foulant des coins reculés de la planète – volcans, îles nordiques, lacs acides –, ou se tournant vers son propre corps comme un territoire à examiner, Reno Salvail met en œuvre des expéditions qui relèvent d’exploits tant physiques que psychiques. Il présente ces lieux explorés comme des environnements en mouvement, rassemblés dans un espace-temps élargi, dépassant toute représentation.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Les documents photographiques que l’artiste-aventurier rapporte de ses voyages sont des visions du réel, auxquelles il fait ensuite subir des transfigurations. Les photographies deviennent alors pour l’artiste de nouveaux territoires à explorer, où il est en position d’intervenir et auxquels il peut imposer des états sublimes. Se produisent des renversements de notions d’échelle, jusqu’à confondre le corps avec des territoires terrestres ou célestes – la rivière devenant un vaisseau sanguin ou une constellation apparaissant à la surface de la peau. Ces interversions ne font ni mourir ni disparaître le sujet d’origine, mais lui confèrent une portée nouvelle.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Les métamorphoses qu’opère l’artiste sur les images introduisent ainsi une dimension mythologique et participent à reconstruire le monde et à expliquer ses phénomènes naturels. Alors que l’univers et les organismes subissent toutes sortes de bouleversements, l’artiste transcende la frayeur qu’ils pourraient susciter pour leur donner sens. Ces nouvelles images réinterprétées déploient une douce poésie lucide et essentielle à l’appréciation des ébranlements subis par les terrains physiques et psychologiques. À travers le troublant, on peut se sentir soulevé par un souffle de vie. Et par la certitude d’une continuité.</p>\r\n&nbsp;', 'États de passage —un texte de Pascale Bureau et Anne-Marie Proulx', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1005-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:20:12', '2019-06-28 19:20:12', '', 1005, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1005-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4860, 4, '2020-03-03 11:26:30', '2020-03-03 16:26:30', 'Avez-vous déjà tenté de décrire une exposition à partir du seul souvenir que vous en aviez gardé? De chercher les mots pour restituer les sensations qu’elle avait suscitées? De retrouver l’impression qu’elle avait laissée dans votre esprit? C’est à cette tentative mémorielle que se sont prêtés les auteures et les auteurs qui ont écrit à propos d’expositions présentées dans nos espaces entre l’automne 2013 et l’automne 2014.\n\nCe sont les diverses tensions émergeant du rapport à l’autre qui ont laissé une trace chez certaines auteures. À partir de la série <i>Snowbirds</i>, <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/nous-et-les-autres/\">Fnoune Taha</a> s’approprie les réflexions artistiques de Mika Goodfriend<i>, </i>en faisant un parallèle entre leurs points de vue respectifs sur la rencontre de leur culture avec une culture dominante. <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/treves-damour/\">Gentiane La France</a> a pour sa part retenu les tiraillements de liens amoureux entre proximité et éloignement qui sont suggérés dans la série <i>Love and War </i>de Guillaume Simoneau. Une autre tension est évoquée avec justesse par <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/soustractions/\">Dominique Sirois-Rouleau</a>, liée à la série de collages de Richard Deschênes : celle entre la matérialité des œuvres et la non-représentation qu’elles contiennent. Son texte truffé de pistes de lecture offre une analyse à la fois minutieuse et concise des enjeux formels de <i>Soustractions</i>.\n\nD’autres textes ont su retenir une réflexion sur la mise en exposition comme acte de résistance. Comme l’envisage <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/newfreesafelittlelife/\">Catherine Lebel-Ouellet</a>, les séries photographiques de l’exposition <i>Sur la terre comme au ciel</i> soulèvent la question de la banalisation des messages et des espaces à l’ère de la société de consommation, alors que <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/constellations/\">Philippe Guillaume</a> relève le paradoxe d’un engouement pour le livre photographique manifesté dans l’exposition <i>Constellations </i>à l’heure même où le numérique tend à dématérialiser les deux médiums que sont le livre et la photographie.\n\nAilleurs, deux textes énoncent finement les réflexions sans nostalgie sur la photographie argentique qu’ont pu éveiller les expositions <i>Contretypes</i> et <i>Croisements</i>. D’une part, Sébastien Hudon se penche sur le travail de réactualisation du photogramme à l’aune du numérique réalisé par Caroline Gagné et François Lamontagne à l’occasion de leur résidence de création, où la rencontre de la glace et de la lumière aura opéré une magie toute photographique. D’autre part, Anne-Marie Proulx offre une comparaison audacieuse entre l’enchaînement aléatoire des lumières colorées qui ont dansé sur les sombres cimaises lors de l’exposition de Yann Pocreau et la danse des aurores boréales balayant l’horizon nordique.', 'A posteriori —un texte de Gentiane La France', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '966-autosave-v1', '', '', '2020-03-03 11:26:30', '2020-03-03 16:26:30', '', 966, 'http://vuphoto.org/fr/articles/966-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4861, 4, '2019-06-28 15:22:27', '2019-06-28 19:22:27', 'Avez-vous déjà tenté de décrire une exposition à partir du seul souvenir que vous en aviez gardé? De chercher les mots pour restituer les sensations qu’elle avait suscitées? De retrouver l’impression qu’elle avait laissée dans votre esprit? C’est à cette tentative mémorielle que se sont prêtés les auteures et les auteurs qui ont écrit à propos d’expositions présentées dans nos espaces entre l’automne 2013 et l’automne 2014.\r\n\r\nCe sont les diverses tensions émergeant du rapport à l’autre qui ont laissé une trace chez certaines auteures. À partir de la série <i>Snowbirds</i>, <a title=\"NOUS et LES AUTRES\" href=\"http://blog.vuphoto.org/nous-et-les-autres/\">Fnoune Taha</a> s’approprie les réflexions artistiques de Mika Goodfriend<i>, </i>en faisant un parallèle entre leurs points de vue respectifs sur la rencontre de leur culture avec une culture dominante. <a title=\"Trèves d’amour\" href=\"http://blog.vuphoto.org/treves-damour/\">Gentiane La France</a> a pour sa part retenu les tiraillements de liens amoureux entre proximité et éloignement qui sont suggérés dans la série <i>Love and War </i>de Guillaume Simoneau. Une autre tension est évoquée avec justesse par <a title=\"Soustractions\" href=\"http://blog.vuphoto.org/soustractions/\">Dominique Sirois-Rouleau</a>, liée à la série de collages de Richard Deschênes : celle entre la matérialité des œuvres et la non-représentation qu’elles contiennent. Son texte truffé de pistes de lecture offre une analyse à la fois minutieuse et concise des enjeux formels de <i>Soustractions</i>.\r\n\r\nD’autres textes ont su retenir une réflexion sur la mise en exposition comme acte de résistance. Comme l’envisage <a title=\"NEW. FREE. SAFE. LITTLE. LIFE.\" href=\"http://blog.vuphoto.org/newfreesafelittlelife/\">Catherine Lebel-Ouellet</a>, les séries photographiques de l’exposition <i>Sur la terre comme au ciel</i> soulèvent la question de la banalisation des messages et des espaces à l’ère de la société de consommation, alors que <a title=\"Constellations ou le dépassement de la dématérialisation\" href=\"http://blog.vuphoto.org/constellations/\">Philippe Guillaume</a> relève le paradoxe d’un engouement pour le livre photographique manifesté dans l’exposition <i>Constellations </i>à l’heure même où le numérique tend à dématérialiser les deux médiums que sont le livre et la photographie.\r\n\r\nAilleurs, deux textes énoncent finement les réflexions sans nostalgie sur la photographie argentique qu’ont pu éveiller les expositions <i>Contretypes</i> et <i>Croisements</i>. D’une part, <a title=\"De givre et de temps\" href=\"http://blog.vuphoto.org/de-givre-et-de-temps/\">Sébastien Hudon</a> se penche sur le travail de réactualisation du photogramme à l’aune du numérique réalisé par Caroline Gagné et François Lamontagne à l’occasion de leur résidence de création, où la rencontre de la glace et de la lumière aura opéré une magie toute photographique. D’autre part, <a title=\"Aurores mécaniques\" href=\"http://blog.vuphoto.org/aurores-mecaniques/\">Anne-Marie Proulx</a> offre une comparaison audacieuse entre l’enchaînement aléatoire des lumières colorées qui ont dansé sur les sombres cimaises lors de l’exposition de Yann Pocreau et la danse des aurores boréales balayant l’horizon nordique.', 'A posteriori —un texte de Gentiane La France', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '966-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:22:27', '2019-06-28 19:22:27', '', 966, 'http://vuphoto.org/fr/articles/966-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4862, 4, '2019-06-28 15:23:14', '2019-06-28 19:23:14', 'Avez-vous déjà tenté de décrire une exposition à partir du seul souvenir que vous en aviez gardé? De chercher les mots pour restituer les sensations qu’elle avait suscitées? De retrouver l’impression qu’elle avait laissée dans votre esprit? C’est à cette tentative mémorielle que se sont prêtés les auteures et les auteurs qui ont écrit à propos d’expositions présentées dans nos espaces entre l’automne 2013 et l’automne 2014.\r\n\r\nCe sont les diverses tensions émergeant du rapport à l’autre qui ont laissé une trace chez certaines auteures. À partir de la série <i>Snowbirds</i>, Fnoune Taha s’approprie les réflexions artistiques de Mika Goodfriend<i>, </i>en faisant un parallèle entre leurs points de vue respectifs sur la rencontre de leur culture avec une culture dominante. Gentiane La France a pour sa part retenu les tiraillements de liens amoureux entre proximité et éloignement qui sont suggérés dans la série <i>Love and War </i>de Guillaume Simoneau. Une autre tension est évoquée avec justesse par Dominique Sirois-Rouleau, liée à la série de collages de Richard Deschênes : celle entre la matérialité des œuvres et la non-représentation qu’elles contiennent. Son texte truffé de pistes de lecture offre une analyse à la fois minutieuse et concise des enjeux formels de <i>Soustractions</i>.\r\n\r\nD’autres textes ont su retenir une réflexion sur la mise en exposition comme acte de résistance. Comme l’envisage Catherine Lebel-Ouellet, les séries photographiques de l’exposition <i>Sur la terre comme au ciel</i> soulèvent la question de la banalisation des messages et des espaces à l’ère de la société de consommation, alors que Philippe Guillaume relève le paradoxe d’un engouement pour le livre photographique manifesté dans l’exposition <i>Constellations </i>à l’heure même où le numérique tend à dématérialiser les deux médiums que sont le livre et la photographie.\r\n\r\nAilleurs, deux textes énoncent finement les réflexions sans nostalgie sur la photographie argentique qu’ont pu éveiller les expositions <i>Contretypes</i> et <i>Croisements</i>. D’une part, Sébastien Hudon se penche sur le travail de réactualisation du photogramme à l’aune du numérique réalisé par Caroline Gagné et François Lamontagne à l’occasion de leur résidence de création, où la rencontre de la glace et de la lumière aura opéré une magie toute photographique. D’autre part, Anne-Marie Proulx offre une comparaison audacieuse entre l’enchaînement aléatoire des lumières colorées qui ont dansé sur les sombres cimaises lors de l’exposition de Yann Pocreau et la danse des aurores boréales balayant l’horizon nordique.', 'A posteriori —un texte de Gentiane La France', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '966-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:23:14', '2019-06-28 19:23:14', '', 966, 'http://vuphoto.org/fr/articles/966-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4863, 4, '2019-06-28 15:26:49', '2019-06-28 19:26:49', '<h2>VU is an artist-run centre whose mission is to promote and support research and creation in the field of photography by working with artists and contributing to the dissemination of and reflection on their work.</h2>\r\nSince 1981, VU has foregrounded the diversity of artistic practices in photography, supported artists in the production of their work, and offered them the space and freedom to create. The centre contributes to current thinking about photography by encouraging the deepening of artistic experience through a program of varied activities.\r\n\r\nVU offers artists and the public a program of exhibitions complemented by texts, roundtables, screenings, external projects, and activities dedicated to photography. VU is also committed to the photobook as a space for reflection and research for artists, producing books and organizing activities around the medium. Production spaces and services in digital and analogue photography are offered to artists and members of VU. Artist residencies foster the development of practices that participate in the current concerns around photography.\r\n\r\nVU is a nonprofit organization formed and directed by a collective of artists. Its board of directors is composed of artists and professionals of visuals arts. VU is a founding member of the Méduse cooperative and of the Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ).', 'About VU', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '2654-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:26:49', '2019-06-28 19:26:49', '', 2654, 'http://vuphoto.org/fr/articles/2654-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4866, 4, '2019-06-28 15:37:20', '2019-06-28 19:37:20', '<h2>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</h2>\r\nBeing a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!\r\n\r\nBenefit from VU, its community, and its services by becoming a member.', 'Become a member', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '4734-revision-v1', '', '', '2019-06-28 15:37:20', '2019-06-28 19:37:20', '', 4734, 'http://vuphoto.org/fr/articles/4734-revision-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4867, 4, '2019-07-01 12:06:00', '2019-07-01 16:06:00', 'L\'exposition collective  qui fait suite au laboratoire de création dans les galeries de VU et l\'Oeil de poisson réunissant aussi bien la photographie, la sculpture, l\'installation, le dessin que la performance.\n\nCe projet est réalisé grâce au soutien financier du gouvernement du Québec et de la Ville de Québec dans le cadre de l\'Entente de développement culturel.', 'Espaces en pratique', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1954-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 12:06:00', '2019-07-01 16:06:00', '', 1954, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1954-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4870, 1, '2016-08-12 16:21:56', '2016-08-12 15:21:56', 'These mountains that follow one after another increasingly turn to blue as they recede into the distance. Blue is the colour of remoteness, the colour of things that seem estranged, beyond reach. But it can also be that of a world to construct, to imagine, to dream. In his life as much as in his photographs, Shuwei Liu chases the colour blue to spread it everywhere around him%u2014from the indigo dye that saturates his clothing to his photographs, which capture elements that can only be touched by sight or by the mind. This quest also represents a way to refuse darkness and blindness, to abstract himself from reality not by closing eyes but rather by being on the lookout for fragile and transient moments, where the light gives rise to the imaginary.\r\n\r\nThe works presented in the exhibition were printed at VU.\r\n\r\nThe artist would like to thank VU for the great support, in every way.', 'Blue trilogy', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'trilogie-bleue', '', '', '2019-06-28 16:06:40', '2019-06-28 20:06:40', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/trilogie-bleue/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4871, 4, '2019-06-28 16:06:28', '2019-06-28 20:06:28', 'Ces montagnes qui se succèdent au loin nous apparaissent de plus en plus bleutées, à mesure qu\'elles s\'éloignent. Le bleu est ainsi la couleur de la distance, la couleur des choses qui nous semblent étrangères, inatteignables. Mais elle peut aussi être celle d\'un monde à construire, à imaginer, à rêver. Dans sa vie comme dans ses photographies, Shuwei Liu prend en chasse la couleur bleue afin d\'en imprégner ce qui se trouve autour de lui - qu\'il s\'agisse de la teinture d\'indigo saturant ses vêtements ou de photographies capturant des éléments qui ne se touchent que du regard ou de l\'esprit. C\'est aussi pour lui une façon de refuser la noirceur et l\'aveuglement, de s\'abstraire de la réalité non pas en se fermant les yeux mais plutôt en étant à l\'affût de moments fragiles et transitoires, là où la lumière fait naître l\'imaginaire.\n\nL\'artiste souhaite remercier VU pour son soutien tout au long de la mise sur pied de son exposition.\n\nLes images de l\'exposition <em>Trilogie bleue </em>ont été produites à VU.', 'Blue trilogy', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '4870-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 16:06:28', '2019-06-28 20:06:28', '', 4870, 'http://vuphoto.org/fr/articles/4870-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4872, 1, '2016-08-12 16:54:11', '2016-08-12 15:54:11', 'Thinking along the lines of two Benjaminian concepts of fertile ambiguity, trace and aura, the meeting of three photographic series offers a perceptual experience in which near and far intertwine. Playing with the formal juxtaposition of views of islands in compositions that sometimes confuse the scale of sites, Alphiya Joncas redraws a geography imagined from fragments of remote landscapes. An exploration of vast territories by Martin Guimont follows, with a series where the solitary gaze gets lost in the inaccessibility of the distant, sometimes obscured, horizon. To these unreachable perspectives, Audrée Demers-Roberge responds with photographs blurred by too great a proximity and presented in an installation that reveals the pauses of the walker on a continuing journey. United as a constellation in this exhibition, the works can be perceived as the traces of the light emanating from three distant natural spaces that, in this way, come closer together.\r\n\r\nAudrée Demers-Roberge wishes to thank Mathieu Fecteau, Denis Thibeault, Karelle Audet, Gísli and Eyþór. Martin Guimont thanks the Conseil des arts et des lettres du Québec for its financial support. Alphiya Joncas wishes to thank Charles-Frédérick Ouellet. Gentiane La France thanks VU and more particularly Jacynthe Carrier and Anne-Marie Proulx, as well as Première Ovation for the financial support to the project.\r\n\r\nThis project have been supported by the Minister of Culture and Communications and Québec city\'s grant Première Ovation.\r\n\r\nCollective exhibition curated by Gentiane La France.\r\n\r\nThe works presented in the exhibition were printed at VU.', 'Entre trace et aura', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'entre-trace-et-aura', '', '', '2019-06-28 16:08:03', '2019-06-28 20:08:03', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/entre-trace-et-aura/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4873, 1, '2016-08-12 14:53:17', '2016-08-12 13:53:17', 'Public places appear as the theatres of improbable situations in which different realities meet - while Pussy Riot enters a souk in Aleppo, a Syrian migrant sleeps in the grand hall of a Montréal museum. Although the scenes are apparently incongruous, the photomontages echo the way different references to world events are constantly crossed and superimposed in the media. These sites of false encounters become the occasion to clear away questions about the veracity of information and put our own connection with the world to the test. Forcing the meeting of different critical and political situations, Amantea\'s \"faux sites\" underscore the inability of art to really act in the world and reflect our own inertia in the face of humanity\'s fate.\r\n\r\nThe artist would like to acknowledge the assistance and support of the following : Anil Ragubance, Anne Marie Holland (Rare Books and Special Collections, McGill University, Montreal), Dirk De Meyer (Department of Architecture and Urban Planning, Ghent University, Ghent, Belgium), Peter White', 'Faux Sites', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'faux-sites', '', '', '2019-06-28 16:09:22', '2019-06-28 20:09:22', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/faux-sites/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4874, 1, '2016-08-12 16:17:07', '2016-08-12 15:17:07', 'Two old prints : here, a ship with one smokestack follows a thin strip of land along the horizon; there, a larger ship with three smokestacks sails in an endless sea. Not knowing the stories behind these two found photographs, Christopher Boyne makes them a point of departure for telling new ones. In an attempt to reproduce the effects of similitude observed in the two images, the artist creates fictions that are their equivalent. A narration for each vessel situates it in an imagined space-time, while a pennant associates each with a fictional shipping line. These unknown ships are thus granted new identities, allowing them to go beyond the fixity of the image and meet in fiction.', 'one stack, three stacks', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'one-stack-three-stacks', '', '', '2019-06-28 16:10:50', '2019-06-28 20:10:50', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/one-stack-three-stacks/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4875, 1, '2016-08-12 13:41:10', '2016-08-12 12:41:10', 'Presented in collaboration with Manif d\'art.', 'Field Trip', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'field-trip', '', '', '2019-06-28 16:13:33', '2019-06-28 20:13:33', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/field-trip/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4876, 1, '2016-08-12 14:12:08', '2016-08-12 13:12:08', 'Presented in collaboration with the <a href=\"http://mmrectoverso.org/portfolio/kelly-richardson-orion-tide/\">Mois Multi</a>.\r\n\r\nNight, in the desert. Beams of light and smoke rise into the sky. Are we witnessing a war, a natural cataclysm, an astral phenomenon, a lift-off to explore unknown lands, or the end of the world? The landscape is enchanting, but ominous. Midway between reality and science-fiction, <em>Orion Tide</em> transports us to an apocalyptic site of disquieting, ineffable beauty. Through digital manipulations of documentary photographs, Kelly Richardson creates a unique video installation that turns on the ambiguity of the images. She questions our perceptions and the believability of what is displayed to us, contrasts the possible with the impossible, probing the fabulous powers of the imagination.', 'Orion Tide', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'orion-tide', '', '', '2019-06-28 16:14:57', '2019-06-28 20:14:57', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/orion-tide/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4877, 1, '2016-08-12 13:27:24', '2016-08-12 12:27:24', 'The high-security psychiatric institution, the police academy, the forensic medicine laboratory: different sites where power is exercised through detention, training, and inquiry. Penetrating into these sites, which are difficult to access, Emmanuelle Léonard looks for signs that reveal the ambiguity of their function; in such places, the guard, the police officer, and the caregiver are no less subject to observation than the criminal and the patient. With an apparent objectivity that is reflected in the coldness of the spaces, her photographs present scenes that are constructed in the interest of simulation, study, and inquiry. Though devoid of action or presence, the spaces themselves make evident the meeting of the real and the fictive, through clues of a form of surveillance which appear among the props and imitations.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEmmanuelle Léonard wishes to thank Nicolet\'s École nationale de police du Québec, the Laboratoire de sciences judiciaires et de médecine légale du Québec and the Institut Philippe-Pinel de Montréal for their precious collaboration.', 'Pinel - Nicolet - SQ', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'pinel-nicolet-sq', '', '', '2019-06-28 16:16:26', '2019-06-28 20:16:26', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/pinel-nicolet-sq/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4878, 1, '2016-08-31 09:26:14', '2016-08-31 08:26:14', '<em>Investigations</em> approaches the photographic book as a medium of dissemination for the judicial inquiry, the exploration of social and physical landscapes, and the personal quest. Reflecting on investigation as a creative process, the exhibition presents a dozen propositions in the form of photographs, mock-ups, and consultable books. As they undertake to visually represent different kinds of research that in some cases tend towards an ideal of objective truth, and in others towards subjective perception, the artists whose works are included adopt postures which are variously documentary, anthropological, or diaristic--photography serving sometimes as evidence, as a representation of a territorial identity, or as a form of reinterpretation of the real. The group of propositions assembles a certain imaginary of the North American territory--marked by numerous social, political, and personal histories--across which the photo book leads us to travel.', 'Investigations', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'investigations', '', '', '2019-06-28 16:18:00', '2019-06-28 20:18:00', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/investigations/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4879, 1, '2016-11-22 11:07:39', '2016-11-22 10:07:39', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nDe passage en résidence à Québec, l\'artiste finlandais Kenneth Bamberg s\'est intéressé à ce qui reste de l\'époque du hockey des Nordiques et à la mémoire qu\'en gardent la ville et ses habitants. Lui-même supporteur des Nordiques dans son enfance en Finlande, le jeune Kenneth avait rassemblé une collection de cartes de hockey qu\'il avait délaissée au même moment où l\'équipe avait quitté la ville. Avec la photographie, l\'artiste revisite ses cartes en les altérant et les mettant en scène dans différents endroits du paysage urbain, ramenant ainsi les joueurs dans la ville dont ils ont un jour fait partie. En parallèle, des entrevues vidéos menées avec d\'autres collectionneurs, supporteurs et d\'anciens joueurs sont pour lui un moyen d\'explorer la nostalgie existant autour de cette équipe. Ce projet s\'inscrit dans une recherche plus large que l\'artiste poursuit à l\'intérieur de sa pratique photographique et vidéo, sur la manière dont la culture marque la notion de masculinité.', 'Come back, come back sweetheart', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'come-back-come-back-sweetheart', '', '', '2019-06-28 16:19:51', '2019-06-28 20:19:51', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/come-back-come-back-sweetheart/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0);
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(4880, 4, '2019-06-28 16:21:49', '2019-06-28 20:21:49', 'Dans l\'ensemble, il y a tout d\'abord une intention d\'une grande simplicité, celle de rassembler des travaux, de mettre en commun des idées. De constituer un ensemble d\'œuvres et d\'artistes, qui eux-mêmes réfléchissent à ce que signifie <em>ensemble</em>, créant ainsi une sorte de mise en abyme. Avec une réflexion sur l\'être ensemble, il y a aussi irrémédiablement de belles utopies, celles qui motivent le désir même de se dire ensemble, de se regrouper et de coopérer. Mais il y a un pendant plus obscur, avec ses complexités, ses échecs et ses mises en garde. À l\'heure où de nombreuses sociétés se divisent et où les valeurs et les mœurs sont guettées par nombre de voix autoritaires, l\'art apparaît comme un moyen de réfléchir, de questionner et d\'imaginer différentes manières de vivre ensemble. Entre le tout blanc et le tout noir, les artistes occupent un entre-deux où ils ne laissent pas leur conscience du monde les empêcher de rêver.\n\nEnsemble<em> ouvre ainsi une réflexion plus large proposée pour la programmation 2016-2017 de VU, c\'est-à-dire une réflexion sur l\'art comme occasion de se rassembler mais aussi de joindre ou de confronter les images et les idées. Ainsi se rejoindront des pratiques photographiques qui, de près ou de loin, approchent et observent les réalités, les rêves, les utopies et des dystopies de l\'être ensemble.</em>', 'Ensemble', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1935-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 16:21:49', '2019-06-28 20:21:49', '', 1935, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1935-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4881, 1, '2016-09-08 16:38:17', '2016-09-08 15:38:17', 'In making the ensemble, there is first of all a very simple intention: that of gathering works and ideas. In bringing together artworks by artists who themselves think about what <em>together</em> means, a sort of <em>mise en abyme</em> is created. When we reflect on what it means to be together, we think, hopelessly, of beautiful utopias - those that still stimulate our desire to unite and cooperate. But there is also their more obscure counterpart, with all its complexities, failures, and warnings. At a time when many societies are divided and when values and customs are monitored by any number of authoritative voices, art appears as a way to reflect on, question, and imagine different ways of living together. Between all white and all black, artists position themselves in a middle ground where they don\'t let their awareness of the world prevent them from dreaming.\r\n\r\nEnsemble<em> introduces the larger objective of VU\'s 2016-17 programming, which is to reflect on art as an occasion for gathering together, and also for images and ideas to be connected and to confront one another. In this way are assembled photographic practices that, whether directly or obliquely, approach and observe the realities, dreams, utopias, and dystopias of being together.</em>', 'Ensemble', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'ensemble', '', '', '2019-06-28 16:24:55', '2019-06-28 20:24:55', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/ensemble/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4882, 4, '2019-06-28 16:24:18', '2019-06-28 20:24:18', 'In making the ensemble, there is first of all a very simple intention: that of gathering works and ideas. In bringing together artworks by artists who themselves think about what <em>together</em> means, a sort of <em>mise en abyme</em> is created. When we reflect on what it means to be together, we think, hopelessly, of beautiful utopias - those that still stimulate our desire to unite and cooperate. But there is also their more obscure counterpart, with all its complexities, failures, and warnings. At a time when many societies are divided and when values and customs are monitored by any number of authoritative voices, art appears as a way to reflect on, question, and imagine different ways of living together. Between all white and all black, artists position themselves in a middle ground where they don\'t let their awareness of the world prevent them from dreaming.\n\nEnsemble<em> introduces the larger objective of VU\'s 2016-17 programming, which is to reflect on art as an occasion for gathering together, and also for images and ideas to be connected and to confront one another. In this way are assembled photographic practices that, whether directly or obliquely, approach and observe the realities, dreams, utopias, and dystopias of being together.</em>', 'Ensemble', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '4881-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 16:24:18', '2019-06-28 20:24:18', '', 4881, 'http://vuphoto.org/fr/articles/4881-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4883, 1, '2016-09-02 15:24:37', '2016-09-02 14:24:37', 'At first glance, our impression of Christian Forget is conditioned by his appearance: that of a man who is old and abnormal, whose pallid complexion and atypical body gestures and facial expressions are caused by a genetic condition that also affects his vision. Previously appearing as a staged body in earlier works by Matthieu Brouillard, Christian is here engaged in a project which is intimate to him and also improbable: flight. The photographic and video works portray him carrying out the necessary steps to go beyond his fantasy and give form to his vision. Diverting our instinctual curiosity about the anomalous, the work directs our attention to what <em>a priori</em> cannot be seen if not shown through actions a force at work in the pursuit of an ambition.\r\n\r\nMatthieu Brouillard wishes to thank Christian Forget, Bruce Gowett, Bertrand Bacqué, Johanne Bergeron, Tunje Berns, Luc Bourdon, Sylvain Cousinet, Donigan Cumming, Alex Delagrave, Alexandre Domingue (Post-Moderne), Raphaël Frauenfelder, David Gagnon, Michel Giroux, Pierre Goupil, Marie-Christine Guité, Badra Haidra, Adrien Kessler, Yvon Larocque, Sylvain L\'Espérance, Fabrice Monta, Jean Perret, Vincent Renou, Christine Ross, Gaétan Soucy, Reto Stamm, Corina Steiner, Jean-Pierre Vidal, Roland Vignat, Simon Weber.\r\n\r\n<strong>PROJECTION</strong> thursday 3 november, in conjunction withe the exhibition and in collaboration with Antitube.', 'L\'essor', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'lessor', '', '', '2019-06-28 16:30:17', '2019-06-28 20:30:17', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lessor/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4884, 4, '2019-06-28 16:28:49', '2019-06-28 20:28:49', 'At first glance, our impression of Christian Forget is conditioned by his appearance: that of a man who is old and abnormal, whose pallid complexion and atypical body gestures and facial expressions are caused by a genetic condition that also affects his vision. Previously appearing as a staged body in earlier works by Matthieu Brouillard, Christian is here engaged in a project which is intimate to him and also improbable: flight. The photographic and video works portray him carrying out the necessary steps to go beyond his fantasy and give form to his vision. Diverting our instinctual curiosity about the anomalous, the work directs our attention to what <em>a priori</em> cannot be seen if not shown through actions a force at work in the pursuit of an ambition.\n\nMatthieu Brouillard wishes to thank Christian Forget, Bruce Gowett, Bertrand Bacqué, Johanne Bergeron, Tunje Berns, Luc Bourdon, Sylvain Cousinet, Donigan Cumming, Alex Delagrave, Alexandre Domingue (Post-Moderne), Raphaël Frauenfelder, David Gagnon, Michel Giroux, Pierre Goupil, Marie-Christine Guité, Badra Haidra, Adrien Kessler, Yvon Larocque, Sylvain L\'Espérance, Fabrice Monta, Jean Perret, Vincent Renou, Christine Ross, Gaétan Soucy, Reto Stamm, Corina Steiner, Jean-Pierre Vidal, Roland Vignat, Simon Weber.\n\n<strong>PROJECTION</strong> thursday 3 november, in conjunction withe the exhibition and in collaboration with Antitube.', 'L\'essor', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '4883-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 16:28:49', '2019-06-28 20:28:49', '', 4883, 'http://vuphoto.org/fr/articles/4883-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4885, 1, '2016-09-02 15:25:37', '2016-09-02 14:25:37', 'The abstract-looking images of Jérémie Lenoir take us into an aesthetic imaginary that emanates from the industrial sites on the margins of our cities: quarries, construction sites, greenhouses, wastelands, and roofs are scrutinized from the air in order to highlight patterns in structures and installations that were built above all to be functional. Looking down on French and Québécois landscapes, it is possible to see the ways in which large-scale human activities trace forms of variable geometry on the surface of a territory. The sites appear devoid of human beings, without seeming deserted; these transformed landscapes have been conceived and constructed by mankind to make possible its diverse activities, and will continue to accumulate the scars which become, in some way, the portrait of an afflicted society.\r\n\r\nJérémie Lenoir wishes to thank VU and more particularly Anne-Marie, Jacynthe and Hubert, the OFQJ and more particularly Nadia et Monika, Lachute aviation and more particularly Antoine and Luc, Marcel and Normand, Sergio Veranes, Studio Ludo and Jérôme and Jérémy.', 'MARGES', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'marges', '', '', '2019-06-28 16:32:57', '2019-06-28 20:32:57', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/marges/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4886, 1, '2016-12-01 11:37:44', '2016-12-01 10:37:44', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nVU et L\'Œil de Poisson proposent une activité participative où se rencontrent la photographie et les sculptures de François Mathieu.', 'Camera Sculptura', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'camera-sculptura', '', '', '2019-06-28 16:36:38', '2019-06-28 20:36:38', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/camera-sculptura/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4887, 1, '2018-04-24 16:19:45', '2018-04-24 15:19:45', '<div>\r\n\r\n<span style=\"font-size: 2.5rem;color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\n<span style=\"font-size: 2.5rem\">Le lancement à Québec du livre Outre-vie/Afterlife aura lieu vendredi le 11 mai 2018 dans les galeries de VU de 17 h à 19h. Vous pourrez vous procurer votre exemplaire du livre au prix de lancement de 40$ et rencontrer les artistes. Une prise de parole par les membres du collectif présents et de Anne-Marie Proulx (VU) aura lieu à partir de 18 h.</span>\r\n\r\n</div>\r\nLe plus récent titre de la collection de livres photographiques de VU, Outre-vie/Afterlife retrace le parcours d\'un collectif de treize artistes qui explorent ensemble la vie après la vie de l\'image photographique. Permettant de suivre les réflexions du groupe au fil de leurs rencontres et projets, le livre présente aussi les œuvres individuelles des différents artistes ainsi que celles du collectif, jusqu\'à la création du livre lui-même.\r\n<div>\r\n<div></div>\r\n</div>', 'Lancement à Québec du livre Outre-vie/Afterlife', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'lancement-a-quebec-du-livre-outre-vie-afterlife', '', '', '2019-06-28 16:45:13', '2019-06-28 20:45:13', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lancement-a-quebec-du-livre-outre-vie-afterlife/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4888, 1, '2017-10-13 10:39:47', '2017-10-13 09:39:47', '', 'Craig Rodmore', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'craig-rodmore', '', '', '2019-06-28 16:46:16', '2019-06-28 20:46:16', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/craig-rodmore/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4889, 1, '2018-04-27 16:25:35', '2018-04-27 20:25:35', '<span style=\"font-size: 2.5rem;color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nNous avons le plaisir de vous convier à la troisième édition de Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie! En résonance avec les expositions de Lucie Rocher et de Simon M. Benedict, nous vous convions à une conversation libre autour de <strong>l\'atelier, du travail et du processus</strong>.\r\n\r\nPour cette troisième discussion, nous avons invité l\'artiste et encadreur François Simard. Travaillant et vivant dans la Capitale, sa peinture à été exposée dans plusieurs centres d\'artistes au Québec et en Angleterre et ses services en encadrement sont largement sollicités autant par les artistes professionnels que par les musées.', 'Carrousel #3 : L\'atelier, le travail, le processus', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'carrousel-3-latelier-le-travail-le-processus', '', '', '2019-10-31 12:58:45', '2019-10-31 16:58:45', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/carrousel-3-latelier-le-travail-le-processus/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4890, 1, '2017-09-13 15:05:56', '2017-09-13 14:05:56', '<strong><span style=\"font-size: 2.5rem;color: #000000\">This content is only available in French.</span></strong>\r\n\r\n<strong>Amélie Tremblay</strong>, l\'artiste récipiendaire du Prix VU 2017 remis à un(e) finissant(e) de l\'École d\'art de l\'Université Laval, était en résidence dans nos espaces de production en avril dernier.\r\n\r\nAmélie s\'intéresse aux sensations qui la stimulent, autant physiquement qu\'intellectuellement, qui sont provoquées par les rencontres, les évènements, les objets et la nature qui l\'entoure. Passionnée de voyage, elle aime se promener dans des endroits inhabituels afin de capter des images de gens ou de collecter des objets de leur quotidien.  Dans le but d\'approfondir ses connaissances, elle questionne, annote, dessine, observe, photographie et filme ce qu\'elle sélectionne volontairement ou au hasard.', 'Amélie Tremblay', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'amelie-tremblay', '', '', '2019-06-28 16:54:56', '2019-06-28 20:54:56', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/amelie-tremblay/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4891, 1, '2018-05-02 16:57:45', '2018-05-02 15:57:45', '<span style=\"font-size: 2.5rem;color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nLe soir du vernissage de son exposition painter project, Simon M. Benedict a fait une performance qui se voulait une activation de la vidéo qui a été projetée lors de l\'exposition.', 'Performance painter project', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'performance-painter-project', '', '', '2019-06-28 16:53:55', '2019-06-28 20:53:55', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/performance-painter-project/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4892, 1, '2018-02-27 16:26:33', '2018-02-27 15:26:33', '<span style=\"font-size: 2.5rem;color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nMichelle Lacombe, qui présentera son travail à VU dans le cadre d\'une exposition collective au mois de mai prochain, est actuellement en résidence dans nos espaces.\r\n\r\nElle explore l\'auto-portrait à travers un processus performatif qui réduit le corps de l\'artiste en une topographie abstraite. Ses images, qu\'elle qualifie de « substitut corporel », sont manipulées jusqu\'à ce qu\'elles se transforment en un papier usé et diffus rappelant ainsi le corps meurtri et vieillissant.\r\n\r\nDepuis plus de 10 ans, Michelle Lacombe poursuit une démarche spécifiquement tournée vers la performance, l\'art corporel (body art) et le dessin. Par diverses modifications de son corps, comme le tatouage ou la scarification, elle remet en question la représentation et les archétypes liés au genre féminin à travers une perspective historique et culturelle. Depuis peu, elle constitue un corpus d\'œuvres qui prolonge ses expériences performatives dans un contexte d\'exposition. Son travail se caractérise par une simplicité matérielle, une précision conceptuelle, une intensité corporelle et un regard assurément féministe.', 'Michelle Lacombe', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'michelle-lacombe', '', '', '2019-07-01 15:32:03', '2019-07-01 19:32:03', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/michelle-lacombe/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4893, 1, '2018-03-01 15:12:54', '2018-03-01 14:12:54', '<span style=\"font-size: 2.5rem;color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nNous avons le plaisir de vous convier à la deuxième édition de Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie.\r\n\r\nPour cette seconde discussion, nous avons invité l\'artiste Eveline Boulva, qui présente actuellement l\'exposition <em>Terre tourmente</em> chez Engramme. Ses préoccupations actuelles rejoignent d\'une part certains des questionnements abordés dans l\'exposition <em>Appareillage</em>, d\'autre part notre orientation annuelle <em>Inventer le risque</em>.\r\n\r\nVous êtes cordialement invités à venir échanger avec elle à partir d\'une image ou d\'un objet photographique qu\'elle aura choisi de vous présenter.  Notez qu\'il vous est également possible d\'apporter un objet ou une image pour poursuivre la discussion.\r\n\r\nBienvenue à tous à partir de 17h30!\r\n\r\n&nbsp;', 'Carrousel #2', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'carrousel-2', '', '', '2019-07-01 15:30:40', '2019-07-01 19:30:40', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/carrousel-2/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4894, 1, '2017-08-30 14:56:17', '2017-08-30 13:56:17', 'Having just arrived in Québec, <a href=\"http://vuphoto.org/en/calendar/residency/residences-de-chen-hua-et-su-sheng/\"><strong>Chen Hua</strong> and <strong>Su Sheng</strong></a> take us to China by fixing their gaze on the urban and social landscape. On the one hand, Chen Hua undertakes to preserve the memory of rural ways of life that are increasingly swallowed up by the expansion of cities, where the remains of another era coexist with today’s everyday activities. On the other hand, Su Sheng immerses himself in the everyday of middle-class people in order to identify the characteristics of a population marked by the one-child policy. When the children seem to have everything, what can the ones that we call the “little emperors” still dream of?\r\n\r\nAn initiative of Le Lieu, centre en art actuel in collaboration with the Xiang Xishi Center for Contemporary Art and the artist-run centres Avatar, La Chambre Blanche, and VU.\r\n\r\n&nbsp;', 'Échange Québec-Xian', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'echange-quebec-xian', '', '', '2019-12-04 13:47:43', '2019-12-04 18:47:43', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/echange-quebec-xian/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4895, 4, '2019-06-28 17:04:10', '2019-06-28 21:04:10', 'Les images éphémères de <strong>John Steck</strong>, les œuvres cinétiques et sonores de <strong>Pascale LeBlanc Lavigne</strong>, les photographies performées de <strong>Michelle Lacombe</strong> et l\'intervention <em>in situ</em> de <strong>Lucie Rocher</strong> forment un collectif réunissant d\'improbables rencontres de sens. La photographie y apparaît de façon oblique ; elle est suggérée, malmenée, sous-jacente, latente, presque absente. L\'extrême limite du risque étant peut-être la disparition, la destruction, la souffrance ou la mort, <em>Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire</em> révèle différentes manières de porter, de réfléchir ce qu\'il en reste. Pour ainsi faire voir les résidus, les traces qui surviennent quand quelque chose nous échappe.\n\nL\'exposition fait partie de la programmation <em>Inventer le risque</em>, qui invite à reconsidérer nos façons de faire la création et de penser l\'image.', 'Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1966-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 17:04:10', '2019-06-28 21:04:10', '', 1966, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1966-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4896, 4, '2019-06-28 17:00:53', '2019-06-28 21:00:53', '', 'Pascale LeBlanc Lavigne', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'pascale-leblanc-lavigne', '', '', '2019-06-28 17:00:53', '2019-06-28 21:00:53', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=4896', 0, 'museo_artist', '', 0),
(4897, 1, '2017-08-30 14:54:06', '2017-08-30 13:54:06', '<strong>John Steck</strong>’s ephemeral images, <strong>Pascale LeBlanc Lavigne</strong>’s kinetic and sound pieces, <strong>Michelle Lacombe</strong>’s performed photographs, and <strong>Lucie Rocher</strong>’s in-situ intervention form a collective uniting improbable encounters of the senses. Photography appears in an oblique way; it is suggested, mistreated, underlying, latent, almost absent. The extreme limit of risk perhaps being disappearance, destruction, suffering, or death, <em>Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire (In fact, I have nothing in particular to say to you)</em> reveals different ways of reflecting and carrying with us what remains. It shows us the residue, the traces that appear when something slips away.', 'Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'je-nai-du-reste-rien-de-special-a-vous-dire', '', '', '2019-06-28 17:07:23', '2019-06-28 21:07:23', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/je-nai-du-reste-rien-de-special-a-vous-dire/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4898, 4, '2019-06-28 17:13:25', '2019-06-28 21:13:25', '', 'Chen Hua', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'chen-hua', '', '', '2019-06-28 17:13:25', '2019-06-28 21:13:25', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=4898', 0, 'museo_artist', '', 0),
(4899, 4, '2019-06-28 17:13:42', '2019-06-28 21:13:42', '', 'Su Sheng', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'su-sheng', '', '', '2019-06-28 17:13:42', '2019-06-28 21:13:42', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=4899', 0, 'museo_artist', '', 0),
(4900, 4, '2019-06-28 17:21:18', '2019-06-28 21:21:18', '<h5><strong><em>Table ronde autour du livre photo</em></strong></h5>\n<div>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans le cadre de l\'exposition Assemblages, cette table ronde invitera le public à participer à une discussion réunissant les artistes Alexandre Berthier et Catherine Lebel-Ouellet, Serge Allaire (historien de l\'art) et Anne Bertrand (directrice de l\'ARCA). Ils aborderont  des sujets relatifs au processus de création, au rôle de cet tel objet dans les pratiques photographiques actuelles, ainsi qu\'aux problématiques reliées à l\'édition et la diffusion du livre d\'artiste en général.</p>\n\n</div>\n<div style=\"text-align: left\">\n<h5><strong><em>Petit Gris : guide de l\'édition en art et de la distribution autogérée</em></strong></h5>\n<em>Le Petit Gris : guide de l\'édition en art et de la distribution autogérée</em> a été réalisé par la Conférence des collectifs et des centres d\'artistes autogérés (ARCA) en partenariat avec le Regroupement des centres d\'artistes autogérés du Québec (RCAAQ). Le guide a d\'abord réuni une série de sept rubriques rédigées par Felicity Tayler, artiste, bibliothécaire, et critique d\'art. Chaque rubrique a été diffusée dans le cadre d\'une campagne électronique bi mensuelle, du 1er mars au 21 juin 2017. La version imprimée pourra être achetée lors du lancement au prix de 20$.\n\n</div>', 'Table ronde autour du livre photo et lancement du Petit Gris : guide de l\'édition en art et de la distribution autogérée', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1976-autosave-v1', '', '', '2019-06-28 17:21:18', '2019-06-28 21:21:18', '', 1976, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1976-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4901, 1, '2018-01-17 11:57:04', '2018-01-17 10:57:04', '<h5><strong><em>This content is only available in French.</em></strong></h5>\r\n<h5></h5>\r\n<h5><strong><em>Table ronde autour du livre photo</em></strong></h5>\r\n<div>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans le cadre de l\'exposition Assemblages, cette table ronde invitera le public à participer à une discussion réunissant les artistes Alexandre Berthier et Catherine Lebel-Ouellet, Serge Allaire (historien de l\'art) etAnne Bertrand (directrice de l\'ARCA). Ils aborderont  des sujets relatifs au processus de création, au rôle de cet tel objet dans les pratiques photographiques actuelles, ainsi qu\'aux problématiques reliées à l\'édition et la diffusion du livre d\'artiste en général.</p>\r\n\r\n</div>\r\n<div style=\"text-align: left\">\r\n<h5><strong><em>Petit Gris : guide de l\'édition en art et de la distribution autogérée</em></strong></h5>\r\n<em>Le Petit Gris : guide de l\'édition en art et de la distribution autogérée</em> a été réalisé par la Conférence des collectifs et des centres d\'artistes autogérés (ARCA) en partenariat avec le Regroupement des centres d\'artistes autogérés du Québec (RCAAQ). Le guide a d\'abord réuni une série de sept rubriques rédigées par Felicity Tayler, artiste, bibliothécaire, et critique d\'art. Chaque rubrique a été diffusée dans le cadre d\'une campagne électronique bi mensuelle, du 1er mars au 21 juin 2017. La version imprimée pourra être achetée lors du lancement au prix de 20$.\r\n\r\n</div>', 'Table ronde autour du livre photo et lancement du Petit Gris : guide de l\'édition en art et de la distribution autogérée', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'table-ronde-autour-du-livre-photo-et-lancement-du-petit-gris-guide-de-ledition-en-art-et-de-la-distribution-autogeree', '', '', '2019-07-01 15:27:00', '2019-07-01 19:27:00', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/table-ronde-autour-du-livre-photo-et-lancement-du-petit-gris-guide-de-ledition-en-art-et-de-la-distribution-autogeree/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4902, 1, '2017-09-13 15:04:45', '2017-09-13 14:04:45', '', 'Pascal Gingras', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'pascal-gingras', '', '', '2019-07-01 15:25:14', '2019-07-01 19:25:14', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/pascal-gingras/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4904, 1, '2017-09-13 15:02:16', '2017-09-13 14:02:16', '<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\nKatri Naukkarinen est en résidence à VU ainsi qu\'à Avatar depuis le mois de septembre. Katri a été sélectionnée dans le cadre du programme de résidence internationale en partenariat avec Méduse, le CALQ et The Finnish Artists\' Studio Foundation.\r\n\r\nElle a profité de son temps de recherche pour développer deux projets, soit un projet de publication photographique (VU) ainsi qu\'un projet en réalité virtuelle dans lequel elle explore et réinvente de façon sonore et picturale l\'intérieur de son propre cerveau (Avatar).', 'Katri Naukkarinen', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'katri-naukkarinen', '', '', '2019-07-01 15:23:01', '2019-07-01 19:23:01', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/katri-naukkarinen/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4905, 1, '2017-10-13 17:51:20', '2017-10-13 16:51:20', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nIl semble que nous ne puissions pas tout contrôler. Même quand nous essayons, les idées et les substances semblent partir dans toutes les directions. La bonne nouvelle c\'est que plus nous laissons les frontières devenir floues, plus ça devient intéressant.\r\n\r\nVous êtes invités à creuser cette idée et faire des dégâts avec nous, dans un projet duquel il résultera des sculptures bizarres et extraordinaires que vous pourrez rapporter à la maison ou laisser dans la galerie. Prévoyez des vêtements confortables qui pourront être salis. Paillettes, teintures à base de plantes, plâtre de Paris, sable et serviettes fournies.\r\n\r\nCette activité fait partie de la programmation <em>Inventer le risque</em>, qui invite à reconsidérer nos façons de faire la création et de penser l\'image.', 'A Controlled Spill : contrôler les dégâts', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'a-controlled-spill-controler-les-degats', '', '', '2019-07-01 15:22:14', '2019-07-01 19:22:14', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/a-controlled-spill-controler-les-degats/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4906, 1, '2017-10-03 10:35:50', '2017-10-03 09:35:50', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nRéfléchissez avec nous cette notion en résonance avec les expositions en cours à VU et votre propre expérience. Dégradation de l\'image, mort, désuétude de certaines pratiques : la perte annonce t-elle la fin ou est-elle un passage ?\r\n\r\nUne table-ronde abordant le sujet sera animée par l\'artiste et commissaire Hélène Matte qui est également l\'auteure du texte* accompagnant nos expositions de la rentrée, Trauma de Joan Fontcuberta et Espaces périphériques de Katia Gosselin. Les artistes Moïa Jobin-Paré et Annie St-Jean, qui participent quant à elles à l\'exposition Adieu la photographie présentée à la Maison Hamel-Bruneau jusqu\'au 17 décembre, viendront partager leur démarches et échanger avec nous.\r\n\r\nNotez qu\'il n\'est pas nécessaire d\'avoir visité les expositions mentionnées pour participer.\r\n\r\n* Il se passe quelque chose quand les visages tombent est disponible en ce moment dans nos galeries et sur notre blogue Pratiques photographiques.', 'Que voyez-vous dans la perte? : Table ronde animée par Hélène Matte', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'que-voyez-vous-dans-la-perte-table-ronde-animee-par-helene-matte', '', '', '2019-07-01 15:19:12', '2019-07-01 19:19:12', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/que-voyez-vous-dans-la-perte-table-ronde-animee-par-helene-matte/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4907, 1, '2017-09-13 14:44:43', '2017-09-13 13:44:43', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nDans le cadre de sa résidence de recherche, Guillaume Adjutor Provost poursuivra son exploration de la photographie argentique moyen format et de ses processus de développement en laboratoire. En outre, les modalités analogiques lui permettront d\'expérimenter avec la solarisation sur pellicule, technique hasardeuse de post-production de l\'image. Le langage photographique que développe Guillaume Adjutor Provost tend à délaisser l\'usage de l\'appareil photographique en favorisant les procédés chimiques, la matérialisation des images et la surimpression numérique.', 'Cruising Catalunya', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'cruising-catalunya', '', '', '2019-07-01 15:16:59', '2019-07-01 19:16:59', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/cruising-catalunya/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4908, 4, '2019-03-28 10:31:53', '2019-03-28 14:31:53', 'Les images de Demers-Roberge et de Fortin nous font voyager sur terre entre les émotions fortes d’expéditions vécues, les recherches sur le paysage nordique, la fascination pour la science, l’exploration des détails invisibles de certains territoires, l’obsession pour les phénomènes naturels monumentaux, etc. Comme la pointe d’un triangle inversé, ce sont les sept textes extraits du recueil Pangée de la poète québécoise Isabelle Gaudet-Labine, insérés dans un livret métallique, qui complètent la publication et nous invitent à plonger dans les profondeurs de l’histoire de la terre.\r\n\r\nL’ouvrage comporte un ensemble généreux de photographies, de collages, de dessins, de peintures, d’objets naturels, de traces d’expéditions, de documentations d’interventions en nature, d’expositions significatives en plus d’archives scientifiques, de textes et finalement de trois œuvres d’artistes invités à collaborer à l’ouvrage.\r\n\r\n<em>\"Roche Plante Mer Bois</em> est une histoire dense qui se raconte à travers des fragments tantôt géologiques, tantôt humains, où la petite histoire rejoint la grande.\" – Isabelle Gaudet-Labine\r\n\r\nCe livre a bénéficié du soutien de Première Ovation.', 'Roche Plante Mer Bois', 'Audrée Demers-Roberge et Amélie Laurence Fortin s’associent pour réaliser le livre d’artiste <em>Roche Plante Mer Bois</em>. Prenant l’occasion d’une publication comme celle d’un véritable laboratoire et d’un dialogue pour approfondir la notion de collaboration, les artistes y inscrivent quelques bouts de leur nature où les œuvres passées et inédites s’y côtoient sans hiérarchie.', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'roche-plante-mer-bois', '', '', '2024-06-05 15:28:32', '2024-06-05 19:28:32', '', 0, 'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/roche-plante-mer-bois/', 0, 'product', '', 0),
(4909, 4, '2018-09-21 15:01:36', '2018-09-21 19:01:36', 'Le travail du collectif Outre-vie vise à développer un concept d’outre-vie qui appartiendrait au langage des images. Avec un nom inspiré d’un poème de la regrettée Marie Uguay, ce groupe puise son inspiration dans un dialogue, un échange portant sur le récit et les aléas de la mémoire. Outre-vie a présenté des expositions de photographies de grand format, des projections vidéo, des écrits expérimentaux et des installations sonores, au Québec et ailleurs. Ces engagements collectifs ont donné lieu à l’élaboration de modes de production et de diffusion collaboratifs inédits, dont une pratique d’archivage du processus de création propre au groupe.', 'Outre-vie/Afterlife', 'Outre-vie/Afterlife retrace le parcours d\'un collectif de treize artistes qui explorent ensemble la vie après la vie de l\'image photographique. Permettant de suivre les réflexions du groupe au fil de leurs rencontres et projets, le livre présente aussi les œuvres individuelles des différents artistes ainsi que celles du collectif, jusqu’à la création du livre lui-même.', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'outre-vie-afterlife', '', '', '2023-01-20 16:45:04', '2023-01-20 21:45:04', '', 0, 'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/outre-vie-afterlife/', 0, 'product', '', 0),
(4910, 1, '2016-10-05 16:59:21', '2016-10-05 20:59:21', 'Enveloppé par les marées et les vents de la mer Baltique, le livre <em>Själsö </em>de l\'artiste Sara A.Tremblay se présente comme un univers insulaire marqué par les mouvements des gens, des animaux et des éléments. Réalisées lors d\'un séjour de 88 jours sur l\'île de Gotland en Suède, les photographies qui composent ce livre font état d\'un quotidien où le temps sert à observer les forces tranquilles de la nature, au travers desquelles s\'esquissent des présences éthérées. Själsö, village hôte qui a prêté son nom au livre, se décline par les mots <em>själ</em> (âme) et <em>ö</em> (île), comme quoi l\'île amène à chercher dans le réel des traces de ce qui ne se voit pas.\r\n\r\nLe livre comprend aussi deux textes d\'auteurs. Véronique La Perrière M, artiste qui a résidé sur l\'île l\'année précédant Sara A.Tremblay, propose une réflexion sur l\'aura mythique de Gotland, alors que Anne-Marie Proulx explore les mouvements et les motifs dont est marqué l\'imaginaire photographique de l\'artiste.', 'Själsö', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'sjalso', '', '', '2024-08-28 05:18:31', '2024-08-28 09:18:31', '', 0, 'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/sjalso/', 0, 'product', '', 0),
(4911, 1, '2015-02-20 14:05:15', '2015-02-20 19:05:15', 'Une co-édition de VU, centre de diffusion et de production de la photographie (Québec), et de <span style=\"font-family: \'Akzidenz Grotesk BE\', Helvetica, Arial;font-size: 25px;font-style: normal;font-weight: 400\">B-B-B-Books</span><span style=\"font-size: 2.5rem\"> (Stockholm), </span><em style=\"font-size: 2.5rem\">Village</em><span style=\"font-size: 2.5rem\"> présente le regard des artistes suédois Klara Källström et Thobias Fäldt sur les liens ambigus entre les cultures québécoise, canadienne et autochtones.</span>\r\n\r\nLe livre présente une série de photographies issues de leurs multiples pérégrinations au Québec et en Ontario, de Gaspé à Toronto en passant par Chicoutimi et Québec. Les artistes y abordent avec humour, mais non sans esprit critique, les strates des différentes réalités culturelles, linguistiques et politiques de ces lieux.\r\n\r\nLes paroles de la chanson <em>Qui s\'en souvient ?</em> de Richard Desjardins et un poème de l\'auteure innue Natasha Kanapé Fontaine accompagnent le projet. De plus, un essai de l\'auteur et artiste Alexis Desgagnés vient appuyer le propos des artistes en questionnant les fossés culturels qui se sont creusés dès l\'arrivée des Européens en Amérique.\r\n\r\n<strong>Les artistes</strong>\r\n\r\nKlara Källström et Thobias Fäldt sont des photographes suédois vivant à Stockholm. Fondateurs de la maison d\'édition B-B-B Books, ils privilégient le livre comme médium de création et de diffusion de séries photographiques abordant différents enjeux historiques et politiques. En 2013, ils avaient profité d\'un séjour de trois mois à Québec, en résidence d\'artistes au Studio international de la coopérative Méduse, pour terminer la mise en forme de la série <em>A.BEACH</em>, qui porte sur le conflit israélo-palestinien, pour finaliser la production de leur publication <em>Gottsunda</em>, et pour amorcer la série <em>Village</em>.\r\n\r\n&nbsp;', 'Village', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'village', '', '', '2023-01-20 16:48:59', '2023-01-20 21:48:59', '', 0, 'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/village/', 0, 'product', '', 0),
(4912, 1, '2015-02-13 17:33:31', '2015-02-13 22:33:31', '<em>Mégantic</em> est une parution qui inaugure la nouvelle série de livres photographiques publiés par VU, centre de diffusion et de production de la photographie.\r\n\r\nL\'accident ferroviaire de Lac-Mégantic a incité le photographe montréalais Benoit Aquin à parcourir les lieux bordant le périmètre érigé aux pourtours du centre-ville, détruit par les multiples explosions de wagons remplis de pétrole brut. <em>Mégantic</em> présente une série de photographies qui constatent des blessures et relatent des événements vécus depuis le déraillement survenu dans la nuit du 6 juillet 2013 - des premiers dommages matériels aux efforts de nettoyage et de reconstruction, des deuils innommables jusqu\'aux soulèvements populaires. Aquin prête ses images à la mobilisation des citoyens aux prises avec une situation dont les résolutions apparaissent encore loin dans l\'horizon.\r\n\r\nAu terme de la série de photographies, la parole est donnée à la Méganticoise Marilaine Savard, voix citoyenne qui témoigne des questions, des doutes, des frustrations et des espoirs qui subsistent après le désastre.\r\n\r\n<strong>L\'artiste</strong>\r\n\r\nConcevant la photographie comme un outil d\'intervention sociale, le photographe montréalais Benoit Aquin documente par l\'image les grandes problématiques humanitaires et écologiques de notre époque. Ce photographe engagé a été récompensé par la Fédération professionnelle des journalistes du Québec en 2006 et s\'est mérité le prestigieux Prix Pictet en 2008 pour sa série <em>Le Dust Bowl chinois.</em> Son travail figure entre autres dans les collections du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Banque d\'œuvres d\'art du Conseil des arts du Canada et des Archives nationales du Canada', 'Mégantic', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'megantic', '', '', '2023-01-20 16:47:35', '2023-01-20 21:47:35', '', 0, 'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/megantic/', 0, 'product', '', 0),
(4913, 4, '2019-07-02 11:49:27', '2019-07-02 15:49:27', 'VU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre en produisant dans nos laboratoires et en assistant à nos activités. Être membre de VU, c’est offrir son soutien au développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. Le centre doit compter sur un appui tangible de sa communauté : il est donc important de vous savoir des nôtres.\r\n\r\nLes membres ami·e·s sont régulièrement informé·e·s des activités du centre et bénéficient de certains rabais sur les publications. La cotisation annuelle est de 20,00$ CAD (taxes incluses).', 'Membre « Ami·e »', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'membre-ami', '', '', '2024-06-12 13:58:52', '2024-06-12 17:58:52', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=product&#038;p=4913', 0, 'product', '', 0),
(4914, 4, '2019-07-01 10:46:24', '2019-07-01 14:46:24', 'Une co-édition de VU, centre de diffusion et de production de la photographie (Québec), et de <span style=\"font-family: \'Akzidenz Grotesk BE\', Helvetica, Arial;font-size: 25px;font-style: normal;font-weight: 400\">B-B-B-Books</span><span style=\"font-size: 2.5rem\"> (Stockholm), </span><em style=\"font-size: 2.5rem\">Village</em><span style=\"font-size: 2.5rem\"> présente le regard des artistes suédois Klara Källström et Thobias Fäldt sur les liens ambigus entre les cultures québécoise, canadienne et autochtones.</span>\n\nLe livre présente une série de photographies issues de leurs multiples pérégrinations au Québec et en Ontario, de Gaspé à Toronto en passant par Chicoutimi et Québec. Les artistes y abordent avec humour, mais non sans esprit critique, les strates des différentes réalités culturelles, linguistiques et politiques de ces lieux.\n\nLes paroles de la chanson <em>Qui s\'en souvient ?</em> de Richard Desjardins et un poème de l\'auteure innue Natasha Kanapé Fontaine accompagnent le projet. De plus, un essai de l\'auteur et artiste Alexis Desgagnés vient appuyer le propos des artistes en questionnant les fossés culturels qui se sont creusés dès l\'arrivée des Européens en Amérique.\n\n<strong>Les artistes</strong>\n\nKlara Källström et Thobias Fäldt sont des photographes suédois vivant à Stockholm. Fondateurs de la maison d\'édition B-B-B Books, ils privilégient le livre comme médium de création et de diffusion de séries photographiques abordant différents enjeux historiques et politiques. En 2013, ils avaient profité d\'un séjour de trois mois à Québec, en résidence d\'artistes au Studio international de la coopérative Méduse, pour terminer la mise en forme de la série <em>A.BEACH</em>, qui porte sur le conflit israélo-palestinien, pour finaliser la production de leur publication <em>Gottsunda</em>, et pour amorcer la série <em>Village</em>.\n\n&nbsp;', 'Village', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '497-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 10:46:24', '2019-07-01 14:46:24', '', 497, 'http://vuphoto.org/fr/articles/497-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4915, 4, '2019-07-01 10:53:26', '2019-07-01 14:53:26', '', 'Isabelle Gaudet-Labine', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'isabelle-gaudet-labine', '', '', '2019-07-01 10:53:26', '2019-07-01 14:53:26', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=4915', 0, 'museo_artist', '', 0),
(4916, 4, '2019-07-01 14:40:44', '2019-07-01 18:40:44', 'Des artistes québécois et français font rencontrer leurs pratiques par l\'échange d\'idées, explorant ensemble les réalités matérielles et esthétiques qui s\'imposent à la création actuelle. À défaut de faire voyager des œuvres, ce sont les idées d\'un artiste qui sont envoyés d\'un continent à l\'autre sous forme d\'instructions, écrites et/ou dessinées, qu\'un autre va interpréter à sa manière.\n\nEn montrant les œuvres réalisées ainsi que les instructions, ce projet questionne le statut de l\'auteur ainsi que celui de l\'œuvre dans un va-et-vient entre autonomie et autorité. Pour les quatorze artistes impliqués, il s\'agit aussi de passer de la création à la co-création avec le désir de sortir de leur zone de confort et de démystifier les processus de création.\n\nCe projet est une initiative de VU en collaboration avec Manif d\'art et le Musée d\'art contemporain de Baie-Saint-Paul.\n\nLe Musée d\'art contemporain de Baie-Saint-Paul remercie le ministère de la Culture et des Communications du Québec, la Ville de Baie-Saint-Paul, la Caisse Desjardins du Fleuve et des Montagnes, Hydro-Québec et la MRC de Charlevoix.\n\nVU et Manif d\'art remercient le Consulat général de France à Québec.\n\nUne table-ronde a eu lieu lors du vern', 'Extension de la pratique des idées : échange Québec-PACA', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1952-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 14:40:44', '2019-07-01 18:40:44', '', 1952, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1952-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(4917, 4, '2019-07-01 11:13:38', '2019-07-01 15:13:38', '', 'Musée d\'art contemporain de Baie-Saint-Paul - 23, rue Ambroise-Fafard, Baie-Saint-Paul', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'musee-dart-contemporain-de-baie-saint-paul-23-rue-ambroise-fafard-baie-saint-paul', '', '', '2019-07-01 11:13:38', '2019-07-01 15:13:38', '', 0, 'http://vuphoto.org/fr/?post_type=museo_location&#038;p=4917', 0, 'museo_location', '', 0),
(4918, 4, '2019-07-01 11:16:42', '2019-07-01 15:16:42', '', 'Martin Boisseau', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'martin-boisseau', '', '', '2019-07-01 11:16:42', '2019-07-01 15:16:42', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=4918', 0, 'museo_artist', '', 0),
(4919, 4, '2019-07-01 11:17:04', '2019-07-01 15:17:04', '', 'Karole Biron', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'karole-biron', '', '', '2019-07-01 11:17:04', '2019-07-01 15:17:04', '', 0, 'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=4919', 0, 'museo_artist', '', 0),
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(4986, 1, '2017-05-19 09:48:30', '2017-05-19 08:48:30', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nVU et l\'Œil de Poisson ont le plaisir de vous accueillir spécialement cet été dans leurs galeries pour découvrir la progression du travail de huit artistes et auteurs en art actuel, qui mènera à une <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/espaces-en-pratique/\">exposition collective</a> réunissant aussi bien la photographie, la sculpture, l\'installation, le dessin que la performance.\r\n\r\nEspaces en pratique est un laboratoire de création où vous êtes invités à entrer en relation avec l\'art à toutes les étapes de sa réalisation, de l\'émergence des propositions singulières et collectives jusqu\'à leur concrétisation. Vous aurez même le privilège de prendre part au processus créatif des artistes lors de discussions organisées pendant les portes ouvertes. Par la suite, au cours de <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/espaces-en-pratique/\">l\'exposition</a>, vous pourrez aussi faire l\'expérience d\'une visite commentée assurée par des enfants qui vous partageront leur vision de l\'art.\r\n\r\nCe projet est réalisé grâce au soutien financier du gouvernement du Québec et de la Ville de Québec dans le cadre de l\'Entente de développement culturel.', 'Ateliers - Espaces en pratique', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'ateliers-espaces-en-pratique', '', '', '2019-07-01 12:47:02', '2019-07-01 16:47:02', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/ateliers-espaces-en-pratique/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4987, 4, '2019-07-01 12:26:38', '2019-07-01 16:26:38', 'Afin de souligner notre année dédiée à « Réfléchir ensemble », nous avons le plaisir de vous convier à inaugurer la première édition du Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie!\n\nVous êtes invités à apporter des images ou des objets photographiques pour en discuter de manière informelle et pour questionner divers éléments qui façonnent notre rapport au photographique.\n\nÉtant donné la nature conviviale des échanges, il est suggéré que les objets apportés puissent circuler et être manipulés par les participants. Ces rencontres visent à initier une expérience commune, il sera donc proscrit de faire une présentation de son propre travail.\n\nÀ chaque rencontre, un invité spécial orientera les discussions et présentera lui aussi un objet ou une image. Pour cette première rencontre, nous sommes heureux de recevoir Sébastien Hudon.\n\nBienvenue à tous!\n\nCarrousel sera précédé par une présentation de l\'artiste Verena Friedrich qui est actuellement en résidence à Méduse dans le cadre des Pépinières européennes pour jeunes artistes et qui est parrainée par Avatar et La Bande Vidéo.\n\n&nbsp;\n\n<em>Photographie : ICE BRIDGE O[N] THE  [S]T. LAWRE[N]CE</em> / Train sur le fleuve glacé, reliant Montréal et Longueuil lors de son inauguration le 30 janvier 1880, (attr. à) Alexander Henderson (1831-1913), Tirage photographique original sur papier albuminé, 15 x 21.8 cm', 'Carrousel #1', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1958-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 12:26:38', '2019-07-01 16:26:38', '', 1958, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1958-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4991, 1, '2017-06-20 09:44:41', '2017-06-20 08:44:41', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nAfin de souligner notre année dédiée à « Réfléchir ensemble », nous avons le plaisir de vous convier à inaugurer la première édition du Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie!\r\n\r\nVous êtes invités à apporter des images ou des objets photographiques pour en discuter de manière informelle et pour questionner divers éléments qui façonnent notre rapport au photographique.\r\n\r\nÉtant donné la nature conviviale des échanges, il est suggéré que les objets apportés puissent circuler et être manipulés par les participants. Ces rencontres visent à initier une expérience commune, il sera donc proscrit de faire une présentation de son propre travail.\r\n\r\nÀ chaque rencontre, un invité spécial orientera les discussions et présentera lui aussi un objet ou une image. Pour cette première rencontre, nous sommes heureux de recevoir Sébastien Hudon.\r\n\r\nLe carrousel sera précédé par une présentation de l\'artiste Verena Friedrich qui est actuellement en résidence à Méduse dans le cadre des Pépinières européennes pour jeunes artistes et qui est parrainée par Avatar et La Bande Vidéo.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<em>Photographie : ICE BRIDGE O[N] THE  [S]T. LAWRE[N]CE</em> / Train sur le fleuve glacé, reliant Montréal et Longueuil lors de son inauguration le 30 janvier 1880, (attr. à) Alexander Henderson (1831-1913), Tirage photographique original sur papier albuminé, 15 x 21.8 cm', 'Carrousel #1', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'carrousel-un', '', '', '2019-07-01 12:46:38', '2019-07-01 16:46:38', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/carrousel-un/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(4992, 4, '2019-07-01 12:37:46', '2019-07-01 16:37:46', '<p style=\"text-align: justify\">Afin de poursuivre la réflexion autour, et au-delà, de l\'exposition <em>Entre trace et aura</em>, une table-ronde est proposée avec les artistes de l\'exposition et des intervenants invités. Alors, aux voix des artistes <strong>Audrée Demers-Roberge</strong>, <strong>Martin Guimont</strong> et <strong>Alphiya Joncas</strong>, et à celle de la commissaire <strong>Gentiane La France</strong>, s\'ajouteront les voix des artistes invités <strong>Reno Salvail</strong> et <strong>Catherine Lebel-Ouellet</strong> ainsi que celle de l\'auteure et commissaire <strong>Claire Moeder</strong> pour une discussion conviviale.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L\'exposition <em>Entre trace et aura</em> se présente comme une rencontre de différentes séries photographiques qui explorent notamment le rapport de l\'artiste avec l\'environnement naturel, et la table-ronde vise à étendre cette rencontre en y invitant des pratiques et des réflexions conjointes à ces recherches. Partant des concepts de trace et d\'aura, empruntés au philosophe Walter Benjamin, la discussion proposée cherche à approfondir ceux-ci au croisement de leur équivocité avec les œuvres et les points de vues mis en présence. Par ailleurs, ce sera l\'occasion de partager des idées qui émergent de la polarité entre la proximité et le lointain, à la fois dans l\'expérience sensible de la nature et dans la pratique photographique.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Cette table ronde a été réalisée grâce au soutien de la mesure d\'aide Première Ovation de la ville de Québec et du ministère de la Culture et des Communications.</p>', 'Table ronde Entre trace et aura', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1956-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 12:37:46', '2019-07-01 16:37:46', '', 1956, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1956-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
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(4999, 1, '2016-08-31 10:12:45', '2016-08-31 09:12:45', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\n« L\'image pourrait prendre la forme d\'hypothétiques prénoms de femmes : Lise, Nancy, Simone, peut-être encore Denise, Maude ou Marie ; avec de non moins hypothétiques noms de famille : Tremblay, Cloutier, Smith, peut-être encore Awashish, Nguyen ou Moreau. L\'image donnerait à sentir l\'odeur fétide d\'un site industriel du quartier Hochelaga, à Montréal. Elle peindrait, sans pourtant le montrer, le visage de femmes qui, pour survivre, arpentent le théâtre d\'un appétit sexuel qui paye pour jouir. Habitée par l\'existence maganée de ces femmes, l\'image serait ainsi le nom de toutes les femmes, et aussi celui de frères sensibles. Cette violence inouïe, l\'image l\'exprimerait d\'ailleurs, tel un cri, dans d\'énigmatiques inscriptions rédigées au marqueur noir de la souffrance - par qui ? - sur la tôle décatie du drame quotidien de la narco-prostitution. Ces écritures, quelqu\'un dont l\'image ne saurait dire le nom les aurait ensuite effacées, peut-être pour faire taire l\'écho de ce cri qui résonne dans la puanteur journalière des terrains vagues de l\'est de Montréal. De tout cela, l\'image ne serait vraiment que l\'hypothèse. » - Alexis Desgagnés\r\n\r\nDans le cadre de sa résidence à VU, Alexis Desgagnés travaillera sur son projet <em>Ammoniaque</em>. Son intention est de développer un certain nombre de pellicules, de numériser et/ou renumériser ses négatifs et d\'imprimer des tirages de travail dans le but de produire une maquette de son projet.', 'Ammoniaque', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'ammoniaque', '', '', '2019-07-01 12:45:18', '2019-07-01 16:45:18', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/ammoniaque/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5000, 1, '2017-05-19 17:18:18', '2017-05-19 16:18:18', '<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Afin de poursuivre la réflexion autour, et au-delà, de l\'exposition <a href=\"http://vuphoto.org/en/calendar/exhibition/entre-trace-et-aura/\"><em>Entre trace et aura</em></a>, une table-ronde est proposée avec les artistes de l\'exposition et des intervenants invités. Alors, aux voix des artistes <strong>Audrée Demers-Roberge</strong>, <strong>Martin Guimont</strong> et <strong>Alphiya Joncas</strong>, et à celle de la commissaire <strong>Gentiane La France</strong>, s\'ajouteront les voix des artistes invités <strong>Reno Salvail</strong> et <strong>Catherine Lebel-Ouellet</strong> ainsi que celle de l\'auteure et commissaire <strong>Claire Moeder</strong> pour une discussion conviviale.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L\'exposition <em>Entre trace et aura</em> se présente comme une rencontre de différentes séries photographiques qui explorent notamment le rapport de l\'artiste avec l\'environnement naturel, et la table-ronde vise à étendre cette rencontre en y invitant des pratiques et des réflexions conjointes à ces recherches. Partant des concepts de trace et d\'aura, empruntés au philosophe Walter Benjamin, la discussion proposée cherche à approfondir ceux-ci au croisement de leur équivocité avec les œuvres et les points de vues mis en présence. Par ailleurs, ce sera l\'occasion de partager des idées qui émergent de la polarité entre la proximité et le lointain, à la fois dans l\'expérience sensible de la nature et dans la pratique photographique.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette table ronde a été réalisée grâce au soutien de la mesure d\'aide Première Ovation de la ville de Québec et du ministère de la Culture et des Communications.</p>', 'Table ronde Entre trace et aura', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'table-ronde-entre-trace-et-aura', '', '', '2019-07-01 14:45:09', '2019-07-01 18:45:09', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/table-ronde-entre-trace-et-aura/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5001, 4, '2019-07-01 13:59:57', '2019-07-01 17:59:57', '', 'residence_1024', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', 'residence_1024', '', '', '2019-07-01 13:59:57', '2019-07-01 17:59:57', '', 1942, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/residence_1024.jpg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
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(5003, 1, '2016-08-31 10:15:11', '2016-08-31 09:15:11', '<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\nTristan Fortin-Lebreton profite d\'un séjour en résidence à VU pour imprimer des photos argentiques, surtout grand format, pour ensuite les soumettre à différents traitements physiques et chimiques. Intervenant sur les images avec des matières comme le sang de cochon, le charbon et la poudre à canon, il cherche à faire survenir l\'accident, l\'improbable et la surprise, qui viennent s\'inscrire dans la signification de ses images. Toute cette démarche d\'altération des œuvres produites sera documentée photographiquement et intégrée à un projet en cours de réalisation, la production d\'un photoroman.', 'Tristan Fortin-Lebreton', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'tristan-fortin-lebreton', '', '', '2019-07-01 14:32:05', '2019-07-01 18:32:05', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/tristan-fortin-lebreton/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5004, 4, '2019-07-01 14:02:41', '2019-07-01 18:02:41', '', '2T_72ppp', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', '2t_72ppp', '', '', '2019-07-01 14:02:41', '2019-07-01 18:02:41', '', 1950, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/2T_72ppp.jpeg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
(5005, 4, '2019-07-01 14:02:41', '2019-07-01 18:02:41', '', '2T_72ppp', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', '2t_72ppp', '', '', '2019-07-01 14:02:41', '2019-07-01 18:02:41', '', 5006, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/2T_72ppp.jpeg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
(5006, 1, '2017-01-20 16:21:27', '2017-01-20 15:21:27', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nDelphine Egesborg est fascinée par la complexité des archives photographiques qui sont à la fois souvenirs imagés, objets partagés et indices temporels. Ses recherches actuelles impliquent une appropriation libre d\'archives et une relecture de nos images, voire de nos histoires. Lors de sa résidence, elle poursuit le développement d\'un corpus d\'œuvres entamé au printemps 2016. Elle profite de sa résidence chez VU pour entre autres numériser des images d\'archives et imprimer des épreuves de travail qui contribuent à ses recherches en cours.\r\n\r\nRécipiendaire du Prix VU en 2016, Delphine Egesborg bénéficie d\'une résidence au centre. Le Prix VU est attribué chaque année à un ou une finissante du baccalauréat en arts visuels de l\'École d\'art de l\'Université Laval.', 'Delphine Egesborg', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'delphine-egesborg', '', '', '2019-07-01 14:29:04', '2019-07-01 18:29:04', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/delphine-egesborg/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5007, 4, '2019-07-01 14:05:09', '2019-07-01 18:05:09', '', 'LCG- Nicole 2', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', 'lcg-nicole-2', '', '', '2019-07-01 14:05:09', '2019-07-01 18:05:09', '', 1951, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/LCG-Nicole-2.jpg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
(5008, 4, '2019-07-01 14:05:09', '2019-07-01 18:05:09', '', 'LCG- Nicole 2', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', 'lcg-nicole-2-2', '', '', '2019-07-01 14:05:09', '2019-07-01 18:05:09', '', 5009, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/LCG-Nicole-2.jpg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
(5009, 1, '2017-02-07 16:15:31', '2017-02-07 15:15:31', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nS\'inspirant des témoignages de participants interviewés au hasard, l\'artiste-photographe Yeondoo Jung a créé, à l\'occasion d\'une résidence à l\'été 2016, des versions contemporaines de la légende de la chasse-galerie. Il suggère ainsi que l\'imagination a le pouvoir de bouleverser nos <em>a priori</em> en nous permettant d\'envisager autrement notre histoire et le monde auquel nous appartenons.\r\n\r\nUne présentation de Manif d\'art en collaboration avec VU.\r\nInterventions photographiques sur deux abribus et dans deux autobus du Réseau de transport de la Capitale (RTC)\r\n\r\n<strong>Ligne 800, Abribus : Arrêt du Grand Théâtre et Arrêt du Pont / Charest (direction Beauport)</strong>', 'La Chasse-Galerie', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'la-chasse-galerie', '', '', '2019-07-01 14:31:06', '2019-07-01 18:31:06', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/la-chasse-galerie/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5010, 4, '2019-07-01 14:15:12', '2019-07-01 18:15:12', '', '5462b054-4c35-4143-8124-41636227d79a', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', '5462b054-4c35-4143-8124-41636227d79a', '', '', '2019-07-01 14:15:12', '2019-07-01 18:15:12', '', 1953, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/5462b054-4c35-4143-8124-41636227d79a.jpg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
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(5012, 1, '2017-02-22 11:56:16', '2017-02-22 10:56:16', '', 'Extension de la pratique des idées', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'table-ronde-extension-de-la-pratique-des-idees', '', '', '2019-07-01 14:42:30', '2019-07-01 18:42:30', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/table-ronde-extension-de-la-pratique-des-idees/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
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(5015, 1, '2016-08-31 10:14:25', '2016-08-31 09:14:25', '<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\n\r\n<h5><span style=\"line-height: 20px;text-align: justify;color: #000000;font-size: 13px\">« Savoir le minimum. Ne rien savoir non, serait trop beau. Tout au plus le minime minimum. L\'imminimisable minime minimum. »</span></h5>\r\n<h5><em>Cap au pire</em>, Samuel Beckett.</h5>\r\nJohn Blouin porte une attention particulière à une pratique cinématographique croisée dans le passé : la boucle négatif 35 mm. Son idée de base est de prendre une série de photos argentique, avec un minime décalage entre chacune, pour ensuite se servir du négatif et en faire des boucles de pellicule 35 mm. Cette matière sera retravaillée, notamment avec du « scratching » et de la peinture à vitrail. Une fois la boucle terminée, il sera possible de la projeter via un projecteur 35mm. Ce travail sera éventuellement numérisé pour en faire des boucles au seuil de la photo et du cinéma.\r\n\r\nÀ noter que le résultat de la résidence sera présenté lors d\'une performance au Mois Multi, intitulée <em>Cap au pire</em>, dans le cadre du Cabaret domestique le 4 février à 21 h 30 à la Salle Multi.', 'John Blouin', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'john-blouin', '', '', '2019-07-01 14:35:20', '2019-07-01 18:35:20', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/john-blouin/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5016, 4, '2019-07-01 14:24:35', '2019-07-01 18:24:35', '', '67d72daa-fd69-4bf7-9ed7-3216f7698f7d', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', '67d72daa-fd69-4bf7-9ed7-3216f7698f7d', '', '', '2019-07-01 14:24:35', '2019-07-01 18:24:35', '', 1949, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/67d72daa-fd69-4bf7-9ed7-3216f7698f7d.jpg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
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(5018, 1, '2017-01-20 11:27:52', '2017-01-20 16:27:52', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nDans le cadre de l\'exposition Investigations et en partenariat avec le Photobook Club - Montréal, une rencontre et discussion autour des enjeux liés au livre photographique aura lieu mercredi prochain. Préalablement à cette rencontre, les livres sur-la-Rouge de Josée Schryer et Fin de siglo de André Barrette seront lancés, en présence des artistes.\r\n\r\nLe Photobook Club vous invite à participer à une rencontre en leur compagnie. Pour participer, il s\'agit d\'apporter un livre photographique dont vous avez envie de discuter en groupe, et de le présenter brièvement pour enclencher une discussion amicale autour de celui-ci.\r\n\r\nL\'activité débute par un petit moment pour feuilleter les livres apportés et faire connaissance. Les livres sont déposés sur la table et les participants sont invités à y jeter un oeil. Nous profitons de l\'occasion pour vous rappeler de faire attention aux livres et d\'être respectueux. On insiste aussi sur le fait que ni VU, ni le Photobook club n\'est responsable dans le cas où un livre serait abimé. Toute boisson ou nourriture ne sera donc pas tolérée près des livres.\r\n\r\nIl n\'y aura pas de thème particulier autre le livre photographique. Les participants qui présenteront un livre peuvent prévoir une liste de 5 mots clé en lien avec le livre apporté et débuter la discussion par une brève description du livre (ex: format, couverture, reliure, éditeur, artiste et projet.) Les mots clé pourront servir à alimenter la discussion et tous les participants pourront commenter ou poser des questions en lien avec ceux-ci. Il est intéressant de comprendre comment la séquence et la narration du livre fonctionnent (si applicable). Le temps pour chacun des livres sera limité à environ 15 minutes afin que tous les participants puissent présenter.\r\n\r\nPour plus de détails sur le déroulement et la forme que prendra cette activité, rendez-vous sur notre site web. Pour présenter un livre, inscrivez-vous en envoyant un courriel à l\'adresse suivante: accueil@vuphoto.org en spécifiant le livre que vous présenterez. Pour assister, il n\'est pas nécessaire de s\'inscrire et l\'activité est gratuite pour tous.\r\n\r\nLANCEMENT À 17 H\r\nRENCONTRE AVEC LE PHOTOBOOK CLUB À 18 H', 'Lancement, rencontre et discussions autour du livre photo', '', 'publish', 'closed', 'closed', '', 'lancement-rencontre-et-discussions-autour-du-livre-photo', '', '', '2019-10-31 12:58:15', '2019-10-31 16:58:15', '', 0, 'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lancement-rencontre-et-discussions-autour-du-livre-photo/', 0, 'museo_calendar_event', '', 0),
(5019, 4, '2019-07-01 14:27:45', '2019-07-01 18:27:45', '<h5></h5>\n&nbsp;\n<h5><em>This content is only available in French.</em></h5>\n<h5></h5>\n<h5><em>Cap au pire</em>, Samuel Beckett.</h5>\nJohn Blouin porte une attention particulière à une pratique cinématographique croisée dans le passé : la boucle négatif 35 mm. Son idée de base est de prendre une série de photos argentique, avec un minime décalage entre chacune, pour ensuite se servir du négatif et en faire des boucles de pellicule 35 mm. Cette matière sera retravaillée, notamment avec du « scratching » et de la peinture à vitrail. Une fois la boucle terminée, il sera possible de la projeter via un projecteur 35mm. Ce travail sera éventuellement numérisé pour en faire des boucles au seuil de la photo et du cinéma.\n\nÀ noter que le résultat de la résidence sera présenté lors d\'une performance au Mois Multi, intitulée <em>Cap au pire</em>, dans le cadre du Cabaret domestique le 4 février à 21 h 30 à la Salle Multi.', 'John Blouin', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '1941-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 14:27:45', '2019-07-01 18:27:45', '', 1941, 'http://vuphoto.org/fr/articles/1941-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(5020, 4, '2019-07-01 14:28:56', '2019-07-01 18:28:56', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\n\nDelphine Egesborg est fascinée par la complexité des archives photographiques qui sont à la fois souvenirs imagés, objets partagés et indices temporels. Ses recherches actuelles impliquent une appropriation libre d\'archives et une relecture de nos images, voire de nos histoires. Lors de sa résidence, elle poursuit le développement d\'un corpus d\'œuvres entamé au printemps 2016. Elle profite de sa résidence chez VU pour entre autres numériser des images d\'archives et imprimer des épreuves de travail qui contribuent à ses recherches en cours.\n\nRécipiendaire du Prix VU en 2016, Delphine Egesborg bénéficie d\'une résidence au centre. Le Prix VU est attribué chaque année à un ou une finissante du baccalauréat en arts visuels de l\'École d\'art de l\'Université Laval.', 'Delphine Egesborg', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '5006-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 14:28:56', '2019-07-01 18:28:56', '', 5006, 'http://vuphoto.org/fr/articles/5006-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(5021, 4, '2019-07-01 14:29:17', '2019-07-01 18:29:17', '<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\n\nS\'inspirant des témoignages de participants interviewés au hasard, l\'artiste-photographe Yeondoo Jung a créé, à l\'occasion d\'une résidence à l\'été 2016, des versions contemporaines de la légende de la chasse-galerie. Il suggère ainsi que l\'imagination a le pouvoir de bouleverser nos <em>a priori</em> en nous permettant d\'envisager autrement notre histoire et le monde auquel nous appartenons.\n\nUne présentation de Manif d\'art en collaboration avec VU.\nInterventions photographiques sur deux abribus et dans deux autobus du Réseau de transport de la Capitale (RTC)\n\n<strong>Ligne 800, Abribus : Arrêt du Grand Théâtre et Arrêt du Pont / Charest (direction Beauport)</strong>', 'La Chasse-Galerie', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '5009-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 14:29:17', '2019-07-01 18:29:17', '', 5009, 'http://vuphoto.org/fr/articles/5009-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(5022, 4, '2019-07-01 14:34:09', '2019-07-01 18:34:09', '<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\n\n<h5><span style=\"line-height: 20px;text-align: justify;color: #000000;font-size: 13px\">« Savoir le minimum. Ne rien savoir non, serait trop beau. Tout au plus le minime minimum. L\'imminimisable minime minimum. »</span></h5>\n<h5><em>Cap au pire</em>, Samuel Beckett.</h5>\nJohn Blouin porte une attention particulière à une pratique cinématographique croisée dans le passé : la boucle négatif 35 mm. Son idée de base est de prendre une série de photos argentique, avec un minime décalage entre chacune, pour ensuite se servir du négatif et en faire des boucles de pellicule 35 mm. Cette matière sera retravaillée, notamment avec du « scratching » et de la peinture à vitrail. Une fois la boucle terminée, il sera possible de la projeter via un projecteur 35mm. Ce travail sera éventuellement numérisé pour en faire des boucles au seuil de la photo et du cinéma.\n\nÀ noter que le résultat de la résidence sera présenté lors d\'une performance au Mois Multi, intitulée <em>Cap au pire</em>, dans le cadre du Cabaret domestique le 4 février à 21 h 30 à la Salle Multi.', 'John Blouin', '', 'inherit', 'closed', 'closed', '', '5015-autosave-v1', '', '', '2019-07-01 14:34:09', '2019-07-01 18:34:09', '', 5015, 'http://vuphoto.org/fr/articles/5015-autosave-v1/', 0, 'revision', '', 0),
(5023, 4, '2019-07-01 14:49:11', '2019-07-01 18:49:11', '', '16cba234-fe49-4588-bafa-59636e25321d', '', 'inherit', 'open', 'closed', '', '16cba234-fe49-4588-bafa-59636e25321d', '', '', '2019-07-01 14:49:11', '2019-07-01 18:49:11', '', 1936, 'https://vuphoto.org/workspace/uploads/16cba234-fe49-4588-bafa-59636e25321d.jpg', 0, 'attachment', 'image/jpeg', 0),
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