(4545,4,'2019-05-22 15:16:45','2019-05-22 19:16:45','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-05-22 15:16:45','2019-05-22 19:16:45','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4546,4,'2019-05-22 15:18:16','2019-05-22 19:18:16','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-05-22 15:18:16','2019-05-22 19:18:16','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4547,4,'2019-05-22 15:22:00','2019-05-22 19:22:00','<h2>Avec ses publications, VU désire affirmer sa vision du livre comme espace consacré à la photographie, ainsi qu\'aux histoires, problématiques et univers poétiques portés par les artistes.</h2>','Édition','','inherit','closed','closed','','198-revision-v1','','','2019-05-22 15:22:00','2019-05-22 19:22:00','',198,'http://vuphoto.org/fr/articles/198-revision-v1/',0,'revision','',0),(4548,4,'2019-05-22 15:25:28','2019-05-22 19:25:28','<h2 align=\"left\">VU est un centre d\'artistes autogéré dont la mission est de promouvoir et de soutenir la recherche et la création en travaillant avec les artistes en art actuel dans le domaine du photographique, tout en contribuant à faire rayonner leur travail et leur réflexion.</h2>\r\n<p align=\"left\">Depuis 1981, VU met de l\'avant la diversité des pratiques artistiques de la photographie, accompagne les artistes dans la production de leurs œuvres et leur offre des espaces libres de création. Le centre contribue aux réflexions actuelles autour de la photographie en encourageant l\'approfondissement de l\'expérience artistique, par un programme d\'activités variées.</p>\r\n<p align=\"left\">VU offre aux artistes et au public une programmation d\'expositions, complétée par des textes d\'auteurs, table-rondes, projections, projets hors les murs et activités dédiées au photographique. VU se consacre également au livre photographique comme espace de réflexion et de recherche pour les artistes, en produisant des livres et des activités autour de ce médium. Des services et espaces de production en photographie numérique et argentique sont offerts aux artistes et membres de VU. Des résidences d\'artistes permettent de favoriser le développement de pratiques qui participent aux enjeux actuels de la photographie.</p>\r\n\r\n<div class=\"intro\">\r\n\r\nVU est un organisme à but non lucratif formé et dirigé par un collectif d\'artistes. Son conseil d\'administration est composé d\'artistes et de professionnels des arts visuels. VU est un membre fondateur de la coopérative Méduse et membre du Regroupement des centres d\'artistes autogérés du Québec.\r\n\r\n</div>','À propos','','inherit','closed','closed','','177-revision-v1','','','2019-05-22 15:25:28','2019-05-22 19:25:28','',177,'http://vuphoto.org/fr/articles/177-revision-v1/',0,'revision','',0),(4549,4,'2019-05-22 15:27:38','2019-05-22 19:27:38','Surveillez notre prochain appel de dossiers annuel à l’automne 2019.','Appel de projets','','inherit','closed','closed','','2396-revision-v1','','','2019-05-22 15:27:38','2019-05-22 19:27:38','',2396,'http://vuphoto.org/fr/articles/2396-revision-v1/',0,'revision','',0),(4550,4,'2024-06-12 13:55:04','2024-06-12 17:55:04','<h2>Être membre de VU, c’est une occasion de recevoir des avantages mais aussi d’offrir son soutien pour le développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. La force du centre est celle de sa communauté : il est donc important de vous savoir des nôtres !</h2>\nVU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre. Que ce soit par leur présence et leur participation à nos activités, pour faire de la création dans nos espaces de production ou par intérêt envers la pensée et la création photographique, nos membres participent au développement d’une communauté et d’une culture de la photographie actuelle.\n\nBénéficiez du centre VU, de sa communauté et de ses services, devenez membre.\n\n&nbsp;','Membres','','inherit','closed','closed','','200-autosave-v1','','','2024-06-12 13:55:04','2024-06-12 17:55:04','',200,'http://vuphoto.org/fr/articles/200-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4551,4,'2019-05-22 15:31:09','2019-05-22 19:31:09','<h2>Être membre de VU, c’est une occasion de recevoir des avantages mais aussi d’offrir son soutien pour le développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. La force du centre est celle de sa communauté : il est donc important de vous savoir des nôtres !</h2>\r\nVU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre. Que ce soit par leur présence et leur participation à nos activités, pour faire de la création dans nos espaces de production ou par intérêt envers la pensée et la création photographique, nos membres participent au développement d’une communauté et d’une culture de la photographie actuelle.','Membres','','inherit','closed','closed','','200-revision-v1','','','2019-05-22 15:31:09','2019-05-22 19:31:09','',200,'http://vuphoto.org/fr/articles/200-revision-v1/',0,'revision','',0),(4554,4,'2019-05-22 15:36:48','2019-05-22 19:36:48','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-05-22 15:36:48','2019-05-22 19:36:48','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4557,4,'2019-05-28 13:57:16','2019-05-28 17:57:16','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-05-28 13:57:16','2019-05-28 17:57:16','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4558,4,'2019-05-28 14:31:34','2019-05-28 18:31:34','<span style=\"color: #000000\">VU offre à ses membres un espace de création et d’échange d’idées. Le centre accompagne les artistes de toutes les disciplines dans</span><span style=\"color: #000000\"> la création et la production de la photographie, et ce, dans toutes ses étapes (équipements de prise de vue, de numérisation, postes de travail et impression numérique).</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Pour joindre l’équipe de production :</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">418-640-2558 ou <a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a></span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Heures d’ouverture :</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">Lundi au vendredi, de 9 h à 17 h, et le mercredi jusqu’à 21 h</span>\r\n\r\n&nbsp;','Production','','inherit','closed','closed','','196-revision-v1','','','2019-05-28 14:31:34','2019-05-28 18:31:34','',196,'http://vuphoto.org/fr/articles/196-revision-v1/',0,'revision','',0),(4560,4,'2019-05-28 16:48:59','2019-05-28 20:48:59',' ','','','publish','closed','closed','','4560','','','2024-08-27 13:23:00','2024-08-27 17:23:00','',0,'http://vuphoto.org/fr/?p=4560',7,'nav_menu_item','',0),(4561,1,'2019-05-29 09:05:20','2019-05-29 13:05:20','','Order &ndash; mai 29, 2019 @ 09:05 AM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_qlY1b0yAmT91A','commande-mai-29-2019-0105','','','2019-05-29 17:16:42','2019-05-29 21:16:42','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=4561',0,'shop_order','',4),(4562,4,'2019-05-29 13:55:16','2019-05-29 17:55:16','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-05-29 13:55:16','2019-05-29 17:55:16','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4563,69,'2019-05-29 17:14:19','2019-05-29 21:14:19','','','','wcm-active','open','closed','um_5ceef62be1108','4563','','','2024-11-14 14:19:11','2024-11-14 19:19:11','',2125,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=wc_user_membership&#038;p=4563',0,'wc_user_membership','',12),(4566,4,'2019-05-30 10:46:09','2019-05-30 14:46:09','VU propose un programme d’ateliers de médiation à partir du médium photographique, conçu et réfléchi autour de la rivière Saint-Charles, la « rivière aux milles détours ». Le projet permettra de développer une collaboration entre des groupes d’enfants, d’adultes et des artistes professionnels de la ville de Québec à travers l’expérimentation de divers procédés photographiques. Durant les ateliers, qui se dérouleront de mai jusqu’à début juin, se croiseront différents regards portés sur ce cours d’eau fondateur de la ville de Québec.\r\n\r\nAinsi, depuis quelques jours, un groupe de jeunes participants au Programme Relève en Action du <span style=\"color: #000000\">Centre R.I.R.E.</span>, en collaboration avec les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Marie-Laure S. Louis</span> et <span style=\"color: #000000\">Charles Fleury</span>, explorent entre les rives, les îles et les ponts, la mémoire et les archives, à travers la collecte et le collage d’images, d’objets et de mots.\r\n\r\nÀ la fin du mois de mai, ce seront les jeunes de la classe de francisation de <span style=\"color: #000000\">l’école primaire de Saint-Malo</span> avec leur professeure <span style=\"color: #000000\">Nancy Fall</span> ainsi que les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Gabrielle Bélanger</span> et <span style=\"color: #000000\">Idra Labrie</span> qui se lanceront dans l’expérimentation du cyanotype et du processus de captation d’image à partir de la fabrication de sténopés.\r\n\r\nL’auteure <span style=\"color: #000000\">Alice Guéricolas-Gagné</span> et la photographe <span style=\"color: #000000\">Débora Flor</span> sont également invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Le projet, coordonné par <span style=\"color: #000000\">Véronique Isabelle</span>, est une initiative de la ville de Québec, et vise à partager avec le public ce projet collaboratif dans son processus sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Il se terminera par <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/rivieres-2/\">une exposition prévue à partir du 21 juin sur le pont Dorchester</a>, aux abords de la rivière Saint-Charles.\r\n\r\nDécouvrez plus de documentation du projet sur le <a href=\"https://ateliersrivieres.tumblr.com/\">blogue</a> des ateliers Rivières, une initiative des artistes et des participants.','Rivières','','publish','closed','closed','','rivieres','','','2024-05-16 14:10:49','2024-05-16 18:10:49','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=4566',0,'museo_calendar_event','',0),(4567,4,'2019-05-30 10:44:56','2019-05-30 14:44:56','','Atelier II VU - RIRE foto- débora flor (1 de 1)-2 copie','','inherit','open','closed','','atelier-ii-vu-rire-foto-debora-flor-1-de-1-2-copie','','','2019-05-30 10:44:56','2019-05-30 14:44:56','',4566,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Atelier-II-VU-RIRE-foto-débora-flor-1-de-1-2-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4568,4,'2019-05-30 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Le centre accompagne les artistes de toutes les disciplines dans</span><span style=\"color: #000000\"> la création et la production de la photographie, et ce, dans toutes ses étapes (équipements de prise de vue, de numérisation, postes de travail et impression numérique).</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Pour joindre l’équipe de production :</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">418-640-2558 ou <a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a></span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Heures d’ouverture :</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">Lundi au vendredi, de 9 h à 17 h, et le mercredi jusqu’à 21 h</span>\r\n\r\n&nbsp;','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-04 10:42:02','2019-06-04 14:42:02','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4596,4,'2020-07-02 17:43:25','2020-07-02 21:43:25','<span style=\"color: #000000\">VU offers to its members a space for creation and exchange of ideas. </span><span style=\"color: #000000\">The centre accompanies artists of all disciplines in the creation and production of photography, at all steps (cameras, digitization, workstations and digital printing).</span>\n\n<span style=\"color: #000000\">Contact the production team:</span>\n<span style=\"color: #000000\">418-640-2558 ou <a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>.</span>\n\n<span style=\"color: #000000\">Opening hours:</span>\nMonday to Friday, 9:00 a.m. to 12:00 p.m. and 1:00 p.m. to 5:00 p.m.\nBy appointment only\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">During the time of our temporary relocation, most of the production activities are maintained. Only mounting, laminating and access to darkrooms are suspended.</span>','Production','','inherit','closed','closed','','4442-autosave-v1','','','2020-07-02 17:43:25','2020-07-02 21:43:25','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4597,4,'2019-06-04 10:48:49','2019-06-04 14:48:49','VU offers to its members a space for creation and exchange of ideas.\r\n\r\nThe centre accompanies artists of all disciplines in the creation and production of photography, at all steps (cameras, digitization, workstations and digital printing).\r\n\r\nContact the production team:\r\n418-640-2558 ou <a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>.\r\n\r\nOpening hours:\r\nMonday to Friday, 9am-5pm, and Wednesday until 9pm','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-04 10:48:49','2019-06-04 14:48:49','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4598,4,'2019-06-04 10:53:51','2019-06-04 14:53:51','VU offers to its members a space for creation and exchange of ideas.\r\n\r\nThe centre accompanies artists of all disciplines in the creation and production of photography, at all steps (cameras, digitization, workstations and digital printing).\r\n\r\nContact the production team:\r\n418-640-2558 ou <a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>.\r\n\r\nOpening hours:\r\nMonday to Friday, 9am-5pm, and Wednesday until 9pm','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-04 10:53:51','2019-06-04 14:53:51','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4599,4,'2019-06-04 15:09:58','2019-06-04 19:09:58','Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.','Rituels','','inherit','closed','closed','','4540-revision-v1','','','2019-06-04 15:09:58','2019-06-04 19:09:58','',4540,'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/',0,'revision','',0),(4600,4,'2019-06-04 15:46:07','2019-06-04 19:46:07','<em>Archipel </em>rassemble les mots des participants de l’atelier d’écriture Aucun mot n’est une île de Claire Moeder. Lors de cet atelier, des mots ont surgi de textes, d’œuvres, de lectures et de conversations pour transiter entre les univers de chacun, pour se former en archipel.\r\n\r\nUne présentation de l’atelier avec les participants présents ainsi qu\'une lecture et discussion publique autour de l’écriture et du lien entre texte et images auront lieu dans l\'espace américain de 15h à 17h.\r\n\r\nL’atelier d’écriture <em>Aucun mot n’est une île</em> a rassemblé Dgino Cantin, Céline Huyghebaert, Gentiane La France, Claire Moeder, Mélissa Pilon, Anne-Marie Proulx et Anne-Marie Robert les 25 et 26 mai dernier dans les espaces de production et les galeries de VU.','Archipel – Lecture et discussions libres','','publish','closed','closed','','archipel-lecture-et-discussions-libres','','','2019-06-13 15:30:18','2019-06-13 19:30:18','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=4600',0,'museo_calendar_event','',0),(4601,4,'2019-06-04 15:45:49','2019-06-04 19:45:49','','IMG_0084OK','','inherit','open','closed','','img_0084ok','','','2019-06-04 15:45:49','2019-06-04 19:45:49','',4600,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0084OK.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4602,4,'2019-06-04 15:45:49','2019-06-04 19:45:49','','IMG_0084OK','','inherit','open','closed','','img_0084ok-2','','','2019-06-04 15:45:49','2019-06-04 19:45:49','',4614,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0084OK.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4603,4,'2019-06-04 15:51:49','2019-06-04 19:51:49','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-06-04 15:51:49','2019-06-04 19:51:49','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4604,4,'2019-06-06 11:35:28','2019-06-06 15:35:28','','Photographic Practices','','publish','closed','closed','','photographic-practices','','','2021-01-22 12:06:01','2021-01-22 17:06:01','',0,'http://vuphoto.org/fr/?p=4604',4,'nav_menu_item','',0),(4605,4,'2019-06-06 12:07:52','2019-06-06 16:07:52','<p class=\"PardfautA\"><span lang=\"EN-CA\">Hands are never tied in Laïla Mestari’s photographs. They move around, they meet one another, they detach themselves and get reattached. As though on a quest for autonomy, they seem like they want to cut themselves off from the body at all costs, to be among themselves and construct their own universe (like the ear, which also will try and find a better place than the head for listening). Through the transformation of the body into an image, the artist also makes it into a material that she can tear and cut, without ever harming it. With skin becoming paper, the body is interwoven with its own image, and multiplies in rhymes and refrains. The fabricated scenes are played in the realm of sensations, where it is also possible to end up with orange peels in our hair.</span></p>\nThe images in the exhibition were printed at VU during her residency in December 2018.','main sur coude à','','inherit','closed','closed','','4434-autosave-v1','','','2019-06-06 12:07:52','2019-06-06 16:07:52','',4434,'http://vuphoto.org/fr/articles/4434-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4606,4,'2019-06-11 10:16:02','2019-06-11 14:16:02','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-06-11 10:16:02','2019-06-11 14:16:02','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4607,4,'2019-06-11 10:18:22','2019-06-11 14:18:22','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-06-11 10:18:22','2019-06-11 14:18:22','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4610,4,'2018-09-05 14:37:51','2018-09-05 13:37:51','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nLe projet de résidence de Patrick Altman se veut un hommage à certains photographes dont les images ont marqué l\'histoire de la photographie. Il désire recréer ces images iconiques en s\'en inspirant, en utilisant comme seul appareil le numériseur. Cette technique rejoint en quelque sorte la pratique des premiers artistes photographes qui se servaient de procédés tels que le photogramme et la rayographie.\r\n\r\nCette résidence sera également l\'occasion d\'approfondir sa série de photographies NOTES, elle aussi reliée au début de l\'art photographique où l\'artiste se replonge dans une expédition à laquelle il a participé dans les années 80 aux Îles Galápagos aux côtés de Pierre Dansereau. Par des notes photographiques,  ce travail nous ramènent à <em>The Pencil of Nature</em> de William Henry Fox Talbot.','Résidence de Patrick Altman','','publish','closed','closed','','residence-de-patrick-altman','','','2019-06-12 10:05:24','2019-06-12 14:05:24','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-patrick-altman/',0,'museo_calendar_event','',0),(4611,4,'2018-10-31 20:33:15','2018-11-01 00:33:15','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French. </span>\r\n\r\nDans le cadre du projet Ondes lumineuses qui concrétise un échange de résidences croisées en photographie entre deux artistes écossais et deux québécois, nous sommes heureux d\'accueillir Malcolm Dickson, directeur du Street Level Photoworks (Glasgow) à VU pour une courte visite de représentation.\r\n\r\nLecture de portfolios de 16h30 à 18h00 - Inscrivez-vous!\r\n\r\nNos membres sont invités à présenter leur portfolio à Malcom Dickson et Claire Moeder, commissaire et auteure du texte Le berceau de brume Faire voyage là où l\'image disparaît, rédigé dans le cadre du projet. Nous vous invitons à vous inscrire en écrivant à accueil@vuphoto.org pour réserver votre place. Chaque participant pourra passer 15 minutes avec nos invités, les places sont donc limitées : dépêchez-vous! Notez que cette rencontre se fera en anglais et en français.\r\n\r\nPrésentation de 18h00 à 19h00 - Ouvert à tous!\r\n\r\nSuite à cette série de rencontres individuelles, Malcom Dickson fera une présentation publique du Street Level Photoworks, de l\'importante place que le centre occupe sur la scène artistique écossaise ainsi qu\'une introduction au travail de quelques photographes affiliés à ce centre. La présentation sera traduite en simultanée. Venez nombreux!','Lecture de portfolios et présentation','','publish','closed','closed','','lecture-de-portfolios-et-presentation','','','2019-06-12 15:55:52','2019-06-12 19:55:52','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lecture-de-portfolios-et-presentation/',0,'museo_calendar_event','',0),(4612,4,'2019-05-30 10:46:09','2019-05-30 14:46:09','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\nVU propose un programme d’ateliers de médiation à partir du médium photographique, conçu et réfléchi autour de la rivière Saint-Charles, la « rivière aux milles détours ». Le projet permettra de développer une collaboration entre des groupes d’enfants, d’adultes et des artistes professionnels de la ville de Québec à travers l’expérimentation de divers procédés photographiques. Durant les ateliers, qui se dérouleront de mai jusqu’à début juin, se croiseront différents regards portés sur ce cours d’eau fondateur de la ville de Québec.\r\n\r\nAinsi, depuis quelques jours, un groupe de jeunes participants au Programme Relève en Action du <span style=\"color: #000000\">Centre R.I.R.E.</span>, en collaboration avec les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Marie-Laure S. Louis</span> et <span style=\"color: #000000\">Charles Fleury</span>, explorent entre les rives, les îles et les ponts, la mémoire et les archives, à travers la collecte et le collage d’images, d’objets et de mots.\r\n\r\nÀ la fin du mois de mai, ce seront les jeunes de la classe de francisation de <span style=\"color: #000000\">l’école primaire de Saint-Malo</span> avec leur professeure <span style=\"color: #000000\">Nancy Fall</span> ainsi que les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Gabrielle Bélanger</span> et <span style=\"color: #000000\">Idra Labrie</span> qui se lanceront dans l’expérimentation du cyanotype et du processus de captation d’image à partir de la fabrication de sténopés.\r\n\r\nL’auteure <span style=\"color: #000000\">Alice Guéricolas-Gagné </span>et la photographe <span style=\"color: #000000\">Débora Flor</span> sont également invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Le projet, coordonné par Véronique Isabelle, est une initiative de la ville de Québec, et vise à partager avec le public ce projet collaboratif dans son processus sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Il se terminera par <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/rivieres-2/\">une exposition prévue à partir du 21 juin sur le pont Dorchester</a>, aux abords de la rivière Saint-Charles.\r\n\r\nDécouvrez plus de documentation du projet sur le <a href=\"https://ateliersrivieres.tumblr.com/\">blogue</a> des ateliers Rivières, une initiative des artistes et des participants.','Rivières','','publish','closed','closed','','rivieres','','','2019-07-01 11:07:25','2019-07-01 15:07:25','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/rivieres/',0,'museo_calendar_event','',0),(4613,4,'2019-05-22 10:31:16','2019-05-22 14:31:16','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\nMériol Lehmann en résidence sur notre compte Instagram <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">@vuphoto</a> du 10 au 16 juin.\r\n\r\n<span class=\"\">« S’il existe bien une spécificité au milieu agricole, c’est la notion de transmission. Une ferme n’est pas considérée comme une entreprise capitaliste au bénéfice de son seul propriétaire, mais plutôt comme un héritage familial qui se doit d’être transmis aux futures générations. Selon cette logique, la terre familiale n’est donc pas vue comme la possession d’un bien immobilier, mais plutôt comme quelque chose dont nous sommes temporairement responsables, avant de la léguer à nos enfants. L’explosion récente du prix des terres et des quotas amène la valeur spéculative des fermes à dépasser largement leur valeur de production, complexifiant ainsi drastiquement cette transmission familiale. Malgré tout, cette conception particulière de la propriété demeure ancrée profondément dans le monde rural, et les enfants sont impliqués très jeunes dans ce qui n’est pas simplement un emploi ou une entreprise, mais un véritable mode de vie. »</span>','Ce n’est pas la terre qui nous appartient, c’est nous qui appartenons à la terre','','publish','closed','closed','','ce-nest-pas-la-terre-qui-nous-appartient-cest-nous-qui-appartenons-a-la-terre-residence-instagram','','','2019-06-11 16:00:48','2019-06-11 20:00:48','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/ce-nest-pas-la-terre-qui-nous-appartient-cest-nous-qui-appartenons-a-la-terre-residence-instagram/',0,'museo_calendar_event','',0),(4614,4,'2019-06-04 15:46:07','2019-06-04 19:46:07','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\n<em>Archipel </em>rassemble les mots des participants de l’atelier d’écriture Aucun mot n’est une île de Claire Moeder. Lors de cet atelier, des mots ont surgi de textes, d’œuvres, de lectures et de conversations pour transiter entre les univers de chacun, pour se former en archipel.\r\n\r\nUne présentation de l’atelier avec les participants présents ainsi qu\'une lecture et discussion publique autour de l’écriture et du lien entre texte et images auront lieu dans l\'espace américain de 15h à 17h.\r\n\r\nL’atelier d’écriture <em>Aucun mot n’est une île</em> a rassemblé Dgino Cantin, Céline Huyghebaert, Gentiane La France, Claire Moeder, Mélissa Pilon, Anne-Marie Proulx et Anne-Marie Robert les 25 et 26 mai dernier dans les espaces de production et les galeries de VU.','Archipel – Lecture et discussions libres','','publish','closed','closed','','archipel-lecture-et-discussions-libres','','','2019-06-11 16:06:49','2019-06-11 20:06:49','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/archipel-lecture-et-discussions-libres/',0,'museo_calendar_event','',0),(4615,4,'2019-06-11 16:06:26','2019-06-11 20:06:26','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\n<em>Archipel </em>rassemble les mots des participants de l’atelier d’écriture Aucun mot n’est une île de Claire Moeder. Lors de cet atelier, des mots ont surgi de textes, d’œuvres, de lectures et de conversations pour transiter entre les univers de chacun, pour se former en archipel.\n\nUne présentation de l’atelier avec les participants présents ainsi qu\'une lecture et discussion publique autour de l’écriture et du lien entre texte et images auront lieu dans l\'espace américain de 15h à 17h.\n\nL’atelier d’écriture <em>Aucun mot n’est une île</em> a rassemblé Dgino Cantin, Céline Huyghebaert, Gentiane La France, Claire Moeder, Mélissa Pilon, Anne-Marie Proulx et Anne-Marie Robert les 25 et 26 mai dernier dans les espaces de production et les galeries de VU.','Archipel – Lecture et discussions libres','','inherit','closed','closed','','4614-autosave-v1','','','2019-06-11 16:06:26','2019-06-11 20:06:26','',4614,'http://vuphoto.org/fr/articles/4614-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4616,4,'2019-04-30 11:31:12','2019-04-30 15:31:12','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\n“Nul homme n\'est une île, entière en elle-même; tout homme est un morceau du continent, une partie de l\'ensemble”\r\nJohn Dionne\r\n\r\n<strong>\"Aucun mot n’est une île\" </strong>est un atelier d’écriture collectif qui s’adresse aux artistes pour expérimenter durant une fin de semaine les liens possibles entre l’image contemporaine et le texte.\r\n\r\nDurant deux jours d’atelier, les participant.e.s seront invité.e.s à porter un nouveau regard sur un ensemble d’images et d’œuvres vidéo et photographiques, notamment celles présentées dans les galeries de VU. Elles seront activées par des protocoles d’écriture tels que la transcription en temps réel, l’écriture libre ou collaborative, etc.\r\n\r\n<strong><em>\"Aucun mot n’est une île\"</em></strong> est animé par le désir de générer un lieu non-insulaire, un lieu de création ouverte et partagée. Il propose un dialogue vivant entre image et participant, où pourra s’activer une expérience autour des formes artistiques pour produire une situation conversationnelle collective. Réunir pour écrire et écrire pour réunir : alors aucun mot ne sera une île, mais sera habité par de nouvelles résonances entre regard individuel et temps partagé, pour inventer de nouvelles approches sensibles de l’image.\r\n\r\nL’atelier aura lieu les 25 et 26 mai. <strong>La présence des participant.e.s</strong><strong> est requise les deux journées. Inscriptions jusqu’au 17 mai.</strong>\r\nIl sera complété par un micro-événement qui offrira une restitution publique de l’atelier : lecture, discussion, présentation dans l’espace à laquelle les participants seront invités à collaborer<em> </em>s\'ils le souhaitent.\r\n\r\n<strong>Atelier : 25-26 mai 2019\r\n</strong>-Un atelier de 2 jours, à VU\r\n-Groupe de 8 participants\r\n-Exemples de contenu :\r\n- Projection d’oeuvres vidéo et écriture en temps réel\r\n- Images photographiques et écriture “sur le motif”\r\n- Photomontage et dialogue texte-image en direct\r\n- Mise en espace collective des écrits\r\n- Scénarisation à plusieurs mains\r\n\r\n<strong>Restitution : 9 juin 2019\r\n</strong>Événement public le dimanche 9 juin : présentation, lecture, discussion sur le lien entre image et écrit entre Claire Moeder, les participants et le public.\r\n\r\n<strong>Tarifs et modalités d’inscriptions\r\n</strong>Le coût de la formation est de 75 $ et les participants devront être membres en règle (adhésion de 25 $) de VU au moment de l’inscription.\r\nPour vous inscrire, merci d\'adresser un courriel à Claudie Mailhot-Trottier à accueil@vuphoto.org','Aucun mot n’est une île – Atelier d\'écriture','','publish','closed','closed','','aucun-mot-nest-une-ile-atelier-decriture','','','2019-06-11 16:10:16','2019-06-11 20:10:16','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/aucun-mot-nest-une-ile-atelier-decriture/',0,'museo_calendar_event','',0),(4617,4,'2019-06-11 16:09:26','2019-06-11 20:09:26','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\n“Nul homme n\'est une île, entière en elle-même; tout homme est un morceau du continent, une partie de l\'ensemble”\nJohn Dionne\n\n<strong>\"Aucun mot n’est une île\" </strong>est un atelier d’écriture collectif qui s’adresse aux artistes pour expérimenter durant une fin de semaine les liens possibles entre l’image contemporaine et le texte.\n\nDurant deux jours d’atelier, les participant.e.s seront invité.e.s à porter un nouveau regard sur un ensemble d’images et d’œuvres vidéo et photographiques, notamment celles présentées dans les galeries de VU. Elles seront activées par des protocoles d’écriture tels que la transcription en temps réel, l’écriture libre ou collaborative, etc.\n\n<strong><em>\"Aucun mot n’est une île\"</em></strong> est animé par le désir de générer un lieu non-insulaire, un lieu de création ouverte et partagée. Il propose un dialogue vivant entre image et participant, où pourra s’activer une expérience autour des formes artistiques pour produire une situation conversationnelle collective. Réunir pour écrire et écrire pour réunir : alors aucun mot ne sera une île, mais sera habité par de nouvelles résonances entre regard individuel et temps partagé, pour inventer de nouvelles approches sensibles de l’image.\n\nL’atelier aura lieu les 25 et 26 mai. <strong>La présence des participant.e.s</strong><strong> est requise les deux journées. 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Cette collaboration permet le rapprochement de deux modèles de production différents, mais ayant un objectif commun : faire rayonner le livre photographique au Québec.\r\n\r\n<em>Les affluents</em> est un livre photographique qui déploie une succession d’images touchant aux thèmes de la famille, de la nature et des cycles continuels qui les animent. À partir d’un modeste cours d’eau sillonnant certaines terres des Bois-Francs, Louis Perreault entreprend la poursuite de ses innombrables affluents, sensible aux motifs récurrents qu’il rencontre dans la nature et à leur capacité d’évoquer les expériences qu’il partage avec sa famille. Son regard sur le paysage devient ainsi le reflet de celui qu’il pose sur ses proches. Dans les entrelacements de la végétation ou dans le courant des rivières, l’artiste cherche calmement un peu d’absolu face à un monde où s’effrite lentement le rapport au poétique.\r\n\r\nLa série d’images se développe autour de fragments de paysages explorés, de détails de corps photographiés en contact avec le monde végétal et animal, de cours d’eau se jetant les uns dans les autres et de marques laissées par la lumière, l’eau ou les insectes. Inévitablement, le rythme et la séquence des photographies forcent la mise en relation de tous ces sujets et provoquent des rapprochements inattendus, telles des étincelles qui seraient créées par le contact soudain d’univers autrement étrangers les uns aux autres.\r\n\r\n</div>\r\nVous pouvez également vous le procurer <a href=\"http://vuphoto.org/fr/boutique/livre/les-affluents/\">ici</a>.','Lancement du livre Les affluents','','publish','closed','closed','','lancement-du-livre-les-affluents','','','2019-06-11 16:23:25','2019-06-11 20:23:25','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lancement-du-livre-les-affluents/',0,'museo_calendar_event','',0),(4620,4,'2019-06-11 16:22:32','2019-06-11 20:22:32','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\n<strong>Le lancement du livre <em>Les affluents</em> a eu lieu à Montréal jeudi le 2 mai dès 18 h à Occurence, 5455 De Gaspé, espace 108,</strong> <strong>et aura lieu à Québec vendredi 17 mai dès 18 h à VU, 550 Côte d\'Abraham.\n</strong>\n<div>\n\n<em>Les affluents</em> est le résultat d’une coédition entre Les Éditions du Renard et VU. 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La ruelle s’apparente à l’espace intime, au-dedans, là où le quartier dissimule ses replis. Chaque soir, au moment propice où les lumières artificielles viennent se mêler aux premières lueurs du crépuscule, je déambulais au hasard des reflets, des passants, des lumières, ayant pour seul itinéraire la quête d’un fragment de \"réalité\".\r\n\r\nDepuis 2011, je développe une production artistique dont les médiums principaux sont la vidéo et la photographie. Je m’intéresse aux espaces du quotidien et aux différentes réalités qui m’habitent par l’expérimentation de l’image, de sa matérialité et de sa temporalité. »','Côté ruelle','','publish','closed','closed','','residence-instagram','','','2019-06-11 16:31:44','2019-06-11 20:31:44','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-instagram/',0,'museo_calendar_event','',0),(4622,4,'2019-04-05 15:01:04','2019-04-05 19:01:04','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\nNous avons le plaisir de vous convier au cinquième Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie.\r\n\r\nPour cette nouvelle discussion, nous avons invité l\'artiste Thierry Arcand-Bossé, qui a récemment exposé à la Galerie 3 dans le cadre de la Manif d’art 9 - La biennale de Québec.\r\n\r\nVous êtes cordialement invités, le 10 avril prochain, à venir échanger avec lui à partir d\'une image ou d\'un objet photographique qu\'il aura choisi de vous présenter. Notez que nous vous encourageons à apporter également un objet ou une image pour poursuivre la discussion.\r\n\r\nBienvenue à tous à partir de 17h30!','Carrousel #5 — avec Thierry Arcand-Bossé','','publish','closed','closed','','carrousel-5-avec-thierry-arcand-bosse','','','2019-06-12 15:55:26','2019-06-12 19:55:26','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/carrousel-5-avec-thierry-arcand-bosse/',0,'museo_calendar_event','',0),(4623,4,'2019-06-11 16:43:10','2019-06-11 20:43:10','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\nNous avons le plaisir de vous convier au cinquième Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie.\n\nPour cette nouvelle discussion, nous avons invité l\'artiste Thierry Arcand-Bossé, qui a récemment exposé à la Galerie 3 dans le cadre de la Manif d’art 9 - La biennale de Québec.\n\nVous êtes cordialement invités, le 10 avril prochain, à venir échanger avec lui à partir d\'une image ou d\'un objet photographique qu\'il aura choisi de vous présenter. 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Prenant l’occasion d’une publication comme celle d’un véritable laboratoire et d’un dialogue pour approfondir la notion de collaboration, les artistes y inscrivent quelques bouts de leur nature où les œuvres passées et inédites s’y côtoient sans hiérarchie.\r\n\r\nLes images de Demers-Roberge et de Fortin nous font voyager sur terre entre les émotions fortes d’expéditions vécues, les recherches sur le paysage nordique, la fascination pour la science, l’exploration des détails invisibles de certains territoires, l’obsession pour les phénomènes naturels monumentaux, etc. Comme la pointe d’un triangle inversé, ce sont les sept textes extraits du recueil Pangée de la poète québécoise Isabelle Gaudet-Labine, insérés dans un livret métallique, qui complètent la publication et nous invitent à plonger dans les profondeurs de l’histoire de la terre.\r\n\r\nL’ouvrage comporte un ensemble généreux de photographies, de collages, de dessins, de peintures, d’objets naturels, de traces d’expéditions, de documentations d\'interventions en nature, d’expositions significatives en plus d’archives scientifiques, de textes et finalement de trois œuvres d’artistes invités à collaborer à l’ouvrage.\r\n\r\n\"Roche Plante Mer Bois est une histoire dense qui se raconte à travers des fragments tantôt géologiques, tantôt humains, où la petite histoire rejoint la grande.\" – Isabelle Gaudet-Labine\r\n\r\nCe livre est édité par VU et a bénéficié du soutien de Première Ovation.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nVous pouvez également vous procurer le livre <a href=\"http://vuphoto.org/fr/boutique/livre/roche-plante-mer-bois/\">ici</a>.','Lancement du livre Roche Plante Mer Bois','','publish','closed','closed','','lancement-du-livre-roche-plante-mer-bois','','','2019-06-11 16:47:40','2019-06-11 20:47:40','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lancement-du-livre-roche-plante-mer-bois/',0,'museo_calendar_event','',0),(4625,4,'2018-11-20 17:45:48','2018-11-20 16:45:48','','Résidence de Laïla Mestari','','publish','closed','closed','','residence-de-laila-mestari','','','2019-06-11 16:50:17','2019-06-11 20:50:17','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-laila-mestari/',0,'museo_calendar_event','',0),(4626,4,'2018-09-05 14:41:30','2018-09-05 13:41:30','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\nNous recevrons Laurence Gravel en résidence du 4 au 8 mars. Dans le cadre de sa recherche, elle poursuivra la production de son exposition Versailles-Chantier, qui aura lieu à l’été 2019 au pavillon Jean-Charles-Bonenfant de l’Université Laval et pour lequel elle a reçu un soutien financier de Première Ovation. Pendant sa résidence, Laurence travaillera sur la composition d\'images représentant des lieux emblématiques de Versailles en combinant le collage numérique, la photographie et la modélisation 3D.\r\n\r\nLaurence Gravel est récipiendaire du prix VU 2018, remis à un(e) finissant(e) en arts visuels de l\'Université Laval.','Résidence de Laurence Gravel','','publish','closed','closed','','residence-de-laurence-gravel','','','2019-06-21 13:38:32','2019-06-21 17:38:32','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-laurence-gravel/',0,'museo_calendar_event','',0),(4627,4,'2018-09-05 14:48:33','2018-09-05 13:48:33','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\n\r\n<h5>La semaine de formations et conférences artistiques est l\'occasion de découvrir ou redécouvrir les espaces de production et de diffusion des organismes de la coopérative Méduse. De nombreuses activités gratuites et payantes sont organisées pour un public débutant ou avancé.</h5>','Semaine de formations et de conférences','','publish','closed','closed','','semaine-pro','','','2019-06-12 10:08:10','2019-06-12 14:08:10','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/semaine-pro/',0,'museo_calendar_event','',0),(4628,4,'2019-06-12 10:15:21','2019-06-12 14:15:21','Nous avons le plaisir de vous convier à la quatrième édition de Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie.\r\n\r\nPour cette nouvelle discussion, nous avons invité l\'artiste Julie Bouffard, qui a récemment achevé une résidence en Chine dans le cadre de <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/echange-quebec-xian-2/\">l\'échange Québec / Xi\'an</a>. L\'esprit de cette résidence s\'inscrit dans notre orientation annuelle Temps libre de par son contexte de temps de création libéré des obligations de la vie quotidienne où un résultat concret et immédiat n\'est pas attendu. Julie partagera donc son expérience de création à l\'international et mènera les discussions autour de l\'ailleurs et de l\'expérience de l\'artiste dans une perspective de dépaysement.\r\n\r\nVous êtes cordialement invités, le 10 octobre prochain, à venir échanger avec elle à partir d\'une image ou d\'un objet photographique qu\'elle aura choisi de vous présenter. Notez que nous vous encourageons à apporter également un objet ou une image pour poursuivre la discussion.\r\n\r\nBienvenue à tous à partir de 17h30!','Carrousel #4 : Création à l\'international','','publish','closed','closed','','carrousel-4-creation-a-linternational','','','2019-10-31 16:10:14','2019-10-31 20:10:14','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=4628',0,'museo_calendar_event','',0),(4629,4,'2019-06-12 10:15:21','2019-06-12 14:15:21','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span></p>\r\nNous avons le plaisir de vous convier à la quatrième édition de Carrousel, une activité de rencontres et de discussions ouvertes autour de la photographie.\r\n\r\nPour cette nouvelle discussion, nous avons invité l\'artiste Julie Bouffard, qui a récemment achevé une résidence en Chine dans le cadre de <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/echange-quebec-xian-2/\">l\'échange Québec / Xi\'an</a>. L\'esprit de cette résidence s\'inscrit dans notre orientation annuelle Temps libre de par son contexte de temps de création libéré des obligations de la vie quotidienne où un résultat concret et immédiat n\'est pas attendu. Julie partagera donc son expérience de création à l\'international et mènera les discussions autour de l\'ailleurs et de l\'expérience de l\'artiste dans une perspective de dépaysement.\r\n\r\nVous êtes cordialement invités, le 10 octobre prochain, à venir échanger avec elle à partir d\'une image ou d\'un objet photographique qu\'elle aura choisi de vous présenter. Notez que nous vous encourageons à apporter également un objet ou une image pour poursuivre la discussion.\r\n\r\nBienvenue à tous à partir de 17h30!','Carrousel #4 : Création à l\'international','','publish','closed','closed','','carrousel-4-creation-a-linternational','','','2019-10-31 16:12:31','2019-10-31 20:12:31','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/carrousel-4-creation-a-linternational/',0,'museo_calendar_event','',0),(4630,4,'2019-06-12 11:50:17','2019-06-12 15:50:17','','VU_Pub_Risque_2017 copie','','inherit','open','closed','','vu_pub_risque_2017-copie','','','2019-06-12 11:50:17','2019-06-12 15:50:17','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/VU_Pub_Risque_2017-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4631,4,'2019-06-12 11:50:17','2019-06-12 15:50:17','','VU_Pub_Risque_2017 copie','','inherit','open','closed','','vu_pub_risque_2017-copie-2','','','2019-06-12 11:50:17','2019-06-12 15:50:17','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/VU_Pub_Risque_2017-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4632,4,'2019-04-27 13:08:39','2019-04-27 17:08:39','Les affluents est le résultat d’une coédition entre Les Éditions du Renard et VU. Cette collaboration permet le rapprochement de deux modèles de production différents, mais ayant un objectif commun : faire rayonner le livre photographique au Québec.','Les affluents','Torrent au printemps et eau calme en été, le ruisseau Gobeil coule dans les profondeurs d’une forêt laurentienne. Depuis ce modeste cours d’eau, Louis Perreault entreprend la poursuite de ses innombrables affluents, sensible aux motifs récurrents qu’il rencontre dans la nature et à leur capacité d’évoquer les expériences qu’il partage avec sa famille. Son regard sur le paysage devient ainsi le reflet de celui qu’il pose sur ses proches. La série d’images se développe autour de fragments des paysages explorés, de détails de corps photographiés en contact avec le monde végétal et animal, de cours d’eau se jetant les uns dans les autres et de marques laissées par la lumière, l’eau ou les insectes. Inévitablement, le rythme et la séquence des photographies forcent la mise en relation de tous ces sujets et provoquent des rapprochements inattendus, telles des étincelles qui seraient créées par le contact soudain d’univers autrement étrangers les uns aux autres.','publish','closed','closed','','les-affluents','','','2019-07-01 11:00:57','2019-07-01 15:00:57','',0,'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/les-affluents/',0,'product','',0),(4634,4,'2019-06-12 16:39:27','2019-06-12 20:39:27','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2019-06-12 16:39:27','2019-06-12 20:39:27','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(4635,4,'2019-06-12 16:41:35','2019-06-12 20:41:35','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2019-06-12 16:41:35','2019-06-12 20:41:35','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(4636,4,'2019-06-12 16:58:47','2019-06-12 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9pm','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-14 16:10:35','2019-06-14 20:10:35','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4675,4,'2019-06-14 16:11:56','2019-06-14 20:11:56','VU offers to its members a space for creation and exchange of ideas.\r\n\r\nThe centre accompanies artists of all disciplines in the creation and production of photography, at all steps (cameras, digitization, workstations and digital printing).\r\n\r\nContact the production team:\r\n418-640-2558 ou <a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>.\r\n\r\nOpening hours:\r\nMonday to Friday, 9am-5pm, and Wednesday until 9pm','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-14 16:11:56','2019-06-14 20:11:56','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4676,4,'2019-06-14 16:12:56','2019-06-14 20:12:56','<span style=\"color: #000000\">VU offers to its members a space for creation and exchange of ideas. </span><span style=\"color: #000000\">The centre accompanies artists of all disciplines in the creation and production of photography, at all steps (cameras, digitization, workstations and digital printing).</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Contact the production team:</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">418-640-2558 ou <a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>.</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Opening hours:</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">Monday to Friday, 9am-5pm, and Wednesday until 9pm</span>','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-14 16:12:56','2019-06-14 20:12:56','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4677,4,'2019-06-18 12:23:24','2019-06-18 16:23:24','\"Quand on apprend à mettre nos regards en commun, on tisse des ponts\r\nqui ouvrent la voie à la possibilité merveilleuse de se reconnaître en d’autres yeux,\r\nde faire basculer les temps et de révéler des mondes à imaginer ensemble.\"\r\n\r\nRivières est l\'exposition hors-les-murs qui fait suite aux <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/rivieres/\">ateliers de médiation</a> qui ont eu lieu en mai et juin. Présentée sur le pont Dorchester tout l\'été, l\'exposition rassemble un ensemble d\'images élaborées collectivement durant ces ateliers de médiation. À travers ces images se croisent différents regards en relation à la rivière Saint-Charles, appelée aussi la « rivière aux milles détours ».\r\n\r\nDans le cadre de ce projet, les artistes <span style=\"color: #000000\">Gabrielle Bélanger</span> et <span style=\"color: #000000\">Idra Labrie</span> ont proposé des ateliers à partir de procédés photographiques artisanaux comme le cyanotype et le sténop<span class=\"text_exposed_show\">é, en collaboration avec les jeunes de la classe de francisation de <span style=\"color: #000000\">l’école primaire Saint-Malo</span> : Agnes, Aisha, Ali, Andre Elias, David, Dieu Donné, Elizabeth, Klah, Lili, Maombi, Obama, Petro, Rachel, Salama, Sifa, Vainquere et Zeinabou, en compagnie de leur enseignante Nancy Fall.</span>\r\n\r\nLes artistes <span style=\"color: #000000\">Charles Fleury</span> et <span style=\"color: #000000\">Marie-Laure S. Louis</span> ont quant à eux proposé un parcours, une dérive dans les mémoires, en collaboration avec les participants du programme Relève en action du <span style=\"color: #000000\">Centre R.I.R.E.</span> : Yellitsa Arnolin, Ishmaël Charles, Koné Djénéba, Jepherson Guillaume, Marie Hernandez, Laïsa Pivert et Reynold Sablon, accompagnés des coordonnatrices Ingrid Pater et Hoby Ratsimbazafy.\r\n\r\nL\'auteure <span style=\"color: #000000\">Alice Guéricolas-Gagné</span> et la photographe <span style=\"color: #000000\">Débora Flor</span> ont également été invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Rivières, conçu et coordonné par <span style=\"color: #000000\">Véronique Isabelle</span>, a été documenté sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Ce projet est une initiative de la Ville de Québec et une réalisation de VU.\r\n\r\n\"Dans la confluence de nos rencontres, on se raconte des rivières imaginaires,\r\non se remémore les longues traversées, on réfléchit à partir des îles que nous avons habitées\r\net qui nous habitent, en redessinant nos rives, liées par toutes ces eaux.\"\r\n\r\n&nbsp;','Rivières','','publish','closed','closed','','rivieres-2','','','2024-05-14 14:50:18','2024-05-14 18:50:18','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=4677',0,'museo_calendar_event','',0),(4679,4,'2019-06-18 12:23:01','2019-06-18 16:23:01','','7_lucioles','','inherit','open','closed','','7_lucioles-2','','','2019-06-18 12:23:01','2019-06-18 16:23:01','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/7_lucioles.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4680,4,'2019-06-18 12:27:51','2019-06-18 16:27:51','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-06-18 12:27:51','2019-06-18 16:27:51','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4681,4,'2019-06-18 12:28:46','2019-06-18 16:28:46','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2019-06-18 12:28:46','2019-06-18 16:28:46','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(4682,4,'2019-06-18 14:58:08','2019-06-18 18:58:08','','7_lucioles copie','','inherit','open','closed','','7_lucioles-copie','','','2019-06-18 14:58:08','2019-06-18 18:58:08','',4677,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/7_lucioles-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4683,4,'2019-06-18 14:58:08','2019-06-18 18:58:08','','7_lucioles copie','','inherit','open','closed','','7_lucioles-copie-2','','','2019-06-18 14:58:08','2019-06-18 18:58:08','',4684,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/7_lucioles-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4684,4,'2019-06-18 12:23:24','2019-06-18 16:23:24','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\n« Quand on apprend à mettre nos regards en commun, on tisse des ponts\r\nqui ouvrent la voie à la possibilité merveilleuse de se reconnaître en d’autres yeux,\r\nde faire basculer les temps et de révéler des mondes à imaginer ensemble. »\r\n\r\nRivières est l’exposition hors-les-murs qui fait suite aux <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/rivieres/\">ateliers de médiation</a> qui ont eu lieu en mai et juin. 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The centre contributes to current thinking about photography by encouraging the deepening of artistic experience through a program of varied activities.\n\nVU offers artists and the public a program of exhibitions complemented by texts, roundtables, screenings, external projects, and activities dedicated to photography. VU is also committed to the photobook as a space for reflection and research for artists, producing books and organizing activities around the medium. Production spaces and services in digital and analogue photography are offered to artists and members of VU. Artist residencies foster the development of practices that participate in the current concerns around photography.\n\nVU is a nonprofit organization formed and directed by a collective of artists. Its board of directors is composed of artists and professionals of visuals arts. VU is a founding member of the Méduse cooperative and of the Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ).','About us','','inherit','closed','closed','','2654-autosave-v1','','','2019-06-19 15:03:32','2019-06-19 19:03:32','',2654,'http://vuphoto.org/fr/articles/2654-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4690,4,'2019-06-19 15:13:26','2019-06-19 19:13:26','','Claudie','','inherit','open','closed','','claudie','','','2019-06-19 15:13:26','2019-06-19 19:13:26','',2654,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Claudie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4692,4,'2019-06-19 15:14:56','2019-06-19 19:14:56','<h2>VU is an artist-run centre whose mission is to promote and support research and creation in the field of photography by working with artists and contributing to the dissemination of and reflection on their work.</h2>\r\nSince 1981, VU has foregrounded the diversity of artistic practices in photography, supported artists in the production of their work, and offered them the space and freedom to create. The centre contributes to current thinking about photography by encouraging the deepening of artistic experience through a program of varied activities.\r\n\r\nVU offers artists and the public a program of exhibitions complemented by texts, roundtables, screenings, external projects, and activities dedicated to photography. VU is also committed to the photobook as a space for reflection and research for artists, producing books and organizing activities around the medium. Production spaces and services in digital and analogue photography are offered to artists and members of VU. Artist residencies foster the development of practices that participate in the current concerns around photography.\r\n\r\nVU is a nonprofit organization formed and directed by a collective of artists. Its board of directors is composed of artists and professionals of visuals arts. 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The centre contributes to current thinking about photography by encouraging the deepening of artistic experience through a program of varied activities.\r\n\r\nVU offers artists and the public a program of exhibitions complemented by texts, roundtables, screenings, external projects, and activities dedicated to photography. VU is also committed to the photobook as a space for reflection and research for artists, producing books and organizing activities around the medium. Production spaces and services in digital and analogue photography are offered to artists and members of VU. Artist residencies foster the development of practices that participate in the current concerns around photography.\r\n\r\nVU is a nonprofit organization formed and directed by a collective of artists. Its board of directors is composed of artists and professionals of visuals arts. 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href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org / </a><a href=\"mailto:info@vuphoto.org\">info@vuphoto.org</a>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<h2></h2>\r\n<h2><span style=\"color: #000000\">\r\nTeam</span></h2>\r\nDenis Thibeault, Technical Coordinator of Production\r\n<a href=\"mailto:denis@vuphoto.org\">denis@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAudrey Lahaie, Artistic Coordinator of Production\r\n<a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\r\n\r\nKristel Tremblay, General Director\r\n<a href=\"mailto:administration@vuphoto.org\">administration@vuphoto.org</a>\r\n\r\nJacynthe Carrier, General and Artistic Codirector\r\n<a href=\"mailto:direction@vuphoto.org\">direction@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAnne-Marie Proulx, General and Artistic Codirector\r\n<a href=\"mailto:artistique@vuphoto.org\">artistique@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGéraldine Martin, Communications Coordinator and Assistant to the Directors\r\n<a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>\r\n\r\nVéronique Isabelle, Project Coordinator\r\n<a href=\"mailto:projets@vuphoto.org\">projets@vuphoto.org</a>','Contact Us','','publish','closed','closed','','contact-us','','','2024-04-25 14:17:59','2024-04-25 18:17:59','',0,'http://vuphoto.org/nous-joindre/',0,'page','',0),(4707,4,'2021-11-17 13:39:44','2021-11-17 18:39:44','<p class=\"tw-data-text tw-text-large XcVN5d tw-ta\" dir=\"ltr\" data-placeholder=\"Traduction\"><span style=\"color: #000000\">Galleries\n<span style=\"color: #808080\">580, Côte d’Abraham, Québec</span>\n<span style=\"color: #808080\">Wednesday to Sunday, 12-5pm</span></span></p>\n<p class=\"tw-data-text tw-text-large XcVN5d tw-ta\" dir=\"ltr\" data-placeholder=\"Traduction\"><span style=\"color: #000000\">Office and production</span><br class=\"\" />523, rue Saint-Vallier Est\nQuébec (QC) G1K 3P9, Canada</p>\nOpen Monday to Friday, 9-12pm and 1-5pm<br class=\"\" /><span style=\"color: #000000\">By appointment only</span>\n<strong>418-640-2558\n</strong><a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org / </a><a href=\"mailto:info@vuphoto.org\">info@vuphoto.org</a>\n\n&nbsp;\n<h2></h2>\n<h2><span style=\"color: #000000\">\nTeam</span></h2>\nDenis Thibeault, Technical Coordinator of Production\n<a href=\"mailto:denis@vuphoto.org\">denis@vuphoto.org</a>\n\nAudrey Lahaie, Artistic Coordinator of Production\n<a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\n\nJacynthe Carrier, General and Artistic Codirector\n<a href=\"mailto:direction@vuphoto.org\">direction@vuphoto.org</a>\n\nAnne-Marie Proulx, General and Artistic Codirector\n<a href=\"mailto:artistique@vuphoto.org\">artistique@vuphoto.org</a>\n\nGéraldine Martin, Communications Coordinator and Assistant to the Directors\n<a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>\n\nVéronique Isabelle, Project Coordinator\n<a href=\"mailto:projets@vuphoto.org\">projets@vuphoto.org</a>','Contact Us','','inherit','closed','closed','','4706-autosave-v1','','','2021-11-17 13:39:44','2021-11-17 18:39:44','',4706,'http://vuphoto.org/fr/articles/4706-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4708,4,'2019-06-19 16:12:02','2019-06-19 20:12:02','<h2>Contact Us</h2>\r\n<strong>Production spaces\r\n</strong>523, rue De Saint-Vallier Est (ground floor and 4th floor)\r\nOpen Monday to Friday, 9:00 a.m. to 5:00 p.m.,\r\nWednesdays until 9:00 p.m.\r\n<strong>418-640-2558\r\n</strong><a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\r\n\r\n<strong>Galleries</strong>\r\n550, côte d’Abraham\r\nOpen from Wednesday to Sunday, 12:00 to 5:00 p.m.\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\n<strong>Office</strong>\r\n523, rue De Saint-Vallier Est (3rd floor)\r\nOpen Monday to Friday, 9:00 a.m. to 5:00 p.m.\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:info@vuphoto.org\">info@vuphoto.org</a>\r\n\r\nPostal Address\r\n523, rue De Saint-Vallier Est\r\nQuébec, QC G1K 3P9\r\nCanada\r\n<h2><span style=\"color: #000000\">\r\nTeam</span></h2>\r\nDenis Thibeault, Technical Coordinator of Production\r\n<a href=\"mailto:technicien1@vuphoto.org\">technicien1@vuphoto.org</a>\r\n\r\nCharles-Frédérick Ouellet, Artistic Coordinator of Production\r\n<a href=\"mailto:technicien2@vuphoto.org\">technicien2@vuphoto.org</a>\r\n\r\nClaudie Mailhot-Trottier, Education and Outreach Coordinator\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\nJacynthe Carrier, General and Artistic Codirector\r\n<a href=\"mailto:direction@vuphoto.org\">direction@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAnne-Marie Proulx, General and Artistic Codirector\r\n<a href=\"mailto:artistique@vuphoto.org\">artistique@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGéraldine Martin, Communications Coordinator and Assistant to the Directors\r\n<a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>','Contact Us','','inherit','closed','closed','','4706-revision-v1','','','2019-06-19 16:12:02','2019-06-19 20:12:02','',4706,'http://vuphoto.org/fr/articles/4706-revision-v1/',0,'revision','',0),(4709,4,'2019-06-19 16:17:23','2019-06-19 20:17:23',' ','','','publish','closed','closed','','4709','','','2021-04-01 10:22:52','2021-04-01 14:22:52','',0,'http://vuphoto.org/fr/?p=4709',2,'nav_menu_item','',0),(4710,4,'2018-11-21 16:44:11','2018-11-21 15:44:11','<h2>—Open call\r\nExhibitions, residencies and special projects / artists based in Québec and Canada</h2>\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Deadline: February 1, 2025</strong></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAt VU, we don’t consider photography to only be an end in and of itself, but also a way to activate research, thinking, and ideals. With the goal of asserting the role of the artist-run centre as a space for art-making, we wish to host and facilitate projects and practices from artists actively engaged in reflecting on ways of making, doing and thinking with photography during this upcoming programming year.\r\n\r\nIn addition to your project proposals, we also want to better get to know your practice and what you’re working on these days, in hopes of staying on top of current photographic practices. Through this open call, we will put together our programme of exhibitions, residencies and events, while retaining other proposals for projects in development.\r\n\r\nWith the intent of creating encounter and time to ask questions, and to take care of ourselves and others, we wish to privilege a position of active listening and openness towards our community. We thus encourage artists of all backgrounds, origins, gender orientations, and stages in their career to introduce themselves or to propose a project.\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Have you felt the need to develop a research project, to take a training course, to share your practice with other artists, to be mentored in a project, or to work with a specific community? In order to imagine our upcoming programming year together, with all of you, we invite all artists interested in photography to share their ideas, projects and practices.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Your submission should include:</strong></span>\r\n<span style=\"color: #000000\">- A presentation of your practice and/or project specifying the type of support you would like to receive (500 words max)</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">- An up-to-date CV</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">- Images and/or your website\r\n\r\nPlease send your submission as a compressed file (.zip)\r\n</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Please note that it is also possible to present your project orally.\r\nIt is recommended to provide the recording in either AVI or MPEG format, and to limit your presentation to a total of 5 minutes.</strong></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><a href=\"https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSeTn1vvGRuJgcTZO5BNq8WGaPYqz7QA_xhfFzTiBMIfymUu7g/viewform\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"><strong>You can send your files via the online form</strong></a></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nDetails:\r\n- For reasons of equity, all applications received after February 1 will be automatically rejected ;\r\n- Due to the high volume of submissions, only selected artists will be contacted by the artistic committee before April 30, 2024.\r\n- Please note that our production spaces are always available to VU members, and no submission process is required. To contact VU’s production spaces, please call 418 640-2558, or <a href=\"https://vuphoto.org/en/production/\">click here</a> ;\r\n- You don\'t have to be a VU member to send a submission.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">The artistic committee will determine the following types of support:</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Exhibition</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o CARFAC exhibition fee</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o Accompaniment estimated between 7 and 15 hours</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o 25% discount on prints</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o accommodation for exhibition set-up</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $130 travel fee</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o professional photographic documentation of the exhibition</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Research and creation residency</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o two-week residency</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $1,000 artistic fee</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $500 printing credit</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o free access to the center\'s specialized equipment</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o 20 hours of coaching</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o accommodation for 2 weeks</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $130 travel fee</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Residency-exhibition</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o two-week residency</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $1,000 residency fee</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $3,175 exhibition fee</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $500 printing credit</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o free access to the center\'s specialized equipment</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o an estimated 20 hours of accompaniment</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o lodging for 2 weeks + exhibition set-up</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o $130 travel fee</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Special projects</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">o support to be determined on the basis of the proposal</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nFor any other questions concerning the submission process, please contact us at <a href=\"mailto:appels@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">appels@vuphoto.org</a>\r\n\r\n&nbsp;','Call for Submissions','','publish','closed','closed','','call-for-submission','','','2024-11-19 13:37:01','2024-11-19 18:37:01','',0,'http://vuphoto.org/appel-de-projets/',0,'page','',0),(4711,4,'2024-11-19 13:36:08','2024-11-19 18:36:08','<h2>—Open call\nExhibitions, residencies and special projects / artists based in Québec and Canada</h2>\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Deadline: February 1, 2025</strong></span>\n\n&nbsp;\n\nAt VU, we don’t consider photography to only be an end in and of itself, but also a way to activate research, thinking, and ideals. 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We thus encourage artists of all backgrounds, origins, gender orientations, and stages in their career to introduce themselves or to propose a project.\n\n<span style=\"color: #000000\">Have you felt the need to develop a research project, to take a training course, to share your practice with other artists, to be mentored in a project, or to work with a specific community? 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To contact VU’s production spaces, please call 418 640-2558, or <a href=\"https://vuphoto.org/en/production/\">click here</a> ;\n- You don\'t have to be a VU member to send a submission.\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">The artistic committee will determine the following types of support:</span>\n\n<span style=\"color: #000000\">Exhibition</span>\n<span style=\"color: #000000\">o CARFAC exhibition fee</span>\n<span style=\"color: #000000\">o Accompaniment estimated between 7 and 15 hours</span>\n<span style=\"color: #000000\">o 25% discount on prints</span>\n<span style=\"color: #000000\">o accommodation for exhibition set-up</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $130 travel fee</span>\n<span style=\"color: #000000\">o professional photographic documentation of the exhibition</span>\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">Research and creation residency</span>\n<span style=\"color: #000000\">o two-week residency</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $1,000 artistic fee</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $500 printing credit</span>\n<span style=\"color: #000000\">o free access to the center\'s specialized equipment</span>\n<span style=\"color: #000000\">o 20 hours of coaching</span>\n<span style=\"color: #000000\">o accommodation for 2 weeks</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $130 travel fee</span>\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">Residency-exhibition</span>\n<span style=\"color: #000000\">o two-week residency</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $1,000 residency fee</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $3,175 exhibition fee</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $500 printing credit</span>\n<span style=\"color: #000000\">o free access to the center\'s specialized equipment</span>\n<span style=\"color: #000000\">o an estimated 20 hours of accompaniment</span>\n<span style=\"color: #000000\">o lodging for 2 weeks + exhibition set-up</span>\n<span style=\"color: #000000\">o $130 travel fee</span>\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">Special projects</span>\n<span style=\"color: #000000\">o support to be determined on the basis of the proposal</span>\n\n&nbsp;\n\nFor any other questions concerning the submission process, please contact us at <a href=\"mailto:appels@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">appels@vuphoto.org</a>\n\n&nbsp;','Call for Submissions','','inherit','closed','closed','','4710-autosave-v1','','','2024-11-19 13:36:08','2024-11-19 18:36:08','',4710,'http://vuphoto.org/fr/articles/4710-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4712,4,'2019-06-19 16:22:34','2019-06-19 20:22:34','<strong>Look for our next call for submission in fall 2019.</strong>','Call for Submissions','','inherit','closed','closed','','4710-revision-v1','','','2019-06-19 16:22:34','2019-06-19 20:22:34','',4710,'http://vuphoto.org/fr/articles/4710-revision-v1/',0,'revision','',0),(4713,4,'2019-06-19 16:25:37','2019-06-19 20:25:37',' ','','','publish','closed','closed','','4713','','','2021-04-01 10:22:52','2021-04-01 14:22:52','',0,'http://vuphoto.org/fr/?p=4713',3,'nav_menu_item','',0),(4715,4,'2019-06-19 16:48:15','2019-06-19 20:48:15','<h2 align=\"left\">VU est un centre d\'artistes autogéré dont la mission est de promouvoir et de soutenir la recherche et la création en travaillant avec les artistes en art actuel dans le domaine du photographique, tout en contribuant à faire rayonner leur travail et leur réflexion.</h2>\r\n<p align=\"left\">Depuis 1981, VU met de l\'avant la diversité des pratiques artistiques de la photographie, accompagne les artistes dans la production de leurs œuvres et leur offre des espaces libres de création. Le centre contribue aux réflexions actuelles autour de la photographie en encourageant l\'approfondissement de l\'expérience artistique, par un programme d\'activités variées.</p>\r\n<p align=\"left\">VU offre aux artistes et au public une programmation d\'expositions, complétée par des textes d\'auteurs, table-rondes, projections, projets hors les murs et activités dédiées au photographique. VU se consacre également au livre photographique comme espace de réflexion et de recherche pour les artistes, en produisant des livres et des activités autour de ce médium. Des services et espaces de production en photographie numérique et argentique sont offerts aux artistes et membres de VU. Des résidences d\'artistes permettent de favoriser le développement de pratiques qui participent aux enjeux actuels de la photographie.</p>\r\n\r\n<div class=\"intro\">\r\n\r\nVU est un organisme à but non lucratif formé et dirigé par un collectif d\'artistes. Son conseil d\'administration est composé d\'artistes et de professionnels des arts visuels. VU est un membre fondateur de la coopérative Méduse et membre du Regroupement des centres d\'artistes autogérés du Québec.\r\n\r\n</div>','À propos','','inherit','closed','closed','','177-revision-v1','','','2019-06-19 16:48:15','2019-06-19 20:48:15','',177,'http://vuphoto.org/fr/articles/177-revision-v1/',0,'revision','',0),(4716,4,'2019-06-19 16:49:33','2019-06-19 20:49:33','<h2>Coordonnées</h2>\r\nEspaces de production\r\n523, rue De Saint-Vallier Est, Québec (rez-de-chaussée et 4e étage)\r\nOuverts du lundi au vendredi, de 9 h à 17 h, et le mercredi jusqu’à 21 h (veuillez appeler avant de vous présenter)\r\n418.640-2558\r\n<a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGaleries\r\n550, côte d’Abraham, Québec\r\nOuvertes du mercredi au dimanche, de 12 h à 17 h\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\nBureaux\r\n523, rue De Saint-Vallier Est, Québec (3e étage)\r\nOuverts du lundi au vendredi, de 9 h à 17 h\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:info@vuphoto.org\">info@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAdresse postale\r\n523, rue De Saint-Vallier Est\r\nQuébec, QC\r\nCanada\r\nG1K 3P9\r\n<h2><span style=\"color: #000000\">\r\nÉquipe</span></h2>\r\nDenis Thibeault, coordonnateur technique de la production\r\n<a style=\"font-size: 2.5rem\" href=\"mailto:technicien1@vuphoto.org\">technicien1@vuphoto.org</a>\r\n\r\nCharles-Frédérick Ouellet, coordonnateur artistique de la production\r\n<a href=\"mailto:technicien2@vuphoto.org\">technicien2@vuphoto.org</a>\r\n\r\nClaudie Mailhot-Trottier, responsable de l\'accueil et du développement des publics\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\nJacynthe Carrier, codirectrice\r\n<a href=\"mailto:direction@vuphoto.org\">direction@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAnne-Marie Proulx, codirectrice\r\n<a href=\"mailto:artistique@vuphoto.org\">artistique@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGéraldine Martin, responsable des communications et assistante à la direction\r\n<a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>','Nous joindre','','inherit','closed','closed','','337-revision-v1','','','2019-06-19 16:49:33','2019-06-19 20:49:33','',337,'http://vuphoto.org/fr/articles/337-revision-v1/',0,'revision','',0),(4717,4,'2019-06-19 16:49:53','2019-06-19 20:49:53','Espaces de production\r\n523, rue De Saint-Vallier Est, Québec (rez-de-chaussée et 4e étage)\r\nOuverts du lundi au vendredi, de 9 h à 17 h, et le mercredi jusqu’à 21 h (veuillez appeler avant de vous présenter)\r\n418.640-2558\r\n<a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGaleries\r\n550, côte d’Abraham, Québec\r\nOuvertes du mercredi au dimanche, de 12 h à 17 h\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\nBureaux\r\n523, rue De Saint-Vallier Est, Québec (3e étage)\r\nOuverts du lundi au vendredi, de 9 h à 17 h\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:info@vuphoto.org\">info@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAdresse postale\r\n523, rue De Saint-Vallier Est\r\nQuébec, QC\r\nCanada\r\nG1K 3P9\r\n<h2><span style=\"color: #000000\">\r\nÉquipe</span></h2>\r\nDenis Thibeault, coordonnateur technique de la production\r\n<a style=\"font-size: 2.5rem\" href=\"mailto:technicien1@vuphoto.org\">technicien1@vuphoto.org</a>\r\n\r\nCharles-Frédérick Ouellet, coordonnateur artistique de la production\r\n<a href=\"mailto:technicien2@vuphoto.org\">technicien2@vuphoto.org</a>\r\n\r\nClaudie Mailhot-Trottier, responsable de l\'accueil et du développement des publics\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\nJacynthe Carrier, codirectrice\r\n<a href=\"mailto:direction@vuphoto.org\">direction@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAnne-Marie Proulx, codirectrice\r\n<a href=\"mailto:artistique@vuphoto.org\">artistique@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGéraldine Martin, responsable des communications et assistante à la direction\r\n<a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>','Nous joindre','','inherit','closed','closed','','337-revision-v1','','','2019-06-19 16:49:53','2019-06-19 20:49:53','',337,'http://vuphoto.org/fr/articles/337-revision-v1/',0,'revision','',0),(4718,4,'2019-06-19 16:50:54','2019-06-19 20:50:54','<strong>Production spaces\r\n</strong>523, rue De Saint-Vallier Est (ground floor and 4th floor)\r\nOpen Monday to Friday, 9:00 a.m. to 5:00 p.m.,\r\nWednesdays until 9:00 p.m.\r\n<strong>418-640-2558\r\n</strong><a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\r\n\r\n<strong>Galleries</strong>\r\n550, côte d’Abraham\r\nOpen from Wednesday to Sunday, 12:00 to 5:00 p.m.\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\n<strong>Office</strong>\r\n523, rue De Saint-Vallier Est (3rd floor)\r\nOpen Monday to Friday, 9:00 a.m. to 5:00 p.m.\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:info@vuphoto.org\">info@vuphoto.org</a>\r\n\r\nPostal Address\r\n523, rue De Saint-Vallier Est\r\nQuébec, QC G1K 3P9\r\nCanada\r\n<h2><span style=\"color: #000000\">\r\nTeam</span></h2>\r\nDenis Thibeault, Technical Coordinator of Production\r\n<a href=\"mailto:technicien1@vuphoto.org\">technicien1@vuphoto.org</a>\r\n\r\nCharles-Frédérick Ouellet, Artistic Coordinator of Production\r\n<a href=\"mailto:technicien2@vuphoto.org\">technicien2@vuphoto.org</a>\r\n\r\nClaudie Mailhot-Trottier, Education and Outreach Coordinator\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\nJacynthe Carrier, General and Artistic Codirector\r\n<a href=\"mailto:direction@vuphoto.org\">direction@vuphoto.org</a>\r\n\r\nAnne-Marie Proulx, General and Artistic Codirector\r\n<a href=\"mailto:artistique@vuphoto.org\">artistique@vuphoto.org</a>\r\n\r\nGéraldine Martin, Communications Coordinator and Assistant to the Directors\r\n<a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>','Contact Us','','inherit','closed','closed','','4706-revision-v1','','','2019-06-19 16:50:54','2019-06-19 20:50:54','',4706,'http://vuphoto.org/fr/articles/4706-revision-v1/',0,'revision','',0),(4719,4,'2019-06-19 16:53:16','2019-06-19 20:53:16','<strong>Production spaces\r\n</strong>523, rue De Saint-Vallier Est (ground floor and 4th floor)\r\nOpen Monday to Friday, 9:00 a.m. to 5:00 p.m., Wednesdays until 9:00 p.m.\r\n<strong>418-640-2558\r\n</strong><a href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>\r\n\r\n<strong>Galleries</strong>\r\n550, côte d’Abraham\r\nOpen from Wednesday to Sunday, 12:00 to 5:00 p.m.\r\n418.640.2585\r\n<a href=\"mailto:accueil@vuphoto.org\">accueil@vuphoto.org</a>\r\n\r\n<strong>Office</strong>\r\n523, rue De Saint-Vallier Est (3rd floor)\r\nOpen Monday to Friday, 9:00 a.m. to 5:00 p.m.\r\n418.640.2585\r\n<a 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href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">communications@vuphoto.org</a>','Contact Us','','inherit','closed','closed','','4706-revision-v1','','','2019-06-19 16:53:16','2019-06-19 20:53:16','',4706,'http://vuphoto.org/fr/articles/4706-revision-v1/',0,'revision','',0),(4720,1,'2018-09-05 20:28:13','2018-09-05 19:28:13','<h2>Being a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!</h2>\r\n<strong>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</strong>','Members','','publish','closed','closed','','members','','','2021-02-19 10:41:05','2021-02-19 15:41:05','',0,'http://vuphoto.org/membres/',0,'page','',0),(4721,4,'2019-06-19 16:57:28','2019-06-19 20:57:28','<h2>Being a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!</h2>\n<strong>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</strong>','Membres','','inherit','closed','closed','','4720-autosave-v1','','','2019-06-19 16:57:28','2019-06-19 20:57:28','',4720,'http://vuphoto.org/fr/articles/4720-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4722,4,'2019-06-19 17:01:27','2019-06-19 21:01:27','<h2>Being a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!</h2>\r\n<strong>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</strong>','Membres','','inherit','closed','closed','','4720-revision-v1','','','2019-06-19 17:01:27','2019-06-19 21:01:27','',4720,'http://vuphoto.org/fr/articles/4720-revision-v1/',0,'revision','',0),(4723,4,'2019-01-31 15:41:44','2019-01-31 20:41:44','','photo1','','inherit','open','closed','','photo1','','','2019-01-31 15:41:44','2019-01-31 20:41:44','',4720,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/photo1.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(4724,4,'2019-06-19 17:05:23','2019-06-19 21:05:23','<h2>Being a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!</h2>\r\n<strong>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. 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Présentée sur le pont Dorchester tout l\'été, l\'exposition rassemble un ensemble d\'images élaborées collectivement durant ces ateliers de médiation. À travers ces images se croisent différents regards en relation à la rivière Saint-Charles, appelée aussi la « rivière aux milles détours ».\n\nDans le cadre de ce projet, les artistes <span style=\"color: #000000\">Gabrielle Bélanger</span> et <span style=\"color: #000000\">Idra Labrie</span> ont proposé des ateliers à partir de procédés photographiques artisanaux comme le cyanotype et le sténop<span class=\"text_exposed_show\">é, en collaboration avec les jeunes de la classe de francisation de <span style=\"color: #000000\">l’école primaire Saint-Malo</span> : Agnes, Aisha, Ali, Andre Elias, David, Dieu Donné, Elizabeth, Klah, Lili, Maombi, Obama, Petro, Rachel, Salama, Sifa, Vainquere et Zeinabou, en compagnie de leur enseignante Nancy Fall.</span>\n\nLes artistes <span style=\"color: #000000\">Charles Fleury</span> et <span style=\"color: #000000\">Marie-Laure S. Louis</span> ont quant à eux proposé un parcours, une dérive dans les mémoires, en collaboration avec les participants du programme Relève en action du <span style=\"color: #000000\">Centre R.I.R.E.</span> : Yellitsa Arnolin, Ishmaël Charles, Koné Djénéba, Jepherson Guillaume, Marie Hernandez, Laïsa Pivert et Reynold Sablon, accompagnés des coordonnatrices Ingrid Pater et Hoby Ratsimbazafy.\n\nL\'auteure <span style=\"color: #000000\">Alice Guéricolas-Gagné</span> et la photographe <span style=\"color: #000000\">Débora Flor</span> ont également été invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Rivières, conçu et coordonné par <span style=\"color: #000000\">Véronique Isabelle</span>, a été documenté sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Ce projet est une initiative de la Ville de Québec et une réalisation de VU.\n\n\"Dans la confluence de nos rencontres, on se raconte des rivières imaginaires,\non se remémore les longues traversées, on réfléchit à partir des îles que nous avons habitées\net qui nous habitent, en redessinant nos rives, liées par toutes ces eaux.\"\n\n&nbsp;','Rivières','','inherit','closed','closed','','4677-autosave-v1','','','2024-05-14 14:22:24','2024-05-14 18:22:24','',4677,'http://vuphoto.org/fr/articles/4677-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4728,4,'2024-05-14 14:27:16','2024-05-14 18:27:16','VU propose un programme d’ateliers de médiation à partir du médium photographique, conçu et réfléchi autour de la rivière Saint-Charles, la « rivière aux milles détours ». Le projet a permis de développer une collaboration entre des groupes d’enfants, d’adultes et des artistes professionnels de la ville de Québec à travers l’expérimentation de divers procédés photographiques. Durant les ateliers, qui se sont déroulés de mai jusqu’à début juin, se sont croisé différents regards portés sur ce cours d’eau fondateur de la ville de Québec.\n\nAinsi, un groupe de jeunes participants au Programme Relève en Action du <span style=\"color: #000000\">Centre R.I.R.E.</span>, en collaboration avec les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Marie-Laure S. Louis</span> et <span style=\"color: #000000\">Charles Fleury</span>, ont exploré entre les rives, les îles et les ponts, la mémoire et les archives, à travers la collecte et le collage d’images, d’objets et de mots.\n\nÀ la fin du mois de mai, ce sont les jeunes de la classe de francisation de <span style=\"color: #000000\">l’école primaire de Saint-Malo</span> avec leur professeure <span style=\"color: #000000\">Nancy Fall</span> ainsi que les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Gabrielle Bélanger</span> et <span style=\"color: #000000\">Idra Labrie</span> qui se sont lancés dans l’expérimentation du cyanotype et du processus de captation d’image à partir de la fabrication de sténopés.\n\nL’auteure <span style=\"color: #000000\">Alice Guéricolas-Gagné</span> et la photographe <span style=\"color: #000000\">Débora Flor</span> ont également été invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Le projet, coordonné par <span style=\"color: #000000\">Véronique Isabelle</span>, fut une initiative de la ville de Québec, et vise à partager avec le public ce projet collaboratif dans son processus sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Il s\'est terminé par <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/rivieres-2/\">une exposition présentée à partir du 21 juin sur le pont Dorchester</a>, aux abords de la rivière Saint-Charles.\n\n&nbsp;','Rivières','','inherit','closed','closed','','4566-autosave-v1','','','2024-05-14 14:27:16','2024-05-14 18:27:16','',4566,'http://vuphoto.org/fr/articles/4566-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4729,4,'2019-07-01 11:04:51','2019-07-01 15:04:51','VU propose un programme d’ateliers de médiation à partir du médium photographique, conçu et réfléchi autour de la rivière Saint-Charles, la « rivière aux milles détours ». Le projet permettra de développer une collaboration entre des groupes d’enfants, d’adultes et des artistes professionnels de la ville de Québec à travers l’expérimentation de divers procédés photographiques. Durant les ateliers, qui se dérouleront de mai jusqu’à début juin, se croiseront différents regards portés sur ce cours d’eau fondateur de la ville de Québec.\n\nAinsi, depuis quelques jours, un groupe de jeunes participants au Programme Relève en Action du <span style=\"color: #000000\">Centre R.I.R.E.</span>, en collaboration avec les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Marie-Laure S. Louis</span> et <span style=\"color: #000000\">Charles Fleury</span>, explorent entre les rives, les îles et les ponts, la mémoire et les archives, à travers la collecte et le collage d’images, d’objets et de mots.\n\nÀ la fin du mois de mai, ce seront les jeunes de la classe de francisation de l’école primaire de Saint-Malo avec leur professeure Nancy Fall ainsi que les artistes médiateurs <span style=\"color: #000000\">Gabrielle Bélanger</span> et <span style=\"color: #000000\">Idra Labrie</span> qui se lanceront dans l’expérimentation du cyanotype et du processus de captation d’image à partir de la fabrication de sténopés.\n\nL’auteure Alice Guéricolas-Gagné et la photographe Débora Flor sont également invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Le projet, coordonné par Véronique Isabelle, est une initiative de la ville de Québec, et vise à partager avec le public ce projet collaboratif dans son processus sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Il se terminera par <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/rivieres-2/\">une exposition prévue à partir du 21 juin sur le pont Dorchester</a>, aux abords de la rivière Saint-Charles.\n\nDécouvrez plus de documentation du projet sur le <a href=\"https://ateliersrivieres.tumblr.com/\">blogue</a> des ateliers Rivières, une initiative des artistes et des participants.','Rivières','','inherit','closed','closed','','4612-autosave-v1','','','2019-07-01 11:04:51','2019-07-01 15:04:51','',4612,'http://vuphoto.org/fr/articles/4612-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4730,4,'2019-06-19 17:27:24','2019-06-19 21:27:24','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\n\n« Quand on apprend à mettre nos regards en commun, on tisse des ponts\nqui ouvrent la voie à la possibilité merveilleuse de se reconnaître en d’autres yeux,\nde faire basculer les temps et de révéler des mondes à imaginer ensemble. »\n\nRivières est l’exposition hors-les-murs qui fait suite aux <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/rivieres/\">ateliers de médiation</a> qui ont eu lieu en mai et juin. Présentée sur le pont Dorchester tout l’été, l’exposition rassemble un ensemble d’images élaborées collectivement durant ces ateliers de médiation. À travers ces images se croisent différents regards en relation à la rivière Saint-Charles, appelée aussi la « rivière aux milles détours ».\n\nDans le cadre de ce projet, les artistes Gabrielle Bélanger et Idra Labrie ont proposé des ateliers à partir de procédés photographiques artisanaux comme le cyanotype et le sténop<span class=\"text_exposed_show\">é, en collaboration avec les jeunes de la classe de francisation de l’école primaire Saint-Malo : Agnes, Aisha, Ali, Andre Elias, David, Dieu Donné, Elizabeth, Klah, Lili, Maombi, Obama, Petro, Rachel, Salama, Sifa, Vainquere et Zeinabou, en compagnie de leur enseignante Nancy Fall.</span>\n\nLes artistes Charles Fleury et Marie-Laure S. Louis ont quant à eux proposé un parcours, une dérive dans les mémoires, en collaboration avec les participants du programme Relève en action du Centre R.I.R.E. : Yellitsa Arnolin, Ishmaël Charles, Koné Djénéba, Jepherson Guillaume, Marie Hernandez, Laïsa Pivert et Reynold Sablon, accompagnés des coordonnatrices Ingrid Pater et Hoby Ratsimbazafy.\n\nL’auteure Alice Guéricolas-Gagné et la photographe Débora Flor ont également été invitées à porter un regard poétique pour écrire et documenter ces rencontres. Rivières, conçu et coordonné par <span style=\"color: #000000\">Véronique Isabelle</span>, a été documenté sur le compte <a href=\"https://www.instagram.com/vuphoto/\">Instagram de VU</a>. Ce projet est une initiative de la Ville de Québec et une réalisation de VU.\n\n« Dans la confluence de nos rencontres, on se raconte des rivières imaginaires,\non se remémore les longues traversées, on réfléchit à partir des îles que nous avons habitées\net qui nous habitent, en redessinant nos rives, liées par toutes ces eaux. »','Rivières','','inherit','closed','closed','','4684-autosave-v1','','','2019-06-19 17:27:24','2019-06-19 21:27:24','',4684,'http://vuphoto.org/fr/articles/4684-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4731,4,'2019-06-21 10:26:58','2019-06-21 14:26:58','<h2>Avec ses publications, VU désire affirmer sa vision du livre comme espace consacré à la photographie, ainsi qu\'aux histoires, problématiques et univers poétiques portés par les artistes.</h2>','Boutique','','inherit','closed','closed','','32-revision-v1','','','2019-06-21 10:26:58','2019-06-21 14:26:58','',32,'http://vuphoto.org/fr/articles/32-revision-v1/',0,'revision','',0),(4732,4,'2019-06-21 11:34:40','2019-06-21 15:34:40','<h2>VU is an artist-run centre whose mission is to promote and support research and creation in the field of photography by working with artists and contributing to the dissemination of and reflection on their work.</h2>\r\nSince 1981, VU has foregrounded the diversity of artistic practices in photography, supported artists in the production of their work, and offered them the space and freedom to create. The centre contributes to current thinking about photography by encouraging the deepening of artistic experience through a program of varied activities.\r\n\r\nVU offers artists and the public a program of exhibitions complemented by texts, roundtables, screenings, external projects, and activities dedicated to photography. VU is also committed to the photobook as a space for reflection and research for artists, producing books and organizing activities around the medium. Production spaces and services in digital and analogue photography are offered to artists and members of VU. Artist residencies foster the development of practices that participate in the current concerns around photography.\r\n\r\nVU is a nonprofit organization formed and directed by a collective of artists. Its board of directors is composed of artists and professionals of visuals arts. VU is a founding member of the Méduse cooperative and of the Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ).','About VU','','inherit','closed','closed','','2654-revision-v1','','','2019-06-21 11:34:40','2019-06-21 15:34:40','',2654,'http://vuphoto.org/fr/articles/2654-revision-v1/',0,'revision','',0),(4734,1,'2018-11-12 14:52:48','2018-11-12 13:52:48','<h2>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</h2>\r\nBeing a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!\r\n\r\nBenefit from VU, its community, and its services by becoming a member.','Become a member','','publish','closed','closed','','become-a-member','','','2019-07-02 11:56:36','2019-07-02 15:56:36','',4720,'http://vuphoto.org/members/devenir-membre/',0,'page','',0),(4735,4,'2019-06-21 11:55:14','2019-06-21 15:55:14','<h2><span style=\"color: #000000\">VU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre en produisant dans nos laboratoires et en assistant à nos activités. Être membre de VU, c’est offrir son soutien au développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. Le centre doit compter sur un appui tangible de sa communauté : il est donc important de vous savoir des nôtres.</span></h2>\n<span style=\"color: #808080\">En plus de bénéficier de l’accès à nos espaces de production en photographie argentique et numérique, les membres sont régulièrement informés des activités du centre. La cotisation annuelle est de 25,00$ CAD (taxes incluses) pour les membres.</span>','Become a member','','inherit','closed','closed','','4734-autosave-v1','','','2019-06-21 11:55:14','2019-06-21 15:55:14','',4734,'http://vuphoto.org/fr/articles/4734-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4736,4,'2019-06-21 11:56:31','2019-06-21 15:56:31','<h2><span style=\"color: #000000\">VU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre en produisant dans nos laboratoires et en assistant à nos activités. Être membre de VU, c’est offrir son soutien au développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. Le centre doit compter sur un appui tangible de sa communauté : il est donc important de vous savoir des nôtres.</span></h2>\r\n<span style=\"color: #808080\">En plus de bénéficier de l’accès à nos espaces de production en photographie argentique et numérique, les membres sont régulièrement informés des activités du centre. La cotisation annuelle est de 25,00$ CAD (taxes incluses) pour les membres.</span>','Become a member','','inherit','closed','closed','','4734-revision-v1','','','2019-06-21 11:56:31','2019-06-21 15:56:31','',4734,'http://vuphoto.org/fr/articles/4734-revision-v1/',0,'revision','',0),(4737,1,'2018-10-30 19:49:33','2018-10-30 18:49:33','VU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre en produisant dans nos laboratoires et en assistant à nos activités. Être membre de VU, c’est offrir son soutien au développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. Le centre doit compter sur un appui tangible de sa communauté : il est donc important de vous savoir des nôtres.\r\n\r\nEn plus de bénéficier de l’accès à nos espaces de production en photographie argentique et numérique, les membres sont régulièrement informé·e·s des activités du centre et bénéficient de certains rabais sur les publications. La cotisation annuelle est de 25,00$ CAD (taxes incluses).','Membre « Utilisateur·trice »','','publish','closed','closed','','membre-utilisateur','','','2024-06-12 16:44:12','2024-06-12 20:44:12','',0,'http://vuphoto.org/shop/uncategorized/membre-utilisateur/',0,'product','',0),(4738,4,'2019-06-21 12:06:28','2019-06-21 16:06:28','<h2><span style=\"color: #000000\">VU existe en grande partie grâce à nos membres qui font vivre le centre en produisant dans nos laboratoires et en assistant à nos activités. Être membre de VU, c’est offrir son soutien au développement de la photographie contemporaine et des arts visuels actuels. 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The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!</h2>\r\n<strong>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</strong>','Members','','inherit','closed','closed','','4720-revision-v1','','','2019-06-21 12:07:31','2019-06-21 16:07:31','',4720,'http://vuphoto.org/fr/articles/4720-revision-v1/',0,'revision','',0),(4740,4,'2019-06-28 10:43:18','2019-06-28 14:43:18','Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.\n\n&nbsp;\n\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\n\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\n\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\n\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\n\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\n\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.','Rituels —un texte de Bernard Lamarche','','inherit','closed','closed','','4540-autosave-v1','','','2019-06-28 10:43:18','2019-06-28 14:43:18','',4540,'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4741,4,'2019-06-28 13:43:31','2019-06-28 17:43:31','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire</em></a> réfléchie par Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx.\n</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><em>Je vous ai demandé de venir dîner dans cette île parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire. Mais j’ai peur qu’il ne fasse bien humide et que vous n’ayez froid. (…) Je vous permets, madame, de lutter encore un quart d’heure contre le froid, pour ne pas vous tourmenter, mais dans un quart d’heure, je vous ramènerai de force. Je ne veux pas vous faire prendre un rhume.</em></p>\n<p style=\"text-align: justify\">– Marcel Proust</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Je vous ai proposé de visiter cette exposition parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. L’été approchant, il me semblait qu’il fallait nous revoir, au moins une dernière fois, avant que la perspective de l’automne ne nous rattrape.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Depuis maintenant un an que je réfléchis à ce que c’est, d<i>’inventer le risque</i>. Plusieurs autres artistes et visiteurs sont passés par ici avant vous pour y réfléchir aussi. J’ai imaginé ces quatre-là dans une même exposition, non pas pour conclure le cycle en cours, mais pour continuer à investiguer cette grande idée. En faisant tenir ces propositions ensemble, j’ai cherché à mieux vous nourrir, mais aussi à vous déstabiliser un peu. Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. Il accueille des rencontres improbables, voire autodestructrices, et nos réconciliations aussi. C’est ce qui nous fait réfléchir, nous fait mieux nous connaître. Il fallait inventer ce risque.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire, car je crois que les œuvres en ont déjà beaucoup dit. Je vous rappellerai ici dans quelques mois, quand vous aurez des temps libres, avec sans doute beaucoup de photographies à vous montrer.</p>','Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire','','inherit','closed','closed','','1662-autosave-v1','','','2019-06-28 13:43:31','2019-06-28 17:43:31','',1662,'http://vuphoto.org/fr/articles/1662-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4742,4,'2019-06-27 10:37:57','2019-06-27 14:37:57','<span style=\"color: #000000\">VU offre à ses membres un espace de création et d’échange d’idées. Le centre accompagne les artistes de toutes les disciplines dans</span><span style=\"color: #000000\"> la création et la production de la photographie, et ce, dans toutes ses étapes (équipements de prise de vue, de numérisation, postes de travail et impression numérique).</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Pour joindre l’équipe de production :</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">418-640-2558 ou <a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a></span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Heures d’ouverture :</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">Lundi au vendredi, de 9 h à 17 h, et le mercredi jusqu’à 21 h</span>\r\n\r\n&nbsp;','Production','','inherit','closed','closed','','196-revision-v1','','','2019-06-27 10:37:57','2019-06-27 14:37:57','',196,'http://vuphoto.org/fr/articles/196-revision-v1/',0,'revision','',0),(4743,4,'2019-06-27 10:38:45','2019-06-27 14:38:45','<span style=\"color: #000000\">VU offers to its members a space for creation and exchange of ideas. </span><span style=\"color: #000000\">The centre accompanies artists of all disciplines in the creation and production of photography, at all steps (cameras, digitization, workstations and digital printing).</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Contact the production team:</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">418-640-2558 ou <a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\">production@vuphoto.org</a>.</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Opening hours:</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">Monday to Friday, 9am-5pm, and Wednesday until 9pm</span>','Production','','inherit','closed','closed','','4442-revision-v1','','','2019-06-27 10:38:45','2019-06-27 14:38:45','',4442,'http://vuphoto.org/fr/articles/4442-revision-v1/',0,'revision','',0),(4744,4,'2019-06-27 10:41:04','2019-06-27 14:41:04','<h2>Avec ses publications, VU désire affirmer sa vision du livre comme espace consacré à la photographie, ainsi qu\'aux histoires, problématiques et univers poétiques portés par les artistes.</h2>','Édition','','inherit','closed','closed','','198-revision-v1','','','2019-06-27 10:41:04','2019-06-27 14:41:04','',198,'http://vuphoto.org/fr/articles/198-revision-v1/',0,'revision','',0),(4746,4,'2019-06-27 11:03:37','2019-06-27 15:03:37','<h2 align=\"left\">VU est un centre d\'artistes autogéré dont la mission est de promouvoir et de soutenir la recherche et la création en travaillant avec les artistes en art actuel dans le domaine du photographique, tout en contribuant à faire rayonner leur travail et leur réflexion.</h2>\r\n<p align=\"left\">Depuis 1981, VU met de l\'avant la diversité des pratiques artistiques de la photographie, accompagne les artistes dans la production de leurs œuvres et leur offre des espaces libres de création. Le centre contribue aux réflexions actuelles autour de la photographie en encourageant l\'approfondissement de l\'expérience artistique, par un programme d\'activités variées.</p>\r\n<p align=\"left\">VU offre aux artistes et au public une programmation d\'expositions, complétée par des textes d\'auteurs, table-rondes, projections, projets hors les murs et activités dédiées au photographique. VU se consacre également au livre photographique comme espace de réflexion et de recherche pour les artistes, en produisant des livres et des activités autour de ce médium. Des services et espaces de production en photographie numérique et argentique sont offerts aux artistes et membres de VU. Des résidences d\'artistes permettent de favoriser le développement de pratiques qui participent aux enjeux actuels de la photographie.</p>\r\n\r\n<div class=\"intro\">\r\n\r\nVU est un organisme à but non lucratif formé et dirigé par un collectif d\'artistes. Son conseil d\'administration est composé d\'artistes et de professionnels des arts visuels. VU est un membre fondateur de la coopérative Méduse et membre du Regroupement des centres d\'artistes autogérés du Québec.\r\n\r\n</div>','À propos','','inherit','closed','closed','','177-revision-v1','','','2019-06-27 11:03:37','2019-06-27 15:03:37','',177,'http://vuphoto.org/fr/articles/177-revision-v1/',0,'revision','',0),(4747,1,'2017-08-30 14:51:46','2017-08-30 13:51:46','An artwork often happens by accident. Working with the spatialization of the image, Lucie Rocher transposes onto the exhibition an idea of the construction site or the studio, where the artwork is in a state of becoming or of transformation, without need of definition. The photograph is an artwork, but also the residue of another one, or the material for one. Because beyond the frame of the artwork, beyond the limits of the exhibition, the artwork has the possibility of continuing to exist, transforming, until it appears differently somewhere else, in another time, on the periphery of now. The labour of art is thus presented as a form of mise en abyme, where each artwork integrates the ones that preceded it, as well as finds itself somewhere in the ones to come.\r\n\r\nThis exhibition are part of the <em>Inventing Risk</em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Étant donnés','','publish','closed','closed','','etant-donnes','','','2019-06-27 11:41:27','2019-06-27 15:41:27','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/etant-donnes/',0,'museo_calendar_event','',0),(4748,4,'2019-06-27 11:10:44','2019-06-27 15:10:44','An artwork often happens by accident. Working with the spatialization of the image, Lucie Rocher transposes onto the exhibition an idea of the construction site or the studio, where the artwork is in a state of becoming or of transformation, without need of definition. The photograph is an artwork, but also the residue of another one, or the material for one. Because beyond the frame of the artwork, beyond the limits of the exhibition, the artwork has the possibility of continuing to exist, transforming, until it appears differently somewhere else, in another time, on the periphery of now. The labour of art is thus presented as a form of mise en abyme, where each artwork integrates the ones that preceded it, as well as finds itself somewhere in the ones to come.\n\nThis exhibition are part of the <em><a href=\"http://archives.vuphoto.org/en/exhibition/563/\">Inventing Risk</a></em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Étant donnés','','inherit','closed','closed','','1965-autosave-v1','','','2019-06-27 11:10:44','2019-06-27 15:10:44','',1965,'http://vuphoto.org/fr/articles/1965-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4751,1,'2017-09-29 16:28:37','2017-09-29 15:28:37','In popular culture, the figure of the artist seems doomed to be associated with the figure of the painter, with all the stereotypes that accompany it: the gaze and the gesture, the troubles and sorrows, the genius and his or her fate. Taking as his material the stills of biographical films about legendary painters (van Gogh, Pollock, Kahlo . . .), <strong>Simon M. Benedict</strong> composes a new story that scrutinizes the fragmented portrait that we make of the artist. Visual and auditory ellipses and loops force this typical artist to repeat the same actions and the same statements, despite having set out to make what has never been made before. Performing in front of spectators, the artistic hero more often than not a white male becomes in some way the equivalent of his or her work.\r\n\r\nThis exhibition are part of the Inventing Risk programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','painter project','','publish','closed','closed','','painter-project','','','2019-06-27 11:49:06','2019-06-27 15:49:06','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/painter-project/',0,'museo_calendar_event','',0),(4752,4,'2019-06-27 11:44:59','2019-06-27 15:44:59','In popular culture, the figure of the artist seems doomed to be associated with the figure of the painter, with all the stereotypes that accompany it: the gaze and the gesture, the troubles and sorrows, the genius and his or her fate. Taking as his material the stills of biographical films about legendary painters (van Gogh, Pollock, Kahlo . . .), <strong>Simon M. Benedict</strong> composes a new story that scrutinizes the fragmented portrait that we make of the artist. Visual and auditory ellipses and loops force this typical artist to repeat the same actions and the same statements, despite having set out to make what has never been made before. Performing in front of spectators, the artistic hero%u2014more often than not a white male%u2014becomes in some way the equivalent of his or her work.\n\nThis exhibition are part of the <a href=\"http://archives.vuphoto.org/en/exhibition/563/\">Inventing Risk</a>\n\nprogramming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','painter project','','inherit','closed','closed','','1972-autosave-v1','','','2019-06-27 11:44:59','2019-06-27 15:44:59','',1972,'http://vuphoto.org/fr/articles/1972-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4754,1,'2018-02-20 16:05:56','2018-02-20 15:05:56','<strong>Michelle Bui, </strong><strong>Anthony Burnham, </strong><strong>Louis-Philippe Côté, </strong><strong>Péio Eliceiry, </strong><strong>Pascal Gingras, </strong><strong>Wanda Koop, </strong><strong>Nicolas Lachance.</strong>\r\n\r\nPhotography is everywhere, and it dwells within us, even when we are not conscious of it. Sometimes associated with the past, sometimes referred to as an \"image\" an idea of photography often lingers in the work of artists who do not call themselves photographers. <em>APPAREILLAGE</em> brings together artists who integrate photographic thought into practices that are first and foremost painterly, sculptural, or installation-based. The exhibition looks at the legacy of concepts and mechanisms inherent to photography, and how the medium has participated in the construction of these works or in their reception. Sometimes nostalgic, sometimes critical, the works presented invoke the basic elements of photography, such as light and framing, or question the power of the photographic image through its modes of construction and its relations with other images. They offer an oblique perspective on the current state of the medium, bearing witness to its strong presence in contemporary art practices.\r\n\r\n<em>APPAREILLAGE</em> is part of the <em>Inventing Risk</em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.\r\n\r\nPascal Gingras\'s project was produced during a residency at VU in January 2018.','Appareillage','','publish','closed','closed','','appareillage','','','2019-06-27 12:00:38','2019-06-27 16:00:38','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/appareillage/',0,'museo_calendar_event','',0),(4755,4,'2019-06-27 12:00:12','2019-06-27 16:00:12','Photography is everywhere, and it dwells within us, even when we are not conscious of it. Sometimes associated with the past, sometimes referred to as an \"image\" an idea of photography often lingers in the work of artists who do not call themselves photographers. <em>APPAREILLAGE</em> brings together artists who integrate photographic thought into practices that are first and foremost painterly, sculptural, or installation-based. The exhibition looks at the legacy of concepts and mechanisms inherent to photography, and how the medium has participated in the construction of these works or in their reception. Sometimes nostalgic, sometimes critical, the works presented invoke the basic elements of photography, such as light and framing, or question the power of the photographic image through its modes of construction and its relations with other images. They offer an oblique perspective on the current state of the medium, bearing witness to its strong presence in contemporary art practices.\n\n<em>APPAREILLAGE</em> is part of the <em>Inventing Risk</em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.\n\nPascal Gingras\'s project was produced during a residency at VU in January 2018.\n\n&nbsp;\n\n<strong>Michelle Bui, </strong><strong>Anthony Burnham, </strong><strong>Louis-Philippe Côté, </strong><strong>Péio Eliceiry</strong>\n\n<strong>Pascal Gingras</strong>\n\n<strong>Wanda Koop</strong>\n\n<strong>Nicolas Lachance</strong>','Appareillage','','inherit','closed','closed','','4754-autosave-v1','','','2019-06-27 12:00:12','2019-06-27 16:00:12','',4754,'http://vuphoto.org/fr/articles/4754-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4756,4,'2019-06-27 12:01:23','2019-06-27 16:01:23','Présenté en collaboration avec le Mois Multi, <strong>Scott Massey</strong> exploite les matériaux et appareillages de la photographie pour créer un nouveau vocabulaire de l\'image.\n\n<em>Movement Without Moving</em> est un corpus d\'œuvres photographiques, vidéographiques et sculpturales qui explore les mouvements invisibles et l\'opposition entre le mobile et l\'immobile. Par le détournement de matériaux, d\'objets optiques et d\'appareils servant à la fabrication d\'images photographiques, Scott Massey conditionne une sorte de hasard poétique d\'où jaillissent des phénomènes inattendus, en écho à ceux observés dans la nature et l\'espace. Par des jeux mécaniques et d\'ingénieux procédés, il crée des images où le mouvement, souvent illusoire ou intangible, se matérialise. Évoquant la mouvance imperceptible du cosmos et la transformation des corps célestes, les œuvres choisies placent le visiteur face aux confins de l\'univers infini et lui insufflent, dans leur sillage, une impression de vertige devant tant d\'immensité.\n\nScott Massey tient à remercier le British Columbia Arts Council.\n\nL\'exposition fait partie de la programmation <em>Inventer le risque</em>, qui invite à reconsidérer nos façons de faire la création et de penser l\'image.\n\n<img style=\"border: 0px\" src=\"/public/2016-2017/Logo Mois Multi_petit.jpg\" alt=\"\" width=\"113\" height=\"113\" /> <img style=\"border: 0px\" src=\"/public/2017-2018/BCArtsCouncil.jpg\" alt=\"\" width=\"240\" height=\"75\" />','Movement without Moving','','inherit','closed','closed','','1963-autosave-v1','','','2019-06-27 12:01:23','2019-06-27 16:01:23','',1963,'http://vuphoto.org/fr/articles/1963-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4757,1,'2017-08-30 14:44:41','2017-08-30 13:44:41','Presented in collaboration with Mois Multi, <strong>Scott Massey</strong> exploits the materials and apparatus of photography to create a new image vocabulary.\r\n\r\n<em>Movement without Moving </em>is a group of photographs, video works, and sculptures exploring invisible movement and the opposition between the mobile and immobile. By finding new ways to use materials, optical instruments, and devices to create photographic images, Scott Massey creates a space for a kind of poetic contingency giving rise to unexpected phenomena that echo those observed in nature and in space. The artist uses mechanical games and ingenious processes to create images where mobility, often illusory or intangible, takes material form. Evoking the imperceptible movement of the cosmos and the transformation of celestial bodies, the selected works place visitors face-to-face with the infinite universe, triggering a sense of vertigo as they confront such immensity.\r\n\r\nScott Massey whishes to thank the British Columbia Arts Council.\r\n\r\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk</em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Movement without Moving','','publish','closed','closed','','movement-without-moving','','','2019-06-27 12:06:14','2019-06-27 16:06:14','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/movement-without-moving/',0,'museo_calendar_event','',0),(4758,4,'2019-06-27 12:05:32','2019-06-27 16:05:32','Presented in collaboration with Mois Multi, <strong>Scott Massey</strong> exploits the materials and apparatus of photography to create a new image vocabulary.\n\n<em>Movement without Moving </em>is a group of photographs, video works, and sculptures exploring invisible movement and the opposition between the mobile and immobile. By finding new ways to use materials, optical instruments, and devices to create photographic images, Scott Massey creates a space for a kind of poetic contingency giving rise to unexpected phenomena that echo those observed in nature and in space. The artist uses mechanical games and ingenious processes to create images where mobility, often illusory or intangible, takes material form. Evoking the imperceptible movement of the cosmos and the transformation of celestial bodies, the selected works place visitors face-to-face with the infinite universe, triggering a sense of vertigo as they confront such immensity.\n\nScott Massey whishes to thank the British Columbia Arts Council.\n\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk</em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Movement without Moving','','inherit','closed','closed','','4757-autosave-v1','','','2019-06-27 12:05:32','2019-06-27 16:05:32','',4757,'http://vuphoto.org/fr/articles/4757-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4759,1,'2017-08-30 14:47:37','2017-08-30 13:47:37','For <em>Assemblages</em>, two artists will share the exhibition space as a place for the creation of photobook maquettes, where different ways of writing with images and setting them in relation to one another will be experimented with over time. Photographs of different kinds accumulated over the years by Alexandre Berthier will meet the images of <em>L\'eau dans les pierres</em>, a project by Catherine Lebel Ouellet on the transformation of landscape. Around a table and on the walls, each artist\'s research will unfold and spread out until the two practices eventually join in collaboration. The exhibition will make visible the artists\' creative processes, while also occasioning reflection on what exchange between artists represents, and on the ways the photographs themselves speak to and contaminate one another, and how through these interactions each finally finds a voice of its own.\r\n\r\nThe idea for <em>Assemblages</em> came out of Alexandre Berthier\'s residency at VU in fall 2016.\r\n\r\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk</em> programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Assemblages','','publish','closed','closed','','assemblages','','','2019-06-27 12:08:37','2019-06-27 16:08:37','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/assemblages/',0,'museo_calendar_event','',0),(4760,1,'2017-08-30 13:37:48','2017-08-30 12:37:48','A 1970s Kodak technical manual relies on a photograph of a freshly cracked coconut, into which two straws have been inserted: the symbol of an imagined and exotic south, where North Americans project themselves lying under palm trees, taking it slow, doing nothing, or else sipping their cocktails directly from coconuts. Undertaking a satirical investigation of this colonialist image, Kotama Bouabane reverses the relationship between subject and object. Once the object of the gaze, the coconut comes out of the image and makes images of its own, becoming the apparatus of photography; photographed by the coconut we are no longer spectators, and it is the coconut\'s turn to look at us with amusement. Looking through its eyes, we are encouraged to parody our own gaze.\r\n\r\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk </em>programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.\r\n\r\nKotama wishes to thank the Banff Centre For Arts and Creativity, Katie Dutton, Algie, Leila Timmins, Brandon Davis, Luke Painter, Anthony Koutras, Michal Antkowiak, Yarek Waszul, Andreas Rutkauskas, Katrina Veljovic, Caroline Larsen, Norman Larsen, Ontario Arts Council and the Canada Council For the Arts.','We\'ll Get There Fast and Then We\'ll Take It Slow','','publish','closed','closed','','nous-y-arriverons-vite-et-ensuite-nous-prendrons-notre-temps','','','2019-06-27 12:12:08','2019-06-27 16:12:08','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/nous-y-arriverons-vite-et-ensuite-nous-prendrons-notre-temps/',0,'museo_calendar_event','',0),(4761,4,'2019-06-27 12:11:43','2019-06-27 16:11:43','A 1970s Kodak technical manual relies on a photograph of a freshly cracked coconut, into which two straws have been inserted: the symbol of an imagined and exotic south, where North Americans project themselves lying under palm trees, taking it slow, doing nothing, or else sipping their cocktails directly from coconuts. Undertaking a satirical investigation of this colonialist image, Kotama Bouabane reverses the relationship between subject and object. Once the object of the gaze, the coconut comes out of the image and makes images of its own, becoming the apparatus of photography; photographed by the coconut we are no longer spectators, and it is the coconut\'s turn to look at us with amusement. Looking through its eyes, we are encouraged to parody our own gaze.\n\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk </em>programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.\n\nKotama wishes to thank the Banff Centre For Arts and Creativity, Katie Dutton, Algie, Leila Timmins, Brandon Davis, Luke Painter, Anthony Koutras, Michal Antkowiak, Yarek Waszul, Andreas Rutkauskas, Katrina Veljovic, Caroline Larsen, Norman Larsen, Ontario Arts Council and the Canada Council For the Arts.','Nous y arriverons vite et ensuite nous prendrons notre temps','','inherit','closed','closed','','4760-autosave-v1','','','2019-06-27 12:11:43','2019-06-27 16:11:43','',4760,'http://vuphoto.org/fr/articles/4760-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4762,1,'2017-08-30 13:40:05','2017-08-30 12:40:05','Sculptures, branches, rocks, and sand accumulate in the space and extend the photographs of an artist\'s studio, and the gallery becomes a studio where Leisure puts the ideas of English sculptor Barbara Hepworth (1903-75) and her son the architect Simon Nicholson (1934-90) into practice. In a society that could not easily reconcile maternity and art, Hepworth was forced to reinvent her workplace and methods to make space for children and their interventions. Drawing on this idea of creative play and thought, Leisure presents creativity as an exploratory and collaborative process that children are invited to participate in. Turning the gallery into creative space proposes an experience that is less contemplative and which incites us to play an active role in the artwork.\r\n\r\nThis exhibition is part of the Inventing Risk programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Conversation with Magic Forms','','publish','closed','closed','','conversation-with-magic-forms','','','2019-06-27 12:14:32','2019-06-27 16:14:32','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/conversation-with-magic-forms/',0,'museo_calendar_event','',0),(4763,4,'2019-06-27 12:14:23','2019-06-27 16:14:23','Sculptures, branches, rocks, and sand accumulate in the space and extend the photographs of an artist\'s studio, and the gallery becomes a studio where Leisure puts the ideas of English sculptor Barbara Hepworth (1903-75) and her son the architect Simon Nicholson (1934-90) into practice. In a society that could not easily reconcile maternity and art, Hepworth was forced to reinvent her workplace and methods to make space for children and their interventions. Drawing on this idea of creative play and thought, Leisure presents creativity as an exploratory and collaborative process that children are invited to participate in. Turning the gallery into creative space proposes an experience that is less contemplative and which incites us to play an active role in the artwork.\n\nThis exhibition is part of the Inventing Risk programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Conversation with Magic Forms','','inherit','closed','closed','','4762-autosave-v1','','','2019-06-27 12:14:23','2019-06-27 16:14:23','',4762,'http://vuphoto.org/fr/articles/4762-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4764,1,'2017-08-30 11:59:04','2017-08-30 10:59:04','Confronting us with what remains of photography in agony, Joan Fontcuberta gives to see images that have suffered the effects of time. We could say that they were eaten away by time, but also that they have been devoured by living organisms%u2014snails and microscopic creatures. Photography gives us to believe that it is sick, dying, or already dead, in pieces, beyond recognition. But it also unabashedly offers images of its wounds, glorifying them as the work of time. Photography never really dies completely; it bears the traces of its whole life and makes space for new images.\r\n\r\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk </em>programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.\r\n\r\nJoan Fontcuberta would like to acknowledge Sylvie Bussières, Mar Sorribas, Erik Pachecho. The artist would also like to thank André Barrette, Denis Thibeault and Charles-Frédérick for the production of the prints.','Trauma','','publish','closed','closed','','trauma','','','2019-06-27 12:17:16','2019-06-27 16:17:16','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/trauma/',0,'museo_calendar_event','',0),(4765,4,'2019-06-27 12:17:10','2019-06-27 16:17:10','Confronting us with what remains of photography in agony, Joan Fontcuberta gives to see images that have suffered the effects of time. We could say that they were eaten away by time, but also that they have been devoured by living organisms%u2014snails and microscopic creatures. Photography gives us to believe that it is sick, dying, or already dead, in pieces, beyond recognition. But it also unabashedly offers images of its wounds, glorifying them as the work of time. Photography never really dies completely; it bears the traces of its whole life and makes space for new images.\n\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk </em>programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.\n\nJoan Fontcuberta would like to acknowledge Sylvie Bussières, Mar Sorribas, Erik Pachecho. 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Like an elusive state of mind, what we are given to see always escapes us a little.\r\n\r\nThis exhibition is part of the <em>Inventing Risk </em>programming, which invites us to reconsider the way we make art and the way we think the image.','Espaces périphériques','','publish','closed','closed','','espaces-peripheriques','','','2019-06-27 12:19:02','2019-06-27 16:19:02','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/espaces-peripheriques/',0,'museo_calendar_event','',0),(4769,20,'2019-06-27 13:40:59','2019-06-27 17:40:59','','Brouillon auto','','wcm-expired','open','closed','um_5d14ff6dd2cb7','brouillon-auto-4','','','2024-11-29 08:52:00','2024-11-29 13:52:00','',2125,'http://vuphoto.org/fr/?post_type=wc_user_membership&#038;p=4769',0,'wc_user_membership','',4),(4772,4,'2019-06-27 14:11:36','2019-06-27 18:11:36','­Aujourd’hui, nous parlons d’écrire un texte, celui-ci. Nous parlons de ce dont nous devons discuter cet après-midi. Nous parlons d’un titre, d’un chantier. Nous faisons un café et le ménage du bureau.\r\n\r\nIl y a les publications dont nous parlons souvent. Aussi de l’obsolescence des chambres noires, des mandats du centre, de la place que VU occupe au sein de la coopérative Méduse, du rôle des centres d’artistes dans la culture québécoise. Nous parlons d’autogestion, et encore d’autogestion. Nous reparlons des mêmes choses sans les redire. Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\r\n\r\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. Écrire un texte, monter une exposition, faire et refaire des images, les aimer encore. Avancer.\r\n\r\n<a href=\"http://vuphoto.org/workspace/uploads/2014/05/etang.jpg\"><img class=\"aligncenter\" src=\"http://vuphoto.org/workspace/uploads/2014/05/etang-300x242.jpg\" alt=\"etang\" width=\"300\" height=\"242\" /></a>\r\n<p style=\"text-align: right\"><span style=\"color: #888888\">Photo : Alexis Desgagnés</span></p>','Le cours de nos conversations','','inherit','closed','closed','','517-revision-v1','','','2019-06-27 14:11:36','2019-06-27 18:11:36','',517,'http://vuphoto.org/fr/articles/517-revision-v1/',0,'revision','',0),(4773,4,'2019-06-27 14:15:13','2019-06-27 18:15:13','­Aujourd’hui, nous parlons d’écrire un texte, celui-ci. Nous parlons de ce dont nous devons discuter cet après-midi. Nous parlons d’un titre, d’un chantier. Nous faisons un café et le ménage du bureau.\r\n\r\nIl y a les publications dont nous parlons souvent. 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Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\n\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\n\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\n\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\n\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. Écrire un texte, monter une exposition, faire et refaire des images, les aimer encore. Avancer.\n\n&nbsp;\n<pre style=\"text-align: right\"><span style=\"color: #888888\">Photo : Alexis Desgagnés</span></pre>','Le cours de nos conversations   —Alexis Desgagnés et Anne-Marie Proulx','','inherit','closed','closed','','517-autosave-v1','','','2019-06-27 14:51:25','2019-06-27 18:51:25','',517,'http://vuphoto.org/fr/articles/517-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4775,4,'2019-06-27 14:17:59','2019-06-27 18:17:59','­Aujourd’hui, nous parlons d’écrire un texte, celui-ci. Nous parlons de ce dont nous devons discuter cet après-midi. Nous parlons d’un titre, d’un chantier. Nous faisons un café et le ménage du bureau.\r\n\r\nIl y a les publications dont nous parlons souvent. Aussi de l’obsolescence des chambres noires, des mandats du centre, de la place que VU occupe au sein de la coopérative Méduse, du rôle des centres d’artistes dans la culture québécoise. Nous parlons d’autogestion, et encore d’autogestion. Nous reparlons des mêmes choses sans les redire. Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\r\n\r\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. Écrire un texte, monter une exposition, faire et refaire des images, les aimer encore. Avancer.\r\n<pre style=\"text-align: right\"><span style=\"color: #888888\">Photo : Alexis Desgagnés</span></pre>','Le cours de nos conversations','','inherit','closed','closed','','517-revision-v1','','','2019-06-27 14:17:59','2019-06-27 18:17:59','',517,'http://vuphoto.org/fr/articles/517-revision-v1/',0,'revision','',0),(4776,4,'2019-06-27 14:18:28','2019-06-27 18:18:28','­Aujourd’hui, nous parlons d’écrire un texte, celui-ci. Nous parlons de ce dont nous devons discuter cet après-midi. Nous parlons d’un titre, d’un chantier. Nous faisons un café et le ménage du bureau.\r\n\r\nIl y a les publications dont nous parlons souvent. Aussi de l’obsolescence des chambres noires, des mandats du centre, de la place que VU occupe au sein de la coopérative Méduse, du rôle des centres d’artistes dans la culture québécoise. Nous parlons d’autogestion, et encore d’autogestion. Nous reparlons des mêmes choses sans les redire. Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\r\n\r\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. Écrire un texte, monter une exposition, faire et refaire des images, les aimer encore. 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Nous parlons de ce dont nous devons discuter cet après-midi. Nous parlons d’un titre, d’un chantier. Nous faisons un café et le ménage du bureau.\r\n\r\nIl y a les publications dont nous parlons souvent. Aussi de l’obsolescence des chambres noires, des mandats du centre, de la place que VU occupe au sein de la coopérative Méduse, du rôle des centres d’artistes dans la culture québécoise. Nous parlons d’autogestion, et encore d’autogestion. Nous reparlons des mêmes choses sans les redire. Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\r\n\r\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. 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Nous parlons d’autogestion, et encore d’autogestion. Nous reparlons des mêmes choses sans les redire. Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. La mort n’existe que pour ce qui a renoncé au tangage incessant de l’immédiateté du vivre et de l’arrivée prochaine du devenir.\r\n\r\nLes arrivées sont riches de toutes les paroles soulevées par les départs. Leurs poussières retombées, il faut remettre un peu d’ordre, réorganiser quelques mots, quelques phrases, voire quelques silences. Puis nous rassembler, mettre tout en commun, remettre tout en question. Foutre le désordre. Écrire un texte, monter une exposition, faire et refaire des images, les aimer encore. 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Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. 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Et ces choses dont nous parlons font que nous sommes ici et pas ailleurs.\r\n\r\nNous parlons surtout avec des gens. Ils sont nombreux, qui passent nous voir comme nous allons vers eux. Certains n’ont nul besoin d’être là. Leurs paroles, d’autres la transmettent ; leur voix persiste à résonner. Nous parlons avec eux comme parler c’est faire.\r\n\r\nLes mots peuvent être trop faibles ou trop forts, manquer de justesse ou d’intensité. Ils peuvent être mal compris, ou alors être de trop, quand le diable parfois nous emporte. Alors par mégarde, nous n’écoutons plus. Le temps de remonter le cours de nos conversations en cascades, de réfléchir à ce qui a été dit. Alors les cascades s’arrêtent. Les conversations se poursuivront plus tard, plus longtemps que nous.\r\n\r\nDemain, ceux qui seront partis continueront de parler de ce qui se parle ici. À travers ceux qui restent, ils parleront d’idées qui prendront d’autres formes, pour ne jamais mourir. 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C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.','Rituels —un texte de Bernard Lamarche','','inherit','closed','closed','','4540-revision-v1','','','2019-06-28 10:45:08','2019-06-28 14:45:08','',4540,'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/',0,'revision','',0),(4788,4,'2019-06-28 10:47:24','2019-06-28 14:47:24','Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. 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Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.','Rituels —un texte de Bernard Lamarche','','inherit','closed','closed','','4540-revision-v1','','','2019-06-28 10:47:24','2019-06-28 14:47:24','',4540,'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/',0,'revision','',0),(4789,4,'2019-06-28 10:48:15','2019-06-28 14:48:15','Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.','Rituels —un texte de Bernard Lamarche','','inherit','closed','closed','','4540-revision-v1','','','2019-06-28 10:48:15','2019-06-28 14:48:15','',4540,'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/',0,'revision','',0),(4790,4,'2019-06-28 10:49:01','2019-06-28 14:49:01','Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. 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C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. 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C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. 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Prendre son temps pour observer, pour traîner. Pendant cinq ans, l’artiste japonais Chikara Umihara a parcouru les États-Unis en autocar Greyhound sans aucune destination précise en tête. Voyageant à travers les villes et les campagnes, l’artiste a limité les images du livre aux espaces confinés de l’autocar et des gares où il s’est arrêté. Whispering Hope est un carnet de voyage sans point de départ ni d’arrivée.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la deuxième section de l’exposition, l’idée de Temps libres est explorée dans le sens du hobby, du loisir et de l’évasion. Melissa Catanese s’amuse à créer des narrations à partir des photographies vernaculaires de la collection de Peter J. Cohen. Dans Voyagers, elle a rassemblé des images d’individus qui semblent captivés par leurs lectures. Ces photos sont ponctuées d’autres visions: des paysages, un ciel étoilé, des pyramides ou un rayon de soleil entrant par la fenêtre, ce qui nous permet d’imaginer les mondes visités par les sujets pendant leurs flâneries.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Pour la troisième section de l’exposition, le Photobook Club – Montréal s’est arrêté un peu plus sur le concept de liberté. Une expression de liberté, la liberté d’expression, d’expérimentation. Prendre le temps d’élargir ses horizons. Dans la tradition du road trip photographique, le duo d’artistes Nico Krebs et Taiyo Onorato met le cap sur Oulan-Bator, capitale de la Mongolie où iI s’attend à rencontrer le mystique et le surréel, à affronter l’inconnu. Les images de Continental Drift repoussent les limites du documentaire et offrent une nouvelle lecture du territoire en nous proposant des paysages parfois réels mais surprenants, d’autres fois créés de toutes pièces.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Prendre du temps pour explorer et expérimenter, c’est ce que la résidence de création Assemblages permet. Pour cette deuxième édition, ce sont Valérian Mazataud et Maxime Rheault qui, en travaillant sur leurs maquettes respectives de livres photo en galerie, entameront un dialogue dans l’espace américain. Cet échange se poursuivra avec les visiteurs et les différents intervenants qui passeront par VU entre le 12 et le 27 janvier.</span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Entre 2015 et 2016, Mazataud s’est rendu au Honduras pour investiguer une croyance de la communauté des Miskitos qui veut que leurs pêcheurs soient victimes d’une malédiction pour avoir pilé le fond des eaux. Lors de cette résidence en galerie, il cherchera à brouiller les repères du photojournalisme en infusant une nouvelle ouverture dans la narration de son projet de livre Liwa Marin, qui est à paraître dans l’année à venir. </span></p>\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Rheault travaillera sur la mise en forme d’un possible livre photo à venir, à partir d’un corpus d’images réalisées lors de deux voyages à Tokyo en 2008 puis en 2018. Il souhaite jouer avec les codes identitaires se manifestant dans sa série photographique en manipulant la séquence et le rythme des images, ainsi qu’en considérant la matérialité du livre en tant qu’objet. Son expérience comme designer graphique (Criterium design) l’a amené à collaborer à plusieurs projets d’édition, ce qui rendra les échanges en galerie des plus enrichissants.</span></p>\n<p class=\"p2\"></p>','Temps libres : Photobooks —un texte de Josée Schryer','','inherit','closed','closed','','2601-autosave-v1','','','2019-06-28 10:52:10','2019-06-28 14:52:10','',2601,'http://vuphoto.org/fr/articles/2601-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4794,4,'2019-06-28 10:54:20','2019-06-28 14:54:20','<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/temps-libres-photobooks/\">Temps libres : Photobooks</a><em> de Thomas Bouquin, Jean-François Hamelin et Josée Schryer du Photobook Club - Montréal et <a title=\"MARGES\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/assemblages-2/\">Assemblages</a> de Maxime Rheault et Valerian Mazataud.</em></span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">En prenant comme point de départ la réflexion de VU pour cette année de programmation, le Photobook Club – Montréal vous propose de feuilleter une sélection de « photobooks » récents qui ont attiré notre attention en reflétant différentes manières d’interpréter l’expression Temps libres. </span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la première section de l’exposition, vous découvrirez des projets qui portent une réflexion sur l’errance, l’exploration du territoire et l’idée du « wanderlust ». Prendre son temps pour observer, pour traîner. Pendant cinq ans, l’artiste japonais Chikara Umihara a parcouru les États-Unis en autocar Greyhound sans aucune destination précise en tête. Voyageant à travers les villes et les campagnes, l’artiste a limité les images du livre aux espaces confinés de l’autocar et des gares où il s’est arrêté. Whispering Hope est un carnet de voyage sans point de départ ni d’arrivée.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la deuxième section de l’exposition, l’idée de Temps libres est explorée dans le sens du hobby, du loisir et de l’évasion. Melissa Catanese s’amuse à créer des narrations à partir des photographies vernaculaires de la collection de Peter J. Cohen. Dans Voyagers, elle a rassemblé des images d’individus qui semblent captivés par leurs lectures. Ces photos sont ponctuées d’autres visions: des paysages, un ciel étoilé, des pyramides ou un rayon de soleil entrant par la fenêtre, ce qui nous permet d’imaginer les mondes visités par les sujets pendant leurs flâneries.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Pour la troisième section de l’exposition, le Photobook Club – Montréal s’est arrêté un peu plus sur le concept de liberté. Une expression de liberté, la liberté d’expression, d’expérimentation. Prendre le temps d’élargir ses horizons. Dans la tradition du road trip photographique, le duo d’artistes Nico Krebs et Taiyo Onorato met le cap sur Oulan-Bator, capitale de la Mongolie où iI s’attend à rencontrer le mystique et le surréel, à affronter l’inconnu. Les images de Continental Drift repoussent les limites du documentaire et offrent une nouvelle lecture du territoire en nous proposant des paysages parfois réels mais surprenants, d’autres fois créés de toutes pièces.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Prendre du temps pour explorer et expérimenter, c’est ce que la résidence de création Assemblages permet. Pour cette deuxième édition, ce sont Valérian Mazataud et Maxime Rheault qui, en travaillant sur leurs maquettes respectives de livres photo en galerie, entameront un dialogue dans l’espace américain. Cet échange se poursuivra avec les visiteurs et les différents intervenants qui passeront par VU entre le 12 et le 27 janvier.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Entre 2015 et 2016, Mazataud s’est rendu au Honduras pour investiguer une croyance de la communauté des Miskitos qui veut que leurs pêcheurs soient victimes d’une malédiction pour avoir pilé le fond des eaux. Lors de cette résidence en galerie, il cherchera à brouiller les repères du photojournalisme en infusant une nouvelle ouverture dans la narration de son projet de livre Liwa Marin, qui est à paraître dans l’année à venir. </span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Rheault travaillera sur la mise en forme d’un possible livre photo à venir, à partir d’un corpus d’images réalisées lors de deux voyages à Tokyo en 2008 puis en 2018. Il souhaite jouer avec les codes identitaires se manifestant dans sa série photographique en manipulant la séquence et le rythme des images, ainsi qu’en considérant la matérialité du livre en tant qu’objet. Son expérience comme designer graphique (Criterium design) l’a amené à collaborer à plusieurs projets d’édition, ce qui rendra les échanges en galerie des plus enrichissants.</span></p>\r\n<p class=\"p2\"></p>','Temps libres : Photobooks —un texte de Josée Schryer','','inherit','closed','closed','','2601-revision-v1','','','2019-06-28 10:54:20','2019-06-28 14:54:20','',2601,'http://vuphoto.org/fr/articles/2601-revision-v1/',0,'revision','',0),(4795,4,'2019-06-28 10:55:12','2019-06-28 14:55:12','<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/temps-libres-photobooks/\">Temps libres : Photobooks</a><em> de Thomas Bouquin, Jean-François Hamelin et Josée Schryer du Photobook Club - Montréal et <a title=\"MARGES\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/assemblages-2/\">Assemblages</a> de Maxime Rheault et Valerian Mazataud.</em></span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">En prenant comme point de départ la réflexion de VU pour cette année de programmation, le Photobook Club – Montréal vous propose de feuilleter une sélection de « photobooks » récents qui ont attiré notre attention en reflétant différentes manières d’interpréter l’expression Temps libres. </span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la première section de l’exposition, vous découvrirez des projets qui portent une réflexion sur l’errance, l’exploration du territoire et l’idée du « wanderlust ». Prendre son temps pour observer, pour traîner. Pendant cinq ans, l’artiste japonais Chikara Umihara a parcouru les États-Unis en autocar Greyhound sans aucune destination précise en tête. Voyageant à travers les villes et les campagnes, l’artiste a limité les images du livre aux espaces confinés de l’autocar et des gares où il s’est arrêté. Whispering Hope est un carnet de voyage sans point de départ ni d’arrivée.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Dans la deuxième section de l’exposition, l’idée de Temps libres est explorée dans le sens du hobby, du loisir et de l’évasion. Melissa Catanese s’amuse à créer des narrations à partir des photographies vernaculaires de la collection de Peter J. Cohen. Dans Voyagers, elle a rassemblé des images d’individus qui semblent captivés par leurs lectures. Ces photos sont ponctuées d’autres visions: des paysages, un ciel étoilé, des pyramides ou un rayon de soleil entrant par la fenêtre, ce qui nous permet d’imaginer les mondes visités par les sujets pendant leurs flâneries.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Pour la troisième section de l’exposition, le Photobook Club – Montréal s’est arrêté un peu plus sur le concept de liberté. Une expression de liberté, la liberté d’expression, d’expérimentation. Prendre le temps d’élargir ses horizons. Dans la tradition du road trip photographique, le duo d’artistes Nico Krebs et Taiyo Onorato met le cap sur Oulan-Bator, capitale de la Mongolie où iI s’attend à rencontrer le mystique et le surréel, à affronter l’inconnu. Les images de Continental Drift repoussent les limites du documentaire et offrent une nouvelle lecture du territoire en nous proposant des paysages parfois réels mais surprenants, d’autres fois créés de toutes pièces.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Prendre du temps pour explorer et expérimenter, c’est ce que la résidence de création Assemblages permet. Pour cette deuxième édition, ce sont Valérian Mazataud et Maxime Rheault qui, en travaillant sur leurs maquettes respectives de livres photo en galerie, entameront un dialogue dans l’espace américain. Cet échange se poursuivra avec les visiteurs et les différents intervenants qui passeront par VU entre le 12 et le 27 janvier.</span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Entre 2015 et 2016, Mazataud s’est rendu au Honduras pour investiguer une croyance de la communauté des Miskitos qui veut que leurs pêcheurs soient victimes d’une malédiction pour avoir pilé le fond des eaux. Lors de cette résidence en galerie, il cherchera à brouiller les repères du photojournalisme en infusant une nouvelle ouverture dans la narration de son projet de livre Liwa Marin, qui est à paraître dans l’année à venir. </span></p>\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">Rheault travaillera sur la mise en forme d’un possible livre photo à venir, à partir d’un corpus d’images réalisées lors de deux voyages à Tokyo en 2008 puis en 2018. Il souhaite jouer avec les codes identitaires se manifestant dans sa série photographique en manipulant la séquence et le rythme des images, ainsi qu’en considérant la matérialité du livre en tant qu’objet. Son expérience comme designer graphique (Criterium design) l’a amené à collaborer à plusieurs projets d’édition, ce qui rendra les échanges en galerie des plus enrichissants.</span></p>\r\n<p class=\"p2\"></p>','Temps libres : Photobooks —un texte de Josée Schryer','','inherit','closed','closed','','2601-revision-v1','','','2019-06-28 10:55:12','2019-06-28 14:55:12','',2601,'http://vuphoto.org/fr/articles/2601-revision-v1/',0,'revision','',0),(4796,4,'2019-06-28 10:59:00','2019-06-28 14:59:00','En remontant la trajectoire parcourue par ses ancêtres, Thomas Bouquin retrace le fil des événements depuis la fin du XIX<sup>e </sup>siècle à aujourd’hui qui ont donné lieu à des vagues d’immigration successives en provenance de la vallée d’Ercé en France vers New York. Un récit photographique singulier au sein duquel la mémoire s’incarne à travers des objets et des personnages du présent, provoquant un aplanissement de temps et de lieux où s’activent les métaphores.\r\n\r\nEnracinement, dualité, labilité tissent la toile de fond du <em>Roc d’Ercé</em>, avec comme préambule les montreurs d’ours, premiers migrants qui ont mis le pied en Amérique à la recherche d’une vie meilleure. Par d’habiles changements d’échelle et d’inversions spatio-temporelles, Thomas Bouquin reconstitue un ensemble d’objets associés à ces amuseurs publics et donne des visages aux descendants d’exilés ercéens, qu’ils soient membres de sa famille ou autres héritiers repérés lors de son périple en forme de pèlerinage. Sont également mises en parallèle des images des chaînes de montagnes pyrénéennes et du paisible village d’Ercé, avec celles des gratte-ciel de Manhattan et d’un Central Park surpeuplé.\r\n\r\nBien que ces chassés-croisés soient l’expression d’une double appartenance, voire d’inclinaisons et de flottements identitaires, Thomas Bouquin fixe paradoxalement son récit autour d’un rocher situé au cœur de Central Park. Point de rencontre, d’échanges et d’entraide, le roc fait dès lors figure de pierre angulaire chez ces migrants mi-ercéens mi-américains en quête d’assises. En retournant sur les pas de son arrière-arrière-grand-mère, le photographe cherche à donner un nouveau corps à l’histoire. Toutes empreintes saisies deviennent ainsi des pièces à conviction pour la construction d’un récit personnel et collectif à réinventer. C’est qu’entre la double posture des exilés, s’insère ici un vaste espace, permettant à l’imaginaire, comme à l’autofiction, de se déployer.','Le Roc d\'Ercé —un texte de Mona Hakim','','inherit','closed','closed','','2170-revision-v1','','','2019-06-28 10:59:00','2019-06-28 14:59:00','',2170,'http://vuphoto.org/fr/articles/2170-revision-v1/',0,'revision','',0),(4797,4,'2019-11-08 10:45:44','2019-11-08 15:45:44','<span style=\"color: #000000\"><strong>Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/ondes-lumineuses-echange-quebec-glasgow/\">Ondes lumineuses</a>,  </strong></span><em>fruit d’un échange avec Street Level Photoworks à Glasgow.</em>\n\n&nbsp;\n\n<strong>Avant-propos</strong>\n\nPuisqu’il est question d’une résidence, effaçons-en les murs. À cheval et à la verticale sur les territoires québécois et écossais, ils se feront alors ponts et ancrages, promesses de voyage pour s’arrimer dans l’autre image.\n\nLes gestes et regards résidents de Bertrand Carrière, Mat Hay, Melanie Letoré et Josée Pedneault ne seront pas ici retracés : pour ne jamais limiter la résidence à ses quatre murs ; pour ne rien refermer sur la création ; pour ne pas pointer uniquement l’apparition ; pour que chaque image ouvre alors un lieu, un temps d’une chambre nouvelle, où nous pourrons résider à notre tour, invités à traverser des brumes et à voyager autour de leurs chambres.\n\n<strong>Jour moins un</strong>\n\n<em>Having two homes / Avoir deux “chez-soi”<sup><strong>[1]</strong></sup></em>\n\nIl avait peur de voyager au-dessus de l’océan, ne l’avait dit à personne. Il ne savait pas quoi mettre dans sa valise, il voulait que l’avion soit léger, qu’il puisse s’envoler sans risque de s’écraser. Il voulait que son œil et ses gestes ne soient teintés d’aucune habitude ni d’aucun objet rattaché à son bord du monde. Il s’était dit qu’il achèterait plutôt une brosse à dents de l’autre côté de l’océan. Il se retrouverait devant un miroir, de cet autre côté d’un autre matin qui changerait son regard. Il se disait qu’il regarderait tout différemment, même son visage et la pâte à dents.\n\n<strong>Jour zéro</strong>\n\nIl avait tout de même pris quelques vêtements, une veste de pluie, puis s’était enfui. De son miroir et de son appartement, de sa chambre, de la chambre noire et du vent qui avait fait claquer la porte derrière lui, brusquement.\n\n<strong>Jour un</strong>\n\n<em>The first image to share is simply the view [...] </em><em style=\"font-size: 2.3rem\">taken on the first morning of the residency<sup><strong>[2]</strong></sup>.</em>\n\nIl était tombé dans la brume du matin. Elle goûtait un peu l’air marin, après l’air conditionné de l’allée de l’avion. « De l’air conditionnel », avait-il pensé, en ouvrant sa bouche et ses narines un peu plus grandes. Il en avait aspiré une gorgée, en un souffle reconditionné.\n\n« J’aimerais capturer ce souffle. » Il savait qu’il ne rentrerait pas dans l’objectif et s’était alors promis de photographier la brume tous les jours, de faire entrer l’air contre la lentille, d’inviter l’un et l’autre à se rencontrer comme des étrangers matinaux qui s’éveillent en évoquant leur nom pour la première fois. Un peu après, la brume s’était effilée et la ligne des bâtiments autour avait commencé à se déplacer à la verticale par à-coups, au rythme des rails.\n\nIl était entré dans sa chambre et avait regardé la table vide au bord du mur. Une promesse d’images où se dessinaient mentalement les rectangles des photographies qui y siégeraient, s’y découperaient en pochoirs de temps, prisons d’instants naviguant sans cadran. Le décalage avait eu raison de ses repères horaires.\n\n<strong>Jour trois</strong>\n\n<em>This morning, for a few minutes, </em>\n\n<em>I couldn’t see the mountains North-East of Quebec from my window<sup><strong>[3]</strong></sup>.</em>\n\nLa brume venait le visiter chaque matin. Il lui avait offert un coin de fenêtre et une bâche de fortune pour leur rendez-vous quotidien. Il installait son objectif contre elle, à la fois exigeant et timide, effacé et conciliant. Il avait trouvé la routine qui le déroutait, le repère à visiter pour ne jamais la regarder à l’identique. Il pensait parfois à la lumière de l’autre côté de l’Atlantique et à ce qu’il avait appris : les réglages, l’œil solide, les pas dans l’atelier, la crainte du développement. Son œil ici fuyait, vagabond de brumes qui mangeait tout, un témoin constamment hors champ et surexposé à ce qu’il voyait. Il écoutait sans pouvoir détacher tous les mots, détourer tous les lieux, tracer toutes les rues, pointer tous les horizons. La tête lui tournait parfois.\n\n<strong>Jour sept</strong>\n\n<em>Habituellement, je ne sens pas la responsabilité d’être vraie par rapport à l’image, </em><em>sa date, son lieu, son contexte ou même ses couleurs naturelles<sup><strong>[4]</strong></sup>.</em>\n\nAujourd’hui, le ciel ne s’était pas levé. Ce dernier était écrasé à terre et il devait regarder ses pieds attentivement à chacun de ses pas pour ne pas le briser. Il sentait sa caméra comme un corps étranger dans un pays greffé.\n\n<strong>Jour dix</strong>\n\n<em>Il me faut éliminer tout exotisme et ne garder que des images qui soient énigmatiques. </em><em>Puis, ramener le projet le plus proche possible de moi-même<sup><strong>[5]</strong></sup>.</em>\n\nLa table est habitée, les rectangles d’images assemblées sur son horizontal s’enfilent en collier de perles, en tas, en monticules des temps et lieux passants qui dépassent les murs. Il clôt du regard ses quatre coins, puis dévie vers celui de la fenêtre. Il devine la brume de l’autre côté, qui réside dans la nuit. Il enclôt les coins de la table, enserre chacune des images dans son œil. Il pense à son premier souffle de brume et à la mécanique des jours. La table l’observe, l’étau de mémoire est photographique, pour tracer les frontières sur une carte sans nom d’un pays dénommé dont les noms de rues lui accrochent encore la langue.\n\n<strong>Jour quinze</strong>\n\nIl a emprisonné les images pour remonter à bord. En bordure et hors champ réside encore le temps : temps de l’autre, antihoraire et à rebours qui défile dans la brume, de l’autre côté du monde. Chaque jour, il l’avait suivi dans la rue comme on suit la silhouette d’un inconnu, puis l’avait retrouvé au petit matin comme un complice dont on prononce le nom en chuchotant.\n\nClaire Moeder, août 2018\n\n&nbsp;\n<h6><sup>[1]</sup> Melanie Letoré, “Week 2 – back in Geneva”, dans <em>Photodialogues</em>, 29 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva\">http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva</a>.</h6>\n<h6><sup>[2]</sup> Mat Hay, “Bonjour Quebec!”, dans <em>Photodialogues</em>, 6 avril 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/bonjour-quebec\">http://photodialogues.net/bonjour-quebec</a>.</h6>\n<h6><sup>[3]</sup> Melanie Letoré, “Quebec Day 24”, dans <em>Photodialogues</em>, 23 octobre 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/quebec-day-22\">http://photodialogues.net/quebec-day-22</a>.</h6>\n<h6><sup>[4]</sup> Josée Pedneault, “Day 10 – Photo vérité”, dans <em>Photodialogues</em>, 22 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/day-10-photo-verite\">http://photodialogues.net/day-10-photo-verite</a>.</h6>\n<h6><sup>[5]</sup> Bertrand Carrière, “Et à la fin…”, dans <em>Photodialogues</em>, 30 juin 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/et-a-la-fin\">http://photodialogues.net/et-a-la-fin</a>.</h6>\n<h6></h6>','Le berceau de brume : faire voyage là où l’image disparaît —un texte de Claire Moeder','','inherit','closed','closed','','2132-autosave-v1','','','2019-11-08 10:45:44','2019-11-08 15:45:44','',2132,'http://vuphoto.org/fr/articles/2132-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4798,4,'2019-06-28 11:06:45','2019-06-28 15:06:45','<strong>Avant-propos</strong>\r\n\r\nPuisqu’il est question d’une résidence, effaçons-en les murs. 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Il sentait sa caméra comme un corps étranger dans un pays greffé.\r\n\r\n<strong>Jour dix</strong>\r\n\r\n<em>Il me faut éliminer tout exotisme et ne garder que des images qui soient énigmatiques. </em><em>Puis, ramener le projet le plus proche possible de moi-même<a href=\"#_ftn5\" name=\"_ftnref5\"><sup><strong>[5]</strong></sup></a>.</em>\r\n\r\nLa table est habitée, les rectangles d’images assemblées sur son horizontal s’enfilent en collier de perles, en tas, en monticules des temps et lieux passants qui dépassent les murs. Il clôt du regard ses quatre coins, puis dévie vers celui de la fenêtre. Il devine la brume de l’autre côté, qui réside dans la nuit. Il enclôt les coins de la table, enserre chacune des images dans son œil. Il pense à son premier souffle de brume et à la mécanique des jours. La table l’observe, l’étau de mémoire est photographique, pour tracer les frontières sur une carte sans nom d’un pays dénommé dont les noms de rues lui accrochent encore la langue.\r\n\r\n<strong>Jour quinze</strong>\r\n\r\nIl a emprisonné les images pour remonter à bord. En bordure et hors champ réside encore le temps : temps de l’autre, antihoraire et à rebours qui défile dans la brume, de l’autre côté du monde. Chaque jour, il l’avait suivi dans la rue comme on suit la silhouette d’un inconnu, puis l’avait retrouvé au petit matin comme un complice dont on prononce le nom en chuchotant.\r\n\r\nClaire Moeder, août 2018\r\n\r\n&nbsp;\r\n<h6><a href=\"#_ftnref1\" name=\"_ftn1\"><sup>[1]</sup></a> Melanie Letoré, “Week 2 – back in Geneva”, dans <em>Photodialogues</em>, 29 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva\">http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref2\" name=\"_ftn2\"><sup>[2]</sup></a> Mat Hay, “Bonjour Quebec!”, dans <em>Photodialogues</em>, 6 avril 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/bonjour-quebec\">http://photodialogues.net/bonjour-quebec</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref3\" name=\"_ftn3\"><sup>[3]</sup></a> Melanie Letoré, “Quebec Day 24”, dans <em>Photodialogues</em>, 23 octobre 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/quebec-day-22\">http://photodialogues.net/quebec-day-22</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref4\" name=\"_ftn4\"><sup>[4]</sup></a> Josée Pedneault, “Day 10 – Photo vérité”, dans <em>Photodialogues</em>, 22 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/day-10-photo-verite\">http://photodialogues.net/day-10-photo-verite</a>.</h6>\r\n<h6><a href=\"#_ftnref5\" name=\"_ftn5\"><sup>[5]</sup></a> Bertrand Carrière, “Et à la fin…”, dans <em>Photodialogues</em>, 30 juin 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/et-a-la-fin\">http://photodialogues.net/et-a-la-fin</a>.</h6>\r\n<h6></h6>','Le berceau de brume : faire voyage là où l’image disparaît —un texte de Claire Moeder','','inherit','closed','closed','','2132-revision-v1','','','2019-06-28 11:07:16','2019-06-28 15:07:16','',2132,'http://vuphoto.org/fr/articles/2132-revision-v1/',0,'revision','',0),(4800,4,'2019-06-28 13:35:43','2019-06-28 17:35:43','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les attentes</em></a> d\'Evelyne Leblanc-Roberge et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</em></a> d\'Elsa Stubbé.\n</span></p>\nEvelyne Leblanc-Roberge et Elsa Stubbé investissent les galeries de VU avec leurs projets respectifs, <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i>. Bien qu’issus de quêtes exploratoires distinctes et articulées selon des protocoles méthodologiques divergents, ces corpus photographiques se rejoignent à plusieurs égards. Leurs résonances mutuelles contribuent à faire émerger des bribes de sens qui sauront ouvrir le bal de la nouvelle programmation chez VU, axée cette année autour de la notion de liberté en création.\n\nLes deux artistes proposent des transpositions dans l’espace de séries photographiques initialement diffusées sous la forme de livres. Tirant parti des possibilités offertes par les paramètres de la galerie d’exposition, elles reconfigurent la logique narrative de leurs corpus en les redéployant dans l’espace selon différents jeux d’échelle et dispositifs de présentation. Ces propositions nous permettent de parcourir autrement leurs univers photographiques, et d’en faire l’expérience sous un nouveau jour.\n\nChez Leblanc-Roberge comme chez Stubbé, la photographie constitue un médium de prédilection pour sonder nos rapports aux espaces que nous occupons, qu’ils soient intérieurs et cloîtrés ou extérieurs et étendus; qu’ils soient réels et habités ou imaginaires et rêvés. Un certain nombre d’images présentées ouvrent à des espaces libérés de toutes contraintes tels que le ciel bleu et l’écosystème naturel laissé intact, alors que d’autres laissent entrevoir des lieux délimités et contrôlés, signifiés notamment par le mur de béton ou le paysage aménagé du jardin botanique.\n\nLes photographies déroutantes de Leblanc-Roberge offrent des perspectives souvent tronquées de scènes énigmatiques donnant à voir les vestiges de ce qui n’est plus : une voiture détériorée abandonnée; les empreintes de ce qui était jadis accroché sur un mur; le soleil couchant prêt à disparaître à l’horizon. Celles de Stubbé érigent une vision décalée et parcellaire du monde naturel conjugué au cosmos, en répertoriant des atmosphères et formes curieuses trouvées au fil d’explorations improvisées.\n\nDans les deux cas, ces images témoignent d’une spontanéité affirmée dans le choix de sujets qui, pour la plupart, sont survenus au fil d’errances antérieures. Ressorties des archives personnelles des photographes, elles sont réinvesties à l’aune de pistes de recherche définies : Leblanc-Roberge y replonge en s’inspirant des lieux décrits par ses interlocuteurs, alors que Stubbé y sélectionne des perspectives inédites du monde naturel. Ces images latentes prennent dès lors sens dans leurs mises en relation les unes avec les autres, et dans leurs interrelations poétiques avec le texte et l’image d’archives.\n\nChez Leblanc-Roberge, le caractère indiciaire de l’image photographique trouve son pendant dans les fragments découpés de lettres écrites à la main. Ces traces parcellaires de correspondances sensibles entre l’artiste et des personnes incarcérées agissent sur notre lecture polysémique des images récoltées. Stubbé, quant à elle, complète sa collecte d’images photographiques avec celle des ouvrages de vulgarisation scientifique et de science-fiction. Elle condense un ensemble d’images-sources pour élaborer des collages aux compositions surréelles. La construction manifeste de ces images, ici indiquée par les découpes assumées du processus de collage, atteste la présence de l’artiste dans l’élaboration de fictions.\n\nUn passage anonyme issu des lettres de Leblanc-Roberge s’avère particulièrement emblématique des deux projets artistiques : « it’s a rather strange life these days »<sup>1</sup> . <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i> produisent justement cet effet, celui de faire étrange. Leurs visions singulières ouvrent des brèches symboliques de détours dans l’imaginaire poétique; elles procurent des mises à distance momentanées du monde tel qu’on le connaît. Que ce soit pour mieux aménager nos mondes environnants à nos mondes intérieurs ou pour établir de meilleurs rapports aux espaces que nous habitons, la fuite du monde (facilitée par le geste artistique) nous permet ici de mieux y revenir.','Errances imaginaires','','inherit','closed','closed','','1687-autosave-v1','','','2019-06-28 13:35:43','2019-06-28 17:35:43','',1687,'http://vuphoto.org/fr/articles/1687-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4801,4,'2019-06-28 13:36:04','2019-06-28 17:36:04','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les attentes</em></a> d\'Evelyne Leblanc-Roberge et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</em></a> d\'Elsa Stubbé.\r\n</span></p>\r\nEvelyne Leblanc-Roberge et Elsa Stubbé investissent les galeries de VU avec leurs projets respectifs, <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i>. Bien qu’issus de quêtes exploratoires distinctes et articulées selon des protocoles méthodologiques divergents, ces corpus photographiques se rejoignent à plusieurs égards. Leurs résonances mutuelles contribuent à faire émerger des bribes de sens qui sauront ouvrir le bal de la nouvelle programmation chez VU, axée cette année autour de la notion de liberté en création.\r\n\r\nLes deux artistes proposent des transpositions dans l’espace de séries photographiques initialement diffusées sous la forme de livres. Tirant parti des possibilités offertes par les paramètres de la galerie d’exposition, elles reconfigurent la logique narrative de leurs corpus en les redéployant dans l’espace selon différents jeux d’échelle et dispositifs de présentation. Ces propositions nous permettent de parcourir autrement leurs univers photographiques, et d’en faire l’expérience sous un nouveau jour.\r\n\r\nChez Leblanc-Roberge comme chez Stubbé, la photographie constitue un médium de prédilection pour sonder nos rapports aux espaces que nous occupons, qu’ils soient intérieurs et cloîtrés ou extérieurs et étendus; qu’ils soient réels et habités ou imaginaires et rêvés. Un certain nombre d’images présentées ouvrent à des espaces libérés de toutes contraintes tels que le ciel bleu et l’écosystème naturel laissé intact, alors que d’autres laissent entrevoir des lieux délimités et contrôlés, signifiés notamment par le mur de béton ou le paysage aménagé du jardin botanique.\r\n\r\nLes photographies déroutantes de Leblanc-Roberge offrent des perspectives souvent tronquées de scènes énigmatiques donnant à voir les vestiges de ce qui n’est plus : une voiture détériorée abandonnée; les empreintes de ce qui était jadis accroché sur un mur; le soleil couchant prêt à disparaître à l’horizon. Celles de Stubbé érigent une vision décalée et parcellaire du monde naturel conjugué au cosmos, en répertoriant des atmosphères et formes curieuses trouvées au fil d’explorations improvisées.\r\n\r\nDans les deux cas, ces images témoignent d’une spontanéité affirmée dans le choix de sujets qui, pour la plupart, sont survenus au fil d’errances antérieures. Ressorties des archives personnelles des photographes, elles sont réinvesties à l’aune de pistes de recherche définies : Leblanc-Roberge y replonge en s’inspirant des lieux décrits par ses interlocuteurs, alors que Stubbé y sélectionne des perspectives inédites du monde naturel. Ces images latentes prennent dès lors sens dans leurs mises en relation les unes avec les autres, et dans leurs interrelations poétiques avec le texte et l’image d’archives.\r\n\r\nChez Leblanc-Roberge, le caractère indiciaire de l’image photographique trouve son pendant dans les fragments découpés de lettres écrites à la main. Ces traces parcellaires de correspondances sensibles entre l’artiste et des personnes incarcérées agissent sur notre lecture polysémique des images récoltées. Stubbé, quant à elle, complète sa collecte d’images photographiques avec celle des ouvrages de vulgarisation scientifique et de science-fiction. Elle condense un ensemble d’images-sources pour élaborer des collages aux compositions surréelles. La construction manifeste de ces images, ici indiquée par les découpes assumées du processus de collage, atteste la présence de l’artiste dans l’élaboration de fictions.\r\n\r\nUn passage anonyme issu des lettres de Leblanc-Roberge s’avère particulièrement emblématique des deux projets artistiques : « it’s a rather strange life these days »<sup>1</sup> . <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i> produisent justement cet effet, celui de faire étrange. Leurs visions singulières ouvrent des brèches symboliques de détours dans l’imaginaire poétique; elles procurent des mises à distance momentanées du monde tel qu’on le connaît. Que ce soit pour mieux aménager nos mondes environnants à nos mondes intérieurs ou pour établir de meilleurs rapports aux espaces que nous habitons, la fuite du monde (facilitée par le geste artistique) nous permet ici de mieux y revenir.','Errances imaginaires —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','1687-revision-v1','','','2019-06-28 13:36:04','2019-06-28 17:36:04','',1687,'http://vuphoto.org/fr/articles/1687-revision-v1/',0,'revision','',0),(4802,4,'2019-06-28 13:44:03','2019-06-28 17:44:03','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire</em></a> réfléchie par Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx.\r\n</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><em>Je vous ai demandé de venir dîner dans cette île parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire. Mais j’ai peur qu’il ne fasse bien humide et que vous n’ayez froid. (…) Je vous permets, madame, de lutter encore un quart d’heure contre le froid, pour ne pas vous tourmenter, mais dans un quart d’heure, je vous ramènerai de force. Je ne veux pas vous faire prendre un rhume.</em></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">– Marcel Proust</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je vous ai proposé de visiter cette exposition parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. L’été approchant, il me semblait qu’il fallait nous revoir, au moins une dernière fois, avant que la perspective de l’automne ne nous rattrape.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Depuis maintenant un an que je réfléchis à ce que c’est, d<i>’inventer le risque</i>. Plusieurs autres artistes et visiteurs sont passés par ici avant vous pour y réfléchir aussi. J’ai imaginé ces quatre-là dans une même exposition, non pas pour conclure le cycle en cours, mais pour continuer à investiguer cette grande idée. En faisant tenir ces propositions ensemble, j’ai cherché à mieux vous nourrir, mais aussi à vous déstabiliser un peu. Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. Il accueille des rencontres improbables, voire autodestructrices, et nos réconciliations aussi. C’est ce qui nous fait réfléchir, nous fait mieux nous connaître. Il fallait inventer ce risque.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire, car je crois que les œuvres en ont déjà beaucoup dit. Je vous rappellerai ici dans quelques mois, quand vous aurez des temps libres, avec sans doute beaucoup de photographies à vous montrer.</p>','Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire','','inherit','closed','closed','','1662-revision-v1','','','2019-06-28 13:44:03','2019-06-28 17:44:03','',1662,'http://vuphoto.org/fr/articles/1662-revision-v1/',0,'revision','',0),(4803,4,'2019-06-28 13:44:44','2019-06-28 17:44:44','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire</em></a> réfléchie par Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx.\r\n</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><em>Je vous ai demandé de venir dîner dans cette île parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire. Mais j’ai peur qu’il ne fasse bien humide et que vous n’ayez froid. (…) Je vous permets, madame, de lutter encore un quart d’heure contre le froid, pour ne pas vous tourmenter, mais dans un quart d’heure, je vous ramènerai de force. Je ne veux pas vous faire prendre un rhume.</em></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">– Marcel Proust</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je vous ai proposé de visiter cette exposition parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. L’été approchant, il me semblait qu’il fallait nous revoir, au moins une dernière fois, avant que la perspective de l’automne ne nous rattrape.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Depuis maintenant un an que je réfléchis à ce que c’est, d<i>’inventer le risque</i>. Plusieurs autres artistes et visiteurs sont passés par ici avant vous pour y réfléchir aussi. J’ai imaginé ces quatre-là dans une même exposition, non pas pour conclure le cycle en cours, mais pour continuer à investiguer cette grande idée. En faisant tenir ces propositions ensemble, j’ai cherché à mieux vous nourrir, mais aussi à vous déstabiliser un peu. Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. 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Il semble que l’imaginaire de la reproduction technologique conçoive plutôt le monde comme processus de synthèse, perpétuellement accéléré par d’infinis courants de virtualités.</i>\n\n– René Lapierre, <i>L’Atelier vide</i>\n<p style=\"text-align: justify\">Le travail active la matière du monde, c’est ce qui lui donne forme, ce qui la modèle selon une volonté, un plan, une ambition. L’échelle de cette matière n’a pas d’importance : tout commence au niveau moléculaire, pour éventuellement y retourner. Entre-temps sont créés des images et des objets, des outils et des espaces. Puis d’autres outils qui remodèleront la matière, recomposeront les images, et d’autres espaces où travailler différemment. La matière suit un cycle qui lui appartient et la possède tout à la fois. C’est aussi ce qu’on pourrait nommer le processus.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le mot <i>processus</i> vient du latin <i>pro</i> (au sens de « vers l’avant ») et de <i>cessus</i>, <i>cedere</i> (« aller, marcher »), ce qui signifie aller vers l’avant, avancer. Le processus projette et envisage. Dans ce mouvement, cette avancée, se trouve ce qu’on ne sait pas encore, ce qu’on ne connaîtra qu’au terme d’un ensemble complexe de gestes, d’intuitions et de décisions. C’est le travail lorsqu’il active l’inconnu, lorsqu’il progresse à l’aveugle dans l’espace de l’atelier et dans celui, abstrait, de la pensée. Dans le processus logent des vestiges du temps : les passages de la matière.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Si l’immobilité de l’image photographique ne peut traduire la littéralité du mouvement qui parfois l’habite, elle en est le témoin silencieux. En contrepartie, la vidéo et le cinéma redonnent à l’écran le caractère mouvant de toute chose. Au cœur du processus cependant, l’image – quelle qu’elle soit – danse, se superpose et se juxtapose, se voile ou reflète un hors-champ. Qu’elle soit fixe ou non, elle étend ses possibilités et distend le réel. Le processus mobilise l’image, il la meut dans un espace donné.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’atelier est un espace à la fois donné et témoin. Et c’est désormais un lieu physique tout autant qu’un écran : la projection d’idées excède le contexte, crée du réseau. D’<i>infinis courants de virtualités</i> traversent l’atelier, infiltrent l’art et le reste, le monde et sa production, son activité. Ce faisant, le processus se désancre de la matière de manière à devenir labeur désincarné. Un travail de 0 et de 1 cohabite avec le modelage et la coupe du bois, la peinture et la photographie. Mais l’atelier demeure habité : labeur et attente l’occupent, une attention est à l’œuvre.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’atelier aussi, l’artiste : observant l’ordre et le désordre de la vie, catalysant l’idée de transformation du monde, de transmutation des matières. Derrière le labeur artistique, il active les processus et travaille à désorienter l’existence des choses en les interrogeant – agglomérant et atomisant leur cœur battant. Il rompt des liens, déplace des préfixes, remixe, puis repense la récursivité des procédures. Il reformule incessamment un rapport au monde qui ne peut être fixé – qui n’est jamais autre chose que résilience et métamorphose. Nathalie Bachand est auteure et commissaire. Activement impliquée dans le milieu culturel, elle écrit régulièrement sur les arts visuels et médiatiques. Elle s’intéresse aux problématiques du numérique et à ses conditions d’émergence dans l’art contemporain. En 2016, elle co-commissariait avec Chloé Grondeau l’exposition ADC/DAC de l’artiste new yorkais Phillip David Stearns, présentée à Diagonale dans le cadre de la 3e édition de la BIAN. Plus récemment, elle a été commissaire de l’exposition de groupe The Dead Web – La fin, présentée à Eastern Bloc et du projet de 32 expositions UN MILLION D’HORIZONS du réseau Accès culture pour le 375e de Montréal qui avait lieu à l’été 2017. Elle occupe actuellement le poste de direction des savoirs culturels pour le Centre en art actuel Sporobole où elle écrit de courts essais qui abordent les relations art-science.</p>','Le travail, le processus','','inherit','closed','closed','','1647-autosave-v1','','','2019-06-28 13:52:41','2019-06-28 17:52:41','',1647,'http://vuphoto.org/fr/articles/1647-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4805,4,'2019-06-28 13:53:27','2019-06-28 17:53:27','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/550/Etant-donnes/\"><em>Étant donnés</em></a> de Lucie Rocher et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/572/painter-project-/\"><em>painter project</em></a><strong> </strong>de Simon M. Benedict.\r\n</span></p>\r\n<i>Épistémologiquement, l’imaginaire de la production concevait le monde comme </i>matières<i> engagées dans des rapports objectifs et finis de transformation. Il semble que l’imaginaire de la reproduction technologique conçoive plutôt le monde comme processus de synthèse, perpétuellement accéléré par d’infinis courants de virtualités.</i>\r\n\r\n– René Lapierre, <i>L’Atelier vide</i>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le travail active la matière du monde, c’est ce qui lui donne forme, ce qui la modèle selon une volonté, un plan, une ambition. L’échelle de cette matière n’a pas d’importance : tout commence au niveau moléculaire, pour éventuellement y retourner. Entre-temps sont créés des images et des objets, des outils et des espaces. Puis d’autres outils qui remodèleront la matière, recomposeront les images, et d’autres espaces où travailler différemment. La matière suit un cycle qui lui appartient et la possède tout à la fois. C’est aussi ce qu’on pourrait nommer le processus.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le mot <i>processus</i> vient du latin <i>pro</i> (au sens de « vers l’avant ») et de <i>cessus</i>, <i>cedere</i> (« aller, marcher »), ce qui signifie aller vers l’avant, avancer. Le processus projette et envisage. Dans ce mouvement, cette avancée, se trouve ce qu’on ne sait pas encore, ce qu’on ne connaîtra qu’au terme d’un ensemble complexe de gestes, d’intuitions et de décisions. C’est le travail lorsqu’il active l’inconnu, lorsqu’il progresse à l’aveugle dans l’espace de l’atelier et dans celui, abstrait, de la pensée. Dans le processus logent des vestiges du temps : les passages de la matière.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Si l’immobilité de l’image photographique ne peut traduire la littéralité du mouvement qui parfois l’habite, elle en est le témoin silencieux. En contrepartie, la vidéo et le cinéma redonnent à l’écran le caractère mouvant de toute chose. Au cœur du processus cependant, l’image – quelle qu’elle soit – danse, se superpose et se juxtapose, se voile ou reflète un hors-champ. Qu’elle soit fixe ou non, elle étend ses possibilités et distend le réel. Le processus mobilise l’image, il la meut dans un espace donné.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’atelier est un espace à la fois donné et témoin. Et c’est désormais un lieu physique tout autant qu’un écran : la projection d’idées excède le contexte, crée du réseau. D’<i>infinis courants de virtualités</i> traversent l’atelier, infiltrent l’art et le reste, le monde et sa production, son activité. Ce faisant, le processus se désancre de la matière de manière à devenir labeur désincarné. Un travail de 0 et de 1 cohabite avec le modelage et la coupe du bois, la peinture et la photographie. Mais l’atelier demeure habité : labeur et attente l’occupent, une attention est à l’œuvre.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’atelier aussi, l’artiste : observant l’ordre et le désordre de la vie, catalysant l’idée de transformation du monde, de transmutation des matières. Derrière le labeur artistique, il active les processus et travaille à désorienter l’existence des choses en les interrogeant – agglomérant et atomisant leur cœur battant. Il rompt des liens, déplace des préfixes, remixe, puis repense la récursivité des procédures. Il reformule incessamment un rapport au monde qui ne peut être fixé – qui n’est jamais autre chose que résilience et métamorphose.</p>','Le travail, le processus —un texte de Nathalie Bachand','','inherit','closed','closed','','1647-revision-v1','','','2019-06-28 13:53:27','2019-06-28 17:53:27','',1647,'http://vuphoto.org/fr/articles/1647-revision-v1/',0,'revision','',0),(4806,4,'2019-06-28 14:39:36','2019-06-28 18:39:36','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a style=\"color: #000000\" title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">\n</span>\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>','Appareillage —un texte de Péio Eliceiry','','inherit','closed','closed','','1625-autosave-v1','','','2019-06-28 14:39:36','2019-06-28 18:39:36','',1625,'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4807,4,'2019-06-28 13:55:45','2019-06-28 17:55:45','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.\r\n</span>\r\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>','Appareillage','','inherit','closed','closed','','1625-revision-v1','','','2019-06-28 13:55:45','2019-06-28 17:55:45','',1625,'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-revision-v1/',0,'revision','',0),(4808,4,'2019-06-28 13:56:18','2019-06-28 17:56:18','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.\r\n</span>\r\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>','Appareillage —un texte de Péio Eliceiry','','inherit','closed','closed','','1625-revision-v1','','','2019-06-28 13:56:18','2019-06-28 17:56:18','',1625,'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-revision-v1/',0,'revision','',0),(4811,4,'2019-06-28 14:39:40','2019-06-28 18:39:40','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/545/Nous-arriverons-vite-ensuite-nous-prendrons-notre-temps/\">Nous y arriverons vite et ensuite nous prendrons notre temps</a> </em>de Kotama Bouabane et <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/546/Conversation-with-Magic-Forms/\">Conversation with Magic Forms</a> </em>de Leisure.</span><span style=\"color: #888888\">\n</span>\n\n&nbsp;\n\n<i>« L’utopie est la relation de l’imaginaire avec cet ailleurs qui n’est jamais tout à fait nulle part, et qui nous déporte toujours vers du nouveau. »</i>\n<p style=\"text-align: justify\">Cette phrase, tirée du livre L’utopie ou la crise de l’imaginaire de Jean-Jacques Wunenburger, révèle les rapports de promiscuité qu’entretiennent l’utopie et la créativité. Le philosophe y critique l’effritement de la « fonction de l’irréel en l’homme » – conséquence du régime omnipotent de la rationalité cartésienne –, prônant plutôt le pouvoir cathartique de l’utopie. Icarienne, sa pensée nous invite à énoncer des passés uchroniques émancipés de leurs dépendances au présent. Un présent que l’utopie, bien mieux que l’histoire, a le pouvoir de reformuler en de nouvelles mises en scène où seul l’impossible est concevable. Atteindre un avenir meilleur en réinventant hier. Car l’utopie est une stratégie de création en elle-même, la méthodologie propre à l’imagination qui permet de se ressourcer à l’irrationnel. Elle est une science-fiction : une approche narrative bicéphale en mesure de gommer les contradictions qui caractérisent notre contemporanéité schizoïde car capable de véritablement penser autrement. De penser autre part.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">À l’instar de l’utopiste, l’artiste redéfinit sans cesse de nouvelles manières d’être au monde à travers des usages du réel renouvelés, déployés grâce à des agencements inexplorés du sens et de la matière. Chaque objet ou matériau, aussi quelconque fût-il, a ainsi le potentiel de devenir le protagoniste de mythologies improbables, invoquant cet univers animiste que seul l’enfant semble en mesure de percevoir avec autant d’acuité. Ces nouvelles configurations du vivant, conçues comme un continuum de possibilités et non comme des pôles distincts et dualistes, débordent ainsi dans le champ du non-vivant en modifiant considérablement les rapports séculaires mutuellement exclusifs entre « sujet » de savoir et « objet » de connaissance. Ces frontières taxinomiques qui nous paraissaient hier si étanches se brouillent aujourd’hui au point de rendre poreuse la limite entre le réel et la fiction. À la dissolution du sujet humaniste kantien correspond la prolifération de nouvelles subjectivités en périphérie du « vivant ».</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans cette foulée posthumaniste, c’est tout l’édifice théorique du régime de la visualité qui est ébranlé; régime où le corps est traditionnellement subsumé à la raison que seul l’humain détiendrait. La contemplation de l’objet d’art en tant que représentation du monde et agrégat sémantique fait ici place à une expérience polysensorielle des œuvres, devenues de véritables extensions du corps de celui ou celle qui les appréhende. Guidée par le potentiel narratif et la matérialité des objets qui la composent, l’expérience esthétique devient catalyseur de possibles, générant des cosmologies de significations capables de redéfinir notre relation au monde. Ce n’est peut-être qu’un rêve. Mais si c’est par les moyens de l’imagination collective que nous accédons au futur, comme le prétend Wunenburger, l’art est indéniablement l’oracle de notre temps, le prophète par excellence pour saisir les utopies qui donneront naissance à demain.</p>','Pièces détachées —un texte d\'Anne-Marie Dubois','','inherit','closed','closed','','1603-autosave-v1','','','2019-06-28 14:39:40','2019-06-28 18:39:40','',1603,'http://vuphoto.org/fr/articles/1603-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4812,4,'2019-06-28 14:01:28','2019-06-28 18:01:28','<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions<em> <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/545/Nous-arriverons-vite-ensuite-nous-prendrons-notre-temps/\">Nous y arriverons vite et ensuite nous prendrons notre temps</a> </em>de Kotama Bouabane et <em><a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/546/Conversation-with-Magic-Forms/\">Conversation with Magic Forms</a> </em>de Leisure.\r\n</span>\r\n\r\n<i>« L’utopie est la relation de l’imaginaire avec cet ailleurs qui n’est jamais tout à fait nulle part, et qui nous déporte toujours vers du nouveau. »</i>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette phrase, tirée du livre L’utopie ou la crise de l’imaginaire de Jean-Jacques Wunenburger, révèle les rapports de promiscuité qu’entretiennent l’utopie et la créativité. Le philosophe y critique l’effritement de la « fonction de l’irréel en l’homme » – conséquence du régime omnipotent de la rationalité cartésienne –, prônant plutôt le pouvoir cathartique de l’utopie. Icarienne, sa pensée nous invite à énoncer des passés uchroniques émancipés de leurs dépendances au présent. Un présent que l’utopie, bien mieux que l’histoire, a le pouvoir de reformuler en de nouvelles mises en scène où seul l’impossible est concevable. Atteindre un avenir meilleur en réinventant hier. Car l’utopie est une stratégie de création en elle-même, la méthodologie propre à l’imagination qui permet de se ressourcer à l’irrationnel. Elle est une science-fiction : une approche narrative bicéphale en mesure de gommer les contradictions qui caractérisent notre contemporanéité schizoïde car capable de véritablement penser autrement. De penser autre part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À l’instar de l’utopiste, l’artiste redéfinit sans cesse de nouvelles manières d’être au monde à travers des usages du réel renouvelés, déployés grâce à des agencements inexplorés du sens et de la matière. Chaque objet ou matériau, aussi quelconque fût-il, a ainsi le potentiel de devenir le protagoniste de mythologies improbables, invoquant cet univers animiste que seul l’enfant semble en mesure de percevoir avec autant d’acuité. Ces nouvelles configurations du vivant, conçues comme un continuum de possibilités et non comme des pôles distincts et dualistes, débordent ainsi dans le champ du non-vivant en modifiant considérablement les rapports séculaires mutuellement exclusifs entre « sujet » de savoir et « objet » de connaissance. Ces frontières taxinomiques qui nous paraissaient hier si étanches se brouillent aujourd’hui au point de rendre poreuse la limite entre le réel et la fiction. À la dissolution du sujet humaniste kantien correspond la prolifération de nouvelles subjectivités en périphérie du « vivant ».</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans cette foulée posthumaniste, c’est tout l’édifice théorique du régime de la visualité qui est ébranlé; régime où le corps est traditionnellement subsumé à la raison que seul l’humain détiendrait. La contemplation de l’objet d’art en tant que représentation du monde et agrégat sémantique fait ici place à une expérience polysensorielle des œuvres, devenues de véritables extensions du corps de celui ou celle qui les appréhende. Guidée par le potentiel narratif et la matérialité des objets qui la composent, l’expérience esthétique devient catalyseur de possibles, générant des cosmologies de significations capables de redéfinir notre relation au monde. Ce n’est peut-être qu’un rêve. Mais si c’est par les moyens de l’imagination collective que nous accédons au futur, comme le prétend Wunenburger, l’art est indéniablement l’oracle de notre temps, le prophète par excellence pour saisir les utopies qui donneront naissance à demain.</p>','Pièces détachées —un texte d\'Anne-Marie Dubois','','inherit','closed','closed','','1603-revision-v1','','','2019-06-28 14:01:28','2019-06-28 18:01:28','',1603,'http://vuphoto.org/fr/articles/1603-revision-v1/',0,'revision','',0),(4813,4,'2019-11-01 12:04:07','2019-11-01 16:04:07','<span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions<i><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/trauma/\"> Trauma</a> </i>de Joan Fontcuberta et<a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/espaces-peripheriques/\"> <em>Espaces périphériques</em></a> de Katia Gosselin.</span>\n</span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Il se passe quelque chose. Il y a des choses. Quelque part. Il y a quelqu’un. Il y a des gens. Et ailleurs c’est la même chose, mais jamais la même chose. C’est commun et unique à la fois. Un lieu. Un angle. Là. Va savoir. Dans le cadre des chambres, il y a des bibelots et des fragments de corps. Il y a des mains. Qu’est-ce qu’elles fabriquent ces mains ? Ces corps nous tournent le dos. Il y a des façades morcelées. Des visages qu’on ne voit pas.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Derrida soutient que, d’après Benjamin, la représentation photographique du visage est la dernière résistance du rituel. « Quand le visage commence à disparaître ou, comme ici, à ne plus occuper le haut ni le centre, s’impose la légende[1]. » Selon la légende, il s’est passé quelque chose. Aussi la légende se passe. Voyez toutes les promesses de mémoire dont les médias se désengagent, archivant leur désuétude, multipliant leur perte. La photographie, elle-même légende, se répète mais ne se sature jamais tout à fait. Derrida, qui a trouvé une carte postale où figurent des philosophes, ne nous dit pas où Benjamin passe ses vacances. Il n’y a pas de vacances pour Benjamin : qu’une longue dérive au seuil qu’est la vie, un regard non convenu sur la singularité en partage, un zoom progressif qui plonge dans les profondeurs d’une époque. Quelqu’un quelque part.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et de là, c’est indécidable. Impossible d’arracher quelqu’un à son regard. Mais dans la fixité de l’image, que reste-t-il de l’expérience ? Quelle est la part fictive de la représentation ? Benjamin à la plage entre l’horreur de la disparition et la splendeur de l’existence, ou inversement. Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il du regard ? Il reste du réel et du regard. La photographie que nous regardons. Voilà.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Que dit-elle, la photo ? Va savoir. La photo se dit. Quand la photo se dit, que reste-t-il ? Outre le déclic, l’instant saisi sur pellicule puis sur papier ; outre la représentation supposée, le temps fait son œuvre à même les surfaces. La photo se dit. Elle se dit au regard. Voilà. Le déclic, l’instant primordial, c’est le regard. Nous entendons : « […] l’éphémère relève désormais d’une véritable \"scopophilie\" (amour du regard) qui envahit les médias et les images »[2]. Voilà ! La photographie se dit soudain. Elle n’est plus l’art de capter l’éphémère. Elle est elle-même art éphémère.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’image éprouvée, l’image comme ombre d’elle-même, parle d’elle, de sa vanité, de sa matérialité. Elle n’est plus surface d’apparat, objet de désir du sens. Elle est lieu de contingence. Son sens ne vient pas d’une ressemblance mais d’une performance, d’une immédiateté. Voilà.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La photo se dit et le regard se creuse comme un visage. Un zoom progressif plonge dans les profondeurs d’une surface. Les masques tombent. Voilà. Voile après voile. Une surface en cache une autre, pareille mais jamais même. D’ici à ce que le temps ou le regard la ravage, la photo ne se représente plus qu’elle-même. Sa matérialité brute et flagrante saisit. Malgré la perdition, une beauté surgit dans son affirmation, à moins que ce ne soit dans l’acte même du regard.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Pendant que des escargots indifférents dévorent l’image, Benjamin fait de la voile.</p>\n\n<div></div>\n\n<hr align=\"left\" size=\"1\" width=\"33%\" />\n\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref1\">[1]</a> Jacques Derrida, <i>La Vérité en peinture</i>, Paris, Flammarion, 1978, p. 204.</div>\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref2\">[2]</a> Christine Buci-Glucksmann, <i>Esthétique de l\'éphémère</i>, Paris, Galilée, 2003, p. 18.</div>','Il se passe quelque chose quand les visages tombent —un texte d\'Hélène Matte','','inherit','closed','closed','','1569-autosave-v1','','','2019-11-01 12:04:07','2019-11-01 16:04:07','',1569,'http://vuphoto.org/fr/articles/1569-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4814,4,'2019-06-28 14:05:06','2019-06-28 18:05:06','<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions<i><a title=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\">Trauma</a> </i>de Joan Fontcuberta et <a title=\"Espaces périphériques\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/544/Espaces-peripheriques/\"><em>Espaces périphériques</em></a> de Katia Gosselin.\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il se passe quelque chose. Il y a des choses. Quelque part. Il y a quelqu’un. Il y a des gens. Et ailleurs c’est la même chose, mais jamais la même chose. C’est commun et unique à la fois. Un lieu. Un angle. Là. Va savoir. Dans le cadre des chambres, il y a des bibelots et des fragments de corps. Il y a des mains. Qu’est-ce qu’elles fabriquent ces mains ? Ces corps nous tournent le dos. Il y a des façades morcelées. Des visages qu’on ne voit pas.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Derrida soutient que, d’après Benjamin, la représentation photographique du visage est la dernière résistance du rituel. « Quand le visage commence à disparaître ou, comme ici, à ne plus occuper le haut ni le centre, s’impose la légende[1]. » Selon la légende, il s’est passé quelque chose. Aussi la légende se passe. Voyez toutes les promesses de mémoire dont les médias se désengagent, archivant leur désuétude, multipliant leur perte. La photographie, elle-même légende, se répète mais ne se sature jamais tout à fait. Derrida, qui a trouvé une carte postale où figurent des philosophes, ne nous dit pas où Benjamin passe ses vacances. Il n’y a pas de vacances pour Benjamin : qu’une longue dérive au seuil qu’est la vie, un regard non convenu sur la singularité en partage, un zoom progressif qui plonge dans les profondeurs d’une époque. Quelqu’un quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et de là, c’est indécidable. Impossible d’arracher quelqu’un à son regard. Mais dans la fixité de l’image, que reste-t-il de l’expérience ? Quelle est la part fictive de la représentation ? Benjamin à la plage entre l’horreur de la disparition et la splendeur de l’existence, ou inversement. Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il du regard ? Il reste du réel et du regard. La photographie que nous regardons. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Que dit-elle, la photo ? Va savoir. La photo se dit. Quand la photo se dit, que reste-t-il ? Outre le déclic, l’instant saisi sur pellicule puis sur papier ; outre la représentation supposée, le temps fait son œuvre à même les surfaces. La photo se dit. Elle se dit au regard. Voilà. Le déclic, l’instant primordial, c’est le regard. Nous entendons : « […] l’éphémère relève désormais d’une véritable \"scopophilie\" (amour du regard) qui envahit les médias et les images »[2]. Voilà ! La photographie se dit soudain. Elle n’est plus l’art de capter l’éphémère. Elle est elle-même art éphémère.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’image éprouvée, l’image comme ombre d’elle-même, parle d’elle, de sa vanité, de sa matérialité. Elle n’est plus surface d’apparat, objet de désir du sens. Elle est lieu de contingence. Son sens ne vient pas d’une ressemblance mais d’une performance, d’une immédiateté. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photo se dit et le regard se creuse comme un visage. Un zoom progressif plonge dans les profondeurs d’une surface. Les masques tombent. 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Malgré la perdition, une beauté surgit dans son affirmation, à moins que ce ne soit dans l’acte même du regard.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pendant que des escargots indifférents dévorent l’image, Benjamin fait de la voile.</p>\r\n\r\n<div></div>\r\n\r\n<hr align=\"left\" size=\"1\" width=\"33%\" />\r\n\r\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref1\">[1]</a> Jacques Derrida, <i>La Vérité en peinture</i>, Paris, Flammarion, 1978, p. 204.</div>\r\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref2\">[2]</a> Christine Buci-Glucksmann, <i>Esthétique de l\'éphémère</i>, Paris, Galilée, 2003, p. 18.</div>','Il se passe quelque chose quand les visages tombent —un texte d\'Hélène Matte','','inherit','closed','closed','','1569-revision-v1','','','2019-06-28 14:05:06','2019-06-28 18:05:06','',1569,'http://vuphoto.org/fr/articles/1569-revision-v1/',0,'revision','',0),(4815,4,'2019-06-28 14:05:23','2019-06-28 18:05:23','<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions<i> <a title=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\">Trauma</a> </i>de Joan Fontcuberta et <a title=\"Espaces périphériques\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/544/Espaces-peripheriques/\"><em>Espaces périphériques</em></a> de Katia Gosselin.\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il se passe quelque chose. Il y a des choses. Quelque part. Il y a quelqu’un. Il y a des gens. Et ailleurs c’est la même chose, mais jamais la même chose. C’est commun et unique à la fois. Un lieu. Un angle. Là. Va savoir. Dans le cadre des chambres, il y a des bibelots et des fragments de corps. Il y a des mains. Qu’est-ce qu’elles fabriquent ces mains ? Ces corps nous tournent le dos. Il y a des façades morcelées. Des visages qu’on ne voit pas.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Derrida soutient que, d’après Benjamin, la représentation photographique du visage est la dernière résistance du rituel. « Quand le visage commence à disparaître ou, comme ici, à ne plus occuper le haut ni le centre, s’impose la légende[1]. » Selon la légende, il s’est passé quelque chose. Aussi la légende se passe. Voyez toutes les promesses de mémoire dont les médias se désengagent, archivant leur désuétude, multipliant leur perte. La photographie, elle-même légende, se répète mais ne se sature jamais tout à fait. Derrida, qui a trouvé une carte postale où figurent des philosophes, ne nous dit pas où Benjamin passe ses vacances. Il n’y a pas de vacances pour Benjamin : qu’une longue dérive au seuil qu’est la vie, un regard non convenu sur la singularité en partage, un zoom progressif qui plonge dans les profondeurs d’une époque. Quelqu’un quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et de là, c’est indécidable. Impossible d’arracher quelqu’un à son regard. Mais dans la fixité de l’image, que reste-t-il de l’expérience ? Quelle est la part fictive de la représentation ? Benjamin à la plage entre l’horreur de la disparition et la splendeur de l’existence, ou inversement. Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il du regard ? Il reste du réel et du regard. La photographie que nous regardons. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Que dit-elle, la photo ? Va savoir. La photo se dit. Quand la photo se dit, que reste-t-il ? Outre le déclic, l’instant saisi sur pellicule puis sur papier ; outre la représentation supposée, le temps fait son œuvre à même les surfaces. La photo se dit. Elle se dit au regard. Voilà. Le déclic, l’instant primordial, c’est le regard. Nous entendons : « […] l’éphémère relève désormais d’une véritable \"scopophilie\" (amour du regard) qui envahit les médias et les images »[2]. Voilà ! La photographie se dit soudain. Elle n’est plus l’art de capter l’éphémère. Elle est elle-même art éphémère.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’image éprouvée, l’image comme ombre d’elle-même, parle d’elle, de sa vanité, de sa matérialité. Elle n’est plus surface d’apparat, objet de désir du sens. Elle est lieu de contingence. Son sens ne vient pas d’une ressemblance mais d’une performance, d’une immédiateté. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photo se dit et le regard se creuse comme un visage. Un zoom progressif plonge dans les profondeurs d’une surface. Les masques tombent. 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Notamment, lors de cette expérience <i>auratique</i> de la nature, quand le regard se pose sur elle et qu’elle lève les yeux en retour, semblant réclamer de laisser une trace. La nature semble nous étreindre, par sa perceptibilité ; l’horizon lointain aux lignes sinueuses ou bien l’ombre d’une branche dont l’aura, cercle de vapeur, s’avère encline à se laisser aspirer.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Inapprochable, l’entrelacs d’espace et de temps qu’est l’aura benjaminienne se dérobe sans cesse à l’entendement par la richesse de son ambiguïté et par la pluralité de ses définitions. Walter Benjamin a prédit la défection de l’aura, comme si à chaque prise de vue, elle devenait imperceptible dans l’image mécanisée qui tente de la reproduire. Comment garder la trace de l’aura si la reproduction photographique n’en retient à peine qu’une lointaine émanation lumineuse ?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La reproductibilité technique offre le potentiel d’exposer les images, et d’en faire apparaître la proximité, entre elles; entre nous et elles également. Compte tenu de la manière dont les artistes rassemblent les traces de différentes occurrences de la perception <i>auratique</i> – aussi fragmentaires et éloignées soient-elles –, serait-ce dans leur intention que l’aura réapparaît ? L’aura peut alors redevenir perceptible, non pas à la surface des images, mais en émanant de leur rencontre, dans l’espace de jeu qui leur permet d’être ensemble. Ralliées, les photographies, libres de se croiser, de se répéter, de s’interpeller, se prêtent au jeu des artistes, un jeu entre trace et aura.</p>\n&nbsp;','Entre trace et aura','','inherit','closed','closed','','1512-autosave-v1','','','2019-06-28 14:07:37','2019-06-28 18:07:37','',1512,'http://vuphoto.org/fr/articles/1512-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4817,4,'2019-06-28 14:08:28','2019-06-28 18:08:28','<span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition <a title=\"Entre trace et aura\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/476/Entre-trace-aura/\"><em>Entre trace et aura</em></a> de Martin Guimont, Alphiya Joncas et Audrée Demers-Roberge.\r\n\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce surgissement de l’appareil photographique apparaît comme une pulsion, lorsqu’un lieu et un moment, unique entrelacs, émergent dans le cours du vécu perçu. Notamment, lors de cette expérience <i>auratique</i> de la nature, quand le regard se pose sur elle et qu’elle lève les yeux en retour, semblant réclamer de laisser une trace. La nature semble nous étreindre, par sa perceptibilité ; l’horizon lointain aux lignes sinueuses ou bien l’ombre d’une branche dont l’aura, cercle de vapeur, s’avère encline à se laisser aspirer.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Inapprochable, l’entrelacs d’espace et de temps qu’est l’aura benjaminienne se dérobe sans cesse à l’entendement par la richesse de son ambiguïté et par la pluralité de ses définitions. Walter Benjamin a prédit la défection de l’aura, comme si à chaque prise de vue, elle devenait imperceptible dans l’image mécanisée qui tente de la reproduire. 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Ralliées, les photographies, libres de se croiser, de se répéter, de s’interpeller, se prêtent au jeu des artistes, un jeu entre trace et aura.</p>\r\n&nbsp;','Entre trace et aura —Gentiane La France','','inherit','closed','closed','','1512-revision-v1','','','2019-06-28 14:08:28','2019-06-28 18:08:28','',1512,'http://vuphoto.org/fr/articles/1512-revision-v1/',0,'revision','',0),(4818,4,'2019-06-28 14:08:55','2019-06-28 18:08:55','<span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition <a title=\"Entre trace et aura\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/476/Entre-trace-aura/\"><em>Entre trace et aura</em></a> de Martin Guimont, Alphiya Joncas et Audrée Demers-Roberge.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce surgissement de l’appareil photographique apparaît comme une pulsion, lorsqu’un lieu et un moment, unique entrelacs, émergent dans le cours du vécu perçu. 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Ralliées, les photographies, libres de se croiser, de se répéter, de s’interpeller, se prêtent au jeu des artistes, un jeu entre trace et aura.</p>\r\n&nbsp;','Entre trace et aura —un texte de Gentiane La France','','inherit','closed','closed','','1512-revision-v1','','','2019-06-28 14:08:55','2019-06-28 18:08:55','',1512,'http://vuphoto.org/fr/articles/1512-revision-v1/',0,'revision','',0),(4819,4,'2019-06-28 14:10:53','2019-06-28 18:10:53','<span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition <a title=\"Trilogie bleue\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/475/Trilogie-bleue/\"><em>Trilogie bleue</em></a> de Shuwei Liu.\n\n</span>\n<p style=\"text-align: justify\">Je compte les images - 30 images sans secondes, aucun battement du temps. Suspendues et étendues, au vent et sans cadran, comme des drapeaux sans mots. Les images ne se comptent plus ni en secondes ni en heures.<i> </i>Derrière toi, l’illusion de mouvement est délaissée et le monde se fige en ombres bleues et en lumières confuses. Alors c’est moi qui fais les comptes. Je compte jusqu’à 30 et la terre est bleue comme une orange. Je dénombre les lumières et les paysages. J’énumère les personnages, ils se sont déjà détournés. Je dénombre les silhouettes, l’horizon se perd. Il reste un reflet, une surface, une ligne vacante et le vide qui compte triple. J’ai fait les comptes, mais le bleu est inchiffrable. Alors je refais les comptes.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images creusées dans le moment, plongées dans l’indigo.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images séchées au vent du présent.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images bercées dans le bleu de l’enfance.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images soufflées par la couleur de l’errance.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images figées sur la paroi du monde.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Des images naviguées hors de portée.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Je dénombre les images qui s’oublient, je leur dessine des chiffres dans les yeux. Je suis la comptable des images secondes teintées du bleu du monde multiple comme une orange. Chassons le bleu du revers de la main, il reviendra toujours danser sous l’eau, là où il n’y a plus de bateaux. Là, en apnée, le bleu cesse de compter et navigue en creux de vague. Là, tu fais face aux images immenses et partielles, flottantes et figées, cadrées et assidues. Et tu les libères, l’une après l’autre, dans un autre océan.</p>','Ensevelir le compte des heures bleues','','inherit','closed','closed','','1509-autosave-v1','','','2019-06-28 14:10:53','2019-06-28 18:10:53','',1509,'http://vuphoto.org/fr/articles/1509-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4820,4,'2019-06-28 14:11:34','2019-06-28 18:11:34','<span style=\"color: #888888\">Texte pour l\'exposition <a title=\"Trilogie bleue\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/475/Trilogie-bleue/\"><em>Trilogie bleue</em></a> de Shuwei Liu.\r\n\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je compte les images - 30 images sans secondes, aucun battement du temps. Suspendues et étendues, au vent et sans cadran, comme des drapeaux sans mots. Les images ne se comptent plus ni en secondes ni en heures.<i> </i>Derrière toi, l’illusion de mouvement est délaissée et le monde se fige en ombres bleues et en lumières confuses. Alors c’est moi qui fais les comptes. Je compte jusqu’à 30 et la terre est bleue comme une orange. Je dénombre les lumières et les paysages. J’énumère les personnages, ils se sont déjà détournés. Je dénombre les silhouettes, l’horizon se perd. Il reste un reflet, une surface, une ligne vacante et le vide qui compte triple. J’ai fait les comptes, mais le bleu est inchiffrable. Alors je refais les comptes.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images creusées dans le moment, plongées dans l’indigo.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images séchées au vent du présent.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images bercées dans le bleu de l’enfance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images soufflées par la couleur de l’errance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images figées sur la paroi du monde.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images naviguées hors de portée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je dénombre les images qui s’oublient, je leur dessine des chiffres dans les yeux. Je suis la comptable des images secondes teintées du bleu du monde multiple comme une orange. Chassons le bleu du revers de la main, il reviendra toujours danser sous l’eau, là où il n’y a plus de bateaux. Là, en apnée, le bleu cesse de compter et navigue en creux de vague. Là, tu fais face aux images immenses et partielles, flottantes et figées, cadrées et assidues. Et tu les libères, l’une après l’autre, dans un autre océan.</p>','Ensevelir le compte des heures bleues —un texte de Claire Moeder','','inherit','closed','closed','','1509-revision-v1','','','2019-06-28 14:11:34','2019-06-28 18:11:34','',1509,'http://vuphoto.org/fr/articles/1509-revision-v1/',0,'revision','',0),(4821,4,'2019-06-28 14:14:17','2019-06-28 18:14:17','<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a title=\"Faux Sites\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/473/Faux-Sites/\"><em>Faux Sites</em></a> de Gisele Amantea et <em><a title=\"one stack, three stacks\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/474/one-stack-three-stacks/\">one stack, three stacks</a> </em>de Christopher Boyne.\n\n</span>\n<p style=\"text-align: justify\">Pour réfléchir à l’humain, Arnold Gehlen, anthropologue et sociologue allemand du XX<sup>e </sup>siècle, a proposé une méthode : le concevoir comme un <i>être lacunaire</i>, physiologiquement déficient et vidé de ses instincts, voué aux mondes compensatoires de la technique et des institutions. Les propositions de Christopher Boyne et de Gisele Amantea renversent ce scénario fataliste, amplifient le réel en y superposant d’autres lignes de fuite, mondes fictifs et mises en doute de nos habitudes de regards.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Quand je regarde l’horizon lointain, je pense aux autres paysages que je verrais si j’y étais. À leur tour, ceux-ci font émerger un tiers espace et ainsi de suite. Ma vision doublée de l’imagination me donne toujours accès aux paysages derrière l’horizon, à ce qui se trouve à l’envers des objets que je côtoie et des espaces que j’habite. Il ne s’agit pas de sensations lacunaires que mes souvenirs viennent colmater, mais bien de la densité de ma propension à sublimer ce qui m’est donné par les sens. C’est l’affect sous-jacent à <i>one stack, three stacks </i>de Christopher Boyne, quand deux photographies de navires trouvées chez un antiquaire deviennent le creuset de toute une population de représentations.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Un court récit comportant des équivalences textuelles rigoureuses accompagne chaque photographie de navire. Saisissant jeu de miroir où les images et les mots sont offerts comme les données heuristiques d’un dispositif fictif. Car c’est bien le récit qui prend le pas, là où la phrase comme mesure logique et close rencontre le langage comme force primaire, spontanée et pragmatique. C’est un tiers espace qui émerge, qui me fait penser le monde dans la perspective du rêve, où les figures du double et l’imaginaire panoramique se dessinent en étendue dans mon rapport au réel.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Faux Sites</i> de Gisele Amantea, une distance entre différents régimes iconographiques se manifeste à ma conscience, comme la tentative de jouer sur les limites de ma connaissance de la culture. Un dessin du hall d’un musée montréalais évoque vaguement une des <i>Prisons imaginaires </i>de Giovanni Battista Piranesi et ses possibilités narratives angoissantes. Un migrant est couché au sol, brutale figure de proue de mon époque. J’appuie mon regard sur sa présence. La vertigineuse architecture recule en marge, mais ne cesse jamais d\'être là. On m’a dit par le passé qu’un musée est un <i>temple du beau</i>. Pourtant, à partir du moment où je pense ce refuge comme plénitude absolue, je le soustrais de l’envers et de l’endroit de mon monde massif. Le migrant m’y ramène dans tous les plans.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et d’autres images m’incitent encore à récuser mes croyances. Cagoulées, les Pussy Riot dans un souk d’Alep mettent en évidence les problèmes qui se posent à ma vision occidentale, tracent une ligne poreuse sur la valeur culturelle des choses. Les énergies en place – oppositions, déplacements, mélanges – ne rencontrent plus les difficultés dressées par certains de mes principes culturels privilégiant les séparations opaques. Comme elles, je veux renouer avec une fréquentation naïve du monde, ne plus être absolument étrangère à ces métissages. Sublimer, rêver et fabuler sont bien plus que l’envers d’une répression, mais un agir réel, une mise en récit, un étirement conjoint de mon corps et de ma pensée dans le monde.</p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\"><strong>Cynthia Fecteau</strong> détient une maîtrise en arts visuels de l’Université Laval. Interpellée par les formes de connaissances sensibles en philosophie et en création, notamment les concepts d’écosophie, d’être-au-monde, et de collectivité, elle s’intéresse à leurs manifestations concrètes en art actuel. Outre ses textes publiés dans <em>Espace art actuel</em>, <em>ETC MEDIA</em>, <em>Zone Occupée</em>, <em>Les Cahiers de la Galerie</em> et <em>Le Sabord</em>, elle a poursuivi ses recherches en écriture lors de résidences au Québec, à La Chambre Blanche (2014), au Centre Bang (2017) et en France, dans la commune de Saint-Mathieu (2015).</span></p>','De la vie lacunaire —un texte de Cynthia Fecteau','','inherit','closed','closed','','1476-autosave-v1','','','2019-06-28 14:14:17','2019-06-28 18:14:17','',1476,'http://vuphoto.org/fr/articles/1476-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4822,4,'2019-06-28 14:15:16','2019-06-28 18:15:16','<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a title=\"Faux Sites\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/473/Faux-Sites/\"><em>Faux Sites</em></a> de Gisele Amantea et <em><a title=\"one stack, three stacks\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/474/one-stack-three-stacks/\">one stack, three stacks</a> </em>de Christopher Boyne.\r\n\r\n</span>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pour réfléchir à l’humain, Arnold Gehlen, anthropologue et sociologue allemand du XX<sup>e </sup>siècle, a proposé une méthode : le concevoir comme un <i>être lacunaire</i>, physiologiquement déficient et vidé de ses instincts, voué aux mondes compensatoires de la technique et des institutions. Les propositions de Christopher Boyne et de Gisele Amantea renversent ce scénario fataliste, amplifient le réel en y superposant d’autres lignes de fuite, mondes fictifs et mises en doute de nos habitudes de regards.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Quand je regarde l’horizon lointain, je pense aux autres paysages que je verrais si j’y étais. À leur tour, ceux-ci font émerger un tiers espace et ainsi de suite. Ma vision doublée de l’imagination me donne toujours accès aux paysages derrière l’horizon, à ce qui se trouve à l’envers des objets que je côtoie et des espaces que j’habite. Il ne s’agit pas de sensations lacunaires que mes souvenirs viennent colmater, mais bien de la densité de ma propension à sublimer ce qui m’est donné par les sens. C’est l’affect sous-jacent à <i>one stack, three stacks </i>de Christopher Boyne, quand deux photographies de navires trouvées chez un antiquaire deviennent le creuset de toute une population de représentations.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Un court récit comportant des équivalences textuelles rigoureuses accompagne chaque photographie de navire. Saisissant jeu de miroir où les images et les mots sont offerts comme les données heuristiques d’un dispositif fictif. Car c’est bien le récit qui prend le pas, là où la phrase comme mesure logique et close rencontre le langage comme force primaire, spontanée et pragmatique. C’est un tiers espace qui émerge, qui me fait penser le monde dans la perspective du rêve, où les figures du double et l’imaginaire panoramique se dessinent en étendue dans mon rapport au réel.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Faux Sites</i> de Gisele Amantea, une distance entre différents régimes iconographiques se manifeste à ma conscience, comme la tentative de jouer sur les limites de ma connaissance de la culture. Un dessin du hall d’un musée montréalais évoque vaguement une des <i>Prisons imaginaires </i>de Giovanni Battista Piranesi et ses possibilités narratives angoissantes. Un migrant est couché au sol, brutale figure de proue de mon époque. J’appuie mon regard sur sa présence. La vertigineuse architecture recule en marge, mais ne cesse jamais d\'être là. On m’a dit par le passé qu’un musée est un <i>temple du beau</i>. Pourtant, à partir du moment où je pense ce refuge comme plénitude absolue, je le soustrais de l’envers et de l’endroit de mon monde massif. Le migrant m’y ramène dans tous les plans.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et d’autres images m’incitent encore à récuser mes croyances. Cagoulées, les Pussy Riot dans un souk d’Alep mettent en évidence les problèmes qui se posent à ma vision occidentale, tracent une ligne poreuse sur la valeur culturelle des choses. Les énergies en place – oppositions, déplacements, mélanges – ne rencontrent plus les difficultés dressées par certains de mes principes culturels privilégiant les séparations opaques. Comme elles, je veux renouer avec une fréquentation naïve du monde, ne plus être absolument étrangère à ces métissages. Sublimer, rêver et fabuler sont bien plus que l’envers d’une répression, mais un agir réel, une mise en récit, un étirement conjoint de mon corps et de ma pensée dans le monde.</p>','De la vie lacunaire —un texte de Cynthia Fecteau','','inherit','closed','closed','','1476-revision-v1','','','2019-06-28 14:15:16','2019-06-28 18:15:16','',1476,'http://vuphoto.org/fr/articles/1476-revision-v1/',0,'revision','',0),(4823,4,'2019-11-01 12:24:19','2019-11-01 16:24:19','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/pinel-nicolet-sq/\"><em>Pinel – Nicolet – SQ</em></a> d\'Emmanuelle Léonard <em>et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/479/Investigations/\">Investigations</a>.</em></span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie décrit moins qu’elle <i>révèle</i>. Capable d’arrêter le temps, d’en fixer la trace, elle prolonge le pouvoir de l’œil humain : voilà bien pourquoi depuis plus d’un siècle, on la croit <i>hypersensible</i>, et pourquoi on lui prête le pouvoir de faire apparaître quelque élément, quelque réalité imperceptible.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’histoire de la photographie, on le sait, est toute tissée de cette volonté de capter ce qui échappe à l’œil. Au tournant du XIX<sup>e</sup> siècle, déjà, la technique photographique nous aura permis de détailler le mouvement, de l’immobiliser, d’en comprendre les infimes étapes ; on aura pu comprendre le galop du cheval comme dans les photographies de Muybridge, les circonvolutions des fluides dans les images de Marey. Elle nous aura permis, de même, de saisir les corps et les objets, de les étudier, de les classer comme dans les projets anthropométriques d’identité judiciaire de Bertillon, ou dans les troublantes photographies d’hystériques de Charcot. Ces découvertes nous auront aussi donné l’occasion de rêver, de nous perdre dans des fabulations aussi belles que fantaisistes : et si l’image photographique se montrait capable, en raison de son pouvoir de révélation même, de saisir un monde invisible, doublant le nôtre, un monde d’esprits, de forces ?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">On sourit désormais de cette idée de <i>monde invisible</i> – et pour cause : nous ne sommes plus à l’ère des médiums et des tables tournantes, peu d’entre nous croient encore aux fantômes, aux ondes, aux esprits. Le temps de la photographie spirite, avec ses auras et ses ombres, semble bel et bien révolu.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, ce monde invisible existe. Il est bien là au milieu du visible, au milieu de nous. Il tient à tout ce qui opère en dessous du visible et ordonne : nos désirs, nos croyances, nos peurs, nos rêves, toutes ces structures qui anticipent et déterminent ce que nous pensons, ce que nous faisons, ce que nous souhaitons, toutes ces structures tiennent, si l’on y pense bien, de l’invisible.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">À saisir tout sans distinction, à donner à voir bien plus que ce que l’artiste croyait capter, la photographie semble dotée du pouvoir non pas de <i>montrer</i> cet invisible, mais de l’<i>indiquer</i>, d’en souligner le passage, les traces, les effets. À arrêter le regard, la photographie nous force à détailler ces visages, ces espaces ; elle nous force à y chercher ce qui, sans apparaître sur l’image, lui donne sa densité. En cela, la photographie se fait le moyen d’une enquête. D’une investigation, diraient certains.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’une de ces forces invisibles est évidemment le <i>pouvoir</i>, ces rapports de force qui déterminent ce que nous pouvons faire et dire, qui régissent nos comportements et nos gestes ; ceux que nous apprenons dans nos rapports interpersonnels, ceux aussi que l’on nous impose. L’exposition d’Emmanuelle Léonard nous plonge dans des environnements où le pouvoir s’exerce et se transmet. Ces traces sombres sur le mur de cette chambre de Pinel, ce miroir au coin de cette pièce d’entraînement de l’École nationale de police du Québec mal décorée, cette salle d’entretiens glaciale, nous indiquent bien que nous ne sommes plus dans une simple chambre ou dans un banal salon, mais face à la scène d’un théâtre, d’un dispositif où pourra se répéter, se pratiquer, s’enseigner l’exercice d’une autorité, d’un pouvoir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ce pouvoir s’apprend comme il se distribue par le biais du corps : celui que l’on entraîne, celui qu’on dissèque, que l’on sonde pour mieux le comprendre. La photographie de Léonard, descriptive, laisse ces espaces dépeuplés à leur silence : au bout d’un certain temps – celui du regard – c’est l’imagination du spectateur qui donne une voix à ces traces, imaginant les scènes qui s’y sont jouées, les gestes qui furent posés, ceux qui y furent appris, puis reproduits.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le livre photo permet d’élaborer des projets photographiques profitant de la spécificité du médium livresque, des projets travaillant, justement, sur ce qui ne saurait se réduire au visible. À la reproductibilité technique qu’offre le médium du livre, le livre photo permet, de même, de bâtir un univers ayant sa propre cohérence, un monde où la succession des images prolonge et parfois redouble leur portée singulière. En cela, et comme par définition, il rend compte d’un processus d’investigation que l’artiste nous offre comme un dossier à regarder, à lire, à feuilleter, à fréquenter, jusqu’à voir affleurer, lentement, ce qui donne son poids au visible.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Investigations</i>, quelque chose se manifeste, quelque chose que l’image photographique fait surgir, révèle : la violence de certains rapports humains, violence <i>qui s’indique</i> dans des regards, des postures ; la poésie de ces lieux que l’éblouissement de notre propre époque nous empêche de voir ; l’intimité, celle qui n’est pas faite pour être vue, ni dite, mais qui se découvre dans des expressions, des moments que la photographie trahit.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie révèle, disions-nous d’emblée. Dans notre ère de la vitesse et de l’urgence, celle aussi de la visibilité médiatique, elle nous prie de nous arrêter. À faire pause, au creux de ce silence, nous pourrons entendre son murmure : « Il est un autre monde. Regarde bien… »</p>','La photographie et l’invisible —un texte de Maxime Coulombe','','inherit','closed','closed','','1435-autosave-v1','','','2019-11-01 12:24:19','2019-11-01 16:24:19','',1435,'http://vuphoto.org/fr/articles/1435-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4824,4,'2019-06-28 14:23:29','2019-06-28 18:23:29','<span style=\"color: #888888\">Texte pour les expositions <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/470/Pinel-Nicolet-SQ/\"><em>Pinel – Nicolet – SQ</em></a> d\'Emmanuelle Léonard </span><em style=\"color: #888888\">et <a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/479/Investigations/\">Investigations</a></em>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie décrit moins qu’elle <i>révèle</i>. Capable d’arrêter le temps, d’en fixer la trace, elle prolonge le pouvoir de l’œil humain : voilà bien pourquoi depuis plus d’un siècle, on la croit <i>hypersensible</i>, et pourquoi on lui prête le pouvoir de faire apparaître quelque élément, quelque réalité imperceptible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’histoire de la photographie, on le sait, est toute tissée de cette volonté de capter ce qui échappe à l’œil. Au tournant du XIX<sup>e</sup> siècle, déjà, la technique photographique nous aura permis de détailler le mouvement, de l’immobiliser, d’en comprendre les infimes étapes ; on aura pu comprendre le galop du cheval comme dans les photographies de Muybridge, les circonvolutions des fluides dans les images de Marey. Elle nous aura permis, de même, de saisir les corps et les objets, de les étudier, de les classer comme dans les projets anthropométriques d’identité judiciaire de Bertillon, ou dans les troublantes photographies d’hystériques de Charcot. Ces découvertes nous auront aussi donné l’occasion de rêver, de nous perdre dans des fabulations aussi belles que fantaisistes : et si l’image photographique se montrait capable, en raison de son pouvoir de révélation même, de saisir un monde invisible, doublant le nôtre, un monde d’esprits, de forces ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On sourit désormais de cette idée de <i>monde invisible</i> – et pour cause : nous ne sommes plus à l’ère des médiums et des tables tournantes, peu d’entre nous croient encore aux fantômes, aux ondes, aux esprits. Le temps de la photographie spirite, avec ses auras et ses ombres, semble bel et bien révolu.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, ce monde invisible existe. Il est bien là au milieu du visible, au milieu de nous. Il tient à tout ce qui opère en dessous du visible et ordonne : nos désirs, nos croyances, nos peurs, nos rêves, toutes ces structures qui anticipent et déterminent ce que nous pensons, ce que nous faisons, ce que nous souhaitons, toutes ces structures tiennent, si l’on y pense bien, de l’invisible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À saisir tout sans distinction, à donner à voir bien plus que ce que l’artiste croyait capter, la photographie semble dotée du pouvoir non pas de <i>montrer</i> cet invisible, mais de l’<i>indiquer</i>, d’en souligner le passage, les traces, les effets. À arrêter le regard, la photographie nous force à détailler ces visages, ces espaces ; elle nous force à y chercher ce qui, sans apparaître sur l’image, lui donne sa densité. En cela, la photographie se fait le moyen d’une enquête. D’une investigation, diraient certains.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’une de ces forces invisibles est évidemment le <i>pouvoir</i>, ces rapports de force qui déterminent ce que nous pouvons faire et dire, qui régissent nos comportements et nos gestes ; ceux que nous apprenons dans nos rapports interpersonnels, ceux aussi que l’on nous impose. L’exposition d’Emmanuelle Léonard nous plonge dans des environnements où le pouvoir s’exerce et se transmet. Ces traces sombres sur le mur de cette chambre de Pinel, ce miroir au coin de cette pièce d’entraînement de l’École nationale de police du Québec mal décorée, cette salle d’entretiens glaciale, nous indiquent bien que nous ne sommes plus dans une simple chambre ou dans un banal salon, mais face à la scène d’un théâtre, d’un dispositif où pourra se répéter, se pratiquer, s’enseigner l’exercice d’une autorité, d’un pouvoir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce pouvoir s’apprend comme il se distribue par le biais du corps : celui que l’on entraîne, celui qu’on dissèque, que l’on sonde pour mieux le comprendre. La photographie de Léonard, descriptive, laisse ces espaces dépeuplés à leur silence : au bout d’un certain temps – celui du regard – c’est l’imagination du spectateur qui donne une voix à ces traces, imaginant les scènes qui s’y sont jouées, les gestes qui furent posés, ceux qui y furent appris, puis reproduits.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le livre photo permet d’élaborer des projets photographiques profitant de la spécificité du médium livresque, des projets travaillant, justement, sur ce qui ne saurait se réduire au visible. À la reproductibilité technique qu’offre le médium du livre, le livre photo permet, de même, de bâtir un univers ayant sa propre cohérence, un monde où la succession des images prolonge et parfois redouble leur portée singulière. En cela, et comme par définition, il rend compte d’un processus d’investigation que l’artiste nous offre comme un dossier à regarder, à lire, à feuilleter, à fréquenter, jusqu’à voir affleurer, lentement, ce qui donne son poids au visible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Investigations</i>, quelque chose se manifeste, quelque chose que l’image photographique fait surgir, révèle : la violence de certains rapports humains, violence <i>qui s’indique</i> dans des regards, des postures ; la poésie de ces lieux que l’éblouissement de notre propre époque nous empêche de voir ; l’intimité, celle qui n’est pas faite pour être vue, ni dite, mais qui se découvre dans des expressions, des moments que la photographie trahit.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie révèle, disions-nous d’emblée. Dans notre ère de la vitesse et de l’urgence, celle aussi de la visibilité médiatique, elle nous prie de nous arrêter. À faire pause, au creux de ce silence, nous pourrons entendre son murmure : « Il est un autre monde. Regarde bien… »</p>','La photographie et l’invisible —un texte de Maxime Coulombe','','inherit','closed','closed','','1435-revision-v1','','','2019-06-28 14:23:29','2019-06-28 18:23:29','',1435,'http://vuphoto.org/fr/articles/1435-revision-v1/',0,'revision','',0),(4825,4,'2019-11-01 12:28:57','2019-11-01 16:28:57','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/lessor/\"><em>L\'essor</em></a><em> de Matthieu Brouillard et <em><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/marges/\">MARGES</a> </em>de Jérémie Lenoir.</em></span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Le centre VU présente deux artistes dont les travaux sont très différents. Pourtant, l’un d’eux, Matthieu Brouillard, nous offre l’histoire d’une performance qui mène le protagoniste à une expérience visuelle dont les œuvres du second, Jérémie Lenoir, paraissent être la représentation.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Matthieu Brouillard, avec L’essor, donne la vedette à un des sujets de ses projets antérieurs, qui nous présentaient des personnages assez singuliers, cherchant désespérément à préserver leur individualité, acharnés à s’extirper d’un environnement envahissant, décor grotesque qui les incorporait à sa matière même. Ce sujet, Christian Forget, est atteint d’albinisme oculo-cutané et il désire, plus que tout, voler en parapente. Malgré sa condition dont découlent une peau dépigmentée ultrasensible aux rayons du soleil et un important handicap visuel, il a obtenu la permission d’effectuer des vols en solo, pourvu qu’il reçoive l’assistance radio d’un instructeur. Le voilà prêt, à 63 ans, à prendre son envol!</p>\n<p style=\"text-align: justify\">La référence au personnage mythique d’Icare, qui s’est brûlé les ailes en voulant atteindre le soleil, est ici incontournable. Pour tous, il représente le désir forcené d’échapper à sa condition. Évidemment, le sort que connaîtra Christian Forget est loin d’être aussi dramatique que son inspirateur. Mais, pour celui-là aussi, le soleil représente un danger et son désir d’élévation trahit la volonté d’échapper à une condition de personne handicapée qui le marginalise. On conçoit bien que, contrairement à son illustre prédécesseur, il ne sera pas puni pour son inqualifiable audace et qu’il s’élèvera, libre et heureux d’avoir su oser, pour planer au-dessus de ses frères humains. Il arrivera ainsi, dans les airs, à se singulariser de manière positive, cette fois.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Puisqu’il reviendra au sol sain et sauf, une caméra fixée à son casque, on peut imaginer qu’il sera en mesure, lors de sa descente, de capter des images semblables à celles de Jérémie Lenoir. L’exposition de ce dernier, Marges, présente des photos de certaines régions de la France et du Québec, images captées de lieux intermédiaires où le paysage affronte la transformation qu’il subit aux abords des grandes villes, alors qu’il passe des zones urbaines à des secteurs campagnards. La plongée radicale de la prise de vue, jointe à une constante dans la distance privilégiée de cette saisie depuis le sol, permet la production d’œuvres où l’image hésite entre réalisme géographique et tableau abstrait. Il n’y a guère d’éléments naturels reconnaissables dans ces images. Ou s’ils le sont, c’est tout juste, à la limite d’être identifiés. Seuls des mouvements sur un sol dénudé en viennent à composer des figures où véhicules et édifices peuvent être devinés, sans plus. Mais, par leur aspect graphique évident, leur dépouillement, ces images donnent à la terre les allures d’un labyrinthe dont nous serions tous les auteurs consternés, parce que nous y contribuons par des travaux résultant de nos désirs d’habitation. On comprend dès lors mieux les désirs d’élévation de certains. On imagine bien qu’il faille parfois prendre une distance pour mieux voir ce que nous avons fait de nos espaces de vie.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Icare s’envolait d’un labyrinthe dont il voulait à toutes forces, et son père avec lui, s’échapper. Christian Forget, lui, revient vers une terre qu’il trouverait, s’il était en mesure de bien la voir, difficilement reconnaissable sur les images de Jérémie Lenoir – une terre dont on peut se demander qui pourrait bien l’habiter.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Mais le retour sur cette terre cadastrée par nos travaux est inévitable.<span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">\n</span></p>','Icare —un texte de Sylvain Campeau','','inherit','closed','closed','','1393-autosave-v1','','','2019-11-01 12:28:57','2019-11-01 16:28:57','',1393,'http://vuphoto.org/fr/articles/1393-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4826,4,'2019-06-28 14:29:13','2019-06-28 18:29:13','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <em><a style=\"color: #000000\" title=\"L\'essor\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/508/L-essor/\">L\'essor</a></em><em> de Matthieu Brouillard et <em><a style=\"color: #000000\" title=\"MARGES\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/509/MARGES/\">MARGES</a> </em>de Jérémie Lenoir.</em></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le centre VU présente deux artistes dont les travaux sont très différents. Pourtant, l’un d’eux, Matthieu Brouillard, nous offre l’histoire d’une performance qui mène le protagoniste à une expérience visuelle dont les œuvres du second, Jérémie Lenoir, paraissent être la représentation.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Matthieu Brouillard, avec L’essor, donne la vedette à un des sujets de ses projets antérieurs, qui nous présentaient des personnages assez singuliers, cherchant désespérément à préserver leur individualité, acharnés à s’extirper d’un environnement envahissant, décor grotesque qui les incorporait à sa matière même. Ce sujet, Christian Forget, est atteint d’albinisme oculo-cutané et il désire, plus que tout, voler en parapente. Malgré sa condition dont découlent une peau dépigmentée ultrasensible aux rayons du soleil et un important handicap visuel, il a obtenu la permission d’effectuer des vols en solo, pourvu qu’il reçoive l’assistance radio d’un instructeur. Le voilà prêt, à 63 ans, à prendre son envol!</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La référence au personnage mythique d’Icare, qui s’est brûlé les ailes en voulant atteindre le soleil, est ici incontournable. Pour tous, il représente le désir forcené d’échapper à sa condition. Évidemment, le sort que connaîtra Christian Forget est loin d’être aussi dramatique que son inspirateur. Mais, pour celui-là aussi, le soleil représente un danger et son désir d’élévation trahit la volonté d’échapper à une condition de personne handicapée qui le marginalise. On conçoit bien que, contrairement à son illustre prédécesseur, il ne sera pas puni pour son inqualifiable audace et qu’il s’élèvera, libre et heureux d’avoir su oser, pour planer au-dessus de ses frères humains. Il arrivera ainsi, dans les airs, à se singulariser de manière positive, cette fois.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Puisqu’il reviendra au sol sain et sauf, une caméra fixée à son casque, on peut imaginer qu’il sera en mesure, lors de sa descente, de capter des images semblables à celles de Jérémie Lenoir. L’exposition de ce dernier, Marges, présente des photos de certaines régions de la France et du Québec, images captées de lieux intermédiaires où le paysage affronte la transformation qu’il subit aux abords des grandes villes, alors qu’il passe des zones urbaines à des secteurs campagnards. La plongée radicale de la prise de vue, jointe à une constante dans la distance privilégiée de cette saisie depuis le sol, permet la production d’œuvres où l’image hésite entre réalisme géographique et tableau abstrait. Il n’y a guère d’éléments naturels reconnaissables dans ces images. Ou s’ils le sont, c’est tout juste, à la limite d’être identifiés. Seuls des mouvements sur un sol dénudé en viennent à composer des figures où véhicules et édifices peuvent être devinés, sans plus. Mais, par leur aspect graphique évident, leur dépouillement, ces images donnent à la terre les allures d’un labyrinthe dont nous serions tous les auteurs consternés, parce que nous y contribuons par des travaux résultant de nos désirs d’habitation. On comprend dès lors mieux les désirs d’élévation de certains. On imagine bien qu’il faille parfois prendre une distance pour mieux voir ce que nous avons fait de nos espaces de vie.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Icare s’envolait d’un labyrinthe dont il voulait à toutes forces, et son père avec lui, s’échapper. Christian Forget, lui, revient vers une terre qu’il trouverait, s’il était en mesure de bien la voir, difficilement reconnaissable sur les images de Jérémie Lenoir – une terre dont on peut se demander qui pourrait bien l’habiter.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais le retour sur cette terre cadastrée par nos travaux est inévitable.<span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">\r\n</span></p>','Icare —un texte de Sylvain Campeau','','inherit','closed','closed','','1393-revision-v1','','','2019-06-28 14:29:13','2019-06-28 18:29:13','',1393,'http://vuphoto.org/fr/articles/1393-revision-v1/',0,'revision','',0),(4827,4,'2019-06-28 14:31:08','2019-06-28 18:31:08','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/chromogenic-curmudgeons/\">Two Old Friends Play Chess</a> de Chromogenic Curmudgeons et <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/laila-mestari/\">main sur coude à</a> de Laïla Mestari.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nComme il est permis de considérer qu’un discours puisse émerger entre les œuvres d’une exposition, il est intéressant de constater que le rapprochement des plages d’une programmation façonne parfois, lui aussi, un discours <em>entre les expositions</em>. C’est en quelque sorte ce qui se produit entre les propositions du duo Chromogenic Curmudgeons (formé des artistes Evergon et Jean-Jacques Ringuette) et celle de Laïla Mestari.\r\n\r\nS’il fallait d’abord se concentrer sur ce qui rapproche les deux productions, l’on devrait commencer par y relever un sens de la compulsion. Dans les deux cas, les œuvres semblent le fruit d’une force interne à produire de l’image, à faire image, et à enchevêtrer tantôt des objets divers, tantôt des fragments de la figure humaine. Les Curmudgeons entassent des objets-souvenirs, parfois reliés à des disparus, souvent à des relations avec autrui, tous attachés entre eux par et dans l’espace privé, « celui de la mémoire et de la vie intérieure ». Laïla Mestari, en revanche, charge la galerie entière de gestes accumulés, ceux qui restent relativement visibles dans les fragments d’images qu’elle présente et d’autres, dont résultent les interventions dans l’espace ou les objets sculptés.\r\n\r\nDans les deux cas, il s’agit bel et bien de faire preuve d’une manière engageante de créer des <em>displays</em>, des vitrines passablement baroques. Toutefois, le rapport à l’espace physique de l’image photographique semble opposé entre les deux productions. Dans leurs natures mortes, les premiers focalisent l’attention photographique sur une collection compacte d’objets hétéroclites ; selon un mode plus volontiers installatif, Mestari éclate, pour sa part, dans l’espace ce que la caméra a pu produire de signes.\r\n\r\nPour les Curmudgeons, les objets s’accumulent sur des tables de verre rendant difficile la lecture de l’espace et encore plus complexe le sens de cette collection. Avec Mestari, le volume entier de la galerie se retrouve habillé alors que des papiers peints bricolés animent les murs. Et tandis que les amoncellements d’objets du duo finissent par faire bruit, notamment dans des images encore plus déroutantes que les autres, évoquant les taches de Rorschach, chez Mestari, c’est l’accumulation des signes qui recoud, pour ainsi dire, les liens à travers la disparité des interventions et crée peut-être enfin le contraire de ce que l’humour nettement affiché annonçait de prime abord, comme un affolement.\r\n\r\nEntre le basculement des plans de la table de verre chez les uns et, chez l’autre, le renversement de cet humour qui dévoile finalement une frénésie, un même mouvement paraît opérer, selon lequel le débordement palpable traduit des rituels particuliers dont le spectateur est invité à remonter le cours. C’est bien ce qui semble réunir ces productions, qui engagent le corps autant que l’œil.\r\n\r\nDans les deux cas, par ailleurs, une impression s’impose rapidement, celle que les collections offertes à la vue dépassent les catégories bien définies qui caractérisent ce qu’il s’agit d’accumuler. Ainsi, plus ou moins épars, des objets et des gestes semblent avoir été rassemblés, qui ont été touchés ou qui désirent toucher, s’inscrivant dans le texte de notre environnement depuis des décors dont on ne savait rien avant d’arriver. Si bien qu’en somme, on se demande si le titre d’une des œuvres de Mestari, <em>Cette émotion ultime</em>, ne pourrait pas convenir aux deux expositions présentées. En effet, les rituels offerts ici ont tout pour entrer dans les nôtres.','Rituels —un texte de Bernard Lamarche','','inherit','closed','closed','','4540-revision-v1','','','2019-06-28 14:31:08','2019-06-28 18:31:08','',4540,'http://vuphoto.org/fr/articles/4540-revision-v1/',0,'revision','',0),(4828,4,'2019-06-28 14:32:05','2019-06-28 18:32:05','<p class=\"p1\"><span class=\"s1\" style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/temps-libres-photobooks/\">Temps libres : Photobooks</a><em> de Thomas Bouquin, Jean-François Hamelin et Josée Schryer du Photobook Club - Montréal et <a style=\"color: #000000\" title=\"MARGES\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/assemblages-2/\">Assemblages</a> de Maxime Rheault et Valerian Mazataud.</em></span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p class=\"p1\"><span class=\"s1\">En prenant comme point de départ la réflexion de VU pour cette année de programmation, le Photobook Club – Montréal vous propose de feuilleter une sélection de « photobooks » récents qui ont attiré notre attention en reflétant différentes manières d’interpréter l’expression Temps libres.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Dans la première section de l’exposition, vous découvrirez des projets qui portent une réflexion sur l’errance, l’exploration du territoire et l’idée du « wanderlust ». Prendre son temps pour observer, pour traîner. Pendant cinq ans, l’artiste japonais Chikara Umihara a parcouru les États-Unis en autocar Greyhound sans aucune destination précise en tête. Voyageant à travers les villes et les campagnes, l’artiste a limité les images du livre aux espaces confinés de l’autocar et des gares où il s’est arrêté. Whispering Hope est un carnet de voyage sans point de départ ni d’arrivée.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Dans la deuxième section de l’exposition, l’idée de Temps libres est explorée dans le sens du hobby, du loisir et de l’évasion. Melissa Catanese s’amuse à créer des narrations à partir des photographies vernaculaires de la collection de Peter J. Cohen. Dans Voyagers, elle a rassemblé des images d’individus qui semblent captivés par leurs lectures. Ces photos sont ponctuées d’autres visions: des paysages, un ciel étoilé, des pyramides ou un rayon de soleil entrant par la fenêtre, ce qui nous permet d’imaginer les mondes visités par les sujets pendant leurs flâneries.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Pour la troisième section de l’exposition, le Photobook Club – Montréal s’est arrêté un peu plus sur le concept de liberté. Une expression de liberté, la liberté d’expression, d’expérimentation. Prendre le temps d’élargir ses horizons. Dans la tradition du road trip photographique, le duo d’artistes Nico Krebs et Taiyo Onorato met le cap sur Oulan-Bator, capitale de la Mongolie où iI s’attend à rencontrer le mystique et le surréel, à affronter l’inconnu. Les images de Continental Drift repoussent les limites du documentaire et offrent une nouvelle lecture du territoire en nous proposant des paysages parfois réels mais surprenants, d’autres fois créés de toutes pièces.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Prendre du temps pour explorer et expérimenter, c’est ce que la résidence de création Assemblages permet. Pour cette deuxième édition, ce sont Valérian Mazataud et Maxime Rheault qui, en travaillant sur leurs maquettes respectives de livres photo en galerie, entameront un dialogue dans l’espace américain. Cet échange se poursuivra avec les visiteurs et les différents intervenants qui passeront par VU entre le 12 et le 27 janvier.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Entre 2015 et 2016, Mazataud s’est rendu au Honduras pour investiguer une croyance de la communauté des Miskitos qui veut que leurs pêcheurs soient victimes d’une malédiction pour avoir pilé le fond des eaux. Lors de cette résidence en galerie, il cherchera à brouiller les repères du photojournalisme en infusant une nouvelle ouverture dans la narration de son projet de livre Liwa Marin, qui est à paraître dans l’année à venir.\r\n\r\n</span><span class=\"s1\">Rheault travaillera sur la mise en forme d’un possible livre photo à venir, à partir d’un corpus d’images réalisées lors de deux voyages à Tokyo en 2008 puis en 2018. Il souhaite jouer avec les codes identitaires se manifestant dans sa série photographique en manipulant la séquence et le rythme des images, ainsi qu’en considérant la matérialité du livre en tant qu’objet. Son expérience comme designer graphique (Criterium design) l’a amené à collaborer à plusieurs projets d’édition, ce qui rendra les échanges en galerie des plus enrichissants.</span></p>','Temps libres : Photobooks —un texte de Josée Schryer','','inherit','closed','closed','','2601-revision-v1','','','2019-06-28 14:32:05','2019-06-28 18:32:05','',2601,'http://vuphoto.org/fr/articles/2601-revision-v1/',0,'revision','',0),(4829,4,'2019-06-28 14:33:29','2019-06-28 18:33:29','Texte pour l\'exposition <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/le-roc-derce/\">Le Roc d\'Ercé</a> de Thomas Bouquin.\n\n&nbsp;\n\nEn remontant la trajectoire parcourue par ses ancêtres, Thomas Bouquin retrace le fil des événements depuis la fin du XIX<sup>e </sup>siècle à aujourd’hui qui ont donné lieu à des vagues d’immigration successives en provenance de la vallée d’Ercé en France vers New York. Un récit photographique singulier au sein duquel la mémoire s’incarne à travers des objets et des personnages du présent, provoquant un aplanissement de temps et de lieux où s’activent les métaphores.\n\nEnracinement, dualité, labilité tissent la toile de fond du <em>Roc d’Ercé</em>, avec comme préambule les montreurs d’ours, premiers migrants qui ont mis le pied en Amérique à la recherche d’une vie meilleure. Par d’habiles changements d’échelle et d’inversions spatio-temporelles, Thomas Bouquin reconstitue un ensemble d’objets associés à ces amuseurs publics et donne des visages aux descendants d’exilés ercéens, qu’ils soient membres de sa famille ou autres héritiers repérés lors de son périple en forme de pèlerinage. Sont également mises en parallèle des images des chaînes de montagnes pyrénéennes et du paisible village d’Ercé, avec celles des gratte-ciel de Manhattan et d’un Central Park surpeuplé.\n\nBien que ces chassés-croisés soient l’expression d’une double appartenance, voire d’inclinaisons et de flottements identitaires, Thomas Bouquin fixe paradoxalement son récit autour d’un rocher situé au cœur de Central Park. Point de rencontre, d’échanges et d’entraide, le roc fait dès lors figure de pierre angulaire chez ces migrants mi-ercéens mi-américains en quête d’assises. En retournant sur les pas de son arrière-arrière-grand-mère, le photographe cherche à donner un nouveau corps à l’histoire. Toutes empreintes saisies deviennent ainsi des pièces à conviction pour la construction d’un récit personnel et collectif à réinventer. C’est qu’entre la double posture des exilés, s’insère ici un vaste espace, permettant à l’imaginaire, comme à l’autofiction, de se déployer.','Le Roc d\'Ercé —un texte de Mona Hakim','','inherit','closed','closed','','2170-autosave-v1','','','2019-06-28 14:33:29','2019-06-28 18:33:29','',2170,'http://vuphoto.org/fr/articles/2170-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4830,4,'2019-06-28 14:33:36','2019-06-28 18:33:36','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/le-roc-derce/\">Le Roc d\'Ercé</a> de Thomas Bouquin.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn remontant la trajectoire parcourue par ses ancêtres, Thomas Bouquin retrace le fil des événements depuis la fin du XIX<sup>e </sup>siècle à aujourd’hui qui ont donné lieu à des vagues d’immigration successives en provenance de la vallée d’Ercé en France vers New York. Un récit photographique singulier au sein duquel la mémoire s’incarne à travers des objets et des personnages du présent, provoquant un aplanissement de temps et de lieux où s’activent les métaphores.\r\n\r\nEnracinement, dualité, labilité tissent la toile de fond du <em>Roc d’Ercé</em>, avec comme préambule les montreurs d’ours, premiers migrants qui ont mis le pied en Amérique à la recherche d’une vie meilleure. Par d’habiles changements d’échelle et d’inversions spatio-temporelles, Thomas Bouquin reconstitue un ensemble d’objets associés à ces amuseurs publics et donne des visages aux descendants d’exilés ercéens, qu’ils soient membres de sa famille ou autres héritiers repérés lors de son périple en forme de pèlerinage. Sont également mises en parallèle des images des chaînes de montagnes pyrénéennes et du paisible village d’Ercé, avec celles des gratte-ciel de Manhattan et d’un Central Park surpeuplé.\r\n\r\nBien que ces chassés-croisés soient l’expression d’une double appartenance, voire d’inclinaisons et de flottements identitaires, Thomas Bouquin fixe paradoxalement son récit autour d’un rocher situé au cœur de Central Park. Point de rencontre, d’échanges et d’entraide, le roc fait dès lors figure de pierre angulaire chez ces migrants mi-ercéens mi-américains en quête d’assises. En retournant sur les pas de son arrière-arrière-grand-mère, le photographe cherche à donner un nouveau corps à l’histoire. Toutes empreintes saisies deviennent ainsi des pièces à conviction pour la construction d’un récit personnel et collectif à réinventer. C’est qu’entre la double posture des exilés, s’insère ici un vaste espace, permettant à l’imaginaire, comme à l’autofiction, de se déployer.','Le Roc d\'Ercé —un texte de Mona Hakim','','inherit','closed','closed','','2170-revision-v1','','','2019-06-28 14:33:36','2019-06-28 18:33:36','',2170,'http://vuphoto.org/fr/articles/2170-revision-v1/',0,'revision','',0),(4831,4,'2019-06-28 14:35:21','2019-06-28 18:35:21','<span style=\"color: #000000\"><strong>Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/ondes-lumineuses-echange-quebec-glasgow/\">Ondes lumineuses</a>.</strong></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<strong>Avant-propos</strong>\r\n\r\nPuisqu’il est question d’une résidence, effaçons-en les murs. À cheval et à la verticale sur les territoires québécois et écossais, ils se feront alors ponts et ancrages, promesses de voyage pour s’arrimer dans l’autre image.\r\n\r\nLes gestes et regards résidents de Bertrand Carrière, Mat Hay, Melanie Letoré et Josée Pedneault ne seront pas ici retracés : pour ne jamais limiter la résidence à ses quatre murs ; pour ne rien refermer sur la création ; pour ne pas pointer uniquement l’apparition ; pour que chaque image ouvre alors un lieu, un temps d’une chambre nouvelle, où nous pourrons résider à notre tour, invités à traverser des brumes et à voyager autour de leurs chambres.\r\n\r\n<strong>Jour moins un</strong>\r\n\r\n<em>Having two homes / Avoir deux “chez-soi”<sup><strong>[1]</strong></sup></em>\r\n\r\nIl avait peur de voyager au-dessus de l’océan, ne l’avait dit à personne. Il ne savait pas quoi mettre dans sa valise, il voulait que l’avion soit léger, qu’il puisse s’envoler sans risque de s’écraser. Il voulait que son œil et ses gestes ne soient teintés d’aucune habitude ni d’aucun objet rattaché à son bord du monde. Il s’était dit qu’il achèterait plutôt une brosse à dents de l’autre côté de l’océan. Il se retrouverait devant un miroir, de cet autre côté d’un autre matin qui changerait son regard. Il se disait qu’il regarderait tout différemment, même son visage et la pâte à dents.\r\n\r\n<strong>Jour zéro</strong>\r\n\r\nIl avait tout de même pris quelques vêtements, une veste de pluie, puis s’était enfui. De son miroir et de son appartement, de sa chambre, de la chambre noire et du vent qui avait fait claquer la porte derrière lui, brusquement.\r\n\r\n<strong>Jour un</strong>\r\n\r\n<em>The first image to share is simply the view [...] </em><em style=\"font-size: 2.3rem\">taken on the first morning of the residency<sup><strong>[2]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nIl était tombé dans la brume du matin. Elle goûtait un peu l’air marin, après l’air conditionné de l’allée de l’avion. « De l’air conditionnel », avait-il pensé, en ouvrant sa bouche et ses narines un peu plus grandes. Il en avait aspiré une gorgée, en un souffle reconditionné.\r\n\r\n« J’aimerais capturer ce souffle. » Il savait qu’il ne rentrerait pas dans l’objectif et s’était alors promis de photographier la brume tous les jours, de faire entrer l’air contre la lentille, d’inviter l’un et l’autre à se rencontrer comme des étrangers matinaux qui s’éveillent en évoquant leur nom pour la première fois. Un peu après, la brume s’était effilée et la ligne des bâtiments autour avait commencé à se déplacer à la verticale par à-coups, au rythme des rails.\r\n\r\nIl était entré dans sa chambre et avait regardé la table vide au bord du mur. Une promesse d’images où se dessinaient mentalement les rectangles des photographies qui y siégeraient, s’y découperaient en pochoirs de temps, prisons d’instants naviguant sans cadran. Le décalage avait eu raison de ses repères horaires.\r\n\r\n<strong>Jour trois</strong>\r\n\r\n<em>This morning, for a few minutes, </em>\r\n\r\n<em>I couldn’t see the mountains North-East of Quebec from my window<sup><strong>[3]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nLa brume venait le visiter chaque matin. Il lui avait offert un coin de fenêtre et une bâche de fortune pour leur rendez-vous quotidien. Il installait son objectif contre elle, à la fois exigeant et timide, effacé et conciliant. Il avait trouvé la routine qui le déroutait, le repère à visiter pour ne jamais la regarder à l’identique. Il pensait parfois à la lumière de l’autre côté de l’Atlantique et à ce qu’il avait appris : les réglages, l’œil solide, les pas dans l’atelier, la crainte du développement. Son œil ici fuyait, vagabond de brumes qui mangeait tout, un témoin constamment hors champ et surexposé à ce qu’il voyait. Il écoutait sans pouvoir détacher tous les mots, détourer tous les lieux, tracer toutes les rues, pointer tous les horizons. La tête lui tournait parfois.\r\n\r\n<strong>Jour sept</strong>\r\n\r\n<em>Habituellement, je ne sens pas la responsabilité d’être vraie par rapport à l’image, </em><em>sa date, son lieu, son contexte ou même ses couleurs naturelles<sup><strong>[4]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nAujourd’hui, le ciel ne s’était pas levé. Ce dernier était écrasé à terre et il devait regarder ses pieds attentivement à chacun de ses pas pour ne pas le briser. Il sentait sa caméra comme un corps étranger dans un pays greffé.\r\n\r\n<strong>Jour dix</strong>\r\n\r\n<em>Il me faut éliminer tout exotisme et ne garder que des images qui soient énigmatiques. </em><em>Puis, ramener le projet le plus proche possible de moi-même<sup><strong>[5]</strong></sup>.</em>\r\n\r\nLa table est habitée, les rectangles d’images assemblées sur son horizontal s’enfilent en collier de perles, en tas, en monticules des temps et lieux passants qui dépassent les murs. Il clôt du regard ses quatre coins, puis dévie vers celui de la fenêtre. Il devine la brume de l’autre côté, qui réside dans la nuit. Il enclôt les coins de la table, enserre chacune des images dans son œil. Il pense à son premier souffle de brume et à la mécanique des jours. La table l’observe, l’étau de mémoire est photographique, pour tracer les frontières sur une carte sans nom d’un pays dénommé dont les noms de rues lui accrochent encore la langue.\r\n\r\n<strong>Jour quinze</strong>\r\n\r\nIl a emprisonné les images pour remonter à bord. En bordure et hors champ réside encore le temps : temps de l’autre, antihoraire et à rebours qui défile dans la brume, de l’autre côté du monde. Chaque jour, il l’avait suivi dans la rue comme on suit la silhouette d’un inconnu, puis l’avait retrouvé au petit matin comme un complice dont on prononce le nom en chuchotant.\r\n\r\nClaire Moeder, août 2018\r\n\r\n&nbsp;\r\n<h6><sup>[1]</sup> Melanie Letoré, “Week 2 – back in Geneva”, dans <em>Photodialogues</em>, 29 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva\">http://photodialogues.net/week-2-back-in-geneva</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[2]</sup> Mat Hay, “Bonjour Quebec!”, dans <em>Photodialogues</em>, 6 avril 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/bonjour-quebec\">http://photodialogues.net/bonjour-quebec</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[3]</sup> Melanie Letoré, “Quebec Day 24”, dans <em>Photodialogues</em>, 23 octobre 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/quebec-day-22\">http://photodialogues.net/quebec-day-22</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[4]</sup> Josée Pedneault, “Day 10 – Photo vérité”, dans <em>Photodialogues</em>, 22 août 2017, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/day-10-photo-verite\">http://photodialogues.net/day-10-photo-verite</a>.</h6>\r\n<h6><sup>[5]</sup> Bertrand Carrière, “Et à la fin…”, dans <em>Photodialogues</em>, 30 juin 2018, édition en ligne, <a href=\"http://photodialogues.net/et-a-la-fin\">http://photodialogues.net/et-a-la-fin</a>.</h6>\r\n<h6></h6>','Le berceau de brume : faire voyage là où l’image disparaît —un texte de Claire Moeder','','inherit','closed','closed','','2132-revision-v1','','','2019-06-28 14:35:21','2019-06-28 18:35:21','',2132,'http://vuphoto.org/fr/articles/2132-revision-v1/',0,'revision','',0),(4832,4,'2019-06-28 14:37:13','2019-06-28 18:37:13','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les attentes</em></a> d\'Evelyne Leblanc-Roberge et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</em></a> d\'Elsa Stubbé.</span>\r\n</span></p>\r\n&nbsp;\r\n\r\nEvelyne Leblanc-Roberge et Elsa Stubbé investissent les galeries de VU avec leurs projets respectifs, <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i>. Bien qu’issus de quêtes exploratoires distinctes et articulées selon des protocoles méthodologiques divergents, ces corpus photographiques se rejoignent à plusieurs égards. Leurs résonances mutuelles contribuent à faire émerger des bribes de sens qui sauront ouvrir le bal de la nouvelle programmation chez VU, axée cette année autour de la notion de liberté en création.\r\n\r\nLes deux artistes proposent des transpositions dans l’espace de séries photographiques initialement diffusées sous la forme de livres. Tirant parti des possibilités offertes par les paramètres de la galerie d’exposition, elles reconfigurent la logique narrative de leurs corpus en les redéployant dans l’espace selon différents jeux d’échelle et dispositifs de présentation. Ces propositions nous permettent de parcourir autrement leurs univers photographiques, et d’en faire l’expérience sous un nouveau jour.\r\n\r\nChez Leblanc-Roberge comme chez Stubbé, la photographie constitue un médium de prédilection pour sonder nos rapports aux espaces que nous occupons, qu’ils soient intérieurs et cloîtrés ou extérieurs et étendus; qu’ils soient réels et habités ou imaginaires et rêvés. Un certain nombre d’images présentées ouvrent à des espaces libérés de toutes contraintes tels que le ciel bleu et l’écosystème naturel laissé intact, alors que d’autres laissent entrevoir des lieux délimités et contrôlés, signifiés notamment par le mur de béton ou le paysage aménagé du jardin botanique.\r\n\r\nLes photographies déroutantes de Leblanc-Roberge offrent des perspectives souvent tronquées de scènes énigmatiques donnant à voir les vestiges de ce qui n’est plus : une voiture détériorée abandonnée; les empreintes de ce qui était jadis accroché sur un mur; le soleil couchant prêt à disparaître à l’horizon. Celles de Stubbé érigent une vision décalée et parcellaire du monde naturel conjugué au cosmos, en répertoriant des atmosphères et formes curieuses trouvées au fil d’explorations improvisées.\r\n\r\nDans les deux cas, ces images témoignent d’une spontanéité affirmée dans le choix de sujets qui, pour la plupart, sont survenus au fil d’errances antérieures. Ressorties des archives personnelles des photographes, elles sont réinvesties à l’aune de pistes de recherche définies : Leblanc-Roberge y replonge en s’inspirant des lieux décrits par ses interlocuteurs, alors que Stubbé y sélectionne des perspectives inédites du monde naturel. Ces images latentes prennent dès lors sens dans leurs mises en relation les unes avec les autres, et dans leurs interrelations poétiques avec le texte et l’image d’archives.\r\n\r\nChez Leblanc-Roberge, le caractère indiciaire de l’image photographique trouve son pendant dans les fragments découpés de lettres écrites à la main. Ces traces parcellaires de correspondances sensibles entre l’artiste et des personnes incarcérées agissent sur notre lecture polysémique des images récoltées. Stubbé, quant à elle, complète sa collecte d’images photographiques avec celle des ouvrages de vulgarisation scientifique et de science-fiction. Elle condense un ensemble d’images-sources pour élaborer des collages aux compositions surréelles. La construction manifeste de ces images, ici indiquée par les découpes assumées du processus de collage, atteste la présence de l’artiste dans l’élaboration de fictions.\r\n\r\nUn passage anonyme issu des lettres de Leblanc-Roberge s’avère particulièrement emblématique des deux projets artistiques : « it’s a rather strange life these days »<sup>1</sup> . <i>Les attentes</i> et <i>Les extraterrestres ont mangé mon jardin</i> produisent justement cet effet, celui de faire étrange. Leurs visions singulières ouvrent des brèches symboliques de détours dans l’imaginaire poétique; elles procurent des mises à distance momentanées du monde tel qu’on le connaît. Que ce soit pour mieux aménager nos mondes environnants à nos mondes intérieurs ou pour établir de meilleurs rapports aux espaces que nous habitons, la fuite du monde (facilitée par le geste artistique) nous permet ici de mieux y revenir.','Errances imaginaires —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','1687-revision-v1','','','2019-06-28 14:37:13','2019-06-28 18:37:13','',1687,'http://vuphoto.org/fr/articles/1687-revision-v1/',0,'revision','',0),(4833,4,'2019-06-28 14:37:57','2019-06-28 18:37:57','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition collective <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/551/Je-ai-reste-rien-special-vous-dire/\"><em>Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire</em></a> réfléchie par Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx.</span>\r\n</span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\"><em>Je vous ai demandé de venir dîner dans cette île parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire. Mais j’ai peur qu’il ne fasse bien humide et que vous n’ayez froid. (…) Je vous permets, madame, de lutter encore un quart d’heure contre le froid, pour ne pas vous tourmenter, mais dans un quart d’heure, je vous ramènerai de force. Je ne veux pas vous faire prendre un rhume.\r\n</em>– Marcel Proust</p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je vous ai proposé de visiter cette exposition parce que j’ai pensé que ce cadre vous plairait. L’été approchant, il me semblait qu’il fallait nous revoir, au moins une dernière fois, avant que la perspective de l’automne ne nous rattrape.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Depuis maintenant un an que je réfléchis à ce que c’est, d<i>’inventer le risque</i>. Plusieurs autres artistes et visiteurs sont passés par ici avant vous pour y réfléchir aussi. J’ai imaginé ces quatre-là dans une même exposition, non pas pour conclure le cycle en cours, mais pour continuer à investiguer cette grande idée. En faisant tenir ces propositions ensemble, j’ai cherché à mieux vous nourrir, mais aussi à vous déstabiliser un peu. Peut-être en résistance à une époque où on lisse les apparences pour ne pas déranger, où on tourne les coins ronds pour ne pas perdre de temps. J’espère que ces œuvres, les unes aux côtés des autres, dialogueront et dissoneront afin que vous entriez en relation avec elles, que vous vous abandonniez à vos sens, que vous vous jouiez des idées préconçues. Ne vous en faites pas trop : l’expérience est sans danger, mais pas sans conséquence.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il faut toutefois bien regarder où vous mettez les pieds. Je vous explique : John a récolté quelques fleurs coupées, qu’il a placées dans des boîtes posées au sol. Elles sont destinées à faner, de toute façon. Être en leur présence, c’est prendre conscience de leur fatalité. Qu’elles vous invitent à l’émerveillement ou au recueillement, qu’elles vous imposent leur silence en s’épanouissant et en dépérissant à mesure que le temps passe. Cette tranquillité en action vous laisse la place pour reconsidérer le rôle de la lumière et imaginer ce qu’elle révélera, ou éteindra, comme par magie, dans un futur proche. Car c’est bien le temps qu’elle prend en otage. Mon temps à moi, votre temps à vous, mais aussi celui de l’univers, qui s’écoule au rythme des vivants et nous abandonne à nos deuils.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais vous aurez vite compris que le recueillement ne se fait jamais dans un silence complet. La vie bavarde et s’agite, continue à tourner, à virevolter, ignorante de ce qui vous habite, indifférente même. Pascale construit des roues qui la reflètent, elle le sait donc mieux que vous et moi. Leur mécanique hasardeuse marque la surface du sol sur lequel chacune d’elles se débat maladroitement mais sournoisement, tentant de vous aveugler par la lumière qu’elle fait jaillir de son œil insolent. Ensemble, les images qu’elles nous renvoient chahutent; elles rient de vous et moi en rapportant des anecdotes intimes ou compromettantes, elles s’enorgueillissent d’être si autonomes comme elles se tiennent devant vous. Quel charme, cette impudence !</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’étourdissement général, Michelle saura vous rappeler que la vie laisse aussi des traces sur le corps. Discrètement, elle est venue parler de son besoin de repos par l’image même de sa peau. Il faut bien entendre que le repos est nécessaire, de temps à autre, pour celle qui anticipe, qui surpasse vos attentes, qui cherche à vous surprendre ou à vous questionner, à repousser les limites. Le corps réclame de la tendresse, qu’on lui laisse le temps de vieillir, qu’on le soigne. Sa peau comme un papier se flétrit au gré d’expériences qui imposent leur répit, pour que tout ça ne soit pas vain.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ceux-là, créateurs, regardeurs et œuvres, discutent et réfléchissent ensemble, aspirent à être libres. Et sans arrêt l’un vient déranger l’autre, qui réclame temps et attention. À tous coups, un détail cloche et fait se détraquer l’ensemble, forçant ainsi le mécanisme à repartir à zéro, donnant naissance à un nouvel épisode. D’ailleurs, j’avais presque oublié de vous en parler : Lucie, qui était restée ici tout le mois dernier, a laissé quelques preuves de son passage. Ce n’est pas un hasard : il reste toujours des traces de ceux qui passent quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais j’ai peur que vous ne réalisiez pas que cette exposition est un territoire où il est permis, pour nous qui faisons et nous qui recevons, de nous commettre. Il porte les marques de nos échanges, les disputes, les blessures, les coupures. Il accueille des rencontres improbables, voire autodestructrices, et nos réconciliations aussi. C’est ce qui nous fait réfléchir, nous fait mieux nous connaître. Il fallait inventer ce risque.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je n’ai du reste rien de spécial à vous dire, car je crois que les œuvres en ont déjà beaucoup dit. Je vous rappellerai ici dans quelques mois, quand vous aurez des temps libres, avec sans doute beaucoup de photographies à vous montrer.</p>','Je n\'ai du reste rien de spécial à vous dire —un texte de Fanny Mesnard et Anne-Marie Proulx','','inherit','closed','closed','','1662-revision-v1','','','2019-06-28 14:37:57','2019-06-28 18:37:57','',1662,'http://vuphoto.org/fr/articles/1662-revision-v1/',0,'revision','',0),(4834,4,'2019-06-28 14:39:05','2019-06-28 18:39:05','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/550/Etant-donnes/\"><em>Étant donnés</em></a> de Lucie Rocher et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/572/painter-project-/\"><em>painter project</em></a><strong> </strong>de Simon M. Benedict.</span>\r\n</span></p>\r\n&nbsp;\r\n\r\n<i>Épistémologiquement, l’imaginaire de la production concevait le monde comme </i>matières<i> engagées dans des rapports objectifs et finis de transformation. Il semble que l’imaginaire de la reproduction technologique conçoive plutôt le monde comme processus de synthèse, perpétuellement accéléré par d’infinis courants de virtualités.\r\n</i>– René Lapierre, <i>L’Atelier vide</i>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le travail active la matière du monde, c’est ce qui lui donne forme, ce qui la modèle selon une volonté, un plan, une ambition. L’échelle de cette matière n’a pas d’importance : tout commence au niveau moléculaire, pour éventuellement y retourner. Entre-temps sont créés des images et des objets, des outils et des espaces. Puis d’autres outils qui remodèleront la matière, recomposeront les images, et d’autres espaces où travailler différemment. La matière suit un cycle qui lui appartient et la possède tout à la fois. C’est aussi ce qu’on pourrait nommer le processus.\r\n\r\nLe mot <i>processus</i> vient du latin <i>pro</i> (au sens de « vers l’avant ») et de <i>cessus</i>, <i>cedere</i> (« aller, marcher »), ce qui signifie aller vers l’avant, avancer. Le processus projette et envisage. Dans ce mouvement, cette avancée, se trouve ce qu’on ne sait pas encore, ce qu’on ne connaîtra qu’au terme d’un ensemble complexe de gestes, d’intuitions et de décisions. C’est le travail lorsqu’il active l’inconnu, lorsqu’il progresse à l’aveugle dans l’espace de l’atelier et dans celui, abstrait, de la pensée. Dans le processus logent des vestiges du temps : les passages de la matière.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Si l’immobilité de l’image photographique ne peut traduire la littéralité du mouvement qui parfois l’habite, elle en est le témoin silencieux. En contrepartie, la vidéo et le cinéma redonnent à l’écran le caractère mouvant de toute chose. Au cœur du processus cependant, l’image – quelle qu’elle soit – danse, se superpose et se juxtapose, se voile ou reflète un hors-champ. Qu’elle soit fixe ou non, elle étend ses possibilités et distend le réel. Le processus mobilise l’image, il la meut dans un espace donné.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’atelier est un espace à la fois donné et témoin. Et c’est désormais un lieu physique tout autant qu’un écran : la projection d’idées excède le contexte, crée du réseau. D’<i>infinis courants de virtualités</i> traversent l’atelier, infiltrent l’art et le reste, le monde et sa production, son activité. Ce faisant, le processus se désancre de la matière de manière à devenir labeur désincarné. Un travail de 0 et de 1 cohabite avec le modelage et la coupe du bois, la peinture et la photographie. Mais l’atelier demeure habité : labeur et attente l’occupent, une attention est à l’œuvre.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans l’atelier aussi, l’artiste : observant l’ordre et le désordre de la vie, catalysant l’idée de transformation du monde, de transmutation des matières. Derrière le labeur artistique, il active les processus et travaille à désorienter l’existence des choses en les interrogeant – agglomérant et atomisant leur cœur battant. Il rompt des liens, déplace des préfixes, remixe, puis repense la récursivité des procédures. Il reformule incessamment un rapport au monde qui ne peut être fixé – qui n’est jamais autre chose que résilience et métamorphose.</p>','Le travail, le processus —un texte de Nathalie Bachand','','inherit','closed','closed','','1647-revision-v1','','','2019-06-28 14:39:05','2019-06-28 18:39:05','',1647,'http://vuphoto.org/fr/articles/1647-revision-v1/',0,'revision','',0),(4835,4,'2019-06-28 14:39:44','2019-06-28 18:39:44','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition collective<em> <a style=\"color: #000000\" title=\"Appareillage\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/549/Exposition-collective-reflechie-par-Peio-Eliceiry/\">Appareillage</a></em> réfléchie par Péio Eliceiry.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\">\r\n</span>\r\n<span style=\"text-align: justify\">La photographie est instable. Son statut est ambigu, son caractère changeant, sa temporalité fuyante, son espace transitoire. Opération médiate par excellence, sa constance est l’optique, sa consistance est l’appareil. Le reste n’est que variabilité à l’infini.</span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Au fil des jours et des nuits, sous la clarté du soleil et la lueur de la lune, ce que l’on nomme photographie – cette écriture de la lumière! – a pris différentes formes. De sa genèse chimique jusqu’à son actualité numérique, elle demeure cependant un procédé technique d’enregistrement de l’image. Primitive, elle partage les modalités de l’estampe. Contemporaine, elle est information circulante dans un réseau surcodé. Revendiquée tout d’abord par la science pour ses capacités descriptives du réel, récupérée par l’art pour ses qualités esthétiques, assimilée par la politique à des fins de propagande et digérée enfin par l’économie sur un mode publicitaire, la photographie n’appartient à personne sinon à tous. D’ailleurs, c’est ce que laisse entendre actuellement son accessibilité…</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Mais que possède-t-on vraiment lorsque l’on détient le pouvoir photographique?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On tient en main cet appareil, froid, clinique, boîte noire étanche, reflets métalliques, viseur vide, écran lumineux. C’est un instrument technique, un outil, un produit manufacturé. Rien ne s’active, rien n’est magique, c’est mécanique, c’est programmé. Objectif sans objectif. Visée sans cible. Optique sans vision. Iris sans œil.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, on y regarde, on voit au travers, on y pense, on y cadre, on cligne, on sélectionne, on exclut, on saisit, on conçoit, on déchiffre, on y fixe, on y capte, on met en place, on dispose, on y montre, on informe, on convient et on clique. Tant et si bien qu’en fin de compte, n’existe plus pour nous que cette façon de voir et de faire voir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Notre relation à l’appareil photographique et <i>a fortiori</i> à l’image photographique conditionne notre rapport au monde. On ne peut pas dire si c’est néfaste ou positif. Chose certaine, un filtre, un intermédiaire – physique mais aussi idéologique – s’immisce en biais entre nous et les choses, à la fois condition et limite de la vision. La pensée photographique est cet état où notre perception de la nature et des productions humaines est influencée par le fait visuel dominant, par l’appareil de captation, la prothèse optique, qui installe dans un même élan un cadre constitutif et occultant.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans ces conditions où la photographie forge une manière de voir particulière, où elle oriente le regard, quelles postures implique ce constat?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\" align=\"center\">***</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette exposition propose une sélection de pratiques en arts visuels qui s’intéressent au phénomène photographique, à son régime de visibilité. Au travers du spectre de l’appareil, par une prise en charge technique essentielle, les œuvres présentées examinent de façon critique les possibilités d’apparition de la pensée photographique, ses causes et ses conséquences. En immersion lente dans l’histoire et l’actualité du médium, les artistes prennent position en manipulant et en déplaçant les processus, les principes mais aussi les idées associés à la photographie. Dès lors, l’appareil, loin d’être limitatif ou exclusif, prédéterminant ou prescriptif, devient le moteur par lequel s’enclenchent les rouages immédiats de la création.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le terme <i>appareillage</i> comporte un sens double : d\'une part, il fait référence à « un ensemble d’appareils et d’accessoires divers disposés pour un certain usage » et, d’autre part, il signifie le fait de quitter une rive, de partir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Or, ce <i>départ</i>, qui est compris à partir des termes mêmes de l’expérience photographique, est probablement ce qui nous intéresse le plus et ce qui est le plus subjectif, le moins explicable, et ce dont on laisse finalement aux œuvres le soin d’illustrer.</p>','Appareillage —un texte de Péio Eliceiry','','inherit','closed','closed','','1625-revision-v1','','','2019-06-28 14:39:44','2019-06-28 18:39:44','',1625,'http://vuphoto.org/fr/articles/1625-revision-v1/',0,'revision','',0),(4836,4,'2019-06-28 14:40:42','2019-06-28 18:40:42','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/545/Nous-arriverons-vite-ensuite-nous-prendrons-notre-temps/\">Nous y arriverons vite et ensuite nous prendrons notre temps</a> </em>de Kotama Bouabane et <em><a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/546/Conversation-with-Magic-Forms/\">Conversation with Magic Forms</a> </em>de Leisure.</span><span style=\"color: #888888\">\r\n</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<i>« L’utopie est la relation de l’imaginaire avec cet ailleurs qui n’est jamais tout à fait nulle part, et qui nous déporte toujours vers du nouveau. »</i>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Cette phrase, tirée du livre L’utopie ou la crise de l’imaginaire de Jean-Jacques Wunenburger, révèle les rapports de promiscuité qu’entretiennent l’utopie et la créativité. Le philosophe y critique l’effritement de la « fonction de l’irréel en l’homme » – conséquence du régime omnipotent de la rationalité cartésienne –, prônant plutôt le pouvoir cathartique de l’utopie. Icarienne, sa pensée nous invite à énoncer des passés uchroniques émancipés de leurs dépendances au présent. Un présent que l’utopie, bien mieux que l’histoire, a le pouvoir de reformuler en de nouvelles mises en scène où seul l’impossible est concevable. Atteindre un avenir meilleur en réinventant hier. Car l’utopie est une stratégie de création en elle-même, la méthodologie propre à l’imagination qui permet de se ressourcer à l’irrationnel. Elle est une science-fiction : une approche narrative bicéphale en mesure de gommer les contradictions qui caractérisent notre contemporanéité schizoïde car capable de véritablement penser autrement. De penser autre part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À l’instar de l’utopiste, l’artiste redéfinit sans cesse de nouvelles manières d’être au monde à travers des usages du réel renouvelés, déployés grâce à des agencements inexplorés du sens et de la matière. Chaque objet ou matériau, aussi quelconque fût-il, a ainsi le potentiel de devenir le protagoniste de mythologies improbables, invoquant cet univers animiste que seul l’enfant semble en mesure de percevoir avec autant d’acuité. Ces nouvelles configurations du vivant, conçues comme un continuum de possibilités et non comme des pôles distincts et dualistes, débordent ainsi dans le champ du non-vivant en modifiant considérablement les rapports séculaires mutuellement exclusifs entre « sujet » de savoir et « objet » de connaissance. Ces frontières taxinomiques qui nous paraissaient hier si étanches se brouillent aujourd’hui au point de rendre poreuse la limite entre le réel et la fiction. À la dissolution du sujet humaniste kantien correspond la prolifération de nouvelles subjectivités en périphérie du « vivant ».</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans cette foulée posthumaniste, c’est tout l’édifice théorique du régime de la visualité qui est ébranlé; régime où le corps est traditionnellement subsumé à la raison que seul l’humain détiendrait. La contemplation de l’objet d’art en tant que représentation du monde et agrégat sémantique fait ici place à une expérience polysensorielle des œuvres, devenues de véritables extensions du corps de celui ou celle qui les appréhende. Guidée par le potentiel narratif et la matérialité des objets qui la composent, l’expérience esthétique devient catalyseur de possibles, générant des cosmologies de significations capables de redéfinir notre relation au monde. Ce n’est peut-être qu’un rêve. Mais si c’est par les moyens de l’imagination collective que nous accédons au futur, comme le prétend Wunenburger, l’art est indéniablement l’oracle de notre temps, le prophète par excellence pour saisir les utopies qui donneront naissance à demain.</p>','Pièces détachées —un texte d\'Anne-Marie Dubois','','inherit','closed','closed','','1603-revision-v1','','','2019-06-28 14:40:42','2019-06-28 18:40:42','',1603,'http://vuphoto.org/fr/articles/1603-revision-v1/',0,'revision','',0),(4837,4,'2019-06-28 14:41:07','2019-06-28 18:41:07','<span style=\"color: #888888\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions<i> <a style=\"color: #000000\" title=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/543/Trauma/\">Trauma</a> </i>de Joan Fontcuberta et <a style=\"color: #000000\" title=\"Espaces périphériques\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/544/Espaces-peripheriques/\"><em>Espaces périphériques</em></a> de Katia Gosselin.</span>\r\n</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il se passe quelque chose. Il y a des choses. Quelque part. Il y a quelqu’un. Il y a des gens. Et ailleurs c’est la même chose, mais jamais la même chose. C’est commun et unique à la fois. Un lieu. Un angle. Là. Va savoir. Dans le cadre des chambres, il y a des bibelots et des fragments de corps. Il y a des mains. Qu’est-ce qu’elles fabriquent ces mains ? Ces corps nous tournent le dos. Il y a des façades morcelées. Des visages qu’on ne voit pas.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Derrida soutient que, d’après Benjamin, la représentation photographique du visage est la dernière résistance du rituel. « Quand le visage commence à disparaître ou, comme ici, à ne plus occuper le haut ni le centre, s’impose la légende[1]. » Selon la légende, il s’est passé quelque chose. Aussi la légende se passe. Voyez toutes les promesses de mémoire dont les médias se désengagent, archivant leur désuétude, multipliant leur perte. La photographie, elle-même légende, se répète mais ne se sature jamais tout à fait. Derrida, qui a trouvé une carte postale où figurent des philosophes, ne nous dit pas où Benjamin passe ses vacances. Il n’y a pas de vacances pour Benjamin : qu’une longue dérive au seuil qu’est la vie, un regard non convenu sur la singularité en partage, un zoom progressif qui plonge dans les profondeurs d’une époque. Quelqu’un quelque part.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et de là, c’est indécidable. Impossible d’arracher quelqu’un à son regard. Mais dans la fixité de l’image, que reste-t-il de l’expérience ? Quelle est la part fictive de la représentation ? Benjamin à la plage entre l’horreur de la disparition et la splendeur de l’existence, ou inversement. Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il du regard ? Il reste du réel et du regard. La photographie que nous regardons. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Que dit-elle, la photo ? Va savoir. La photo se dit. Quand la photo se dit, que reste-t-il ? Outre le déclic, l’instant saisi sur pellicule puis sur papier ; outre la représentation supposée, le temps fait son œuvre à même les surfaces. La photo se dit. Elle se dit au regard. Voilà. Le déclic, l’instant primordial, c’est le regard. Nous entendons : « […] l’éphémère relève désormais d’une véritable \"scopophilie\" (amour du regard) qui envahit les médias et les images »[2]. Voilà ! La photographie se dit soudain. Elle n’est plus l’art de capter l’éphémère. Elle est elle-même art éphémère.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’image éprouvée, l’image comme ombre d’elle-même, parle d’elle, de sa vanité, de sa matérialité. Elle n’est plus surface d’apparat, objet de désir du sens. Elle est lieu de contingence. Son sens ne vient pas d’une ressemblance mais d’une performance, d’une immédiateté. Voilà.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photo se dit et le regard se creuse comme un visage. Un zoom progressif plonge dans les profondeurs d’une surface. Les masques tombent. Voilà. Voile après voile. Une surface en cache une autre, pareille mais jamais même. D’ici à ce que le temps ou le regard la ravage, la photo ne se représente plus qu’elle-même. Sa matérialité brute et flagrante saisit. Malgré la perdition, une beauté surgit dans son affirmation, à moins que ce ne soit dans l’acte même du regard.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pendant que des escargots indifférents dévorent l’image, Benjamin fait de la voile.</p>\r\n\r\n<div></div>\r\n\r\n<hr align=\"left\" size=\"1\" width=\"33%\" />\r\n\r\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref1\">[1]</a> Jacques Derrida, <i>La Vérité en peinture</i>, Paris, Flammarion, 1978, p. 204.</div>\r\n<div><a title=\"\" href=\"#_ftnref2\">[2]</a> Christine Buci-Glucksmann, <i>Esthétique de l\'éphémère</i>, Paris, Galilée, 2003, p. 18.</div>','Il se passe quelque chose quand les visages tombent —un texte d\'Hélène Matte','','inherit','closed','closed','','1569-revision-v1','','','2019-06-28 14:41:07','2019-06-28 18:41:07','',1569,'http://vuphoto.org/fr/articles/1569-revision-v1/',0,'revision','',0),(4838,4,'2019-06-28 14:41:24','2019-06-28 18:41:24','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" title=\"Entre trace et aura\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/476/Entre-trace-aura/\"><em>Entre trace et aura</em></a> de Martin Guimont, Alphiya Joncas et Audrée Demers-Roberge.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce surgissement de l’appareil photographique apparaît comme une pulsion, lorsqu’un lieu et un moment, unique entrelacs, émergent dans le cours du vécu perçu. Notamment, lors de cette expérience <i>auratique</i> de la nature, quand le regard se pose sur elle et qu’elle lève les yeux en retour, semblant réclamer de laisser une trace. La nature semble nous étreindre, par sa perceptibilité ; l’horizon lointain aux lignes sinueuses ou bien l’ombre d’une branche dont l’aura, cercle de vapeur, s’avère encline à se laisser aspirer.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Inapprochable, l’entrelacs d’espace et de temps qu’est l’aura benjaminienne se dérobe sans cesse à l’entendement par la richesse de son ambiguïté et par la pluralité de ses définitions. Walter Benjamin a prédit la défection de l’aura, comme si à chaque prise de vue, elle devenait imperceptible dans l’image mécanisée qui tente de la reproduire. Comment garder la trace de l’aura si la reproduction photographique n’en retient à peine qu’une lointaine émanation lumineuse ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La reproductibilité technique offre le potentiel d’exposer les images, et d’en faire apparaître la proximité, entre elles; entre nous et elles également. Compte tenu de la manière dont les artistes rassemblent les traces de différentes occurrences de la perception <i>auratique</i> – aussi fragmentaires et éloignées soient-elles –, serait-ce dans leur intention que l’aura réapparaît ? L’aura peut alors redevenir perceptible, non pas à la surface des images, mais en émanant de leur rencontre, dans l’espace de jeu qui leur permet d’être ensemble. Ralliées, les photographies, libres de se croiser, de se répéter, de s’interpeller, se prêtent au jeu des artistes, un jeu entre trace et aura.</p>\r\n&nbsp;','Entre trace et aura —un texte de Gentiane La France','','inherit','closed','closed','','1512-revision-v1','','','2019-06-28 14:41:24','2019-06-28 18:41:24','',1512,'http://vuphoto.org/fr/articles/1512-revision-v1/',0,'revision','',0),(4839,4,'2019-06-28 14:42:49','2019-06-28 18:42:49','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a style=\"color: #000000\" title=\"Trilogie bleue\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/475/Trilogie-bleue/\"><em>Trilogie bleue</em></a> de Shuwei Liu.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je compte les images - 30 images sans secondes, aucun battement du temps. Suspendues et étendues, au vent et sans cadran, comme des drapeaux sans mots. Les images ne se comptent plus ni en secondes ni en heures.<i> </i>Derrière toi, l’illusion de mouvement est délaissée et le monde se fige en ombres bleues et en lumières confuses. Alors c’est moi qui fais les comptes. Je compte jusqu’à 30 et la terre est bleue comme une orange. Je dénombre les lumières et les paysages. J’énumère les personnages, ils se sont déjà détournés. Je dénombre les silhouettes, l’horizon se perd. Il reste un reflet, une surface, une ligne vacante et le vide qui compte triple. J’ai fait les comptes, mais le bleu est inchiffrable. Alors je refais les comptes.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images creusées dans le moment, plongées dans l’indigo.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images séchées au vent du présent.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images bercées dans le bleu de l’enfance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images soufflées par la couleur de l’errance.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images figées sur la paroi du monde.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Des images naviguées hors de portée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Je dénombre les images qui s’oublient, je leur dessine des chiffres dans les yeux. Je suis la comptable des images secondes teintées du bleu du monde multiple comme une orange. Chassons le bleu du revers de la main, il reviendra toujours danser sous l’eau, là où il n’y a plus de bateaux. Là, en apnée, le bleu cesse de compter et navigue en creux de vague. Là, tu fais face aux images immenses et partielles, flottantes et figées, cadrées et assidues. Et tu les libères, l’une après l’autre, dans un autre océan.</p>','Ensevelir le compte des heures bleues —un texte de Claire Moeder','','inherit','closed','closed','','1509-revision-v1','','','2019-06-28 14:42:49','2019-06-28 18:42:49','',1509,'http://vuphoto.org/fr/articles/1509-revision-v1/',0,'revision','',0),(4840,4,'2019-06-28 14:43:49','2019-06-28 18:43:49','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" title=\"Faux Sites\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/473/Faux-Sites/\"><em>Faux Sites</em></a> de Gisele Amantea et <em><a style=\"color: #000000\" title=\"one stack, three stacks\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/474/one-stack-three-stacks/\">one stack, three stacks</a> </em>de Christopher Boyne.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Pour réfléchir à l’humain, Arnold Gehlen, anthropologue et sociologue allemand du XX<sup>e </sup>siècle, a proposé une méthode : le concevoir comme un <i>être lacunaire</i>, physiologiquement déficient et vidé de ses instincts, voué aux mondes compensatoires de la technique et des institutions. Les propositions de Christopher Boyne et de Gisele Amantea renversent ce scénario fataliste, amplifient le réel en y superposant d’autres lignes de fuite, mondes fictifs et mises en doute de nos habitudes de regards.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Quand je regarde l’horizon lointain, je pense aux autres paysages que je verrais si j’y étais. À leur tour, ceux-ci font émerger un tiers espace et ainsi de suite. Ma vision doublée de l’imagination me donne toujours accès aux paysages derrière l’horizon, à ce qui se trouve à l’envers des objets que je côtoie et des espaces que j’habite. Il ne s’agit pas de sensations lacunaires que mes souvenirs viennent colmater, mais bien de la densité de ma propension à sublimer ce qui m’est donné par les sens. C’est l’affect sous-jacent à <i>one stack, three stacks </i>de Christopher Boyne, quand deux photographies de navires trouvées chez un antiquaire deviennent le creuset de toute une population de représentations.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Un court récit comportant des équivalences textuelles rigoureuses accompagne chaque photographie de navire. Saisissant jeu de miroir où les images et les mots sont offerts comme les données heuristiques d’un dispositif fictif. Car c’est bien le récit qui prend le pas, là où la phrase comme mesure logique et close rencontre le langage comme force primaire, spontanée et pragmatique. C’est un tiers espace qui émerge, qui me fait penser le monde dans la perspective du rêve, où les figures du double et l’imaginaire panoramique se dessinent en étendue dans mon rapport au réel.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Faux Sites</i> de Gisele Amantea, une distance entre différents régimes iconographiques se manifeste à ma conscience, comme la tentative de jouer sur les limites de ma connaissance de la culture. Un dessin du hall d’un musée montréalais évoque vaguement une des <i>Prisons imaginaires </i>de Giovanni Battista Piranesi et ses possibilités narratives angoissantes. Un migrant est couché au sol, brutale figure de proue de mon époque. J’appuie mon regard sur sa présence. La vertigineuse architecture recule en marge, mais ne cesse jamais d\'être là. On m’a dit par le passé qu’un musée est un <i>temple du beau</i>. Pourtant, à partir du moment où je pense ce refuge comme plénitude absolue, je le soustrais de l’envers et de l’endroit de mon monde massif. Le migrant m’y ramène dans tous les plans.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et d’autres images m’incitent encore à récuser mes croyances. Cagoulées, les Pussy Riot dans un souk d’Alep mettent en évidence les problèmes qui se posent à ma vision occidentale, tracent une ligne poreuse sur la valeur culturelle des choses. Les énergies en place – oppositions, déplacements, mélanges – ne rencontrent plus les difficultés dressées par certains de mes principes culturels privilégiant les séparations opaques. Comme elles, je veux renouer avec une fréquentation naïve du monde, ne plus être absolument étrangère à ces métissages. Sublimer, rêver et fabuler sont bien plus que l’envers d’une répression, mais un agir réel, une mise en récit, un étirement conjoint de mon corps et de ma pensée dans le monde.</p>','De la vie lacunaire —un texte de Cynthia Fecteau','','inherit','closed','closed','','1476-revision-v1','','','2019-06-28 14:43:49','2019-06-28 18:43:49','',1476,'http://vuphoto.org/fr/articles/1476-revision-v1/',0,'revision','',0),(4841,4,'2019-06-28 14:44:11','2019-06-28 18:44:11','<span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/470/Pinel-Nicolet-SQ/\"><em>Pinel – Nicolet – SQ</em></a> d\'Emmanuelle Léonard <em>et <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/479/Investigations/\">Investigations</a>.</em></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie décrit moins qu’elle <i>révèle</i>. Capable d’arrêter le temps, d’en fixer la trace, elle prolonge le pouvoir de l’œil humain : voilà bien pourquoi depuis plus d’un siècle, on la croit <i>hypersensible</i>, et pourquoi on lui prête le pouvoir de faire apparaître quelque élément, quelque réalité imperceptible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’histoire de la photographie, on le sait, est toute tissée de cette volonté de capter ce qui échappe à l’œil. Au tournant du XIX<sup>e</sup> siècle, déjà, la technique photographique nous aura permis de détailler le mouvement, de l’immobiliser, d’en comprendre les infimes étapes ; on aura pu comprendre le galop du cheval comme dans les photographies de Muybridge, les circonvolutions des fluides dans les images de Marey. Elle nous aura permis, de même, de saisir les corps et les objets, de les étudier, de les classer comme dans les projets anthropométriques d’identité judiciaire de Bertillon, ou dans les troublantes photographies d’hystériques de Charcot. Ces découvertes nous auront aussi donné l’occasion de rêver, de nous perdre dans des fabulations aussi belles que fantaisistes : et si l’image photographique se montrait capable, en raison de son pouvoir de révélation même, de saisir un monde invisible, doublant le nôtre, un monde d’esprits, de forces ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">On sourit désormais de cette idée de <i>monde invisible</i> – et pour cause : nous ne sommes plus à l’ère des médiums et des tables tournantes, peu d’entre nous croient encore aux fantômes, aux ondes, aux esprits. Le temps de la photographie spirite, avec ses auras et ses ombres, semble bel et bien révolu.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et pourtant, ce monde invisible existe. Il est bien là au milieu du visible, au milieu de nous. Il tient à tout ce qui opère en dessous du visible et ordonne : nos désirs, nos croyances, nos peurs, nos rêves, toutes ces structures qui anticipent et déterminent ce que nous pensons, ce que nous faisons, ce que nous souhaitons, toutes ces structures tiennent, si l’on y pense bien, de l’invisible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">À saisir tout sans distinction, à donner à voir bien plus que ce que l’artiste croyait capter, la photographie semble dotée du pouvoir non pas de <i>montrer</i> cet invisible, mais de l’<i>indiquer</i>, d’en souligner le passage, les traces, les effets. À arrêter le regard, la photographie nous force à détailler ces visages, ces espaces ; elle nous force à y chercher ce qui, sans apparaître sur l’image, lui donne sa densité. En cela, la photographie se fait le moyen d’une enquête. D’une investigation, diraient certains.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’une de ces forces invisibles est évidemment le <i>pouvoir</i>, ces rapports de force qui déterminent ce que nous pouvons faire et dire, qui régissent nos comportements et nos gestes ; ceux que nous apprenons dans nos rapports interpersonnels, ceux aussi que l’on nous impose. L’exposition d’Emmanuelle Léonard nous plonge dans des environnements où le pouvoir s’exerce et se transmet. Ces traces sombres sur le mur de cette chambre de Pinel, ce miroir au coin de cette pièce d’entraînement de l’École nationale de police du Québec mal décorée, cette salle d’entretiens glaciale, nous indiquent bien que nous ne sommes plus dans une simple chambre ou dans un banal salon, mais face à la scène d’un théâtre, d’un dispositif où pourra se répéter, se pratiquer, s’enseigner l’exercice d’une autorité, d’un pouvoir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce pouvoir s’apprend comme il se distribue par le biais du corps : celui que l’on entraîne, celui qu’on dissèque, que l’on sonde pour mieux le comprendre. La photographie de Léonard, descriptive, laisse ces espaces dépeuplés à leur silence : au bout d’un certain temps – celui du regard – c’est l’imagination du spectateur qui donne une voix à ces traces, imaginant les scènes qui s’y sont jouées, les gestes qui furent posés, ceux qui y furent appris, puis reproduits.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le livre photo permet d’élaborer des projets photographiques profitant de la spécificité du médium livresque, des projets travaillant, justement, sur ce qui ne saurait se réduire au visible. À la reproductibilité technique qu’offre le médium du livre, le livre photo permet, de même, de bâtir un univers ayant sa propre cohérence, un monde où la succession des images prolonge et parfois redouble leur portée singulière. En cela, et comme par définition, il rend compte d’un processus d’investigation que l’artiste nous offre comme un dossier à regarder, à lire, à feuilleter, à fréquenter, jusqu’à voir affleurer, lentement, ce qui donne son poids au visible.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Dans les images, entre les images de l’exposition <i>Investigations</i>, quelque chose se manifeste, quelque chose que l’image photographique fait surgir, révèle : la violence de certains rapports humains, violence <i>qui s’indique</i> dans des regards, des postures ; la poésie de ces lieux que l’éblouissement de notre propre époque nous empêche de voir ; l’intimité, celle qui n’est pas faite pour être vue, ni dite, mais qui se découvre dans des expressions, des moments que la photographie trahit.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">*          *          *</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">La photographie révèle, disions-nous d’emblée. Dans notre ère de la vitesse et de l’urgence, celle aussi de la visibilité médiatique, elle nous prie de nous arrêter. À faire pause, au creux de ce silence, nous pourrons entendre son murmure : « Il est un autre monde. Regarde bien… »</p>','La photographie et l’invisible —un texte de Maxime Coulombe','','inherit','closed','closed','','1435-revision-v1','','','2019-06-28 14:44:11','2019-06-28 18:44:11','',1435,'http://vuphoto.org/fr/articles/1435-revision-v1/',0,'revision','',0),(4842,4,'2019-06-28 14:46:42','2019-06-28 18:46:42','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition Ensemble.</span></p>\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Tu m’as dit : « Écrire est un souffle », la suggestion d’un rythme, entre le vide et le plein, l’énonciation et l’écoute.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">J’écoutais. Tes paroles inscrites dans l’épaisseur de l’air. Souffle-matière jusqu’à mon oreille. J’avais traîné mon carnet pour noter des pensées que je n’ai finalement jamais écrites. Je me revois plutôt racler le sable et ensevelir ce carnet comme s’il s’agissait d’un os.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Tu appelais une réponse. Je t’ai répondu en répétant tes mots comme une question, contre le mur blanc du brouillard. Une invitation : sondons ce qui veut se dire à même le creuset des mots échangés. Sachons reconnaître ces formes-là qui se dessinent pour mieux s’effacer. Préserver le commun dans sa manifestation la plus précaire, en sommes-nous capables ?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Nous n’avons pas cherché, ce jour-là. Nous avons simplement parlé des œuvres que nous connaissons, que nous aimons comme des amies. Celles qui nous préexistent et celles en devenir, d’autres qui naissent et qui meurent avant même que nous puissions les voir. Nous avons parlé des images qui nous accompagnent, mais surtout de celles qui nous relient. À l’intérieur et autour d’elles, nous avons rôdé. Nous nous sommes introduites ensemble dans une mine d’air, de lumière et de sel, pour un rendez-vous furtif. C’est alors que s’est chargée la matière des mots, latente, en suspens pour la suite.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Il semble qu’une œuvre soit toujours déjà pleine à craquer d’êtres-en-présence. Dans une même image s’énoncent simultanément la lumière et l’ombre ; des humains qui se prolongent dans des gestes et des regards ; des plats – compotiers, sucriers, chandeliers – aussi bavards que les piles de photographies, prêts à recevoir les fruits à ingérer, à partager ; la face du Soleil ou de Dieu parfaitement lissée sur un panneau publicitaire, qui aveugle et réunit une communauté secrète ; ce qui se presse à la surface d’une feuille d’or et qui finit par se dire ou par se taire. Ultimement, il n’y aurait donc que cela, des œuvres aux signatures plurielles, qui arrivent avec ce qui les précède et les seconde. Jusqu’à ces yeux-là qui, plus tard, reçoivent l’image, la tirent de son monde pour l’enchaîner délicatement à d’autres ensembles, encore et encore. Recevoir, décanter, relayer.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Une ponction suave dans le cours des rencontres. L’art transperce, jusqu’à cet espace en creux où survivent les assemblages les plus ténus. La pensée tremble, les pupilles virent vers l’intérieur. Vers une cavité passive aménagée pour accueillir et composer avec la voix de l’autre et l’entendre peut-être enfin. Mesurer ce qu’elle remue en soi. Faisons-le ensemble ; déjà, nous ne savons plus où creuser ni où faire le guet. Renversons l’approche ; l’énigme nous tombe entre les mains – pierre muette. Avec son poids, sa part d’ombre. Le lieu depuis lequel nous la recevons est fait d’une matière semblable ; notre attention est obscure, vibrante, patiente, prête à se lier malgré les distances.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Nous sommes parties, avons laissé le carnet derrière, parfaitement recouvert de sable roux. Sous un monticule, nous avons sécurisé un espace d’attention. Une moelle tendre, pas tout à fait un silence, d’où s’entendre. Il n’est sans doute plus important de savoir qui tu es ou qui je suis. Nos voix emboîtées sont devenues le vent. Nos paroles ne nous appartiennent plus. Il suffit peut-être alors de palper l’écran de brume pour retrouver les fils, les perles de nos paroles assimilées l’une à l’autre, l’une avalant l’autre, du rouge au blanc, du blanc au rouge, sans ordre prédéfini.</p>\n« Je te suis. »','Ensemble','','inherit','closed','closed','','1341-autosave-v1','','','2019-06-28 14:46:42','2019-06-28 18:46:42','',1341,'http://vuphoto.org/fr/articles/1341-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4843,4,'2019-06-28 14:47:03','2019-06-28 18:47:03','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition Ensemble.</span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Tu m’as dit : « Écrire est un souffle », la suggestion d’un rythme, entre le vide et le plein, l’énonciation et l’écoute.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">J’écoutais. Tes paroles inscrites dans l’épaisseur de l’air. Souffle-matière jusqu’à mon oreille. J’avais traîné mon carnet pour noter des pensées que je n’ai finalement jamais écrites. Je me revois plutôt racler le sable et ensevelir ce carnet comme s’il s’agissait d’un os.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Tu appelais une réponse. Je t’ai répondu en répétant tes mots comme une question, contre le mur blanc du brouillard. Une invitation : sondons ce qui veut se dire à même le creuset des mots échangés. Sachons reconnaître ces formes-là qui se dessinent pour mieux s’effacer. Préserver le commun dans sa manifestation la plus précaire, en sommes-nous capables ?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Nous n’avons pas cherché, ce jour-là. Nous avons simplement parlé des œuvres que nous connaissons, que nous aimons comme des amies. Celles qui nous préexistent et celles en devenir, d’autres qui naissent et qui meurent avant même que nous puissions les voir. Nous avons parlé des images qui nous accompagnent, mais surtout de celles qui nous relient. À l’intérieur et autour d’elles, nous avons rôdé. Nous nous sommes introduites ensemble dans une mine d’air, de lumière et de sel, pour un rendez-vous furtif. C’est alors que s’est chargée la matière des mots, latente, en suspens pour la suite.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il semble qu’une œuvre soit toujours déjà pleine à craquer d’êtres-en-présence. Dans une même image s’énoncent simultanément la lumière et l’ombre ; des humains qui se prolongent dans des gestes et des regards ; des plats – compotiers, sucriers, chandeliers – aussi bavards que les piles de photographies, prêts à recevoir les fruits à ingérer, à partager ; la face du Soleil ou de Dieu parfaitement lissée sur un panneau publicitaire, qui aveugle et réunit une communauté secrète ; ce qui se presse à la surface d’une feuille d’or et qui finit par se dire ou par se taire. Ultimement, il n’y aurait donc que cela, des œuvres aux signatures plurielles, qui arrivent avec ce qui les précède et les seconde. Jusqu’à ces yeux-là qui, plus tard, reçoivent l’image, la tirent de son monde pour l’enchaîner délicatement à d’autres ensembles, encore et encore. Recevoir, décanter, relayer.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Une ponction suave dans le cours des rencontres. L’art transperce, jusqu’à cet espace en creux où survivent les assemblages les plus ténus. La pensée tremble, les pupilles virent vers l’intérieur. Vers une cavité passive aménagée pour accueillir et composer avec la voix de l’autre et l’entendre peut-être enfin. Mesurer ce qu’elle remue en soi. Faisons-le ensemble ; déjà, nous ne savons plus où creuser ni où faire le guet. Renversons l’approche ; l’énigme nous tombe entre les mains – pierre muette. Avec son poids, sa part d’ombre. Le lieu depuis lequel nous la recevons est fait d’une matière semblable ; notre attention est obscure, vibrante, patiente, prête à se lier malgré les distances.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Nous sommes parties, avons laissé le carnet derrière, parfaitement recouvert de sable roux. Sous un monticule, nous avons sécurisé un espace d’attention. Une moelle tendre, pas tout à fait un silence, d’où s’entendre. Il n’est sans doute plus important de savoir qui tu es ou qui je suis. Nos voix emboîtées sont devenues le vent. Nos paroles ne nous appartiennent plus. Il suffit peut-être alors de palper l’écran de brume pour retrouver les fils, les perles de nos paroles assimilées l’une à l’autre, l’une avalant l’autre, du rouge au blanc, du blanc au rouge, sans ordre prédéfini.</p>\r\n« Je te suis. »','Ensemble —un texte de Caroline Loncol Daigneault et Anne-Marie Proulx','','inherit','closed','closed','','1341-revision-v1','','','2019-06-28 14:47:03','2019-06-28 18:47:03','',1341,'http://vuphoto.org/fr/articles/1341-revision-v1/',0,'revision','',0),(4844,4,'2019-06-28 14:48:35','2019-06-28 18:48:35','Devant nous s’étale une suite de tableaux composés d’un assemblage de miroirs disposés de manière à évacuer tout point de repère spatial. Comme animée d’un rythme qui lui est propre, cette forme réfléchissante se recompose en battements. D’abord en une position de flottement, presque en lévitation. Puis, les bords s’agencent en équilibre pour permettre au temps de s’imprégner sur eux, lentement. Enfin, dans une série de pulsations saccadées, l’ensemble revient en son centre, se replie et laisse entrevoir une perspective sans fin. À chacun des battements, un événement.\n\nÀ chaque étape de son déploiement, cet étrange capteur fixe un instant, un point de vue unique qui ne saurait exactement se répéter. Pendant que la structure découpe des morceaux de visible, elle ne cesse de se réarranger, en magnifiant le plus petit fragment. Chaque face renvoie une géométrie précieuse qui miroite comme une gemme. Néanmoins, c’est dans la fragilité des surfaces et de ce qu’elles réfléchissent que tient leur préciosité.\n\nÀ la moindre variation de lumière, l’image s’évanouit pour en produire une autre et ainsi remonter le temps. Ce délicat support ne retiendra rien en lui-même, il laisse voir simplement. Il rappelle cette boîte à vision qu’est le kaléidoscope en opérant le remontage constant d’un espace perceptible dans son instabilité et sa malléabilité. Plus encore, les infinies configurations évoquées ne font pas que multiplier les symétries possibles, elles font apparaître le temps, en cadences simultanées.\n\nC’est donc par l’intermédiaire de la captation photographique d’un objet insituable que l’on est censé voir l’espace. On ne saisira finalement que la teneur et la temporalité de ce dernier. Et cet espace, s’il est lignes, lumière, chaleur et durée, n’est pourtant ni territoire ni lieu.\n\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Texte pour l’exposition <em><a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/426/\">Contre-espaces (déploiements)</a> </em>de Caroline Cloutier, présentée à VU du 6 mai au 5 juin 2016.</span>','L\'espace d\'un battement','','inherit','closed','closed','','1284-autosave-v1','','','2019-06-28 14:48:35','2019-06-28 18:48:35','',1284,'http://vuphoto.org/fr/articles/1284-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4845,4,'2019-06-28 14:49:24','2019-06-28 18:49:24','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Contre-espaces (déploiements) de Caroline Cloutier.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nDevant nous s’étale une suite de tableaux composés d’un assemblage de miroirs disposés de manière à évacuer tout point de repère spatial. Comme animée d’un rythme qui lui est propre, cette forme réfléchissante se recompose en battements. D’abord en une position de flottement, presque en lévitation. Puis, les bords s’agencent en équilibre pour permettre au temps de s’imprégner sur eux, lentement. Enfin, dans une série de pulsations saccadées, l’ensemble revient en son centre, se replie et laisse entrevoir une perspective sans fin. À chacun des battements, un événement.\r\n\r\nÀ chaque étape de son déploiement, cet étrange capteur fixe un instant, un point de vue unique qui ne saurait exactement se répéter. Pendant que la structure découpe des morceaux de visible, elle ne cesse de se réarranger, en magnifiant le plus petit fragment. Chaque face renvoie une géométrie précieuse qui miroite comme une gemme. Néanmoins, c’est dans la fragilité des surfaces et de ce qu’elles réfléchissent que tient leur préciosité.\r\n\r\nÀ la moindre variation de lumière, l’image s’évanouit pour en produire une autre et ainsi remonter le temps. Ce délicat support ne retiendra rien en lui-même, il laisse voir simplement. Il rappelle cette boîte à vision qu’est le kaléidoscope en opérant le remontage constant d’un espace perceptible dans son instabilité et sa malléabilité. Plus encore, les infinies configurations évoquées ne font pas que multiplier les symétries possibles, elles font apparaître le temps, en cadences simultanées.\r\n\r\nC’est donc par l’intermédiaire de la captation photographique d’un objet insituable que l’on est censé voir l’espace. On ne saisira finalement que la teneur et la temporalité de ce dernier. Et cet espace, s’il est lignes, lumière, chaleur et durée, n’est pourtant ni territoire ni lieu.\r\n\r\n&nbsp;','L\'espace d\'un battement —un texte de Emmanuelle Choquette','','inherit','closed','closed','','1284-revision-v1','','','2019-06-28 14:49:24','2019-06-28 18:49:24','',1284,'http://vuphoto.org/fr/articles/1284-revision-v1/',0,'revision','',0),(4846,4,'2019-06-28 14:51:11','2019-06-28 18:51:11','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Moirés et automoirés de Jocelyn Robert.</span>\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">au plus près __ personne __ peu de choses __ des objets __ sous la main __ moi __ une lampe __ bleue __ composite __ vis-à-vis __ une montre __ rouge __ composite __ tout autant __ d’autres objets __ assemblés __ perpendiculaire __ une plume __ tu cherches __ la\nligne d’horizon __ un coupe-ongles __ rasoir __ sur une table __ d’opération __ de cuisine __ d’atelier __ un homme __ un titre __ numéroté __ l’art numérique __ une géométrie __ particulière __ je ne fais __ jamais __ attention __ à la résolution __ j’agrandis __ je recadre __ superpose __ coïncide __ ainsi __ de même __ un appel __ à l’addition __ une expérience de la surface __ des nombres __ ce que nous sommes __ sans dégradés __ et moindres __ c’est variable __ jusqu’à douze __ après __ tu perds la lumière __ le contenu __ similaire __ dans Google __ une enquête est possible __ quatre ou cinq __ la base __ +1 __ +2 __ qui suis-je se dissout __ apparaissent des ressemblances __ des apparences __ des dissemblances __ des apparats __ data __ l’un sur l’autre __ vaillance de genres __ andro __ Anciens __ Rubens __ Rembrandt __ Nunes __</p>\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">Marey __ Vernier __ +1 __ +2 __ Robert __ un type __ en stéréo __ des tueurs __ recherchés __ non identifiés __ une galerie __ une expertise __ une autorité __ ici __ capture __ cimaise __ un coin __ agora __ peut-être une table __ livre ouvert __ ou pas __ livre ouvert __ bis __ ombilic __ stabile __ mobile __ toujours\nmobile __ changement d’échelle __ de détails __ battements __ d’interférence __ des indices __ interstices __ des espaces __ Berlin __ moirés __ bougés __ les mêmes __ infinitum __ p __ égale __ un pas __ fond noir __ généreux __ sérieux __ un angle __ à</p>\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">côté __ régie __ studio __ grotte __ baroque __ un piano __ adjacent __ des bélugas __ beauté __ fondamentale __ minimaliste __ réaliste __ nommer __ Klee __ le réflexe de l’unité __ la science n’est pas unifiée __ moi non plus __ disponible au hasard __ je revois __ je relativise __ j’analyse</p>\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">j’analyse __ je synthétise __ si nécessaire</p>\n&nbsp;','Moirés et automoirés','','inherit','closed','closed','','1234-autosave-v1','','','2019-06-28 14:51:11','2019-06-28 18:51:11','',1234,'http://vuphoto.org/fr/articles/1234-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4847,4,'2019-06-28 14:51:30','2019-06-28 18:51:30','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Moirés et automoirés de Jocelyn Robert.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">au plus près __ personne __ peu de choses __ des objets __ sous la main __ moi __ une lampe __ bleue __ composite __ vis-à-vis __ une montre __ rouge __ composite __ tout autant __ d’autres objets __ assemblés __ perpendiculaire __ une plume __ tu cherches __ la\r\nligne d’horizon __ un coupe-ongles __ rasoir __ sur une table __ d’opération __ de cuisine __ d’atelier __ un homme __ un titre __ numéroté __ l’art numérique __ une géométrie __ particulière __ je ne fais __ jamais __ attention __ à la résolution __ j’agrandis __ je recadre __ superpose __ coïncide __ ainsi __ de même __ un appel __ à l’addition __ une expérience de la surface __ des nombres __ ce que nous sommes __ sans dégradés __ et moindres __ c’est variable __ jusqu’à douze __ après __ tu perds la lumière __ le contenu __ similaire __ dans Google __ une enquête est possible __ quatre ou cinq __ la base __ +1 __ +2 __ qui suis-je se dissout __ apparaissent des ressemblances __ des apparences __ des dissemblances __ des apparats __ data __ l’un sur l’autre __ vaillance de genres __ andro __ Anciens __ Rubens __ Rembrandt __ Nunes __</p>\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">Marey __ Vernier __ +1 __ +2 __ Robert __ un type __ en stéréo __ des tueurs __ recherchés __ non identifiés __ une galerie __ une expertise __ une autorité __ ici __ capture __ cimaise __ un coin __ agora __ peut-être une table __ livre ouvert __ ou pas __ livre ouvert __ bis __ ombilic __ stabile __ mobile __ toujours\r\nmobile __ changement d’échelle __ de détails __ battements __ d’interférence __ des indices __ interstices __ des espaces __ Berlin __ moirés __ bougés __ les mêmes __ infinitum __ p __ égale __ un pas __ fond noir __ généreux __ sérieux __ un angle __ à</p>\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">côté __ régie __ studio __ grotte __ baroque __ un piano __ adjacent __ des bélugas __ beauté __ fondamentale __ minimaliste __ réaliste __ nommer __ Klee __ le réflexe de l’unité __ la science n’est pas unifiée __ moi non plus __ disponible au hasard __ je revois __ je relativise __ j’analyse</p>\r\n<p style=\"text-align: left;line-height: 30px\">j’analyse __ je synthétise __ si nécessaire</p>\r\n&nbsp;','Moirés et automoirés —un texte de Chantal Neveu','','inherit','closed','closed','','1234-revision-v1','','','2019-06-28 14:51:30','2019-06-28 18:51:30','',1234,'http://vuphoto.org/fr/articles/1234-revision-v1/',0,'revision','',0),(4848,4,'2019-06-28 14:54:24','2019-06-28 18:54:24','Texte pour l’exposition Fading de Elis Hoffman.\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify;line-height: 25px\">On voit l’arme, la plaie, l’œil clos. On ne voit pas la marche silencieuse qui s’avance sur le pays, la main diaphane qui patiemment délave les herbes, abaisse les paupières. Non plus les lames de fond qui sourdement opèrent en deçà des identités qu’elles chavirent et transfigurent. En chaque être, en chaque lieu, rôde un silence. Par échos visuels, des broussailles aux corps malades, Elis Hoffman relève en l’enveloppant ce noyau commun, qui va subrepticement gagner la surface. On perçoit alors les saillies, les dernières exhalaisons, la vie qui se retire vers l’intérieur. Puis une poésie souterraine qui d’une tendre et lente attention aux choses remonte jusqu’au cœur. C’est ce même silence qui scelle les images, les arrache aux bavardages et aux bruissements du monde, qui les presse doucement sur le plan étale du papier photo pour en extraire les jus. Elles ne tiennent pas à grand-chose, ces images, tout près du basculement, de l’évaporation. Un rien les ferait détaler. Et pourtant, en chacune, les secondes s’étirent, une pierre respire. Le principe d’effacement qui balaie <i>Fading</i> n’évide en rien les images, pas plus qu’il ne les affaiblit. Les formes qui se meurent, on le constate, réinventent, ruminent jusqu’au bout leurs visages et leur poids. Même la mort fait tache. Les photographies d’Elis Hoffman sont ainsi inversement proportionnelles au déclin des choses : s’il y a saignée, elles s’abreuvent. Si le voile s’abîme, se déchire, patiemment, elles se gorgent de lumière.</p>\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: right\">\n\n\n</p>','De ce qui s’effondre tout apprendre','','inherit','closed','closed','','1201-autosave-v1','','','2019-06-28 14:54:24','2019-06-28 18:54:24','',1201,'http://vuphoto.org/fr/articles/1201-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4849,4,'2019-06-28 14:55:16','2019-06-28 18:55:16','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Fading de Elis Hoffman.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify;line-height: 25px\">On voit l’arme, la plaie, l’œil clos. On ne voit pas la marche silencieuse qui s’avance sur le pays, la main diaphane qui patiemment délave les herbes, abaisse les paupières. Non plus les lames de fond qui sourdement opèrent en deçà des identités qu’elles chavirent et transfigurent. En chaque être, en chaque lieu, rôde un silence. Par échos visuels, des broussailles aux corps malades, Elis Hoffman relève en l’enveloppant ce noyau commun, qui va subrepticement gagner la surface. On perçoit alors les saillies, les dernières exhalaisons, la vie qui se retire vers l’intérieur. Puis une poésie souterraine qui d’une tendre et lente attention aux choses remonte jusqu’au cœur. C’est ce même silence qui scelle les images, les arrache aux bavardages et aux bruissements du monde, qui les presse doucement sur le plan étale du papier photo pour en extraire les jus. Elles ne tiennent pas à grand-chose, ces images, tout près du basculement, de l’évaporation. Un rien les ferait détaler. Et pourtant, en chacune, les secondes s’étirent, une pierre respire. Le principe d’effacement qui balaie <i>Fading</i> n’évide en rien les images, pas plus qu’il ne les affaiblit. Les formes qui se meurent, on le constate, réinventent, ruminent jusqu’au bout leurs visages et leur poids. Même la mort fait tache. Les photographies d’Elis Hoffman sont ainsi inversement proportionnelles au déclin des choses : s’il y a saignée, elles s’abreuvent. Si le voile s’abîme, se déchire, patiemment, elles se gorgent de lumière.</p>','De ce qui s’effondre tout apprendre —un texte de Caroline Loncol Daigneault','','inherit','closed','closed','','1201-revision-v1','','','2019-06-28 14:55:16','2019-06-28 18:55:16','',1201,'http://vuphoto.org/fr/articles/1201-revision-v1/',0,'revision','',0),(4850,4,'2019-11-01 12:37:57','2019-11-01 16:37:57','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Shade and Shelter de Jonas St.Michael</span>.\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\">Être là devant ce qu’on ne nous donne pas à voir; faire irruption dans la scène qui se déploie, sans rythme, comme si une pause s’était amorcée.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ce sont les couleurs du silence, celles auxquelles on pense après la pluie et qui nous laissent sans voix. Ou alors, c’est plutôt l’arrêt, ce fragment de temps qui nous sépare d’un détournement éventuel. Cet espace temporel où l’on est invisible à l’autre, où l’idée seule de notre présence ne s’est pas encore manifestée.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Et ce sont ces regards qui frappent, perdus dans un infini qui transcende l’image. On voudrait percer ce mystère, fouler l’espace pour cerner ce néant et empêcher qu’il ne s’affaisse. Mais toujours des ombres longues, des traces au sol ou bien un sentiment d’absence imprégné dans chaque pièce nous ramènent vers une déréliction envahissante, une impression de solitude spirituelle.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">L’exil des regards nous confronte à la distance et fait de chacun de nos pas une intrusion plus profonde. Un questionnement subsiste : notre présence est-elle de mise?</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Ne reste donc plus, derrière ces visages et ces scènes, que le triomphe d’une nuit morale, la réprobation obligatoire des certitudes et le confinement à l’inquiétude. Se trame alors le tableau d’une errance aliénée, à mi-chemin entre le rêve et la perdition. L’immensité du vide se ressent, l’âme des sujets se déploie dure et lancinante, mais aussi pleine d’humanité.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Sans trop se questionner sur l’état de ces personnages presque éteints, on perçoit l’abandon : c’est le portrait de l’inertie.</p>','S’abriter de l’indolence —un texte d\'Hubert Gaudreau','','inherit','closed','closed','','1146-autosave-v1','','','2019-11-01 12:37:57','2019-11-01 16:37:57','',1146,'http://vuphoto.org/fr/articles/1146-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4851,4,'2019-06-28 14:59:23','2019-06-28 18:59:23','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Shade and Shelter de Jonas St.Michael</span>.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Être là devant ce qu’on ne nous donne pas à voir; faire irruption dans la scène qui se déploie, sans rythme, comme si une pause s’était amorcée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ce sont les couleurs du silence, celles auxquelles on pense après la pluie et qui nous laissent sans voix. Ou alors, c’est plutôt l’arrêt, ce fragment de temps qui nous sépare d’un détournement éventuel. Cet espace temporel où l’on est invisible à l’autre, où l’idée seule de notre présence ne s’est pas encore manifestée.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Et ce sont ces regards qui frappent, perdus dans un infini qui transcende l’image. On voudrait percer ce mystère, fouler l’espace pour cerner ce néant et empêcher qu’il ne s’affaisse. Mais toujours des ombres longues, des traces au sol ou bien un sentiment d’absence imprégné dans chaque pièce nous ramènent vers une déréliction envahissante, une impression de solitude spirituelle.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’exil des regards nous confronte à la distance et fait de chacun de nos pas une intrusion plus profonde. Un questionnement subsiste : notre présence est-elle de mise?</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Ne reste donc plus, derrière ces visages et ces scènes, que le triomphe d’une nuit morale, la réprobation obligatoire des certitudes et le confinement à l’inquiétude. Se trame alors le tableau d’une errance aliénée, à mi-chemin entre le rêve et la perdition. L’immensité du vide se ressent, l’âme des sujets se déploie dure et lancinante, mais aussi pleine d’humanité.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Sans trop se questionner sur l’état de ces personnages presque éteints, on perçoit l’abandon : c’est le portrait de l’inertie.</p>','S’abriter de l’indolence —un texte d\'Hubert Gaudreau','','inherit','closed','closed','','1146-revision-v1','','','2019-06-28 14:59:23','2019-06-28 18:59:23','',1146,'http://vuphoto.org/fr/articles/1146-revision-v1/',0,'revision','',0),(4852,4,'2019-11-01 15:09:49','2019-11-01 19:09:49','<b><span style=\"color: #000000\">Texte pour l\'exposition <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/sur-la-trace-du-renard/\">Sur la trace du renard</a> de Louis Perreault.</span></b>\n\n&nbsp;\n\nDepuis ses toutes premières images, <strong>Jessica Auer</strong> montre un intérêt évident pour la domestication grandissante des sites naturels. Loin de chercher à déconstruire le prestige du paysage et la notion de sublime qui lui semble attachée, elle s’emploie plutôt à traquer les manifestations actuelles de son existence pérenne, grâce à sa conversion en stéréosites, c’est-à-dire en constructions préétabliees, en quelque sorte, préparées depuis les points de vue que l’on aménage pour qu’il soit perçu selon certains angles et sous un jour avantageux. Cela vaut pour une grande part de ses œuvres.\n\nMais, ici, dans le cas des œuvres photographiques et vidéographiques présentées dans le cadre de <em>Studies on How to View Landscape</em>, la photographe a converti ses préoccupations en une forme de leçon du regard.  Dans chacune des pièces montrées, le paysage forme la toile de fond. En avant-plan, ce sont plutôt les regardeurs qui constituent le point focal de toute l’entreprise. Tels quels, ils apparaissent un rien disruptifs, déplacés. Nous sommes en effet habitués à voir sans humains les images de tels lieux, pour mieux en mesurer la majesté. Car l’expérience du sublime représente la possibilité de toucher à une forme d’idéalité qui transcende la présence humaine et nous rassure sur un certain divin.\n\nLes œuvres vidéographiques vont encore plus loin. En celles-ci, les touristes passent, vont, viennent, se prennent en photo, admirent et s’extasient selon des formes convenues. Notre propre réaction, qui serait sans doute à la mesure des leurs, s’en trouve donc désamorcée. Nous en venons à la conclusion que, devant une telle domestication, le paysage perd en majesté et devient forme patentée.','Jessica Auer : La nature sécularisée —un texte de Sylvain Campeau','','inherit','closed','closed','','506-autosave-v1','','','2019-11-01 15:09:49','2019-11-01 19:09:49','',506,'http://vuphoto.org/fr/articles/506-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4853,4,'2019-06-28 15:12:00','2019-06-28 19:12:00','Les grands papiers voyagent enroulés.\n\nElle a soupesé les bleus d’architecte lestés de bois et d\'ammoniac. Se tournant vers la lumière, elle projeta son regard dans le tube, au travers des coupes et des élévations. En tirant, en tapant le rouleau, les laminages semblaient vouloir se dilater un peu, hors foyer.\n<p style=\"text-align: justify\">L’espace se déploie dans les piles de pages télescopées les unes autour des autres. S’additionnant, les impressions appellent un grand vide, d’un bleu d’encre. Un bleu saturé, sans échelles ni repères. Un monde pourtant jalonné de cartouches, de légendes et de raccordements de tubes, emboutis dans toutes les directions.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Le temps qu\'il faut, les vues en plans ont séjourné dans l’espace, bavant dans les marges. Le bleu profond s’est installé à demeure dans l’atelier, comme un postulat d’infini entre les murs. Demain et les autres jours, elle pourrait dérouler ce bleu-là et peut-être en fouler les feuillets, creuser latéralement. L’installation va s’installer dans la poussière. Les miroirs des télescopes vont se retourner et les cartes montrer leur épaisseur. Le temps pourrait lui aussi ne plus savoir encadrer la suite des choses.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Les architectes du ciel se partagent l’infini. Juste en retrait des bornes plantées dans le monde, c’est quelque part en eux qu’ils prennent appui pour trianguler les perspectives, se les relayant et les retournant sur elles-mêmes. Pour seul uniforme, ils arborent des bleus aux genoux, aux coudes, puis les portent dans la tête. Comme les sceaux de ceux qui cherchent au loin et qui défont les sceaux.</p>\n<img src=\"http://vuphoto.org/workspace/uploads/2014/05/blanc.gif\" alt=\"\" width=\"1\" height=\"10\" />\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Texte pour l’exposition <em><a href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/403/Trou-noir-rituels-familiaux/\">Trou noir et rituels familiaux</a> </em>de Stéphanie Roland, présentée à VU du 23 octobre au  22 novembre 2015.</span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Née en 1984, Stéphanie Roland vit et travaille principalement à Bruxelles, mais aussi autour du monde au rythme des résidences d\'artistes auxquelles elle participe activement. Elle y développe un travail multidisciplinaire et des expérimentations autour de l\'image photographique, en questionnant l\'aspect fictionnel du médium et son rapport au cinéma. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions à l\'international, notamment à Los Angeles, Buenos Aires, Barcelone et Athènes. Diplômée de l\'École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre, elle est également récipiendaire d\'un grand nombre de prix et bourses, notamment la bourse de la Fondation de la Vocation, le Prix Médiatine du public et le Full Contact Award 2012 du festival international de photographie Scan de Tarragone. Elle a récemment été mise en nomination pour le Prix HSBC pour la Photographie ainsi que pour le prix Oskar Barnack Leica.</span>\n\n</p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">François Mathieu est d\'abord passé par la philosophie avant de se consacrer aux arts plastiques, qu\'il pratique maintenant depuis vingt-cinq ans. On le connaît principalement comme sculpteur. Il est également chargé de cours à l\'École des arts visuels de l\'Université Laval. Suivant la parution d\'un essai sur les cloches d\'église, chez Septentrion en 2010, il a publié un livre d\'artiste aux éditions J\'ai VU en 2011. Il vit et travaille à St-Sylvestre, au sud de Québec.</span></p>','Les grands papiers','','inherit','closed','closed','','1035-autosave-v1','','','2019-06-28 15:12:00','2019-06-28 19:12:00','',1035,'http://vuphoto.org/fr/articles/1035-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4854,4,'2019-06-28 15:13:10','2019-06-28 19:13:10','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Trou noir et rituels familiaux de Stéphanie Roland.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes grands papiers voyagent enroulés.\r\n\r\nElle a soupesé les bleus d’architecte lestés de bois et d\'ammoniac. Se tournant vers la lumière, elle projeta son regard dans le tube, au travers des coupes et des élévations. En tirant, en tapant le rouleau, les laminages semblaient vouloir se dilater un peu, hors foyer.\r\n<p style=\"text-align: justify\">L’espace se déploie dans les piles de pages télescopées les unes autour des autres. S’additionnant, les impressions appellent un grand vide, d’un bleu d’encre. Un bleu saturé, sans échelles ni repères. Un monde pourtant jalonné de cartouches, de légendes et de raccordements de tubes, emboutis dans toutes les directions.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Le temps qu\'il faut, les vues en plans ont séjourné dans l’espace, bavant dans les marges. Le bleu profond s’est installé à demeure dans l’atelier, comme un postulat d’infini entre les murs. Demain et les autres jours, elle pourrait dérouler ce bleu-là et peut-être en fouler les feuillets, creuser latéralement. L’installation va s’installer dans la poussière. Les miroirs des télescopes vont se retourner et les cartes montrer leur épaisseur. Le temps pourrait lui aussi ne plus savoir encadrer la suite des choses.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Les architectes du ciel se partagent l’infini. Juste en retrait des bornes plantées dans le monde, c’est quelque part en eux qu’ils prennent appui pour trianguler les perspectives, se les relayant et les retournant sur elles-mêmes. Pour seul uniforme, ils arborent des bleus aux genoux, aux coudes, puis les portent dans la tête. Comme les sceaux de ceux qui cherchent au loin et qui défont les sceaux.</p>','Les grands papiers —un texte de François Mathieu','','inherit','closed','closed','','1035-revision-v1','','','2019-06-28 15:13:10','2019-06-28 19:13:10','',1035,'http://vuphoto.org/fr/articles/1035-revision-v1/',0,'revision','',0),(4855,4,'2019-06-28 15:14:33','2019-06-28 19:14:33','<p style=\"text-align: justify\">Faisant de sa pratique visuelle un espace d’exploration et de négociation de son identité fractionnée, Jinyoung Kim présente une combinaison d’œuvres réalisées en Corée du Sud. Leur rassemblement dresse un portrait personnel du lien qu’entretient l’artiste avec la maison de son grand-père, allégorie de l’ancrage identitaire et de relations humaines déterminantes.\n\nKim est retournée dans son pays natal accompagnée de son père, qui n’y avait pas encore remis les pieds depuis son départ vers le Canada. Les clichés de <i>The Fathers in Sanctuary</i> documentent la demeure de son aïeul, l’intérieur comme l’extérieur, qui cristallise chez elle des souvenirs d’un chez-soi bien réel, nourri à distance grâce à la mémoire, mais devenu étranger. Les objets photographiés – des récipients entassés comme des portraits encadrés à la fois anciens et plus récents – soulignent le rythme journalier, mais aussi le temps qui façonne et s’immisce entre les générations. L’autoroute galopante, voire envahissante, qui borne la maison familiale témoigne des changements radicaux qu’ont dû subir les lieux qui, selon l’artiste, restent néanmoins immuables.\n\nAvec <i>Objects on the Rooftop</i>, elle déplace la représentation sur le toit, où des objets usuels sont disposés selon diverses configurations. Ventilateur, briques, chaises et tapis sont parfois regroupés pour simuler une maison imaginaire sans murs. Plus souvent, ces objets sont ironiquement ficelés, comme s’ils étaient prêts à être déménagés ou entreposés pour un temps imprécis. Ils rendent compte d’une absence tout comme d’un désir fondamental de conjuguer endroit d’attachement et quotidien en transformation ou encore de construire un pont qui faciliterait l’union du passé et du présent.\n\nLes études diasporiques insistent particulièrement sur l’apport des technologies dans le maintien et le développement de connexions transnationales parmi les membres d’une communauté déterritorialisée avec ceux demeurés au pays. Au lieu de simuler ce rapprochement partiel que permettent les avancées actuelles, Kim transporte la caméra dans son pays natal afin qu’elle témoigne d’une nostalgie persistante et de cette proximité physique interrompue que même la technologie n’arrivera jamais entièrement à combler.</p>\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 17.1429px\">Texte pour l’exposition <a title=\"Après le pont où se rencontrent les rivières\" href=\"https://vuphoto.org/fr/exposition/402/Apres-pont-se-rencontrent-les-rivieres/\"><em>Après le pont où se rencontrent les rivières</em></a> de Jinyoung Kim, présentée à VU du 23 octobre au  22 novembre 2015.</span>\n\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 17.1429px\">Jinyoung Kim </span><span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 1.71429\">traduit des histoires qui lui sont personnelles en visions poétiques, où se trouvent condensés des éléments à la fois symboliques et métaphoriques. Son travail résonne avec des expériences du quotidien, auxquelles elle attribue un sens en se les appropriant dans différents contextes. Elle s\'intéresse à l\'identité en lien avec la liminalité et le déplacement. Kim est titulaire d\'un baccalauréat en beaux-arts de l\'université torontoise OCAD et d\'une maîtrise en beaux-arts de l\'Université Concordia. Ses œuvres ont été présentées à Toronto et à Montréal, notamment à la Galerie Leonard-et-Bina-Ellen, à la Galerie Lilian Rodriguez et à l\'Espace Cercle Carré. En 2014, elle a fait partie des candidats pour les Bourses Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain, et a été récipiendaire de la Roloff Beny Foundation Fellowship in Photography. </span>\n\n<span style=\"color: #888888;font-size: 10px;line-height: 1.71429\">Kim vit et travaille à Montréal. </span><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">Julie Alary Lavallée prépare actuellement sa thèse de doctorat en histoire de l’art à l’Université Concordia, traitant de l’art contemporain de l’Inde dans le champ des études muséales et diasporiques. Ses recherches portent notamment sur la participation de la diaspora indienne dans le cadre d’expositions nationales d’art contemporain indien. Coordonnatrice aux communications et aux archives du centre OPTICA, elle publie régulièrement dans les revues spécialisées en art contemporain et agit à titre de vice-présidente au sein du conseil d’administration du centre d’artistes Studio XX.</span><span style=\"color: #888888;font-size: 10px\">\n</span>\n\n&nbsp;','L\'expérience migratoire temporalisée et spatialisée','','inherit','closed','closed','','1048-autosave-v1','','','2019-06-28 15:14:33','2019-06-28 19:14:33','',1048,'http://vuphoto.org/fr/articles/1048-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4856,4,'2019-06-28 15:15:36','2019-06-28 19:15:36','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Après le pont où se rencontrent les rivières de Jinyoung Kim.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Faisant de sa pratique visuelle un espace d’exploration et de négociation de son identité fractionnée, Jinyoung Kim présente une combinaison d’œuvres réalisées en Corée du Sud. Leur rassemblement dresse un portrait personnel du lien qu’entretient l’artiste avec la maison de son grand-père, allégorie de l’ancrage identitaire et de relations humaines déterminantes.\r\n\r\nKim est retournée dans son pays natal accompagnée de son père, qui n’y avait pas encore remis les pieds depuis son départ vers le Canada. Les clichés de <i>The Fathers in Sanctuary</i> documentent la demeure de son aïeul, l’intérieur comme l’extérieur, qui cristallise chez elle des souvenirs d’un chez-soi bien réel, nourri à distance grâce à la mémoire, mais devenu étranger. Les objets photographiés – des récipients entassés comme des portraits encadrés à la fois anciens et plus récents – soulignent le rythme journalier, mais aussi le temps qui façonne et s’immisce entre les générations. L’autoroute galopante, voire envahissante, qui borne la maison familiale témoigne des changements radicaux qu’ont dû subir les lieux qui, selon l’artiste, restent néanmoins immuables.\r\n\r\nAvec <i>Objects on the Rooftop</i>, elle déplace la représentation sur le toit, où des objets usuels sont disposés selon diverses configurations. Ventilateur, briques, chaises et tapis sont parfois regroupés pour simuler une maison imaginaire sans murs. Plus souvent, ces objets sont ironiquement ficelés, comme s’ils étaient prêts à être déménagés ou entreposés pour un temps imprécis. Ils rendent compte d’une absence tout comme d’un désir fondamental de conjuguer endroit d’attachement et quotidien en transformation ou encore de construire un pont qui faciliterait l’union du passé et du présent.\r\n\r\nLes études diasporiques insistent particulièrement sur l’apport des technologies dans le maintien et le développement de connexions transnationales parmi les membres d’une communauté déterritorialisée avec ceux demeurés au pays. Au lieu de simuler ce rapprochement partiel que permettent les avancées actuelles, Kim transporte la caméra dans son pays natal afin qu’elle témoigne d’une nostalgie persistante et de cette proximité physique interrompue que même la technologie n’arrivera jamais entièrement à combler.</p>','L\'expérience migratoire temporalisée et spatialisée —un texte de Julie Alary Lavallée','','inherit','closed','closed','','1048-revision-v1','','','2019-06-28 15:15:36','2019-06-28 19:15:36','',1048,'http://vuphoto.org/fr/articles/1048-revision-v1/',0,'revision','',0),(4857,4,'2019-06-28 15:16:27','2019-06-28 19:16:27','<span style=\"color: #000000\">Texte pour l’exposition Après le pont où se rencontrent les rivières de Jinyoung Kim.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Faisant de sa pratique visuelle un espace d’exploration et de négociation de son identité fractionnée, Jinyoung Kim présente une combinaison d’œuvres réalisées en Corée du Sud. Leur rassemblement dresse un portrait personnel du lien qu’entretient l’artiste avec la maison de son grand-père, allégorie de l’ancrage identitaire et de relations humaines déterminantes.</p>\r\nKim est retournée dans son pays natal accompagnée de son père, qui n’y avait pas encore remis les pieds depuis son départ vers le Canada. Les clichés de <i>The Fathers in Sanctuary</i> documentent la demeure de son aïeul, l’intérieur comme l’extérieur, qui cristallise chez elle des souvenirs d’un chez-soi bien réel, nourri à distance grâce à la mémoire, mais devenu étranger. Les objets photographiés – des récipients entassés comme des portraits encadrés à la fois anciens et plus récents – soulignent le rythme journalier, mais aussi le temps qui façonne et s’immisce entre les générations. L’autoroute galopante, voire envahissante, qui borne la maison familiale témoigne des changements radicaux qu’ont dû subir les lieux qui, selon l’artiste, restent néanmoins immuables.\r\n\r\nAvec <i>Objects on the Rooftop</i>, elle déplace la représentation sur le toit, où des objets usuels sont disposés selon diverses configurations. Ventilateur, briques, chaises et tapis sont parfois regroupés pour simuler une maison imaginaire sans murs. Plus souvent, ces objets sont ironiquement ficelés, comme s’ils étaient prêts à être déménagés ou entreposés pour un temps imprécis. Ils rendent compte d’une absence tout comme d’un désir fondamental de conjuguer endroit d’attachement et quotidien en transformation ou encore de construire un pont qui faciliterait l’union du passé et du présent.\r\n\r\nLes études diasporiques insistent particulièrement sur l’apport des technologies dans le maintien et le développement de connexions transnationales parmi les membres d’une communauté déterritorialisée avec ceux demeurés au pays. Au lieu de simuler ce rapprochement partiel que permettent les avancées actuelles, Kim transporte la caméra dans son pays natal afin qu’elle témoigne d’une nostalgie persistante et de cette proximité physique interrompue que même la technologie n’arrivera jamais entièrement à combler.','L\'expérience migratoire temporalisée et spatialisée —un texte de Julie Alary Lavallée','','inherit','closed','closed','','1048-revision-v1','','','2019-06-28 15:16:27','2019-06-28 19:16:27','',1048,'http://vuphoto.org/fr/articles/1048-revision-v1/',0,'revision','',0),(4858,4,'2019-06-28 15:19:17','2019-06-28 19:19:17','<p style=\"text-align: justify\">Situé entre la passante côte d’Abraham et la discrète rue De Saint-Vallier, le grand amalgame de bâtiments qu’est Méduse représente un carrefour unique de création, lui-même traversé de nombreuses voies de circulation. Sur la rue, plus bas, entrent les artistes et les travailleurs (ils sont souvent les deux) pour se rencontrer dans les ateliers et les laboratoires qui facilitent la production des œuvres, qu’elles soient photographiques, picturales, sculpturales, audio, vidéo, numériques ou tout ça en même temps. Les œuvres sortiront de Méduse pour être exposées ailleurs, ou encore parcourront les couloirs de la coopérative pour continuer à se développer dans un autre atelier ou pour être présentées dans une des galeries accessibles par la côte.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Il en est ainsi depuis vingt ans. C’est grâce à la vision d’artistes engagés et passionnés que différents organismes ont imaginé un regroupement sous forme de coopérative.  À ce moment, VU en était à l’aube de ses quinze ans et déjà vivait au cœur d’une communauté de gens partageant valeurs, ressources, idées. Méduse existait pour ainsi dire avant même sa création. Membres artistes, administrateurs, travailleurs, auteurs, visiteurs, tous ceux et celles qui passent par VU et par Méduse sont appelés à jouer différents rôles qui sont essentiels à l’énergie artistique de Québec.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Parmi eux, les artistes Ève Cadieux et Reno Salvail ont grandement contribué à ce dynamisme. Leur engagement envers la réflexion et la création en photographie se reflète dans leurs œuvres, où nous voyons s’entremêler des temps passés et à venir. Adoptant respectivement les figures de l’archéologue et de l’aventurier, les deux artistes offrent des visions d’éternité à travers des documents ambigus, qui pourraient être autant des archives du futur que des prédictions du passé.</p>\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Archéologue du futur</b></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><b> </b>Téléphones, baladeurs, jeux et jouets, appareils photo, matériel de chambre noire, calendriers perpétuels, machines à écrire, téléviseurs : déposés les uns à côté des autres, les nombreux objets donnent l’impression d’une collection archéologique. Mais avant de se retrouver là, en exposition, ils avaient d’abord été délaissés et éventuellement mis en vente. Ils avaient été photographiés par leurs propriétaires pour être affichés sur Internet, dans l’espoir qu’un nouvel acquéreur leur trouverait une importance quelconque. Certaines de ces photographies ont été collectées par Ève Cadieux, qui les dispose comme dans un cabinet de curiosités redonnant aux objets leurs lettres de noblesse, à l’intérieur d’un ensemble qui défie la hiérarchie.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Apparaissant frontalement, presque fièrement, les objets sont magnifiés et dévoilent leurs moindres détails. Mais n’en ayant conservé que les images, l’artiste les garde aussi à distance; la photographie les fait apparaître ici, alors qu’ils sont physiquement ailleurs. La nostalgie qu’ils pourraient éveiller n’est cependant qu’effleurée : ils sont davantage présentés comme des spécimens technologiques que comme des reliques avec chacune une histoire personnelle, si ce n’est celle de l’artiste, qui a formé un ensemble teinté de son vécu. Exposés sans descriptifs, les artéfacts en appellent à la mémoire des initiés qui en connaissent les rouages, ou à la curiosité d’apprentis qui chercheront, peut-être, à les découvrir.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Même si les photographies montrent des objets qui sont pour la plupart désuets, la technologie par laquelle elles circulent aujourd’hui est actuelle, et toujours en renouvellement. L’obsolescence viendra irrémédiablement, encore une fois, rattraper l’objet d’avant-garde. Il sera vite remplacé, pour ensuite peut-être trouver une place dans la collection de l’artiste, dont le potentiel infini contribue à réfléchir le passé et à imaginer le futur.</p>\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><b> </b></span></p>\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Aventurier de terres mythiques</b></p>\n<p style=\"text-align: justify\">Foulant des coins reculés de la planète – volcans, îles nordiques, lacs acides –, ou se tournant vers son propre corps comme un territoire à examiner, Reno Salvail met en œuvre des expéditions qui relèvent d’exploits tant physiques que psychiques. Il présente ces lieux explorés comme des environnements en mouvement, rassemblés dans un espace-temps élargi, dépassant toute représentation.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Les documents photographiques que l’artiste-aventurier rapporte de ses voyages sont des visions du réel, auxquelles il fait ensuite subir des transfigurations. Les photographies deviennent alors pour l’artiste de nouveaux territoires à explorer, où il est en position d’intervenir et auxquels il peut imposer des états sublimes. Se produisent des renversements de notions d’échelle, jusqu’à confondre le corps avec des territoires terrestres ou célestes – la rivière devenant un vaisseau sanguin ou une constellation apparaissant à la surface de la peau. Ces interversions ne font ni mourir ni disparaître le sujet d’origine, mais lui confèrent une portée nouvelle.</p>\n<p style=\"text-align: justify\">Les métamorphoses qu’opère l’artiste sur les images introduisent ainsi une dimension mythologique et participent à reconstruire le monde et à expliquer ses phénomènes naturels. Alors que l’univers et les organismes subissent toutes sortes de bouleversements, l’artiste transcende la frayeur qu’ils pourraient susciter pour leur donner sens. Ces nouvelles images réinterprétées déploient une douce poésie lucide et essentielle à l’appréciation des ébranlements subis par les terrains physiques et psychologiques. À travers le troublant, on peut se sentir soulevé par un souffle de vie. Et par la certitude d’une continuité.</p>\n&nbsp;','États de passage','','inherit','closed','closed','','1005-autosave-v1','','','2019-06-28 15:19:17','2019-06-28 19:19:17','',1005,'http://vuphoto.org/fr/articles/1005-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4859,4,'2019-06-28 15:20:12','2019-06-28 19:20:12','<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #000000\">Texte pour les expositions (PETITS) VESTIGES ANNONCÉS d\'Ève Cadieux et Souffle d\'air et tremblement d\'étoiles de Reno Salvail.</span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\">Situé entre la passante côte d’Abraham et la discrète rue De Saint-Vallier, le grand amalgame de bâtiments qu’est Méduse représente un carrefour unique de création, lui-même traversé de nombreuses voies de circulation. Sur la rue, plus bas, entrent les artistes et les travailleurs (ils sont souvent les deux) pour se rencontrer dans les ateliers et les laboratoires qui facilitent la production des œuvres, qu’elles soient photographiques, picturales, sculpturales, audio, vidéo, numériques ou tout ça en même temps. Les œuvres sortiront de Méduse pour être exposées ailleurs, ou encore parcourront les couloirs de la coopérative pour continuer à se développer dans un autre atelier ou pour être présentées dans une des galeries accessibles par la côte.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Il en est ainsi depuis vingt ans. C’est grâce à la vision d’artistes engagés et passionnés que différents organismes ont imaginé un regroupement sous forme de coopérative.  À ce moment, VU en était à l’aube de ses quinze ans et déjà vivait au cœur d’une communauté de gens partageant valeurs, ressources, idées. Méduse existait pour ainsi dire avant même sa création. Membres artistes, administrateurs, travailleurs, auteurs, visiteurs, tous ceux et celles qui passent par VU et par Méduse sont appelés à jouer différents rôles qui sont essentiels à l’énergie artistique de Québec.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Parmi eux, les artistes Ève Cadieux et Reno Salvail ont grandement contribué à ce dynamisme. Leur engagement envers la réflexion et la création en photographie se reflète dans leurs œuvres, où nous voyons s’entremêler des temps passés et à venir. Adoptant respectivement les figures de l’archéologue et de l’aventurier, les deux artistes offrent des visions d’éternité à travers des documents ambigus, qui pourraient être autant des archives du futur que des prédictions du passé.</p>\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Archéologue du futur</b></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><b> </b>Téléphones, baladeurs, jeux et jouets, appareils photo, matériel de chambre noire, calendriers perpétuels, machines à écrire, téléviseurs : déposés les uns à côté des autres, les nombreux objets donnent l’impression d’une collection archéologique. Mais avant de se retrouver là, en exposition, ils avaient d’abord été délaissés et éventuellement mis en vente. Ils avaient été photographiés par leurs propriétaires pour être affichés sur Internet, dans l’espoir qu’un nouvel acquéreur leur trouverait une importance quelconque. Certaines de ces photographies ont été collectées par Ève Cadieux, qui les dispose comme dans un cabinet de curiosités redonnant aux objets leurs lettres de noblesse, à l’intérieur d’un ensemble qui défie la hiérarchie.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Apparaissant frontalement, presque fièrement, les objets sont magnifiés et dévoilent leurs moindres détails. Mais n’en ayant conservé que les images, l’artiste les garde aussi à distance; la photographie les fait apparaître ici, alors qu’ils sont physiquement ailleurs. La nostalgie qu’ils pourraient éveiller n’est cependant qu’effleurée : ils sont davantage présentés comme des spécimens technologiques que comme des reliques avec chacune une histoire personnelle, si ce n’est celle de l’artiste, qui a formé un ensemble teinté de son vécu. Exposés sans descriptifs, les artéfacts en appellent à la mémoire des initiés qui en connaissent les rouages, ou à la curiosité d’apprentis qui chercheront, peut-être, à les découvrir.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Même si les photographies montrent des objets qui sont pour la plupart désuets, la technologie par laquelle elles circulent aujourd’hui est actuelle, et toujours en renouvellement. L’obsolescence viendra irrémédiablement, encore une fois, rattraper l’objet d’avant-garde. Il sera vite remplacé, pour ensuite peut-être trouver une place dans la collection de l’artiste, dont le potentiel infini contribue à réfléchir le passé et à imaginer le futur.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><span style=\"color: #888888\"><b> </b></span></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\"><b>Aventurier de terres mythiques</b></p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Foulant des coins reculés de la planète – volcans, îles nordiques, lacs acides –, ou se tournant vers son propre corps comme un territoire à examiner, Reno Salvail met en œuvre des expéditions qui relèvent d’exploits tant physiques que psychiques. Il présente ces lieux explorés comme des environnements en mouvement, rassemblés dans un espace-temps élargi, dépassant toute représentation.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Les documents photographiques que l’artiste-aventurier rapporte de ses voyages sont des visions du réel, auxquelles il fait ensuite subir des transfigurations. Les photographies deviennent alors pour l’artiste de nouveaux territoires à explorer, où il est en position d’intervenir et auxquels il peut imposer des états sublimes. Se produisent des renversements de notions d’échelle, jusqu’à confondre le corps avec des territoires terrestres ou célestes – la rivière devenant un vaisseau sanguin ou une constellation apparaissant à la surface de la peau. Ces interversions ne font ni mourir ni disparaître le sujet d’origine, mais lui confèrent une portée nouvelle.</p>\r\n<p style=\"text-align: justify\">Les métamorphoses qu’opère l’artiste sur les images introduisent ainsi une dimension mythologique et participent à reconstruire le monde et à expliquer ses phénomènes naturels. Alors que l’univers et les organismes subissent toutes sortes de bouleversements, l’artiste transcende la frayeur qu’ils pourraient susciter pour leur donner sens. Ces nouvelles images réinterprétées déploient une douce poésie lucide et essentielle à l’appréciation des ébranlements subis par les terrains physiques et psychologiques. À travers le troublant, on peut se sentir soulevé par un souffle de vie. Et par la certitude d’une continuité.</p>\r\n&nbsp;','États de passage —un texte de Pascale Bureau et Anne-Marie Proulx','','inherit','closed','closed','','1005-revision-v1','','','2019-06-28 15:20:12','2019-06-28 19:20:12','',1005,'http://vuphoto.org/fr/articles/1005-revision-v1/',0,'revision','',0),(4860,4,'2020-03-03 11:26:30','2020-03-03 16:26:30','Avez-vous déjà tenté de décrire une exposition à partir du seul souvenir que vous en aviez gardé? De chercher les mots pour restituer les sensations qu’elle avait suscitées? De retrouver l’impression qu’elle avait laissée dans votre esprit? C’est à cette tentative mémorielle que se sont prêtés les auteures et les auteurs qui ont écrit à propos d’expositions présentées dans nos espaces entre l’automne 2013 et l’automne 2014.\n\nCe sont les diverses tensions émergeant du rapport à l’autre qui ont laissé une trace chez certaines auteures. À partir de la série <i>Snowbirds</i>, <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/nous-et-les-autres/\">Fnoune Taha</a> s’approprie les réflexions artistiques de Mika Goodfriend<i>, </i>en faisant un parallèle entre leurs points de vue respectifs sur la rencontre de leur culture avec une culture dominante. <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/treves-damour/\">Gentiane La France</a> a pour sa part retenu les tiraillements de liens amoureux entre proximité et éloignement qui sont suggérés dans la série <i>Love and War </i>de Guillaume Simoneau. Une autre tension est évoquée avec justesse par <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/soustractions/\">Dominique Sirois-Rouleau</a>, liée à la série de collages de Richard Deschênes : celle entre la matérialité des œuvres et la non-représentation qu’elles contiennent. Son texte truffé de pistes de lecture offre une analyse à la fois minutieuse et concise des enjeux formels de <i>Soustractions</i>.\n\nD’autres textes ont su retenir une réflexion sur la mise en exposition comme acte de résistance. Comme l’envisage <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/newfreesafelittlelife/\">Catherine Lebel-Ouellet</a>, les séries photographiques de l’exposition <i>Sur la terre comme au ciel</i> soulèvent la question de la banalisation des messages et des espaces à l’ère de la société de consommation, alors que <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/constellations/\">Philippe Guillaume</a> relève le paradoxe d’un engouement pour le livre photographique manifesté dans l’exposition <i>Constellations </i>à l’heure même où le numérique tend à dématérialiser les deux médiums que sont le livre et la photographie.\n\nAilleurs, deux textes énoncent finement les réflexions sans nostalgie sur la photographie argentique qu’ont pu éveiller les expositions <i>Contretypes</i> et <i>Croisements</i>. D’une part, Sébastien Hudon se penche sur le travail de réactualisation du photogramme à l’aune du numérique réalisé par Caroline Gagné et François Lamontagne à l’occasion de leur résidence de création, où la rencontre de la glace et de la lumière aura opéré une magie toute photographique. D’autre part, Anne-Marie Proulx offre une comparaison audacieuse entre l’enchaînement aléatoire des lumières colorées qui ont dansé sur les sombres cimaises lors de l’exposition de Yann Pocreau et la danse des aurores boréales balayant l’horizon nordique.','A posteriori —un texte de Gentiane La France','','inherit','closed','closed','','966-autosave-v1','','','2020-03-03 11:26:30','2020-03-03 16:26:30','',966,'http://vuphoto.org/fr/articles/966-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4861,4,'2019-06-28 15:22:27','2019-06-28 19:22:27','Avez-vous déjà tenté de décrire une exposition à partir du seul souvenir que vous en aviez gardé? De chercher les mots pour restituer les sensations qu’elle avait suscitées? De retrouver l’impression qu’elle avait laissée dans votre esprit? C’est à cette tentative mémorielle que se sont prêtés les auteures et les auteurs qui ont écrit à propos d’expositions présentées dans nos espaces entre l’automne 2013 et l’automne 2014.\r\n\r\nCe sont les diverses tensions émergeant du rapport à l’autre qui ont laissé une trace chez certaines auteures. À partir de la série <i>Snowbirds</i>, <a title=\"NOUS et LES AUTRES\" href=\"http://blog.vuphoto.org/nous-et-les-autres/\">Fnoune Taha</a> s’approprie les réflexions artistiques de Mika Goodfriend<i>, </i>en faisant un parallèle entre leurs points de vue respectifs sur la rencontre de leur culture avec une culture dominante. <a title=\"Trèves d’amour\" href=\"http://blog.vuphoto.org/treves-damour/\">Gentiane La France</a> a pour sa part retenu les tiraillements de liens amoureux entre proximité et éloignement qui sont suggérés dans la série <i>Love and War </i>de Guillaume Simoneau. Une autre tension est évoquée avec justesse par <a title=\"Soustractions\" href=\"http://blog.vuphoto.org/soustractions/\">Dominique Sirois-Rouleau</a>, liée à la série de collages de Richard Deschênes : celle entre la matérialité des œuvres et la non-représentation qu’elles contiennent. Son texte truffé de pistes de lecture offre une analyse à la fois minutieuse et concise des enjeux formels de <i>Soustractions</i>.\r\n\r\nD’autres textes ont su retenir une réflexion sur la mise en exposition comme acte de résistance. Comme l’envisage <a title=\"NEW. FREE. SAFE. LITTLE. LIFE.\" href=\"http://blog.vuphoto.org/newfreesafelittlelife/\">Catherine Lebel-Ouellet</a>, les séries photographiques de l’exposition <i>Sur la terre comme au ciel</i> soulèvent la question de la banalisation des messages et des espaces à l’ère de la société de consommation, alors que <a title=\"Constellations ou le dépassement de la dématérialisation\" href=\"http://blog.vuphoto.org/constellations/\">Philippe Guillaume</a> relève le paradoxe d’un engouement pour le livre photographique manifesté dans l’exposition <i>Constellations </i>à l’heure même où le numérique tend à dématérialiser les deux médiums que sont le livre et la photographie.\r\n\r\nAilleurs, deux textes énoncent finement les réflexions sans nostalgie sur la photographie argentique qu’ont pu éveiller les expositions <i>Contretypes</i> et <i>Croisements</i>. D’une part, <a title=\"De givre et de temps\" href=\"http://blog.vuphoto.org/de-givre-et-de-temps/\">Sébastien Hudon</a> se penche sur le travail de réactualisation du photogramme à l’aune du numérique réalisé par Caroline Gagné et François Lamontagne à l’occasion de leur résidence de création, où la rencontre de la glace et de la lumière aura opéré une magie toute photographique. D’autre part, <a title=\"Aurores mécaniques\" href=\"http://blog.vuphoto.org/aurores-mecaniques/\">Anne-Marie Proulx</a> offre une comparaison audacieuse entre l’enchaînement aléatoire des lumières colorées qui ont dansé sur les sombres cimaises lors de l’exposition de Yann Pocreau et la danse des aurores boréales balayant l’horizon nordique.','A posteriori —un texte de Gentiane La France','','inherit','closed','closed','','966-revision-v1','','','2019-06-28 15:22:27','2019-06-28 19:22:27','',966,'http://vuphoto.org/fr/articles/966-revision-v1/',0,'revision','',0),(4862,4,'2019-06-28 15:23:14','2019-06-28 19:23:14','Avez-vous déjà tenté de décrire une exposition à partir du seul souvenir que vous en aviez gardé? De chercher les mots pour restituer les sensations qu’elle avait suscitées? De retrouver l’impression qu’elle avait laissée dans votre esprit? C’est à cette tentative mémorielle que se sont prêtés les auteures et les auteurs qui ont écrit à propos d’expositions présentées dans nos espaces entre l’automne 2013 et l’automne 2014.\r\n\r\nCe sont les diverses tensions émergeant du rapport à l’autre qui ont laissé une trace chez certaines auteures. À partir de la série <i>Snowbirds</i>, Fnoune Taha s’approprie les réflexions artistiques de Mika Goodfriend<i>, </i>en faisant un parallèle entre leurs points de vue respectifs sur la rencontre de leur culture avec une culture dominante. Gentiane La France a pour sa part retenu les tiraillements de liens amoureux entre proximité et éloignement qui sont suggérés dans la série <i>Love and War </i>de Guillaume Simoneau. Une autre tension est évoquée avec justesse par Dominique Sirois-Rouleau, liée à la série de collages de Richard Deschênes : celle entre la matérialité des œuvres et la non-représentation qu’elles contiennent. Son texte truffé de pistes de lecture offre une analyse à la fois minutieuse et concise des enjeux formels de <i>Soustractions</i>.\r\n\r\nD’autres textes ont su retenir une réflexion sur la mise en exposition comme acte de résistance. Comme l’envisage Catherine Lebel-Ouellet, les séries photographiques de l’exposition <i>Sur la terre comme au ciel</i> soulèvent la question de la banalisation des messages et des espaces à l’ère de la société de consommation, alors que Philippe Guillaume relève le paradoxe d’un engouement pour le livre photographique manifesté dans l’exposition <i>Constellations </i>à l’heure même où le numérique tend à dématérialiser les deux médiums que sont le livre et la photographie.\r\n\r\nAilleurs, deux textes énoncent finement les réflexions sans nostalgie sur la photographie argentique qu’ont pu éveiller les expositions <i>Contretypes</i> et <i>Croisements</i>. D’une part, Sébastien Hudon se penche sur le travail de réactualisation du photogramme à l’aune du numérique réalisé par Caroline Gagné et François Lamontagne à l’occasion de leur résidence de création, où la rencontre de la glace et de la lumière aura opéré une magie toute photographique. D’autre part, Anne-Marie Proulx offre une comparaison audacieuse entre l’enchaînement aléatoire des lumières colorées qui ont dansé sur les sombres cimaises lors de l’exposition de Yann Pocreau et la danse des aurores boréales balayant l’horizon nordique.','A posteriori —un texte de Gentiane La France','','inherit','closed','closed','','966-revision-v1','','','2019-06-28 15:23:14','2019-06-28 19:23:14','',966,'http://vuphoto.org/fr/articles/966-revision-v1/',0,'revision','',0),(4863,4,'2019-06-28 15:26:49','2019-06-28 19:26:49','<h2>VU is an artist-run centre whose mission is to promote and support research and creation in the field of photography by working with artists and contributing to the dissemination of and reflection on their work.</h2>\r\nSince 1981, VU has foregrounded the diversity of artistic practices in photography, supported artists in the production of their work, and offered them the space and freedom to create. The centre contributes to current thinking about photography by encouraging the deepening of artistic experience through a program of varied activities.\r\n\r\nVU offers artists and the public a program of exhibitions complemented by texts, roundtables, screenings, external projects, and activities dedicated to photography. VU is also committed to the photobook as a space for reflection and research for artists, producing books and organizing activities around the medium. Production spaces and services in digital and analogue photography are offered to artists and members of VU. Artist residencies foster the development of practices that participate in the current concerns around photography.\r\n\r\nVU is a nonprofit organization formed and directed by a collective of artists. Its board of directors is composed of artists and professionals of visuals arts. VU is a founding member of the Méduse cooperative and of the Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec (RCAAQ).','About VU','','inherit','closed','closed','','2654-revision-v1','','','2019-06-28 15:26:49','2019-06-28 19:26:49','',2654,'http://vuphoto.org/fr/articles/2654-revision-v1/',0,'revision','',0),(4866,4,'2019-06-28 15:37:20','2019-06-28 19:37:20','<h2>VU exists largely thanks to our members, who enliven the centre. By means of their presence and participation in our activities, whether by working on their creative projects in our production spaces or through their interest in photographic thinking and creation, our members participate in the development of a community and culture of contemporary photography.</h2>\r\nBeing a member of VU is not only a chance to take advantage of facilities and opportunities, but also to support the development of contemporary photography and visual art. The strength of the centre is that of its community: it is important to have you with us!\r\n\r\nBenefit from VU, its community, and its services by becoming a member.','Become a member','','inherit','closed','closed','','4734-revision-v1','','','2019-06-28 15:37:20','2019-06-28 19:37:20','',4734,'http://vuphoto.org/fr/articles/4734-revision-v1/',0,'revision','',0),(4867,4,'2019-07-01 12:06:00','2019-07-01 16:06:00','L\'exposition collective  qui fait suite au laboratoire de création dans les galeries de VU et l\'Oeil de poisson réunissant aussi bien la photographie, la sculpture, l\'installation, le dessin que la performance.\n\nCe projet est réalisé grâce au soutien financier du gouvernement du Québec et de la Ville de Québec dans le cadre de l\'Entente de développement culturel.','Espaces en pratique','','inherit','closed','closed','','1954-autosave-v1','','','2019-07-01 12:06:00','2019-07-01 16:06:00','',1954,'http://vuphoto.org/fr/articles/1954-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4870,1,'2016-08-12 16:21:56','2016-08-12 15:21:56','These mountains that follow one after another increasingly turn to blue as they recede into the distance. Blue is the colour of remoteness, the colour of things that seem estranged, beyond reach. But it can also be that of a world to construct, to imagine, to dream. In his life as much as in his photographs, Shuwei Liu chases the colour blue to spread it everywhere around him%u2014from the indigo dye that saturates his clothing to his photographs, which capture elements that can only be touched by sight or by the mind. This quest also represents a way to refuse darkness and blindness, to abstract himself from reality not by closing eyes but rather by being on the lookout for fragile and transient moments, where the light gives rise to the imaginary.\r\n\r\nThe works presented in the exhibition were printed at VU.\r\n\r\nThe artist would like to thank VU for the great support, in every way.','Blue trilogy','','publish','closed','closed','','trilogie-bleue','','','2019-06-28 16:06:40','2019-06-28 20:06:40','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/trilogie-bleue/',0,'museo_calendar_event','',0),(4871,4,'2019-06-28 16:06:28','2019-06-28 20:06:28','Ces montagnes qui se succèdent au loin nous apparaissent de plus en plus bleutées, à mesure qu\'elles s\'éloignent. Le bleu est ainsi la couleur de la distance, la couleur des choses qui nous semblent étrangères, inatteignables. Mais elle peut aussi être celle d\'un monde à construire, à imaginer, à rêver. Dans sa vie comme dans ses photographies, Shuwei Liu prend en chasse la couleur bleue afin d\'en imprégner ce qui se trouve autour de lui - qu\'il s\'agisse de la teinture d\'indigo saturant ses vêtements ou de photographies capturant des éléments qui ne se touchent que du regard ou de l\'esprit. C\'est aussi pour lui une façon de refuser la noirceur et l\'aveuglement, de s\'abstraire de la réalité non pas en se fermant les yeux mais plutôt en étant à l\'affût de moments fragiles et transitoires, là où la lumière fait naître l\'imaginaire.\n\nL\'artiste souhaite remercier VU pour son soutien tout au long de la mise sur pied de son exposition.\n\nLes images de l\'exposition <em>Trilogie bleue </em>ont été produites à VU.','Blue trilogy','','inherit','closed','closed','','4870-autosave-v1','','','2019-06-28 16:06:28','2019-06-28 20:06:28','',4870,'http://vuphoto.org/fr/articles/4870-autosave-v1/',0,'revision','',0),(4872,1,'2016-08-12 16:54:11','2016-08-12 15:54:11','Thinking along the lines of two Benjaminian concepts of fertile ambiguity, trace and aura, the meeting of three photographic series offers a perceptual experience in which near and far intertwine. Playing with the formal juxtaposition of views of islands in compositions that sometimes confuse the scale of sites, Alphiya Joncas redraws a geography imagined from fragments of remote landscapes. An exploration of vast territories by Martin Guimont follows, with a series where the solitary gaze gets lost in the inaccessibility of the distant, sometimes obscured, horizon. To these unreachable perspectives, Audrée Demers-Roberge responds with photographs blurred by too great a proximity and presented in an installation that reveals the pauses of the walker on a continuing journey. United as a constellation in this exhibition, the works can be perceived as the traces of the light emanating from three distant natural spaces that, in this way, come closer together.\r\n\r\nAudrée Demers-Roberge wishes to thank Mathieu Fecteau, Denis Thibeault, Karelle Audet, Gísli and Eyþór. Martin Guimont thanks the Conseil des arts et des lettres du Québec for its financial support. Alphiya Joncas wishes to thank Charles-Frédérick Ouellet. Gentiane La France thanks VU and more particularly Jacynthe Carrier and Anne-Marie Proulx, as well as Première Ovation for the financial support to the project.\r\n\r\nThis project have been supported by the Minister of Culture and Communications and Québec city\'s grant Première Ovation.\r\n\r\nCollective exhibition curated by Gentiane La France.\r\n\r\nThe works presented in the exhibition were printed at VU.','Entre trace et aura','','publish','closed','closed','','entre-trace-et-aura','','','2019-06-28 16:08:03','2019-06-28 20:08:03','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/entre-trace-et-aura/',0,'museo_calendar_event','',0),(4873,1,'2016-08-12 14:53:17','2016-08-12 13:53:17','Public places appear as the theatres of improbable situations in which different realities meet - while Pussy Riot enters a souk in Aleppo, a Syrian migrant sleeps in the grand hall of a Montréal museum. Although the scenes are apparently incongruous, the photomontages echo the way different references to world events are constantly crossed and superimposed in the media. These sites of false encounters become the occasion to clear away questions about the veracity of information and put our own connection with the world to the test. Forcing the meeting of different critical and political situations, Amantea\'s \"faux sites\" underscore the inability of art to really act in the world and reflect our own inertia in the face of humanity\'s fate.\r\n\r\nThe artist would like to acknowledge the assistance and support of the following : Anil Ragubance, Anne Marie Holland (Rare Books and Special Collections, McGill University, Montreal), Dirk De Meyer (Department of Architecture and Urban Planning, Ghent University, Ghent, Belgium), Peter White','Faux Sites','','publish','closed','closed','','faux-sites','','','2019-06-28 16:09:22','2019-06-28 20:09:22','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/faux-sites/',0,'museo_calendar_event','',0),(4874,1,'2016-08-12 16:17:07','2016-08-12 15:17:07','Two old prints : here, a ship with one smokestack follows a thin strip of land along the horizon; there, a larger ship with three smokestacks sails in an endless sea. Not knowing the stories behind these two found photographs, Christopher Boyne makes them a point of departure for telling new ones. In an attempt to reproduce the effects of similitude observed in the two images, the artist creates fictions that are their equivalent. A narration for each vessel situates it in an imagined space-time, while a pennant associates each with a fictional shipping line. These unknown ships are thus granted new identities, allowing them to go beyond the fixity of the image and meet in fiction.','one stack, three stacks','','publish','closed','closed','','one-stack-three-stacks','','','2019-06-28 16:10:50','2019-06-28 20:10:50','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/one-stack-three-stacks/',0,'museo_calendar_event','',0),(4875,1,'2016-08-12 13:41:10','2016-08-12 12:41:10','Presented in collaboration with Manif d\'art.','Field Trip','','publish','closed','closed','','field-trip','','','2019-06-28 16:13:33','2019-06-28 20:13:33','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/field-trip/',0,'museo_calendar_event','',0),(4876,1,'2016-08-12 14:12:08','2016-08-12 13:12:08','Presented in collaboration with the <a href=\"http://mmrectoverso.org/portfolio/kelly-richardson-orion-tide/\">Mois Multi</a>.\r\n\r\nNight, in the desert. Beams of light and smoke rise into the sky. Are we witnessing a war, a natural cataclysm, an astral phenomenon, a lift-off to explore unknown lands, or the end of the world? The landscape is enchanting, but ominous. Midway between reality and science-fiction, <em>Orion Tide</em> transports us to an apocalyptic site of disquieting, ineffable beauty. Through digital manipulations of documentary photographs, Kelly Richardson creates a unique video installation that turns on the ambiguity of the images. She questions our perceptions and the believability of what is displayed to us, contrasts the possible with the impossible, probing the fabulous powers of the imagination.','Orion Tide','','publish','closed','closed','','orion-tide','','','2019-06-28 16:14:57','2019-06-28 20:14:57','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/orion-tide/',0,'museo_calendar_event','',0),