(6685,4,'2020-07-24 11:54:22','2020-07-24 15:54:22','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les <em>tissekau</em> – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>tissekau</em> rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, <u></u>et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. <u></u>Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4 –, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez</strong> a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, <em>Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », <em>Runway Journal</em>, <em>Re/production</em>, no. 32, [en ligne], <a href=\"http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter\">http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter</a>, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire. Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie. Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.</pre>\r\n<pre>\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','publish','open','open','','voir-linvisible-un-texte-de-michelle-drapeau','','','2020-07-24 14:30:35','2020-07-24 18:30:35','',0,'http://vuphoto.org/?p=6685',0,'post','',0),(6686,4,'2020-07-15 16:46:01','2020-07-15 20:46:01','','18_F Le Blanc','','inherit','open','closed','','18_f-le-blanc','','','2020-07-15 16:46:01','2020-07-15 20:46:01','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6687,4,'2020-07-15 16:46:01','2020-07-15 20:46:01','','18_F Le Blanc','','inherit','open','closed','','18_f-le-blanc-2','','','2020-07-15 16:46:01','2020-07-15 20:46:01','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6688,4,'2020-07-15 16:46:21','2020-07-15 20:46:21','','2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail','','inherit','open','closed','','2016-cristian-ordonez-grassland-rail','','','2020-07-15 16:46:21','2020-07-15 20:46:21','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6689,4,'2020-07-15 16:46:21','2020-07-15 20:46:21','','2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail','','inherit','open','closed','','2016-cristian-ordonez-grassland-rail-2','','','2020-07-15 16:46:21','2020-07-15 20:46:21','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6690,4,'2020-07-15 16:46:26','2020-07-15 20:46:26','','2020-huajin-quebec copie','','inherit','open','closed','','2020-huajin-quebec-copie','','','2020-07-15 16:46:26','2020-07-15 20:46:26','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6691,4,'2020-07-15 16:46:26','2020-07-15 20:46:26','','2020-huajin-quebec copie','','inherit','open','closed','','2020-huajin-quebec-copie-2','','','2020-07-15 16:46:26','2020-07-15 20:46:26','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6692,4,'2020-07-15 16:46:30','2020-07-15 20:46:30','','CANNETTES','','inherit','open','closed','','cannettes','','','2020-07-15 16:46:30','2020-07-15 20:46:30','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6693,4,'2020-07-15 16:46:30','2020-07-15 20:46:30','','CANNETTES','','inherit','open','closed','','cannettes-2','','','2020-07-15 16:46:30','2020-07-15 20:46:30','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6694,4,'2020-07-15 16:46:35','2020-07-15 20:46:35','','construir des ponts photo débora flor (7 de 7)','','inherit','open','closed','','construir-des-ponts-photo-debora-flor-7-de-7','','','2020-07-15 16:46:35','2020-07-15 20:46:35','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6695,4,'2020-07-15 16:46:35','2020-07-15 20:46:35','','construir des ponts photo débora flor (7 de 7)','','inherit','open','closed','','construir-des-ponts-photo-debora-flor-7-de-7-2','','','2020-07-15 16:46:35','2020-07-15 20:46:35','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6696,4,'2020-07-15 16:46:38','2020-07-15 20:46:38','','IMG_2240','','inherit','open','closed','','img_2240','','','2020-07-15 16:46:38','2020-07-15 20:46:38','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6697,4,'2020-07-15 16:46:38','2020-07-15 20:46:38','','IMG_2240','','inherit','open','closed','','img_2240-2','','','2020-07-15 16:46:38','2020-07-15 20:46:38','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6698,4,'2020-07-15 16:46:44','2020-07-15 20:46:44','','Internet Vernacular - Orange Body Suit','','inherit','open','closed','','internet-vernacular-orange-body-suit','','','2020-07-15 16:46:44','2020-07-15 20:46:44','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6699,4,'2020-07-15 16:46:44','2020-07-15 20:46:44','','Internet Vernacular - Orange Body Suit','','inherit','open','closed','','internet-vernacular-orange-body-suit-2','','','2020-07-15 16:46:44','2020-07-15 20:46:44','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6700,4,'2020-07-15 16:46:51','2020-07-15 20:46:51','','JHC_MG_1279_18x27','','inherit','open','closed','','jhc_mg_1279_18x27','','','2020-07-15 16:46:51','2020-07-15 20:46:51','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6701,4,'2020-07-15 16:46:51','2020-07-15 20:46:51','','JHC_MG_1279_18x27','','inherit','open','closed','','jhc_mg_1279_18x27-2','','','2020-07-15 16:46:51','2020-07-15 20:46:51','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6702,4,'2020-07-15 16:46:56','2020-07-15 20:46:56','','la légèreté des apparences IV','','inherit','open','closed','','la-legerete-des-apparences-iv','','','2020-07-15 16:46:56','2020-07-15 20:46:56','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6703,4,'2020-07-15 16:46:56','2020-07-15 20:46:56','','la légèreté des apparences IV','','inherit','open','closed','','la-legerete-des-apparences-iv-2','','','2020-07-15 16:46:56','2020-07-15 20:46:56','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6704,4,'2020-07-15 16:47:01','2020-07-15 20:47:01','','MB_résidence_12-recadrée','','inherit','open','closed','','mb_residence_12-recadree','','','2020-07-15 16:47:01','2020-07-15 20:47:01','',6685,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6705,4,'2020-07-15 16:47:01','2020-07-15 20:47:01','','MB_résidence_12-recadrée','','inherit','open','closed','','mb_residence_12-recadree-2','','','2020-07-15 16:47:01','2020-07-15 20:47:01','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6706,4,'2020-07-15 16:54:22','2020-07-15 20:54:22','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU dresse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne au Sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais surement, les infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sous leur passage *1. Dans le désert d’Atacama en Amérique du Sud, cette idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant de leur dormance, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au Nord du Québec, les <em>Tissekau</em> - collines rocheuses résiduelles - font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, cette image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies potentielles de tels phénomènes pour mieux appréhender les opérations subtiles mises en oeuvre à VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité symbolique qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel: on n’en constate le passage qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autre fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques - à l’instar des légers transferts de grains de sable - qui occasionne d’éventuelles répercussions plus grandes. Les occurences topographiques énoncées en amont ouvrent d’autres brèches de sens toutes aussi évocatrices : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous éléments sur leur passage jusqu’à les engloutir complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent quant à elles ces choses inertes et cachées, en latence, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>Tissekau</em> rappellent pour leur part que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient ses activités de diffusion habituelles. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, l’événementiel et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures seraient redoublées par la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, avec une programmation décloisonnée qui conférait davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition se concrétisaient. Certaines initiatives permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire par la tenue d’ateliers professionnels, ou encore la médiation culturelle grâce aux ateliers créatifs auprès de la collectivité.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, autant dans l’élaboration de la thématique globale que dans le déploiement alternatif de la programmation, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions surgissent perpétuellement sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de l’écartement des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres: celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on contemple la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue de son travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux inombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser les balises d’enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague - avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Feredici en 1975 *4 -, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait cette répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincu (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleur.se.s culturel.le.s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est lui aussi souvent considéré en tant que mise en oeuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvi par amour pour l’art et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle: nombreuses sont les heures non-comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception chez les artistes. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres d’artistes comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leurs communautés en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLe médium photographique est particulièrement révélateur pour réfléchir ces enjeux du travail invisible. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, en ignorant les efforts consacrés en amont avec la recherche et en aval avec la post-production. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Le médium s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justemment que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. Face à ces considérations, dix artistes de la programmation 2019-2020 à VU ont été invité.e.s à soumettre une image de leur choix qui tend conceptuellement vers cet acte de [dé]voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent d’une sensibilité propre à l’artiste photographe : sa capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui habite le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Attestant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> fait resurgir une photographie saisie dans les moments intersticiels de sa résidence à VU, et qui serait autrement tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous donne accès aux angles morts d’un moment de médiation, celui où la pratique individuelle s’invibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain.e.s artistes adoptent une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> capte les traces parallèles d’une présence touristique révolue, bifurquée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> documente les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier des villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> récupère et singularise un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant de <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en cet instant fugitif juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez </strong>saisit la nature en friche qui reprend ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, assure la préservation d’une image résiduelle autant qu’elle en dissimule le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> reconstitue un espace liminal et nous convie dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous montre l’envers du décor urbain ignoré par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous procurent ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects » *10.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.B. Baillière, Librairie de l’Académnie royale de médecine, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrice Pawlack, <em>Sommets Incas</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004, 143 p.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour Caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques : mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective et Falling Wall Press, 1975, np.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (éd.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt &amp; Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Karen Archey, « Women’s Invisible Labor and the Artworld », <em>E-Flux Conversations</em>, [en ligne], &lt;conversations.e-flux.com&gt;, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire : Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie : Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (éd.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, Éditions la Fabrique, 2008, p. 72.\r\n\r\n</pre>\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau </span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-15 16:54:22','2020-07-15 20:54:22','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6707,4,'2020-07-15 16:57:27','2020-07-15 20:57:27','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU dresse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne au Sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais surement, les infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sous leur passage *1. Dans le désert d’Atacama en Amérique du Sud, cette idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant de leur dormance, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au Nord du Québec, les <em>Tissekau</em> - collines rocheuses résiduelles - font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, cette image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies potentielles de tels phénomènes pour mieux appréhender les opérations subtiles mises en oeuvre à VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité symbolique qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel: on n’en constate le passage qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autre fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques - à l’instar des légers transferts de grains de sable - qui occasionne d’éventuelles répercussions plus grandes. Les occurences topographiques énoncées en amont ouvrent d’autres brèches de sens toutes aussi évocatrices : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous éléments sur leur passage jusqu’à les engloutir complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent quant à elles ces choses inertes et cachées, en latence, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>Tissekau</em> rappellent pour leur part que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient ses activités de diffusion habituelles. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, l’événementiel et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures seraient redoublées par la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, avec une programmation décloisonnée qui conférait davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition se concrétisaient. Certaines initiatives permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire par la tenue d’ateliers professionnels, ou encore la médiation culturelle grâce aux ateliers créatifs auprès de la collectivité.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, autant dans l’élaboration de la thématique globale que dans le déploiement alternatif de la programmation, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions surgissent perpétuellement sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de l’écartement des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres: celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on contemple la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue de son travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux inombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser les balises d’enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague - avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Feredici en 1975 *4 -, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait cette répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincu (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleur.se.s culturel.le.s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est lui aussi souvent considéré en tant que mise en oeuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvi par amour pour l’art et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle: nombreuses sont les heures non-comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception chez les artistes. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres d’artistes comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leurs communautés en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLe médium photographique est particulièrement révélateur pour réfléchir ces enjeux du travail invisible. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, en ignorant les efforts consacrés en amont avec la recherche et en aval avec la post-production. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Le médium s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justemment que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. Face à ces considérations, dix artistes de la programmation 2019-2020 à VU ont été invité.e.s à soumettre une image de leur choix qui tend conceptuellement vers cet acte de [dé]voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent d’une sensibilité propre à l’artiste photographe : sa capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui habite le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Attestant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> fait resurgir une photographie saisie dans les moments intersticiels de sa résidence à VU, et qui serait autrement tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous donne accès aux angles morts d’un moment de médiation, celui où la pratique individuelle s’invibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain.e.s artistes adoptent une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> capte les traces parallèles d’une présence touristique révolue, bifurquée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> documente les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier des villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> récupère et singularise un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant de <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en cet instant fugitif juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez </strong>saisit la nature en friche qui reprend ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, assure la préservation d’une image résiduelle autant qu’elle en dissimule le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> reconstitue un espace liminal et nous convie dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous montre l’envers du décor urbain ignoré par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous procurent ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects » *10.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.B. Baillière, Librairie de l’Académnie royale de médecine, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrice Pawlack, <em>Sommets Incas</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004, 143 p.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour Caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques : mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective et Falling Wall Press, 1975, np.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (éd.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt &amp; Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Karen Archey, « Women’s Invisible Labor and the Artworld », <em>E-Flux Conversations</em>, [en ligne], &lt;conversations.e-flux.com&gt;, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire : Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie : Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (éd.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, Éditions la Fabrique, 2008, p. 72.\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau </span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-15 16:57:27','2020-07-15 20:57:27','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6708,4,'2020-07-16 10:33:26','2020-07-16 14:33:26','Ce qui me pousse à développer un projet relève souvent de cette impression qu’une pièce est manquante ou figée dans les archives historiques. C’est aussi le désir de rassembler des voix autour d’une histoire qui m’anime.\r\n\r\nLors de la journée d’échanges ayant eu lieu à VU en janvier 2020, j’ai parcouru plusieurs de mes travaux qui font naturellement écho à l’histoire. Mon œuvre s’est d’abord enracinée dans le champ photographique, mais elle prend aujourd’hui toutes sortes de formes. Dès 2011, j’ai paradoxalement ralenti la cadence à laquelle je produisais des images, en réaction à la démocratisation de la photographie qui a causé une surabondance de photos numériques. La nécessité de trouver du sens m’a plongée dans une quête, conduite à une image qui a marqué mon enfance : une affiche environnementale montrant un béluga et le slogan <em>Leur avenir c’est surtout le nôtre</em>. Je me disais que, celle-là, elle me garderait liée par le cœur à mon mode d’expression. Depuis, j’élabore une archive thématique sur ce mammifère et je tente de créer des œuvres qui contribuent à le rendre visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><em>Image ci-haut : Rejouer la pouponnière (étude de mouvement), performance participative, 2018\r\n\r\n\r\n\r\n</em></pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6564\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/figure-1-Pour_ceux-_qui_ne_les-voient_pas.jpg\" alt=\"\" />\r\n<em>Pour ceux  qui ne les voient pas, 2016\r\n</em></pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvec <em>Pour ceux qui ne les voient pas</em>, j’ai réalisé une sculpture en marbre blanc représentant cinq dos de bélugas, d’une même famille, à l’échelle réelle, qui émergeaient d’un mur du terminal de traversier de Baie-Comeau. C’était une sorte de braille qui amenait à voir l’espèce, dont la population locale est en voie de disparition. D’ailleurs, une mobilisation a eu lieu à Cacouna pour y protéger une « pouponnière de bélugas », terme qui a émergé dans l’imaginaire collectif à la suite des luttes aux forages sous-marins menés dans le fleuve Saint-Laurent. Mes livres d’artiste <em>La conquête du béluga</em> et <em>Histoire sociale du béluga</em> (Éditions Escuminac, 2020 et 2016) y ont renvoyé. C’est qu’il est rare qu’on gagne une lutte en suggérant une telle référence, maternelle, comme ça s’est précisément passé à Cacouna.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nMon microcosme de prédilection, celui qui est au cœur de mon travail, se trouve en Gaspésie. C’est là que je m’investis pour m’opposer à l’image de la carte postale folklorisante, qui écarte les réalités sociales et écologiques du présent – une forme de déni étant perceptible dans ce type de représentation. Ma monographie <em>L’Appel</em> (Éditions Sagamie, 2012) témoigne de plusieurs interventions que j’ai réalisées sur les quais, actions dont l’élément déclencheur a été un incident : j’ai reçu l’appel de quelqu’un qui envisageait de s’enlever la vie sur un quai. C’est à partir de cette histoire que le quai, une porte ayant autrefois mené à tellement de rives et de routes maritimes, m’est apparu comme une impasse, avec bien des fantômes. J’ai réalisé que ce lieu au cœur du tissu social était en train de disparaître dans le silence. Le trafic maritime local avait presque été éliminé, l’exportation de bois par bateau avait totalement cessé et la pêche s’était épuisée, comme à peu près partout dans le monde, encore que l’on continuait à la pratiquer, car on n’aurait su s’arrêter.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nC’est en constatant la fermeture des ports face à une mer fatiguée que j’ai pensé une série de performances participatives pour rassembler des citoyens sur les quais de leur communauté. Ces <em>Manifestations pour la mémoire des quais</em>, captées par des procédés photographiques anciens, ont permis à la fois de réoccuper ces lieux fragiles en proie à l’abandon et de les archiver. La série qui en a résulté témoignait d’une identité propre à l’Est du Canada au moment même où elle se détournait de sa dimension atlantique. J’ai mis en exposition l’ensemble des dix quais qui ont été visités sous le titre <em>La mémoire est une arme</em>, celui-ci suggérant une certaine violence, mais aussi, et surtout, une lutte.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6566\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/figure-2-1_GOUDREAU_MANIFESTATION_2011.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Manifestation pour la mémoire des quais, 2011</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\nC’est par hasard que la notion d’arme m’a littéralement suivie. J’ai enclenché, par la suite, un projet autour d’un véhicule militaire de la Seconde Guerre mondiale que j’ai trouvé à même le boisé entourant ma maison. Avec l’intention de transformer l’artefact en objet de fabulations et pour éviter d’avoir l’unique responsabilité de décider du sort de ce vestige chargé de sens, j’ai créé une œuvre participative : le <em>Festival du tank d’Escuminac – première et dernière édition</em>. Lors d’une discussion ouverte, qui s’est tenue le dernier jour de l’événement, il a été décidé que l’artefact militaire serait converti afin d’accueillir une armée d’abeilles et que le lance-flammes serait transformé en ruche pour produire du « miel de tank ». Cette décision a été prise pour contribuer à l’occupation des terres par l’agriculture et pour célébrer un territoire qui a vu trop de fermiers délaisser la région. Les gestes collectifs et collaboratifs de plus de 200 participants et de 9 artistes ont réanimé et transformé le char d’assaut, et l’ensemble du projet a été restitué par toutes ces formes artistiques : un documentaire d’observation, le <em>Festival du tank d’Escuminac – première et dernière édition</em>, des photographies infrarouges, des cyanotypes, des photographies documentaires, la vidéo <em>Tankonautes</em>, l’installation <em>Miel de tank</em>, des artefacts et autres fabulations fécondes.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6568\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/figure3-Fouilles_archeologiques.jpg\" alt=\"\" />\r\nFestival du tank d’Escuminac – première et dernière édition, 2015.\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6570\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/figure4-Tankonautes.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Festival du tank d’Escuminac – première et dernière édition, 2015.\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\nPour moi, l’histoire ne devrait jamais être figée. C’est pourquoi, trois années après cet événement, j’ai choisi de cacher ce tank dans la forêt avoisinante. Il pourra alors fertiliser une nouvelle génération d’histoires et laisser à la nature le soin d’en être la gardienne. L’archive est renouvelable ! Espérons que l’avenir nous entende ; le passé aspire, lui, à ce que nous l’écoutions.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Maryse Goudreau <span style=\"color: #808080\">est artiste, cinéaste et chercheuse indépendante. Elle réalise des œuvres où se croisent images, documents, gestes de soin artistique et participatifs. Hybride, sa création traverse la photographie mais aussi l’essai vidéographique et photographique interactif, des dispositifs immersifs, l’art action, ou encore l’art sonore. Depuis 2012, elle crée une archive dédiée au béluga. Elle la constitue comme une œuvre ouverte pour laquelle elle assemble des données et des créations multiples, qui sont amenées à se développer sur deux décennies. Maryse Goudreau investit le champ de l’art à portée sociale avec plusieurs projets participatifs sur la péninsule gaspésienne où elle vit.</span></span>','Les rhizomes des histoires —un texte de Maryse Goudreau','','inherit','closed','closed','','6563-revision-v1','','','2020-07-16 10:33:26','2020-07-16 14:33:26','',6563,'http://vuphoto.org/fr/articles/6563-revision-v1/',0,'revision','',0),(6709,4,'2020-07-24 14:28:07','2020-07-24 18:28:07','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les <em>tissekau</em> – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\n\n&nbsp;\n\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>tissekau</em> rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\n\n&nbsp;\n\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\n\n&nbsp;\n\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <u><a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a></u>, et de la <u><a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a></u>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\n\n&nbsp;\n\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4 –, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\n\n&nbsp;\n\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\n\n&nbsp;\n\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez</strong> a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\n\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, <em>Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\n\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\n\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\n\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\n\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », <em>Runway Journal</em>, <em>Re/production</em>, no. 32, [en ligne], <a href=\"http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter\">http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter</a>, 2016.\n\n7*. Roland Barthes, <em>La chambre claire. Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\n\n8*. André Rouillé, <em>La photographie. Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\n\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\n\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.</pre>\n<pre>\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n</pre>\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-autosave-v1','','','2020-07-24 14:28:07','2020-07-24 18:28:07','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6710,4,'2020-07-16 11:52:50','2020-07-16 15:52:50','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU dresse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne au Sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais surement, les infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sous leur passage *1. Dans le désert d’Atacama en Amérique du Sud, cette idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant de leur dormance, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au Nord du Québec, les <em>Tissekau</em> - collines rocheuses résiduelles - font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, cette image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies potentielles de tels phénomènes pour mieux appréhender les opérations subtiles mises en oeuvre à VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité symbolique qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel: on n’en constate le passage qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autre fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques - à l’instar des légers transferts de grains de sable - qui occasionne d’éventuelles répercussions plus grandes. Les occurences topographiques énoncées en amont ouvrent d’autres brèches de sens toutes aussi évocatrices : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous éléments sur leur passage jusqu’à les engloutir complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent quant à elles ces choses inertes et cachées, en latence, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>Tissekau</em> rappellent pour leur part que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient ses activités de diffusion habituelles. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, l’événementiel et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures seraient redoublées par la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, avec une programmation décloisonnée qui conférait davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition se concrétisaient. Certaines initiatives permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire par la tenue d’ateliers professionnels, ou encore la médiation culturelle grâce aux ateliers créatifs auprès de la collectivité.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, autant dans l’élaboration de la thématique globale que dans le déploiement alternatif de la programmation, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions surgissent perpétuellement sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de l’écartement des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres: celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on contemple la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue de son travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux inombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser les balises d’enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague - avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Feredici en 1975 *4 -, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait cette répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincu (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleur.se.s culturel.le.s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est lui aussi souvent considéré en tant que mise en oeuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvi par amour pour l’art et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle: nombreuses sont les heures non-comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception chez les artistes. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres d’artistes comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leurs communautés en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLe médium photographique est particulièrement révélateur pour réfléchir ces enjeux du travail invisible. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, en ignorant les efforts consacrés en amont avec la recherche et en aval avec la post-production. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Le médium s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justemment que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. Face à ces considérations, dix artistes de la programmation 2019-2020 à VU ont été invité.e.s à soumettre une image de leur choix qui tend conceptuellement vers cet acte de [dé]voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent d’une sensibilité propre à l’artiste photographe : sa capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui habite le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Attestant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> fait resurgir une photographie saisie dans les moments intersticiels de sa résidence à VU, et qui serait autrement tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous donne accès aux angles morts d’un moment de médiation, celui où la pratique individuelle s’invibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain.e.s artistes adoptent une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> capte les traces parallèles d’une présence touristique révolue, bifurquée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> documente les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier des villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> récupère et singularise un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant de <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en cet instant fugitif juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez </strong>saisit la nature en friche qui reprend ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, assure la préservation d’une image résiduelle autant qu’elle en dissimule le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> reconstitue un espace liminal et nous convie dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous montre l’envers du décor urbain ignoré par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous procurent ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects » *10.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.B. Baillière, Librairie de l’Académnie royale de médecine, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrice Pawlack, <em>Sommets Incas</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004, 143 p.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour Caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques : mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective et Falling Wall Press, 1975, np.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (éd.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt &amp; Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Karen Archey, « Women’s Invisible Labor and the Artworld », <em>E-Flux Conversations</em>, [en ligne], &lt;conversations.e-flux.com&gt;, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire : Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie : Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (éd.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, Éditions la Fabrique, 2008, p. 72.\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-16 11:52:50','2020-07-16 15:52:50','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6711,4,'2020-07-16 13:27:26','2020-07-16 17:27:26','Le boom économique et l’immigration croissante de la période d’après-guerre ont transformé le paysage culturel québécois, tandis que l’Exposition universelle de 1967 a marqué l’avènement d’un Québec nouveau et ouvert sur le monde. S’étant inspirés des images véhiculées par la télévision et le cinéma hollywoodien ainsi que des pavillons de l’Expo, des entrepreneurs d’ici et d’ailleurs ont développé une culture du commerce immersif au sein de bars, de restaurants ou de clubs, par exemple. Ceux-ci témoignent de l’apport considérable d’immigrants d’Europe, d’Afrique du Nord et d’Asie, qui, pour plusieurs raisons, conçoivent des lieux où leur culture est souvent présentée à grands traits, correspondant à des stéréotypes véhiculés en Amérique du Nord. Par l’exubérance, la surenchère, le cumul des matières, textures et couleurs, ces endroits offrent une expérience multisensorielle aux visiteurs. Surprenants et parfois polarisants, ils témoignent d’un legs unique que l’on peut aujourd’hui reconnaître (positivement) comme du patrimoine kitsch.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nMême s’il ne correspond pas à une définition classique du patrimoine, il repose, tout comme lui, sur une reconnaissance collective de la valeur des lieux et de ce qu’ils représentent. Il permet donc une interprétation plus large et inclusive du patrimoine, tenant compte de sa dimension populaire et commerciale. Reconnaître la valeur de ces établissements est nécessaire à leur préservation face à la pression de renouvellement des commerces. Motivées à la fois par cette nécessité de reconnaissance et par une passion de collectionneuses, Roxanne Arsenault et Caroline Dubuc ont mis sur pied de nombreux projets visant à faire connaître cet héritage hors du commun.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nPour ces ambassadrices du kitsch, l’image est au centre du processus de recherche et de communication. Comme le décor de ces lieux s’adresse à l’affect plutôt qu’à l’intellect, l’image évoque le caractère profondément immersif de ces endroits. La photographie parvient à capturer des bribes de leurs ambiances surchargées et survoltées, qui souvent n’ont pas survécu au passage du temps. L’ensemble des éléments rassemblés au sein des images nous informe sur la richesse des thèmes développés. Pour les chercheuses, cette iconographie particulière sert à comparer les lieux, à en tirer les grands courants esthétiques et à mieux comprendre la genèse, ainsi que le déclin, de cette tradition commerciale.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn outre, enquêter sur le patrimoine kitsch nécessite l’emploi de sources non conventionnelles. Comme peu d’information subsiste, il est nécessaire de se tourner vers la culture matérielle et les témoignages oraux. Cartons d’allumettes, bâtonnets mélangeurs, publicités et archives personnelles de collectionneurs constituent la matière première du kitschologue. Ces objets chargés d’histoire constituent le point de départ de démarches menant à des entrevues et des témoignages qui redonnent vie à des lieux si particuliers. La dimension collaborative de cette recherche est donc cruciale.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"font-size: 2.1rem\">Cet aspect collaboratif s’est concrétisé par la mise en ligne d’une </span><a style=\"font-size: 2.1rem\" href=\"http://patrimoinekitsch.com/\">carte interactive du patrimoine kitsch québécois</a><span style=\"font-size: 2.1rem\">. </span>Celle-ci a permis, d’une part, de mesurer l’intérêt qu’on a pour le kitsch ainsi que la conception populaire qu’on s’en fait et, d’autre part, de découvrir de nouveaux lieux à travers le Québec. Grâce aux ajouts faits par de nombreux contributeurs, la carte a révélé une concentration importante de ces établissements dans les zones urbaines et en bordure d’anciennes voies de circulation, mais a aussi montré qu’ils sont présents partout dans la province.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCet intérêt marqué pour les lieux kitsch commerciaux démontre leur importance au sein de la mémoire collective. Il ne tient qu’à nous de faire vivre ceux qui perdurent en y mettant les pieds. Ainsi, ces décors singuliers qui ont bercé l’imaginaire de plusieurs générations ne tomberont pas dans l’oubli. Risquons donc un détour en Polynésie ou au chalet suisse, histoire d’être transportés le temps d’un repas ou d’une soirée.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLe Bam-Boo Steak House, un salon-bar d’atmosphère polynésienne à la Place Ste-Foy, nous semble bien illustrer la volonté de dépaysement. La carte postale présente plusieurs vues du commerce, une carte de visite à partager, un souvenir de l’expérience vécue.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6583\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/01_Bam-BooPolynesianRestaurant_CP_Flickr8638664111_51150e48a1_k_CD.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nCarte postale du Bam-Boo Steak House, Place Ste-Foy, boulevard Laurier, Québec. Collection personnelle de Charles Breton-Desmeules.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes publicités font usage d’une diversité de codes graphiques afin d’exprimer clairement la thématique d’un lieu pour ainsi se démarquer au sein d’une pleine page d’annonces qui présentent des restaurants.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6585\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/02_03_pubs.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nMontage de publicités diverses publiées dans La Presse et The Gazette entre 1960 et 1970.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa contribution des restaurants à l’attractivité d’une ville n’est pas chose nouvelle. Ainsi, il n’est pas rare de voir, dans les archives municipales, des reportages photographiques qui présentent des lieux phares pour faire la promotion touristique d’une ville.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6587\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/04_LeColbert_photo_VM94-A0651-063_ArchVdM_1966_CD.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nRestaurant Le Colbert, photographié en 1966. Fonds du Service des affaires institutionnelles, Archives de Montréal (pièce VM94-A0651-063).</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nMine d’informations sur les tendances culinaires et en matière de divertissements, les guides touristiques et les guides culinaires sont des ressources importantes. Souvent dénués d’images, ils offrent toutefois des descriptions détaillées de lieux et de leur ambiance.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6589\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/05_guides.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nGuides de Montréal. Collection personnelle de Roxanne Arsenault. Guides de Québec. Collection personnelle de Charles Breton-Desmeules.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nSouvent, la soirée débute ou se termine avec un cocktail, dans lequel on trouve un bâtonnet mélangeur (<em>swizzle stick</em>) qui évoque discrètement le lieu fréquenté et qui sert de souvenir.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6591\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/06_swizzlesticks.jpg\" alt=\"\" />\r\nBâtonnets à cocktail. Collection personnelle de Roxanne Arsenault.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCertains établissements offraient à leurs clients la possibilité d’acquérir une photo souvenir. Évidemment, celle-ci venait dans un écrin cartonné reprenant les codes stylistiques et graphiques caractéristiques du lieu.\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-6593\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/07_ruby_foo_fr-bck.jpg\" alt=\"\" />\r\n<pre>Carton souvenir du Ruby Foo’s, boulevard Décarie, Montréal. Collection personnelle de Susanne de Lotbinière-Harwood.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes cartons d’allumettes n’étaient ni plus ni moins qu’une carte professionnelle simple et utile. À une certaine époque, presque tous les commerces en avaient. Une mine de renseignements complémentaires pour nous !\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6595\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/08_allumettes_LaClocheDOr_ALL_0_CollCBD_CD.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nCarton d’allumettes à l’effigie de La Cloche d’Or, rue Saint-Jean, Québec. Collection personnelle de Charles Breton-Desmeules.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nMême dans un menu, plusieurs informations peuvent être décelées à travers les codes graphiques (illustrations, polices, etc.) ou les noms des repas et des cocktails signatures.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6597\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/09_menus_napperons.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nMenus et napperons divers. Collection personnelle de Roxanne Arsenault.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes bars Tahiti se trouvaient au sein des restaurants de la chaîne Marie-Antoinette, présents à travers la province. Complément idéal à une soirée, le décor tiki y évoquait les îles du Pacifique !\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6599\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/10_Marie_antoinette_CP.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\nCartes postales produites par la chaîne de restaurants Marie-Antoinette. Collection personnelle de Charles Breton-Desmeules.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nUn exemple d’adaptation du décor et d’évolution des lieux. Créé en 1958, ce restaurant chinois toujours ouvert est aujourd’hui connu comme le Wok n’ Roll. Malgré des changements apportés à la façade et à l’intérieur de l’établissement, il conserve tout de même son caractère unique.\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6603\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/12_woknroll.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Restaurant Wok n’ Roll, boulevard Charest, Québec. À gauche : photographie prise par Natalie Gadoua, datant de juillet 2005. À droite : Photographie prise par Caroline Dubuc, datant de juillet 2019.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Annie-Pier Brunelle <span style=\"color: #808080\">est bachelière en histoire à l’Université Laval et passionnée d’histoire culturelle et sociale. Elle s’intéresse tout particulièrement à l’étude des pratiques culinaires et du patrimoine alimentaire. Comme candidate à la maîtrise en ethnologie, elle souhaite approfondir les rapports entre le genre et l’alimentation à travers le livre de recettes. Son intérêt marqué pour l’alimentation l’a mené à Paris où elle a mené une recherche sur l’histoire du restaurant ainsi qu’à Lyon, capitale de la gastronomie, qu\'elle a pu découvrir le temps d’une session d’étude. </span>\r\n<span style=\"color: #808080\">Elle travaille actuellement dans le domaine de l’ethnologie comme chargée de projet culturel pour le Centre de valorisation du patrimoine vivant où sa mission est de faire connaitre l’artisanat québécois. Elle a un réel attachement pour le patrimoine culturel et se passionne pour le méconnu et l’atypique. L’expérience immersive dans laquelle elle a été entrainée comme stagiaire a tout du kitsch : immersive, chargée et ô combien exaltante!</span>\r\n</span>\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">\r\nAlexandre Prince <span style=\"color: #808080\">est étudiant au baccalauréat en histoire à l’Université Laval, où il poursuit sa passion de longue date pour l’histoire culturelle, plus particulièrement l’histoire de la mode, du costume et du corps. Les recherches sur le patrimoine kitsch réalisés dans le cadre de son stage lui ont permis de découvrir un univers esthétique fascinant qui lui était complètement inconnu. Féru de contre-culture et de recherches atypiques, c’est avec bonheur qu\'il a mis de côté ses outils traditionnels d’historien pour partir en quête des photographies, cartons d’allumettes, <em>swizzlesticks</em> et autres témoins de l’âge d’or du kitsch québécois. Pendant deux ans, il a participé à la mise en valeur du patrimoine local en travaillant comme guide-interprète au Lieu historique national du Chantier A. C. Davie. Désormais, il veille plutôt à la mise en valeur de la Vieille Capitale elle-même en tant que rédacteur en chef de la revue Québecensia.</span></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Roxanne Arsenault</strong> <span style=\"color: #808080\">a réalisé des études supérieures sur le sujet du patrimoine kitsch et a fréquemment pris la parole à ce sujet dans les médias et lors de conférences. Elle est actuellement coordonnatrice à la programmation pour le Centre d’art et de diffusion CLARK. </span></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Caroline Dubuc</strong> <span style=\"color: #808080\">a réalisé des études spécialisées et a plus de 15 ans d’expérience en patrimoine à Montréal. Elle est présentement commissaire au design pour la Ville de Montréal. Combinant leurs expertises et intérêts, elles ont décidé de bonifier la recherche sur le sujet avec l’aide du public.</span></span>','Le patrimoine kitsch au Québec —un texte de Annie-Pier Brunelle et Alexandre Prince, en collaboration avec Roxanne Arsenault et Caroline Dubuc','','inherit','closed','closed','','6582-revision-v1','','','2020-07-16 13:27:26','2020-07-16 17:27:26','',6582,'http://vuphoto.org/fr/articles/6582-revision-v1/',0,'revision','',0),(6712,4,'2020-07-21 10:19:49','2020-07-21 14:19:49','Tout au long de l’année vous avez pu suivre les différentes formes qu’a pris le projet <em>Topographies. </em>Des <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/residence/topographies/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">résidences</a> à l’automne dernier, la <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/topographies-edition-speciale/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">publication</a> éponyme, la journée d’échanges<em> </em><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/cette-fragilite-qui-nous-rassemble-journee-dechange-et-lancement/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"><em>Cette fragilité qui nous rassemble</em></a>, auxquelles viennent s’ajouter aujourd’hui deux nouvelles formes :\r\n\r\n-la publication de <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/\">textes</a> qui font suite aux interventions ayant eues lieu lors de la journée d’échanges ;\r\n\r\n-une exposition extérieure du contenu de la publication, présentée par la Ville de Québec sur le boulevard Langelier, qui se déplacera au Carré d’Youville à l’automne.\r\n\r\nSuite à la fermeture temporaires des lieux publics, la publication avait cessé de circuler et le second lancement prévu à Wendake n’avait pas pu avoir lieu. Cette exposition est donc l’occasion pour ceux qui n’auraient pas pu se procurer la publication lors de sa distribution d’en voir le résultat.\r\n\r\n&nbsp;','Topographies','','publish','closed','closed','','topographies-2','','','2020-07-21 10:25:56','2020-07-21 14:25:56','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6712',0,'museo_calendar_event','',0),(6714,4,'2020-07-21 10:18:18','2020-07-21 14:18:18','','IMG_0815','','inherit','open','closed','','img_0815-2','','','2020-07-21 10:18:18','2020-07-21 14:18:18','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0815.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6715,4,'2020-07-21 10:18:35','2020-07-21 14:18:35','','IMG_0817','','inherit','open','closed','','img_0817','','','2020-07-21 10:18:35','2020-07-21 14:18:35','',6712,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0817.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6716,4,'2020-07-21 10:18:35','2020-07-21 14:18:35','','IMG_0817','','inherit','open','closed','','img_0817-2','','','2020-07-21 10:18:35','2020-07-21 14:18:35','',6744,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0817.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6717,4,'2020-07-21 10:18:51','2020-07-21 14:18:51','','IMG_0823','','inherit','open','closed','','img_0823','','','2020-07-21 10:18:51','2020-07-21 14:18:51','',6712,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0823.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6718,4,'2020-07-21 10:18:51','2020-07-21 14:18:51','','IMG_0823','','inherit','open','closed','','img_0823-2','','','2020-07-21 10:18:51','2020-07-21 14:18:51','',6744,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0823.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6719,4,'2020-07-21 10:20:41','2020-07-21 14:20:41','','Parc du Boulevard Langelier','','publish','closed','closed','','parc-du-boulevard-langelier','','','2020-07-21 10:20:41','2020-07-21 14:20:41','',0,'http://vuphoto.org/fr/?post_type=museo_location&#038;p=6719',0,'museo_location','',0),(6720,4,'2020-07-21 10:24:53','2020-07-21 14:24:53','','couvevenementsiteweb','','inherit','open','closed','','couvevenementsiteweb','','','2020-07-21 10:24:53','2020-07-21 14:24:53','',6712,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/couvevenementsiteweb.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6721,4,'2020-07-21 10:24:53','2020-07-21 14:24:53','','couvevenementsiteweb','','inherit','open','closed','','couvevenementsiteweb-2','','','2020-07-21 10:24:53','2020-07-21 14:24:53','',6744,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/couvevenementsiteweb.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6722,4,'2020-07-21 10:27:22','2020-07-21 14:27:22','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-07-21 10:27:22','2020-07-21 14:27:22','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6723,4,'2020-07-21 10:28:39','2020-07-21 14:28:39','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-07-21 10:28:39','2020-07-21 14:28:39','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6724,4,'2020-07-21 10:32:07','2020-07-21 14:32:07','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-07-21 10:32:07','2020-07-21 14:32:07','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6725,4,'2020-07-21 15:50:52','2020-07-21 19:50:52','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU dresse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne au Sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais surement, les infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sous leur passage *1. Dans le désert d’Atacama en Amérique du Sud, cette idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant de leur dormance, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au Nord du Québec, les <em>Tissekau</em> - collines rocheuses résiduelles - font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, cette image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies potentielles de tels phénomènes pour mieux appréhender les opérations subtiles mises en oeuvre à VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité symbolique qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel: on n’en constate le passage qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autre fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques - à l’instar des légers transferts de grains de sable - qui occasionne d’éventuelles répercussions plus grandes. Les occurences topographiques énoncées en amont ouvrent d’autres brèches de sens toutes aussi évocatrices : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous éléments sur leur passage jusqu’à les engloutir complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent quant à elles ces choses inertes et cachées, en latence, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>Tissekau</em> rappellent pour leur part que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient ses activités de diffusion habituelles. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, l’événementiel et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures seraient redoublées par la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, avec une programmation décloisonnée qui conférait davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition se concrétisaient. Certaines initiatives permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire par la tenue d’ateliers professionnels, ou encore la médiation culturelle grâce aux ateliers créatifs auprès de la collectivité.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, autant dans l’élaboration de la thématique globale que dans le déploiement alternatif de la programmation, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions surgissent perpétuellement sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de l’écartement des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres: celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on contemple la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue de son travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux inombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser les balises d’enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague - avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Feredici en 1975 *4 -, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait cette répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincu (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleur.se.s culturel.le.s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est lui aussi souvent considéré en tant que mise en oeuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvi par amour pour l’art et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle: nombreuses sont les heures non-comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception chez les artistes. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres d’artistes comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leurs communautés en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLe médium photographique est particulièrement révélateur pour réfléchir ces enjeux du travail invisible. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, en ignorant les efforts consacrés en amont avec la recherche et en aval avec la post-production. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Le médium s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justemment que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. Face à ces considérations, dix artistes de la programmation 2019-2020 à VU ont été invité.e.s à soumettre une image de leur choix qui tend conceptuellement vers cet acte de [dé]voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent d’une sensibilité propre à l’artiste photographe : sa capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui habite le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Attestant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> fait resurgir une photographie saisie dans les moments intersticiels de sa résidence à VU, et qui serait autrement tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous donne accès aux angles morts d’un moment de médiation, celui où la pratique individuelle s’invibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain.e.s artistes adoptent une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> capte les traces parallèles d’une présence touristique révolue, bifurquée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> documente les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier des villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> récupère et singularise un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant de <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en cet instant fugitif juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez </strong>saisit la nature en friche qui reprend ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, assure la préservation d’une image résiduelle autant qu’elle en dissimule le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> reconstitue un espace liminal et nous convie dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous montre l’envers du décor urbain ignoré par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous procurent ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects » *10.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.B. Baillière, Librairie de l’Académnie royale de médecine, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrice Pawlack, <em>Sommets Incas</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004, 143 p.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour Caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques : mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective et Falling Wall Press, 1975, np.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (éd.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt &amp; Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Karen Archey, « Women’s Invisible Labor and the Artworld », <em>E-Flux Conversations</em>, [en ligne], &lt;conversations.e-flux.com&gt;, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire : Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie : Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (éd.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, Éditions la Fabrique, 2008, p. 72.\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes,</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost,</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-21 15:50:52','2020-07-21 19:50:52','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6726,4,'2020-07-22 16:33:06','2020-07-22 20:33:06','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU dresse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne au Sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais surement, les infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sous leur passage *1. Dans le désert d’Atacama en Amérique du Sud, cette idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant de leur dormance, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au Nord du Québec, les <em>Tissekau</em> - collines rocheuses résiduelles - font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, cette image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies potentielles de tels phénomènes pour mieux appréhender les opérations subtiles mises en oeuvre à VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité symbolique qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel: on n’en constate le passage qu’après de nombreuses années de changements progressifs. 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Les occurences topographiques énoncées en amont ouvrent d’autres brèches de sens toutes aussi évocatrices : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous éléments sur leur passage jusqu’à les engloutir complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent quant à elles ces choses inertes et cachées, en latence, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>Tissekau</em> rappellent pour leur part que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient ses activités de diffusion habituelles. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, l’événementiel et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures seraient redoublées par la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, avec une programmation décloisonnée qui conférait davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition se concrétisaient. Certaines initiatives permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire par la tenue d’ateliers professionnels, ou encore la médiation culturelle grâce aux ateliers créatifs auprès de la collectivité.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, autant dans l’élaboration de la thématique globale que dans le déploiement alternatif de la programmation, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions surgissent perpétuellement sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de l’écartement des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres: celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on contemple la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue de son travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux inombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser les balises d’enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague - avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Feredici en 1975 *4 -, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait cette répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincu (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleur.se.s culturel.le.s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est lui aussi souvent considéré en tant que mise en oeuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvi par amour pour l’art et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle: nombreuses sont les heures non-comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception chez les artistes. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres d’artistes comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leurs communautés en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLe médium photographique est particulièrement révélateur pour réfléchir ces enjeux du travail invisible. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, en ignorant les efforts consacrés en amont avec la recherche et en aval avec la post-production. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Le médium s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justemment que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. Face à ces considérations, dix artistes de la programmation 2019-2020 à VU ont été invité.e.s à soumettre une image de leur choix qui tend conceptuellement vers cet acte de [dé]voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent d’une sensibilité propre à l’artiste photographe : sa capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui habite le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Attestant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> fait resurgir une photographie saisie dans les moments intersticiels de sa résidence à VU, et qui serait autrement tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous donne accès aux angles morts d’un moment de médiation, celui où la pratique individuelle s’invibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain.e.s artistes adoptent une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> capte les traces parallèles d’une présence touristique révolue, bifurquée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> documente les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier des villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> récupère et singularise un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant de <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en cet instant fugitif juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez </strong>saisit la nature en friche qui reprend ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, assure la préservation d’une image résiduelle autant qu’elle en dissimule le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> reconstitue un espace liminal et nous convie dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous montre l’envers du décor urbain ignoré par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous procurent ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects » *10.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.B. Baillière, Librairie de l’Académnie royale de médecine, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrice Pawlack, <em>Sommets Incas</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004, 143 p.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour Caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques : mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective et Falling Wall Press, 1975, np.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (éd.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt &amp; Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Karen Archey, « Women’s Invisible Labor and the Artworld », <em>E-Flux Conversations</em>, [en ligne], &lt;conversations.e-flux.com&gt;, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire : Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie : Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (éd.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, Éditions la Fabrique, 2008, p. 72.\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-22 16:33:06','2020-07-22 20:33:06','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6727,1,'2020-07-24 11:00:35','2020-07-24 15:00:35','','Order &ndash; juillet 24, 2020 @ 11:00 AM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_NBxIp0gptUfa2','commande-jui-24-2020-0300','','','2020-08-19 14:34:02','2020-08-19 18:34:02','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=6727',0,'shop_order','',4),(6728,4,'2020-07-24 12:12:40','2020-07-24 16:12:40','Il y a des montagnes qui marchent. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les tissekau – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des tissekau rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit\">relance culturelle</a>, et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste Wages Against Housework de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4–, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai On the Invention of Photographic Meaning, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, Hua Jin a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. Débora Flor, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. Florence Le Blanc a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que Johan Hallberg-Campbell a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. Clint Enns a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par Pierre&amp;Marie, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. Cristian Ordóñez a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez Marjolaine Bourdua, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. Dani Hausmann a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que Jean-François Prost nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, Wages Against Housework, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.), Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », Runway Journal, Re/production, no. 32, [en ligne], http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, La chambre claire. Note sur la photographie, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, La photographie. Entre document et art contemporain, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), Thinking Photography, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94. \r\n\r\n*10. Jacques Rancière, Le spectateur émancipé, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-24 12:12:40','2020-07-24 16:12:40','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6729,4,'2020-07-24 14:26:26','2020-07-24 18:26:26','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les <em>tissekau</em> – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>tissekau</em> rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <u><a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a></u>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <u><a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a></u>, et de la <u><a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a></u>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4 –, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez</strong> a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, <em>Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », <em>Runway Journal</em>, <em>Re/production</em>, no. 32, [en ligne], <a href=\"http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter\">http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter</a>, 2016.\r\n\r\n7*. Roland Barthes, <em>La chambre claire. Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n8*. André Rouillé, <em>La photographie. Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.</pre>\r\n<pre>\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-24 14:26:26','2020-07-24 18:26:26','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6730,4,'2020-07-24 14:26:59','2020-07-24 18:26:59','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les <em>tissekau</em> – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>tissekau</em> rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <u><a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a></u>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <u><a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a></u>, et de la <u><a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a></u>. Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4 –, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez</strong> a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, <em>Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », <em>Runway Journal</em>, <em>Re/production</em>, no. 32, [en ligne], <a href=\"http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter\">http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter</a>, 2016.\r\n\r\n7*. Roland Barthes, <em>La chambre claire. Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n8*. André Rouillé, <em>La photographie. Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.</pre>\r\n<pre>\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-24 14:26:59','2020-07-24 18:26:59','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6731,4,'2020-07-24 14:29:18','2020-07-24 18:29:18','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les <em>tissekau</em> – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>tissekau</em> rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, <u></u>et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. <u></u>Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4 –, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez</strong> a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, <em>Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », <em>Runway Journal</em>, <em>Re/production</em>, no. 32, [en ligne], <a href=\"http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter\">http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter</a>, 2016.\r\n\r\n7*. Roland Barthes, <em>La chambre claire. Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n8*. André Rouillé, <em>La photographie. Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.</pre>\r\n<pre>\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-24 14:29:18','2020-07-24 18:29:18','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6732,4,'2020-07-24 14:30:35','2020-07-24 18:30:35','<em>Il y a des montagnes qui marchent</em>. Cette formulation fantaisiste qui a teinté la programmation 2019-2020 de VU brosse un portrait évocateur, celui d’une montagne immense qui s’avance sur l’horizon. D’un géant aux apparences immuables, mais dont l’inertie n’est qu’illusion. Cette métaphore nébuleuse trouve écho dans l’imaginaire folklorique, se déploie dans de nombreux mythes relatifs aux permutations géologiques. Sur les côtes de Gascogne, au sud de la France, la force des vents constants agit sur les monticules de sable du littoral. Lentement mais sûrement, d’infimes particules cristallines sont balayées par les bourrasques jusqu’à ce que des collines entières se meuvent vers l’intérieur des terres, en menaçant de tout engloutir sur leur passage *1. Dans le désert d’Atacama, en Amérique du Sud, l’idée de translation montagneuse découle du spectacle éruptif des volcans s’éveillant, et de l’amoncellement subséquent des laves sur la croûte terrestre *2. Au nord du Québec, les <em>tissekau</em> – collines rocheuses résiduelles – font l’objet d’une illusion de remous. Cet effet optique est engendré par les hardes massives de caribous qui gravissent les formations rocailleuses pour y brouter la toundra *3. En dépit des divergences géoculturelles inhérentes aux trois cas cités, l’image sublime des « montagnes qui marchent » semble resurgir avec persistance dans l’inconscient collectif.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nNombreuses sont les analogies qu’on pourrait établir entre de tels phénomènes et les opérations subtiles mises en œuvre chez VU au cours de la dernière année. À l’image des montagnes mouvantes, les transformations qui s’effectuent dans un centre d’artistes ou dans une pratique artistique sont parfois d’une telle incommensurabilité qu’elles deviennent imperceptibles sans le recul nécessaire pour en apprécier toute l’ampleur. Dans la même veine, les mutations peuvent s’étirer sur une si longue durée qu’elles échappent à l’observation en temps réel : on ne les constate qu’après de nombreuses années de changements progressifs. D’autres fois, c’est le cumul infini de manifestations microscopiques – à l’instar des légers transferts de grains de sable – qui occasionne d’éventuelles répercussions, plus grandes. Les anomalies naturelles mentionnées en amont ouvrent d’autres brèches symboliques tout aussi expressives : les dunes de Gascogne provoquent l’ensevelissement graduel de tous les éléments qui se trouvent sur leur chemin, jusqu’à les engouffrer complètement, renvoyant dès lors aux processus de disparition ; les éruptions volcaniques d’Atacama suggèrent, quant à elles, des choses inertes et cachées, en dormance, mais qui peuvent resurgir à tout moment ; les truchements perceptifs des <em>tissekau</em> rappellent, pour leur part, que les apparences sont trompeuses et qu’elles recèlent des réalités souvent insoupçonnées.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nEn s’intéressant aux gestes voilés et aux images latentes, à ces choses qui se trament sous la surface et qui se dérobent au regard, VU articulait cette année une thématique en pleine adéquation avec des circonstances matérielles qui bouleversaient les activités de diffusion habituelles de l’organisme. Puisque les travaux de réaménagement prévus dans le bâtiment de la coopérative Méduse empêchaient la tenue d’une programmation régulière d’expositions en galerie, le centre s’est tourné vers d’autres voies de diffusion telles que les expositions hors les murs, les événements et la publication. Nul n’aurait pu prévoir que ces mesures allaient redoubler en raison de la crise sanitaire. L’année a donc été ponctuée de projets spéciaux, décloisonnés, qui conféraient davantage de visibilité aux actions destinées au développement des artistes et de leur communauté. Les résidences de création pullulaient et les projets d’édition prenaient forme. Certaines initiatives, comme des ateliers professionnels ou créatifs, permettaient aussi de privilégier la transmission du savoir-faire à la collectivité, par la médiation culturelle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCe qui émerge de ces contemplations initiales, en ce qui concerne tant l’élaboration de la thématique globale que son déploiement alternatif, c’est la dichotomie du visible et de l’invisible. En 2020, ces notions ont perpétuellement surgi sur la scène des arts visuels au Québec : il a été question de la <a href=\"https://www.invisibles-artsvisuels.com/\">visibilité des arts visuels dans les médias</a>, de la mise à l’écart des arts visuels dans l’angle mort de la <a href=\"https://docs.google.com/document/d/1el-dB2TmwhmhVFhqpzXcXG5N2ohrnwamrt8hrWFEQkY/edit?usp=sharing\">relance culturelle</a>, <u></u>et de la <a href=\"https://www.lapresse.ca/arts/arts-visuels/2020-06-17/artistes-visuels-noirs-quebecois-place-a-l-espoir\">visibilité des artistes de la diversité culturelle</a>. <u></u>Au-delà de ces considérations topiques ancrées dans l’actualité, le concept d’invisibilité fait surgir un spectre qui hante les mondes de l’art depuis des lustres : celui du travail invisible. Le travail invisible est celui qui n’est pas vu, valorisé et/ou rémunéré. Il est généralement négligé, ignoré, voire minimisé, et ce, même lorsqu’il s’avère fondamental. Lorsqu’on se penche sur la vocation d’artiste, impossible d’ignorer l’invisibilisation répandue du travail lié aux divers processus de recherche et de création, ou encore aux innombrables tâches complémentaires mais nécessaires à la profession.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLes racines féministes du concept de « travail invisible » permettent de poser des balises quant à différents enjeux qui touchent le milieu artistique. Émanant du féminisme de deuxième vague – avec la publication notable du manifeste <em>Wages Against Housework</em> de l’activiste Silvia Federici en 1975 *4 –, l’expression dénonçait l’imposition systématique des responsabilités domestiques aux femmes : les tâches ménagères, le labeur émotionnel et la charge mentale du foyer. Historiquement, on justifiait la répartition inégale du travail en s’appuyant sur une présomption de prédisposition féminine au soin et à la bienveillance. On s’était convaincus (à tort) que les femmes n’avaient pas besoin de compensation ni de reconnaissance pour l’accomplissement de gestes attentionnés qui, selon les croyances, advenaient naturellement chez elles *5. Ce précepte permet d’alimenter la réflexion sur le travail invisible des artistes et des travailleurs(-euses) culturel(le)s. Résistant aux valeurs productivistes de l’impératif capitaliste, le travail artistique est, lui aussi, souvent considéré comme une mise en œuvre instinctive d’une passion innée, d’un besoin que l’on assouvit par amour pour l’art, et non par besoin de rétribution *6. D’où la normalisation de la précarité financière dans le domaine. Le travail invisible inhérent à la sphère artistique est pourtant bien réel et indispensable aux rouages de l’industrie culturelle : nombreuses sont les heures non comptabilisées de préparation, de perfectionnement, de développement, d’idéation et de conception dans ce domaine. Nombreuses aussi sont les initiatives de centres comme VU qui, bien au-delà de leurs responsabilités conventionnelles, prennent soin de leur communauté en pratiquant l’hospitalité, le partage et l’accompagnement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nLa photographie est particulièrement révélatrice de ces enjeux du travail invisible, auxquels elle permet de réfléchir. D’une part, son dispositif implique l’indiscernabilité relative du geste créateur, dans la mesure où celui-ci échappe au caractère tangible du savoir-faire manuel. L’invisibilisation des procédés photographiques provient notamment de méconceptions perpétuées depuis longtemps dans la pensée théorique. C’est Roland Barthes qui stipulait que le noème de la photographie réside dans le « ça-a-été », dans le fait que le « référent adhère » et que l’appareil ne ferait qu’enregistrer une réalité captée par la lumière *7. Comme si l’artiste n’y était pour rien et que l’image apparaissait d’elle-même. Comme si le travail de création n’était activé qu’au moment précis de la captation, les efforts consacrés, en amont, à la recherche et, en aval, à la postproduction, étant ainsi ignorés. Le théoricien André Rouillé réfutait ce constat en rétorquant qu’au contraire, la photographie serait « de part en part construite » et qu’elle ferait « advenir des mondes » grâce à l’intervention créative du photographe *8. Ce mode d’expression s’avère d’autant plus pertinent pour sonder l’invisible puisqu’il permet de rendre visibles des phénomènes qui, autrement, passeraient inaperçus. Dans son essai <em>On the</em> <em>Invention of Photographic Meaning</em>, Allan Sekula avançait justement que l’image photographique serait investie d’un « pouvoir magique », celui de « pénétrer les apparences » et de « transcender le visible » pour en « révéler les secrets » *9. En tenant compte de ces propos, dix artistes de la programmation 2019-2020 de VU ont été invité(e)s à soumettre une image de leur choix, qui tend conceptuellement vers cet acte de (dé-)voiler le visible.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nCes images attestent une sensibilité propre aux photographes : leur capacité à déceler et à capter des occurrences furtives qui échappent à l’inadvertance. Incessante, cette disposition curieuse et attentionnée est constitutive du travail invisible qui compose le quotidien de l’artiste et qui teinte constamment son rapport au monde. Témoignant de cette perpétuelle ouverture à recevoir les inspirations inattendues que lui réserve la vie, <strong>Hua Jin</strong> a fait resurgir une photographie saisie dans les moments interstitiels de sa résidence chez VU, et qui serait, autrement, tombée dans les méandres de l’oubli. <strong>Débora Flor</strong>, quant à elle, nous a donné accès aux coulisses d’un exercice de médiation, celui où la pratique individuelle s’invisibilise pour tisser des liens et dégager un espace de création pour autrui. Certain(e)s artistes ont adopté une posture de collectionnement et d’archivage, préservant des réalités qui nous filent souvent entre les doigts. <strong>Florence Le Blanc</strong> a capté les traces parallèles d’une présence touristique révolue, détournée par de nouveaux aménagements routiers, alors que <strong>Johan Hallberg-Campbell</strong> a immortalisé les derniers vestiges d’une histoire laissée en suspens, soit l’héritage côtier de villages de pêche. <strong>Clint Enns</strong> a récupéré et singularisé un cliché énigmatique glané dans le vortex anonyme du web, celui d’une figure dont l’identité masquée miroite celle cachée derrière l’amas chambranlant conçu par <strong>Pierre&amp;Marie</strong>, en un instant fugitif, juste avant que tout ne s’écroule. <strong>Cristian Ordóñez</strong> a saisi la nature en friche qui reprenait ses droits sur la culture, un peu comme cette matière qui, chez <strong>Marjolaine Bourdua</strong>, a assuré la conservation d’une image résiduelle autant qu’elle en a dissimulé le contenu. <strong>Dani Hausmann</strong> a reconstitué un espace liminal et nous a convié dans le secret de la marge, pendant que <strong>Jean-François Prost</strong> nous a montré l’envers du décor urbain occulté par la mise en scène d’un quartier consacré au spectacle. Décidément, les révélations que nous ont procurées ces artistes reflètent avec brio l’énonciation emblématique de Jacques Rancière : « [Les artistes] se proposent de changer les repères de ce qui est visible et énonçable, de faire voir ce qui n’était pas vu, de faire voir autrement ce qui était trop aisément vu, de mettre en rapport ce qui ne l’était pas, dans le but de produire des ruptures dans le tissu sensible des perceptions et dans la dynamique des affects *10. »\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*1. Henri Lecoq, <em>Éléments de géologie et d’hydrographie, ou Résumé des notions acquises sur les grandes lois de la nature</em>, Paris, J.-B. Baillière, 1838, p. 338.\r\n\r\n*2. Patrick Wagnon et Fabrice Pawlak, <em>Sommets incas. Les plus belles courses des Andes centrales</em>, Grenoble, Éditions Glénat, 2004.\r\n\r\n*3. Louis-Edmond Hamelin, « Aspects biogéographiques d’un écoumène pour caribou au Québec nordique », dans <em>Études géographiques. Mélanges offerts par ses amis et disciples à Georges Viers</em>, Toulouse, Université de Toulouse-Le Mirail, 1975, p. 316.\r\n\r\n*4. Silvia Federici, <em>Wages Against Housework</em>, Bristol, Power of Women Collective/Falling Wall Press, 1975, n. p.\r\n\r\n*5. Barbara Ehrenreich et Arlie Russell Hochschild (dir.),<em> Global Woman: Nannies, Maids and Sex Workers in the New Economy</em>, New York, Henry Holt and Company, 2002, p. 9.\r\n\r\n*6. Macushla Robinson, « Labours of Love: Women’s Labour as the Culture Sector’s Invisible Dark Matter », <em>Runway Journal</em>, <em>Re/production</em>, no. 32, [en ligne], <a href=\"http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter\">http://runway.org.au/labours-of-love-womens-labour-as-the-culture-sectors-invisible-dark-matter</a>, 2016.\r\n\r\n*7. Roland Barthes, <em>La chambre claire. Note sur la photographie</em>, Paris, Gallimard, 1980, p. 120.\r\n\r\n*8. André Rouillé, <em>La photographie. Entre document et art contemporain</em>, Paris, Gallimard, 2012 (2005), p. 15-16.\r\n\r\n*9. Allan Sekula, « On the Invention of Photographic Meaning », dans Victor Burgin (dir.), <em>Thinking Photography</em>, Londres, Red Globe Press, 1982, p. 94.\r\n\r\n*10. Jacques Rancière, <em>Le spectateur émancipé</em>, Paris, La Fabrique, 2008, p. 72.</pre>\r\n<pre>\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6690\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2020-huajin-quebec-copie.jpg\" alt=\"\" />\r\nHua Jin, 2020February, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6694\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/construir-des-ponts-photo-débora-flor-7-de-7.jpg\" alt=\"\" />\r\nDébora Flor, La boîte à souvenir, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6686\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/18_F-Le-Blanc.jpg\" alt=\"\" />\r\nFlorence Le Blanc, photographie de la série <em>Trajectoires du mythique</em>, photographie, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6700\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/JHC_MG_1279_18x27.jpg\" alt=\"\" />\r\nJohan Hallberg-Campbell, <em>Grand Bruit</em>, 2010</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6698\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Internet-Vernacular-Orange-Body-Suit.jpg\" alt=\"\" />\r\nClint Enns, Internet Vernacular – Orange Body Suit</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6702\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/la-légèreté-des-apparences-IV.jpg\" alt=\"\" />\r\nPierre&amp;Marie, la légèreté des apparences IV, 2020</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6688\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2016-Cristian-Ordonez-Grassland-Rail.jpg\" alt=\"\" />\r\nCristian Ordóñez, Grassland Rai, 2016</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6704\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/MB_résidence_12-recadrée.jpg\" alt=\"\" />\r\nMarjolaine Bourdua, documentation photographique du projet de création réalisé dans le cadre de la résidence à VU, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6692\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/CANNETTES-.jpg\" alt=\"\" />\r\nDani Hausmann, Cannettes, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6696\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_2240.jpg\" alt=\"\" />\r\nJean-Francois Prost, Sans titre, site #3, Quartier des spectacles, Montréal, 2013</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Michelle Drapeau <span style=\"color: #808080\">est une historienne de l’art, autrice et commissaire originaire de Moncton (NB) et basée à Québec. Commissaire adjointe de Manif d’art – La biennale de Québec depuis sa neuvième édition, elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au MNBAQ; coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul; et coordonnatrice aux communications et aux développements de l’OEil de Poisson, entre autres. En tant que commissaire, elle a notamment signé le parcours d’art public permanent Images Rémanentes à Moncton et elle assure la programmation des expositions dans les bibliothèques de Québec. Michelle Drapeau est présidente de la Foire en art actuel de Québec ainsi que co-fondatrice et directrice de la production d’À l’est de vos empires.</span></span>','Voir l’invisible —un texte de Michelle Drapeau','','inherit','closed','closed','','6685-revision-v1','','','2020-07-24 14:30:35','2020-07-24 18:30:35','',6685,'http://vuphoto.org/fr/articles/6685-revision-v1/',0,'revision','',0),(6733,4,'2020-07-24 16:31:49','2020-07-24 20:31:49','<p class=\"\">Depuis 2016, VU travaille sur <em>La fête</em>, un projet de publication multidisciplinaire et collaborative qui explore le potentiel transformateur de la fête pour nos interactions avec les espaces et les gens. Conceptualisé par Jean-François Prost au fil de recherches menées au Québec et au Brésil, le livre rapproche de nombreuses personnes et situations à l’intérieur d’un univers inventé, hétérogène et indiscipliné.</p>\r\n<p class=\"\">Le livre comprend des photographies et contributions sonores proposées par une cinquantaine de collaborateurs, issues de sources diverses, de contextes variés et regroupées afin de faire de l’objet lui-même un espace de rassemblement et d’expression, où l’on réclame le droit à la fête, à la nuit, à la ville. Les auteurs Hélène Matte ainsi que Adriana de Oliveira et Bernard Schutze ont été invités à proposer des réflexions qui abordent autant les tentatives de censure et de contrôle de la fête, que les actes de résistance ou d’émancipation qu’elle suscite.</p>\r\n<p class=\"\"> Le volet sonore du projet a été réalisé en collaboration avec Avatar.</p>\r\n&nbsp;\r\n<p class=\"\"><span style=\"color: #000000\"><strong><em>La fête</em> sortira en novembre 2020. D’ici là, vous pouvez <a href=\"https://vuphoto.squarespace.com/\">précommander votre exemplaire</a> qui sera accompagné d’un des 3 posters 18x24 offerts à cette occasion.\r\n25 exemplaires de chaque sont disponibles!</strong></span></p>\r\n<p class=\"\"><span style=\"color: #000000\"><strong>Les posters sont également <a href=\"https://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/la-fete-affichage-dans-la-ville/\">affichés</a> un peu partout dans les rues de Québec!</strong></span></p>\r\n&nbsp;\r\n<p class=\"\">Des lancements sont prévus à Québec et à Montréal, toutes les infos bientôt.</p>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;','Prévente —La fête','','publish','closed','closed','','la-fete-publication-collaborative','','','2020-09-29 15:35:34','2020-09-29 19:35:34','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6733',0,'museo_calendar_event','',0),(6734,4,'2020-07-24 16:21:35','2020-07-24 20:21:35','','Gastonlafete','','inherit','open','closed','','gastonlafete','','','2020-07-24 16:21:35','2020-07-24 20:21:35','',6733,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Gastonlafete.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6735,4,'2020-07-24 16:21:35','2020-07-24 20:21:35','','Gastonlafete','','inherit','open','closed','','gastonlafete-2','','','2020-07-24 16:21:35','2020-07-24 20:21:35','',6745,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Gastonlafete.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6736,4,'2020-07-24 16:33:16','2020-07-24 20:33:16','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-07-24 16:33:16','2020-07-24 20:33:16','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6737,4,'2020-08-18 13:59:16','2020-08-18 17:59:16','<h2><span style=\"color: #000000\">Loose Canon</span>\r\n<span style=\"color: #000000\">Chuck Samuels, On Photography (2020)</span></h2>\r\nDans La mort de l’auteur, Roland Barthes dit de l’auteur qu’il ne peut qu’imiter les gestes de ses prédécesseurs et que son seul pouvoir est de mêler les écritures des autres*. Si, comme il le prétend, l’auteur est mort, que reste-t-il aux artistes pour manifester leurs réflexions ?\r\n\r\nDepuis les années 1980, la pratique de Chuck Samuels surprend et fait rire par son ton irrévérencieux, son approche autoréférentielle et son appropriation des éléments de la culture visuelle. On Photography réitère les intérêts théoriques et esthétiques de l’artiste et devient un manifeste ironique qui, à lui seul, renferme l’essence d’une pratique maintes fois applaudie par le milieu même qu’elle critique.\r\n\r\nLa série aux apparences trompeuses présente trente portraits de grands penseurs du vingtième siècle, incarnés par nul autre que Samuels, portraits auxquels s’ajoute une vidéo. Les images que crée le photographe se déploient tranquillement dans l’imaginaire et exigent qu’on fasse appel à la mémoire pour saisir tout leur sens.\r\n\r\nComme les autres créations de Samuels, On Photography fait référence à la culture des images et suscite le souvenir. C’est seulement plus tard, en découvrant ou redécouvrant par hasard le véritable visage de Foucault, de Benjamin ou de Freud, que celui de Samuels peut refaire surface. Au moment où il s’y attend le moins, le regardeur se voit contraint à remettre en question son rapport à l’image et à son histoire.\r\n\r\nOn Photography réussit, en ayant recours à un tissu de citations et d’images appartenant à l’univers du connu, à créer un nouveau discours. Ainsi, celui qui regarde sans comprendre les multiples références n’est pas moins brillant que celui qui a passé sa vie à étudier les écrits de Susan Sontag. Au contraire, il est celui qui voit dès le départ ce que les canons de l’histoire de l’art sont vraiment : une panoplie de concepts reçus qui s’assoient sur l’autorité du géant qui les a proférés.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*« Nous savons maintenant qu\'un texte n\'est pas fait d\'une ligne de mots, dégageant un sens unique, en quelque sorte théologique (qui serait le “message” de l\'Auteur-Dieu), mais un espace à dimensions multiples, où se marient et se contestent des écritures variées, dont aucune n\'est originelle : le texte est un tissu de citations, issues des mille foyers de la culture.</pre>\r\n<pre>Pareil à Bouvard et Pécuchet, ces éternels copistes, à la fois sublimes et comiques, et dont le profond ridicule désigne précisément la vérité de l\'écriture, l\'écrivain ne peut qu\'imiter un geste toujours antérieur, jamais originel ; son seul pouvoir est de mêler les écritures, de les contrarier les unes par les autres, de façon à ne jamais prendre appui sur l\'une d\'elles […]. »</pre>\r\n<pre>(Roland Barthes, « La mort de l’auteur », dans Le bruissement de la langue. Essais critiques IV, Paris, Seuil, 1984, p. 65)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Sevia Pellissier est candidate à la maîtrise en histoire de l’art à l’Université Laval et commissaire indépendante. Hyperactive culturelle, elle anime l’émission À l’est de vos empires, collabore régulièrement à la revue Vie des arts et siège sur le comité d’administration de la Foire en art actuel de Québec.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>Image ci-haut : Capture d\'écran de in the land of the giants the one-eyed camera is king (2020), 8m 51s, (4:3 dans un format 16:9), vidéo HD.\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6275\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/01_CSamuels_AfterCartierBresson-Barthes_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Cartier-Bresson/Barthes (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6277\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/02_CSamuels_AfterRondeau-Baudrillard_150.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>After Rondeau/Baudrillard (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6279\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/03_CSamuels_AfterCartierBresson-DeBeauvoir_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Cartier-Bresson/de Beauvoir (2020)\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6281\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/04_CSamuels_AfterFranck-Foucault_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Franck/Foucault (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6283\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/05_CSamuels_AfterHalberstad-Freud_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Halberstadt/Freud (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6285\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/06_CSamuels_AfterGreenfieldSanders-Lippard_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Greendield-Sanders/Lippard (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6287\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/07_CSamuels_AfterDater-Newhall_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Dater/Newhall (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6289\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/08_CSamuels_AfterCartierBresson-Sartre_15.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Cartier-Bresson/Sartre (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6291\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/09_CSamuels_AfterHujar-Sontag_150.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>After Hujar/Sontag (2020)\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6293\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/10_CSamuels_AfterMapplethorpe-Warhol_150.jpg\" alt=\"\" />\r\nAfter Mapplethorpe/Warhol (2020)</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<a href=\"https://vimeo.com/387763081\">Lien vers un extrait de la vidéo </a>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nL’artiste remercie le Conseil des Arts et des Lettres du Québec ainsi que L’Imprimerie pour leur support dans la recherche et la production du projet <em>On Photography.</em>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<em>Éclaireurs</em> propose la rencontre d’auteurs et d’artistes en art actuel du Québec autour de pratiques en relation avec le photographique. Cette initiative, en préparation depuis quelques temps, s’est concrétisée en réponse au contexte de la COVID-19 afin de rendre visible des parcours possibles entre les images.\r\n\r\n&nbsp;','Éclaireurs 3 —Sevia Pellissier et Chuck Samuels','','inherit','closed','closed','','6274-revision-v1','','','2020-08-18 13:59:16','2020-08-18 17:59:16','',6274,'http://vuphoto.org/fr/articles/6274-revision-v1/',0,'revision','',0),(6738,4,'2020-08-18 14:08:00','2020-08-18 18:08:00','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-08-18 14:08:00','2020-08-18 18:08:00','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6739,4,'2020-09-22 15:28:57','2020-09-22 19:28:57','<p class=\"\">Depuis 2016, VU travaille sur <em>La fête</em>, un projet de publication multidisciplinaire et collaborative qui explore le potentiel transformateur de la fête pour nos interactions avec les espaces et les gens. Conceptualisé par Jean-François Prost au fil de recherches menées au Québec et au Brésil, le livre rapproche de nombreuses personnes et situations à l’intérieur d’un univers inventé, hétérogène et indiscipliné.</p>\n<p class=\"\">Le livre comprend des photographies et contributions sonores proposées par une cinquantaine de collaborateurs, issues de sources diverses, de contextes variés et regroupées afin de faire de l’objet lui-même un espace de rassemblement et d’expression, où l’on réclame le droit à la fête, à la nuit, à la ville. Les auteurs Hélène Matte ainsi que Adriana de Oliveira et Bernard Schutze ont été invités à proposer des réflexions qui abordent autant les tentatives de censure et de contrôle de la fête, que les actes de résistance ou d’émancipation qu’elle suscite.</p>\n<p class=\"\"> Le volet sonore du projet a été réalisé en collaboration avec Avatar.</p>\n&nbsp;\n<p class=\"\"><span style=\"color: #000000\"><strong><em>La fête</em> sortira en novembre 2020. D’ici là, vous pouvez <a href=\"https://vuphoto.squarespace.com/\">précommander votre exemplaire</a> qui sera accompagné d’un des 3 posters 18x24 offerts à cette occasion.\n25 exemplaires de chaque sont disponibles!</strong></span></p>\n<p class=\"\"><span style=\"color: #000000\"><strong>Les posters sont également <a href=\"https://vuphoto.org/fr/calendrier/exposition/la-fete-affichage-dans-la-ville/\">affichés</a> un peu partout dans les rues de Québec!</strong></span></p>\n&nbsp;\n<p class=\"\">Des lancements sont prévus à Québec et à Montréal, toutes les infos bientôt.</p>\n&nbsp;\n\n&nbsp;','La fête —publication collaborative','','inherit','closed','closed','','6733-autosave-v1','','','2020-09-22 15:28:57','2020-09-22 19:28:57','',6733,'http://vuphoto.org/fr/articles/6733-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6740,4,'2020-08-19 13:23:57','2020-08-19 17:23:57','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-08-19 13:23:57','2020-08-19 17:23:57','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6741,4,'2020-08-19 13:27:03','2020-08-19 17:27:03','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-08-19 13:27:03','2020-08-19 17:27:03','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6744,4,'2020-07-21 10:19:49','2020-07-21 14:19:49','<span style=\"color: #000000\"><em>This content is only available in French.</em></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nTout au long de l’année vous avez pu suivre les différentes formes qu’a pris le projet <em>Topographies. </em>Des <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/residence/topographies/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">résidences</a> à l’automne dernier, la <a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/topographies-edition-speciale/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">publication</a> éponyme, la journée d’échanges<em> </em><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/cette-fragilite-qui-nous-rassemble-journee-dechange-et-lancement/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\"><em>Cette fragilité qui nous rassemble</em></a>, auxquelles viennent s’ajouter aujourd’hui deux nouvelles formes :\r\n\r\n-la publication de <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/\">textes</a> qui font suite aux interventions ayant eues lieu lors de la journée d’échanges ;\r\n\r\n-une exposition extérieure du contenu de la publication, présentée par la Ville de Québec sur le boulevard Langelier, qui se déplacera au Carré d’Youville à l’automne.\r\n\r\nSuite à la fermeture temporaires des lieux publics, la publication avait cessé de circuler et le second lancement prévu à Wendake n’avait pas pu avoir lieu. Cette exposition est donc l’occasion pour ceux qui n’auraient pas pu se procurer la publication lors de sa distribution d’en voir le résultat.\r\n\r\n&nbsp;','Topographies','','publish','closed','closed','','topographies-2','','','2020-08-19 13:32:57','2020-08-19 17:32:57','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/topographies-2/',0,'museo_calendar_event','',0),(6745,4,'2020-07-24 16:31:49','2020-07-24 20:31:49','<p class=\"\">Since 2016, we at VU have been working on <em>La fête</em>, a collaborative and multidisciplinary publication project that explores the transformative potential of parties in our interactions with people and spaces. Conceptualized by Jean-François Prost over the course of research in Québec and Brazil, the book brings numerous people and situations together within an imaginary, heterogenous, and undisciplined universe.</p>\r\n<p class=\"\"><em>La fête</em> includes photographs and sounds from about fifty contributors working with various sources and contexts. As such, the book itself is a space of coming together and expression where we can claim the right to party, to the night, to the city. Authors Hélène Matte, Adriana de Oliveira and Bernard Schutze were invited to contribute reflections on censorship and control of parties, as well as on the acts of resistance and emancipation it catalyzes.</p>\r\n<p class=\"\">The sound component of the project was produced in collaboration with Avatar.</p>\r\n<p class=\"\"><span style=\"color: #000000\"><strong><em>La fête</em> will be released in November 2020. In the meantime, <a style=\"color: #000000\" href=\"https://vuphoto.squarespace.com/\">you can pre-order your copy</a>, and receive one of three complimentary 18”x24” posters created especially for the occasion. 25 copies of each available!</strong></span></p>\r\n<p class=\"\"><span style=\"color: #000000\"><strong>Posters have also been installed in public spaces throughout Québec City!</strong></span></p>\r\n<p class=\"\">Launches are planned for Québec City and Montréal. Dates and venues TBA soon!</p>','Presale —La fête','','publish','closed','closed','','la-fete-collaborative-publication','','','2020-09-30 09:55:44','2020-09-30 13:55:44','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/la-fete-publication-collaborative/',0,'museo_calendar_event','',0),(6746,4,'2020-08-19 13:42:00','2020-08-19 17:42:00','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-08-19 13:42:00','2020-08-19 17:42:00','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6747,4,'2020-08-19 13:42:34','2020-08-19 17:42:34','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-08-19 13:42:34','2020-08-19 17:42:34','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6748,4,'2020-08-19 13:45:18','2020-08-19 17:45:18','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-08-19 13:45:18','2020-08-19 17:45:18','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6749,4,'2020-08-19 13:46:47','2020-08-19 17:46:47','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-08-19 13:46:47','2020-08-19 17:46:47','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6750,4,'2020-08-19 13:48:05','2020-08-19 17:48:05','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-08-19 13:48:05','2020-08-19 17:48:05','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6751,102,'2020-08-19 14:33:28','2020-08-19 18:33:28','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f3d70780230e','6751','','','2021-08-19 14:34:03','2021-08-19 18:34:03','',2125,'https://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=6751',0,'wc_user_membership','',2),(6757,4,'2020-08-27 09:41:17','2020-08-27 13:41:17','Alors que nous entamons l’année 2020 se dresse toujours devant nous une énigme ancienne liée à l’histoire de la photographie au Québec. Énoncée pour la première fois par Pierre-Georges Roy, tout de suite après les célébrations du 300<sup>e</sup> anniversaire de la ville de Québec, dans le <em>Bulletin des recherches historiques</em> de novembre 1908, la question refait ensuite surface avec une curieuse régularité. Suivant des cycles d’une trentaine d’années environ, quatre générations d’historiens poseront, tour à tour et presque textuellement, la suivante : « Je vois qu’en 1855 un artiste au daguerréotype de Québec, M. Dorion, obtint, à l’aide de son procédé, une vue fidèle de la corvette française <em>La Capricieuse</em> se balançant dans le port de Québec. Où trouverais-je une photographie de ce daguerréotype ? » Retrouver cette image perdue paraît si improbable depuis qu’ils ne s’attendent même pas à pouvoir mettre la main sur le daguerréotype original – une pièce unique –, mais espèrent au moins en localiser une reproduction.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nFasciné par la légende, l’historien de la photographie Michel Lessard fut le dernier qui tenta l’aventure. C’était en 1984, lors des célébrations dites des « grands voiliers » entourant la commémoration de l’arrivée de Jacques Cartier au Canada. Lessard présenta alors quelques images fondatrices de la photographie québécoise en lien avec la vie maritime et expliqua avec dépit que cette photographie de <em>La Capricieuse</em> était « aujourd’hui introuvable » et que « l’on ne sa[va]it encore rien sur son auteur ». L’historien, ayant probablement fourbi les armes, n’y reviendra plus dans ses ouvrages ultérieurs.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAu-delà de trente années plus tard, nous sommes donc derniers en lice, qui tentons de résoudre l’énigme, définitivement. Si bien qu’il nous brûle les doigts d’écrire : « Bienvenue à bord ! » Il faut avouer qu’à ce stade, l’entreprise demeure singulière et ne manquera pas de frapper l’imaginaire du lecteur : réelle ou non, cette image ne nous est connue que lorsqu’elle est confondue à une interrogation. N’est-ce pas étrange, finalement, que la représentation de ce moment clé de notre histoire nous soit à la fois donnée et qu’elle soit mise à distance par une question ? Et si, un peu comme pour la Troie antique, l’existence de cette photographie ne reposait aujourd’hui que sur des informations parcellaires et de fausses pistes qui auraient pu masquer à la fois l’artefact et l’identité de son auteur ?\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nC’est en m’appuyant sur cette idée que j’ai pu enrichir mon travail, une recherche de longue haleine sur la photographie québécoise, pour la période précédant 1900. Grâce à une méthodologie organique faite d’un doute systématique et d’une collection minutieuse de tout indice susceptible de me mener à la réponse attendue, j’ai découvert cette image mythique, mais aussi l’identité de son créateur et les articles qui furent à l’origine de la question de Pierre-Georges Roy.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"font-size: 2.1rem\">Je peux donc dire aujourd’hui qu’il devait être environ dix heures, le matin du 25 août 1855, lorsque Charles Dion ouvrit l’obturateur de son appareil de daguerréotypie pour immortaliser le départ de <em>La Capricieuse</em> sur un négatif de verre enduit artisanalement. Placée au fond de la boîte de bois, la solution photosensible enregistra effectivement le départ de cette corvette après qu’elle eut passé un été mémorable au Québec. Depuis les hauteurs du jardin du Fort à Québec, les panaches de fumée des remorqueurs nous fascinent dans un rendu vaporeux propre à cette technique : il s’agit de l’un des premiers calotypes réalisés en sol québécois*.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre>*Nous avons présenté le tout lors d’une conférence donnée pendant une journée d’échanges au centre VU en janvier 2020, mais puisque l’ampleur de cette recherche dépasse largement ce cadre, \r\ncette dernière donnera lieu à la publication d’un article scientifique plus exhaustif, qui est déjà en préparation et qui fera état de cette découverte fondamentale pour l’histoire de la photographie québécoise.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Sébastien Hudon <span style=\"color: #808080\">est directeur artistique à La Bande Vidéo à Québec depuis 2011, auteur et commissaire indépendant. Il a travaillé avec nombre d’institutions muséales, dont le Musée national des beaux-arts du Québec et le Musée des beaux-arts de Montréal. À titre de commissaire, il a présenté deux expositions à la Maison Hamel Bruneau, à Québec, soit Concerto en Bleu Majeur et Photographes Rebelles à l’époque de la Grande Noirceur (1937-1961). Il a aussi présenté plusieurs autres expositions itinérantes et ponctuelles, notament Jean Soucy, Peintre Clandestin, Quelques moments d’Utopie et NYX/1993*2013. Enfin, à titre de programmateur d’œuvres cinématographiques, il a réalisé trois cycles d’œuvres filmiques et vidéographiques avec l’aide d’Antitube: Cinéastes Rebelles à l’époque de la Grande Noirceur (1937-1961), In suburbia : cinéchroniques de la banlieue et Du mythe à l’abstraction, images défrichées du cinéma québécois (1898-1950). </span></span>','Comment chercher un photographe… et le trouver —un texte de Sébastien Hudon','','inherit','closed','closed','','6578-revision-v1','','','2020-08-27 09:41:17','2020-08-27 13:41:17','',6578,'http://vuphoto.org/fr/articles/6578-revision-v1/',0,'revision','',0),(6758,4,'2020-08-27 17:11:38','2020-08-27 21:11:38','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-08-27 17:11:38','2020-08-27 21:11:38','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6759,4,'2020-08-27 17:12:08','2020-08-27 21:12:08','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-08-27 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Serres','','publish','closed','closed','','olivier-de-serres','','','2020-09-10 10:18:50','2020-09-10 14:18:50','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=6771',0,'museo_artist','',0),(6772,4,'2020-09-10 10:19:06','2020-09-10 14:19:06','','Cynthia Dinan-Mitchell','','publish','closed','closed','','cynthia-dinan-mitchell','','','2020-09-10 10:19:06','2020-09-10 14:19:06','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=6772',0,'museo_artist','',0),(6773,4,'2020-09-10 10:19:22','2020-09-10 14:19:22','','Claudie Gagnon','','publish','closed','closed','','claudie-gagnon','','','2020-09-10 10:19:22','2020-09-10 14:19:22','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=6773',0,'museo_artist','',0),(6774,4,'2020-09-10 10:19:37','2020-09-10 14:19:37','','Kaël Mercader','','publish','closed','closed','','kael-mercader','','','2020-09-10 10:19:37','2020-09-10 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maritimes, cette résidence à Vu me permettra de poursuivre l’inventaire photographique entamé à l’été 2018. Ce sera pour moi l’occasion de tenter différents types d’assemblages et compositions numériques.\r\n\r\nParallèlement, je travaillerai à la production d’une maquette de livre d’artiste portant sur les bâtiments hôteliers délaissés.»','Reporté —Résidence de Joëlle Henry','','publish','closed','closed','','residence-de-joelle-henry-2','','','2020-11-05 11:09:31','2020-11-05 16:09:31','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6778',0,'museo_calendar_event','',0),(6779,4,'2020-09-10 10:38:07','2020-09-10 14:38:07','« Je me penche actuellement sur les questions entourant le concept de la visibilité et de la disparition de la femme dans le contexte de spectacles, démonstrations, exploits performatifs de magie du 19e siècle. L’objectif étant ici de rendre apparentes les connotations négatives d’ordre politique associées au corps féminin et de jeter un regard critique sur un objet de la culture visuelle de cette époque en faisant un parallèle évident avec le regard que l’on porte sur la femme actuellement.\r\n\r\nL’idée d’escamoter des corps féminins est déconcertante et amène une réflexion critique, lorsque liée aux enjeux actuels voulant faire taire ces femmes qui tentent tant bien que mal d’affirmer leur existence, leur expérience, leur présence, constamment soumises à la violence de se faire soustraire et oublier. Mon intérêt à explorer ce projet repose sur une volonté de contribuer à certains traits qui ont défini la photographie depuis ses débuts, soit la photographie populaire, un souci pour les pratiques narratives et le statut fluctuant de l’image, entre document et fiction. Qui plus est, c’est le sort fait aux femmes à travers une certaine photographie qui est au centre de ce projet, une prise de position qui résonne doublement avec l’actualité, celle de l’image comme preuve et celle de la présence du corps féminin sur la place publique. »\r\n\r\n&nbsp;','Escamotage d\'une femme / The Vanishing Woman','','publish','closed','closed','','escamotage-dune-femme-the-vanishing-woman','','','2021-05-17 14:28:17','2021-05-17 18:28:17','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6779',0,'museo_calendar_event','',0),(6780,4,'2020-09-10 10:45:16','2020-09-10 14:45:16','<em>« Lovesick Boy</em> est né d’un désir de manipuler davantage l’image photographique et d’explorer les interactions entre différents médiums. Cette approche picturale tirée de la technique mixte demeure suggestive et narrative. Les collages, mixés par une variété de trouvailles de brocante comme des ouvrages des années 1800-1900, des partitions de musique antiques et bien d’autres matières hétéroclites, fusionnent ainsi différentes époques. Les photographies, détentrices premières de la facture graphique, sont puisées de sources diverses allant d’archives familiales, de photos sur plaque de verre, de découpures de journaux anciens ou bien de pièces personnelles prises analogiquement et numériquement. Cette alliance, qui marie le passé et le présent, l’oublié et le devenir, compose une narrativité navigante entre l’univers de l’amour et du deuil. »','Lovesick Boy','','publish','closed','closed','','lovesick-boy-2','','','2021-02-26 09:59:33','2021-02-26 14:59:33','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6780',0,'museo_calendar_event','',0),(6781,4,'2020-09-10 10:59:14','2020-09-10 14:59:14','« <em>Alone Time</em> est une série en cours composée d’images manipulées qui amènent la représentation corporelle du genre dans le domaine de l’étrangeté. L’artifice et le naturalisme se rencontrent dans ce projet, qui est fait de photographies colorées de couples fictionnels qui partagent un quotidien intime; en regardant plus attentivement, on voit que ces “couples” sont formés d’un seul modèle qui joue le rôle de l’homme et de la femme à l’intérieur du cadre. Ces relations et moments construits remettent en question notre perception de la réalité et les suppositions que nous faisons en regard du genre et de l’identité.\r\n\r\nEn démontant la capacité d’un individu à incarner de façon crédible deux genres différents, mon projet questionne la représentation dominante des rôles sociaux reliés aux sexes. Avec mes photographies, je souhaite rendre floues les frontières entre masculinité et féminité, entre réalité et fiction. En mettant en scène le même modèle deux fois dans chaque image, <em>Alone Time</em> résiste à la tentation de donner des indices clairs de l’identité ou de l’expression de genre du sujet dans sa vraie vie. Cette décision conceptuelle de doubler la représentation du genre dans un même corps défie les idées normatives voulant que l’expression du genre soit stable et consistante.\r\n\r\nEn effet, l’expression du genre peut être fluide et multiple. De plus, par les aspects techniques de mon travail, je défie aussi les habitudes de représentation. Alors que les photographies sont faites sur pellicule, numérisées, et manipulées en plusieurs couches de façon numérique pour créer l’illusion de “deux personnes”, aucun aspect du genre du sujet n’est altéré numériquement – les images fonctionnent car elles sont convaincantes visuellement sans manipuler les traits du sujet sauf par le maquillage, la coiffure, l’utilisation de prothèses et de costume et par la pose. Ce choix met encore plus d’emphase sur le fait que le genre est malléable. Alone Time a donc l’intention de créer de la confusion et de l’amusement, d’inviter à la réflexion, et de défier les limites du médium photographique.\r\n\r\nPour ma résidence, je prévois créer de nouvelles images pour <em>Alone Time</em>. Je vais commencer par créer une scène, préparer des costumes, et planifier deux séances de prise de vue. L’une d’entre elles impliquera une “mère” et un “père” avec leur bébés “jumeaux fraternels”, qui seront en fait réalisées avec un parent et un enfant qui incarneront ensemble quatre personnages. Le parent et l’enfant qui ont accepté de participer comme modèles pour cette photo sont des amis qui ont récemment déménagé de Montréal à Québec. J’utiliserai les espaces et les équipements de VU, incluant la caméra numérique Hasselblad, pour aider à la précision de ma séance photo. Je ferai aussi imprimer de petits formats de ma série et travaillerai sur une maquette pour un projet de livre de cette série. »','Alone Time','','publish','closed','closed','','alone-time-2','','','2020-09-10 10:59:14','2020-09-10 14:59:14','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6781',0,'museo_calendar_event','',0),(6782,4,'2020-09-10 11:15:19','2020-09-10 15:15:19','Thibaut Ketterer travaille sur un projet photographique autour de son oncle, musicien professionnel de musiques savoyardes et alpines, collecteur de témoignages audio et collectionneur d’instruments traditionnels alpins depuis 1970. Ce projet rassemble des photographies réalisées par l’artiste à l\'été 2019 et des photographies d’archives. À partir de ces images, il explore la matérialité des papiers en expérimentant la broderie ainsi que le découpage, inspiré du découpage traditionnel suisse. Cette résidence lui permet également d’appréhender la dimension installative de son projet en déployant dans l’espace des reproductions d’objets en papier mâché.','Résidence de Thibaut Ketterer','','publish','closed','closed','','residence-de-thibaut-ketterer','','','2021-02-18 10:53:09','2021-02-18 15:53:09','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6782',0,'museo_calendar_event','',0),(6783,4,'2020-09-10 11:10:26','2020-09-10 15:10:26','','10_Thibaut-Kettererer','','inherit','open','closed','','10_thibaut-kettererer','','','2020-09-10 11:10:26','2020-09-10 15:10:26','',6782,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/10_Thibaut-Kettererer.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6784,4,'2020-09-10 11:10:26','2020-09-10 15:10:26','','10_Thibaut-Kettererer','','inherit','open','closed','','10_thibaut-kettererer-2','','','2020-09-10 11:10:26','2020-09-10 15:10:26','',6823,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/10_Thibaut-Kettererer.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6785,4,'2020-09-10 11:18:18','2020-09-10 15:18:18','On connaît bien les installations multicouches d’Éloïse Plamondon-Pagé et sa grande sensibilité pour le thème de la mémoire. Pensons simplement à son exposition <em>L’Air du temps</em> présentée à Engramme en 2018, où l’artiste nous livrait à cœur ouvert un important morceau de son histoire familiale. Depuis quelques années, elle cumule les projets de résidences à l’étranger pendant lesquels les différents contextes et cultures modèlent sa perception du monde et la forcent à repenser ses façons de créer. C’est ainsi que, parallèlement à ses recherches en estampe et en installation, elle expérimente la vidéo dans une quête de liberté. Éloïse a accumulé au fil des années des centaines de vidéos, comme autant de fragments de réalité en mouvement, qui représentent pour elle un moyen de s’ouvrir au monde, de comprendre son rapport à celui-ci et de s’ancrer sur le territoire – intime comme extérieur. La vidéo étant concrètement constituée d’une accumulation d’images photographiques, Éloïse profitera de sa résidence annuelle à VU pour enrichir sa réflexion sur le fragment, sur la séquence d’images et sur sa mise en espace, dans l’espoir de nous partager un peu de son amour du monde.\r\n\r\n&nbsp;','Résidence annuelle','','publish','closed','closed','','residence-annuelle','','','2020-10-30 11:39:20','2020-10-30 15:39:20','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6785',0,'museo_calendar_event','',0),(6786,4,'2020-09-10 11:30:52','2020-09-10 15:30:52','« Dans ma série In Country, ma démarche, qui a longtemps été tournée vers le documentaire, ne se veut plus à l’affût d’un instant décisif. Je cherche plutôt une voie menant vers un vaste instant qui inclurait tous les instants possibles, en accumulant et en juxtaposant les secondes, les heures, les jours. L’image devient construction. Tout détail, du plus petit au plus grand, participe à l’élaboration d’un ensemble qui accepte la transition imparfaite, un ciel variable, l’accident gravé au sol.\r\nJe suis à présent devenu chiffonnier de l’espace sauvage en marge de la ville, suivant les traces de mes courageux éclaireurs que sont les sans-abris, que je considère des témoins et acteurs improvisés.\r\nJe cherche à stabiliser une mémoire. »','Reporté —In country','','publish','closed','closed','','in-country-2','','','2020-10-22 14:48:45','2020-10-22 18:48:45','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6786',0,'museo_calendar_event','',0),(6787,4,'2020-09-10 11:39:21','2020-09-10 15:39:21','De la genèse de l’humanité jusqu\'à l’avènement du christianisme, les écrits judéo-chrétiens considèrent la sexualité comme l’initiatrice de presque tous les maux qui assaillent l’homme dépourvu de volonté et de sens moral (le péché originel, Sodome et Gomorrhe, la femme adultère, etc). Rien de très surprenant que la religion catholique ait démonisé la sexualité, autant dans ses écrits que dans son imagerie pieuse. Depuis des siècles, le péché s’incarne dans la chair (et ses plaisirs), tandis que le chemin de la sainteté passe par la sublimation des pulsions érotiques. L’abstinence et la négation des sens deviennent alors catalyseur de la vocation et de l’état mystique. Comment parler aujourd’hui de ces sujets qui a priori semblent découlé d’un temps révolu, mais dont on voit de plus en plus les séquelles apparaître dans nos sociétés, avec la levée de l’impunité cléricale et sa loi du silence?','Extase et sublimation','','publish','closed','closed','','extase-et-sublimation','','','2022-04-13 10:20:16','2022-04-13 14:20:16','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6787',0,'museo_calendar_event','',0),(6788,4,'2020-09-10 11:43:22','2020-09-10 15:43:22','<p class=\"p1\">De manière assumée, mon travail renvoie à l’histoire de la photographie. Tant par les procédés techniques utilisés, comme le sténopé, photogramme, polaroid ou appareil ancien, que par les références aux images de photographes qui ont forgé l’histoire du médium.</p>\r\n<p class=\"p1\">Le processus photographique constitue le point de départ de ma démarche. J’utilise autant la technologie numérique que les procédés argentiques, parfois l’un procédé renvoyant à l’autre, ce qui crée un terrain propice à de multiples expérimentations.</p>\r\n<p class=\"p1\">À partir de montages photographiques, je recrée des univers et mets en scène lieux et éléments naturels. C’est dans l’assemblage d’images provenant de divers moments que se retrouve le création de ces nouveaux mondes. Que ce soit à partir de photos de paysages sous-marins, de détails de nature qui m’entoure ou bien d’accidents photographiques.</p>\r\n<p class=\"p1\">S’y dégage un sentiment à la fois de vulnérabilité et de puissance de la nature. De poésie et de mystère également.</p>\r\n&nbsp;','Upside and Down','','publish','closed','closed','','upside-and-down','','','2020-09-24 14:26:21','2020-09-24 18:26:21','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6788',0,'museo_calendar_event','',0),(6789,4,'2020-09-10 12:05:38','2020-09-10 16:05:38','<em>Assemblages</em><em> 4</em> est le quatrième atelier collectif de création de maquettes de livres photo.\r\n\r\nPour <em>Assemblages 4</em>, Nathalie Dion et Anahita Norouzi se partageront un espace de création de maquettes de livres photo, où se jouent dans la durée différents processus d’écriture et mises en relation à partir d’images. Leurs recherches individuelles se déploieront autour d’une table et sur les murs, et l’espace partagé leur permettra de dialoguer autour de leurs processus de travail. <em>Assemblages 4</em> souhaite ainsi réfléchir à ce que permet l’échange entre artistes, et sur la façon dont les photographies elles-mêmes se parlent, se contaminent, pour enfin trouver une voix bien à elles.\r\n\r\nÀ l\'occasion d\'Assemblages 4, une formation sur sur la microédition pour petits livres ou petits budgets aura lieu en ligne. La classe de maître avec Emmanuelle Léonard aura quant à elle lieu lorsque les conditions le permettront.\r\nPlus de détails et inscriptions à venir.\r\n\r\n<em>Assemblages</em> est un projet imaginé à partir d’une idée d’Alexandre Berthier.\r\nLa résidence de Catherine Canac-Marquis annoncée lors du lancement de notre programmation a été reportée à l\'année prochaine.\r\n\r\n&nbsp;','Assemblages 4','','publish','closed','closed','','assemblages-4','','','2020-11-12 11:40:26','2020-11-12 16:40:26','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6789',0,'museo_calendar_event','',0),(6790,4,'2020-09-10 11:58:54','2020-09-10 15:58:54','','03_NOROUZI','','inherit','open','closed','','03_norouzi','','','2020-09-10 11:58:54','2020-09-10 15:58:54','',6789,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/03_NOROUZI.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6791,4,'2020-09-10 11:58:54','2020-09-10 15:58:54','','03_NOROUZI','','inherit','open','closed','','03_norouzi-2','','','2020-09-10 11:58:54','2020-09-10 15:58:54','',6967,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/03_NOROUZI.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6792,4,'2020-09-10 12:03:48','2020-09-10 16:03:48','','Catherine_Canac-Marquis_05','','inherit','open','closed','','catherine_canac-marquis_05','','','2020-09-10 12:03:48','2020-09-10 16:03:48','',6789,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Catherine_Canac-Marquis_05.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6793,4,'2020-09-10 12:03:48','2020-09-10 16:03:48','','Catherine_Canac-Marquis_05','','inherit','open','closed','','catherine_canac-marquis_05-2','','','2020-09-10 12:03:48','2020-09-10 16:03:48','',6967,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Catherine_Canac-Marquis_05.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6794,4,'2020-09-10 12:05:19','2020-09-10 16:05:19','','Catherine_Canac-Marquis_04','','inherit','open','closed','','catherine_canac-marquis_04','','','2020-09-10 12:05:19','2020-09-10 16:05:19','',6789,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Catherine_Canac-Marquis_04.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6795,4,'2020-09-10 12:05:19','2020-09-10 16:05:19','','Catherine_Canac-Marquis_04','','inherit','open','closed','','catherine_canac-marquis_04-2','','','2020-09-10 12:05:19','2020-09-10 16:05:19','',6967,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Catherine_Canac-Marquis_04.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6796,4,'2020-11-11 10:22:44','2020-11-11 15:22:44','<em>Assemblages</em><em> 4</em> est le quatrième atelier collectif de création de maquettes de livres photo.\n\nPour <em>Assemblages 4</em>, Nathalie Dion et Anahita Norouzi se partageront un espace de création de maquettes de livres photo, où se jouent dans la durée différents processus d’écriture et mises en relation à partir d’images. Leurs recherches individuelles se déploieront autour d’une table et sur les murs, et l’espace partagé leur permettra de dialoguer autour de leurs processus de travail. <em>Assemblages 4</em> souhaite ainsi réfléchir à ce que permet l’échange entre artistes, et sur la façon dont les photographies elles-mêmes se parlent, se contaminent, pour enfin trouver une voix bien à elles.\n\nÀ l\'occasion d\'Assemblages 4, une formation sur sur la microédition pour petits livres ou petits budgets aura lieu en ligne. La classe de maître avec Emmanuelle Léonard aura quant à elle lieu lorsque les conditions le permettront.\nPlus de détails et inscriptions à venir.\n\n<em>Assemblages</em> est un projet imaginé à partir d’une idée d’Alexandre Berthier.\n*La participation de Catherine Canac-Marquis annoncée lors du lancement de notre programmation a été reportée à l\'année prochaine.\n\n&nbsp;','Assemblages 4','','inherit','closed','closed','','6789-autosave-v1','','','2020-11-11 10:22:44','2020-11-11 15:22:44','',6789,'http://vuphoto.org/fr/articles/6789-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6797,4,'2020-09-10 12:13:41','2020-09-10 16:13:41','<em>Éclaireurs</em> propose la rencontre d’auteurs et d’artistes en art actuel du Québec autour de pratiques en relation avec le photographique. Cette initiative, en préparation depuis quelques temps, s’est concrétisée en réponse au contexte de la COVID-19 afin de rendre visible des parcours possibles entre les images.\r\n\r\n<em><span style=\"color: #000000\">De l’éclairage</span></em>\r\n<span style=\"color: #000000\">Choses rendues plus visibles non par plus </span>\r\n<span style=\"color: #000000\">de lumière, mais par l’angle neuf sous lequel </span>\r\n<span style=\"color: #000000\">je les regarde.</span>\r\n- Robert Bresson\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nÀ lire et à voir dans la section <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/\">Pratiques photographiques</a> :\r\n\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-7-tabara-korka-ndiaye-et-erika-nimis/\">Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-8-jeanne-mercier-et-emilie-regnier/\">Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-9/\">Éclaireurs 9 —Julien​ St‑Georges Tremblay et David Martineau Lachance</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-10-gilbert-turp-et-david-k-ross/\">Éclaireurs 10 —Gilbert Turp et David K. Ross</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-11-lisanne-nadeau-et-william-legare/\">Éclaireurs 11 —Lisanne Nadeau et William Légaré</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-12-lodoe-laura-and-clare-samuel/\">Éclaireuses 12 —Lodoe Laura + Clare Samuel</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-13-francois-turcot-anahita-norouzi/\">Éclaireurs 13 —François Turcot + Anahita Norouzi</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-14-anne-sophie-blanchet-chun-hua-catherine-dong/\">Éclaireuses 14 —Anne-Sophie Blanchet + Chun Hua Catherine Dong</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-15-marie-andree-gill-laurence-hervieux-gosselin/\">Éclaireuses 15 —Marie-Andrée Gill + Laurence Hervieux-Gosselin</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-16-carl-bergamini-jason-hendrickson/\">Éclaireurs 16 —Carl Bergamini + Jason Hendrickson</a>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nPour consulter les Éclaireurs précédents, <a href=\"https://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/eclaireurs/\">rendez-vous ici </a>','Éclaireurs','','publish','closed','closed','','eclaireurs-2','','','2021-06-25 13:17:28','2021-06-25 17:17:28','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6797',0,'museo_calendar_event','',0),(6798,4,'2020-09-10 12:13:14','2020-09-10 16:13:14','','3_Érika Nimis_Boule de feu_Gàncah bu naat_2019','','inherit','open','closed','','3_erika-nimis_boule-de-feu_gancah-bu-naat_2019','','','2020-09-10 12:13:14','2020-09-10 16:13:14','',6797,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/3_Érika-Nimis_Boule-de-feu_Gàncah-bu-naat_2019.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6799,4,'2020-09-10 12:13:14','2020-09-10 16:13:14','','3_Érika Nimis_Boule de feu_Gàncah bu naat_2019','','inherit','open','closed','','3_erika-nimis_boule-de-feu_gancah-bu-naat_2019-2','','','2020-09-10 12:13:14','2020-09-10 16:13:14','',6835,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/3_Érika-Nimis_Boule-de-feu_Gàncah-bu-naat_2019.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6800,4,'2020-09-10 12:20:07','2020-09-10 16:20:07','Le projet <em>Panorama</em> réunit les œuvres d’une vingtaine d’artistes actifs sur le territoire de la ville de Québec. Cette initiative vise à faire connaître la diversité et la richesse de la création en arts visuels, permettant une brève et inhabituelle incursion dans l’univers de ces artistes. Entourant une partie du chantier du futur CHU, la fresque de quarante images propose des dialogues et des rapprochements entre des pratiques d’artistes issus de différentes générations et communautés, aux sensibilités et parcours diversifiés, proposant ainsi un survol de la création vivante et actuelle qui anime notre territoire.\r\n\r\nPour voir le panorama, rendez-vous sur le boulevard Henri-Bourrassa, près de l\'intersection de la 22e rue!\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nRéalisé grâce au soutien financier de l’Entente de développement culturel entre la Ville de Québec et le ministère de la Culture et des Communications.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;','Panorama','','publish','closed','closed','','panorama','','','2021-05-19 11:29:40','2021-05-19 15:29:40','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6800',0,'museo_calendar_event','',0),(6804,1,'2020-09-11 16:26:07','2020-09-11 20:26:07','','Order &ndash; septembre 11, 2020 @ 04:26 PM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_jx3zEodN9kmjc','commande-sep-11-2020-0826','','','2020-09-15 16:06:08','2020-09-15 20:06:08','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=6804',0,'shop_order','',4),(6805,1,'2020-09-14 14:38:13','2020-09-14 18:38:13','','Order &ndash; septembre 14, 2020 @ 02:38 PM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_DLY22Q2rW1V1R','commande-sep-14-2020-0638','','','2020-09-15 16:05:28','2020-09-15 20:05:28','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=6805',0,'shop_order','',3),(6806,73,'2020-09-15 15:54:18','2020-09-15 19:54:18','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f611beaa99cb','6806','','','2021-09-15 15:55:10','2021-09-15 19:55:10','',5241,'https://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=6806',0,'wc_user_membership','',2),(6809,103,'2020-09-15 16:05:29','2020-09-15 20:05:29','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f611e89379f0','6809','','','2021-09-15 16:09:33','2021-09-15 20:09:33','',2125,'http://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=6809',0,'wc_user_membership','',2),(6812,4,'2020-09-15 16:21:13','2020-09-15 20:21:13','','1.EloisePP_Islande-Sternes','','inherit','open','closed','','1-eloisepp_islande-sternes','','','2020-09-15 16:21:13','2020-09-15 20:21:13','',6785,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/1.EloisePP_Islande-Sternes.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6813,4,'2020-09-15 16:21:13','2020-09-15 20:21:13','','1.EloisePP_Islande-Sternes','','inherit','open','closed','','1-eloisepp_islande-sternes-2','','','2020-09-15 16:21:13','2020-09-15 20:21:13','',6833,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/1.EloisePP_Islande-Sternes.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6814,4,'2020-09-10 10:59:14','2020-09-10 14:59:14','<em>“Alone Time</em> is an ongoing series of manipulated images that push corporeal gender presentation into the realm of the uncanny. Artifice meets naturalism in this project, which is made up of brightly colored photographs of fictional couples sharing quotidian intimacies; upon closer examination, these “couples” prove to comprise a single model – appearing as both the man and the woman in the frame. These constructed moments and relationships call into question our perception of reality and the assumptions we make regarding gender and identity.\r\n\r\nBy demonstrating an individual’s capacity to engagingly and believably embody two different genders, my project questions the mainstream depiction of binary gender roles. I hope for my photographs to blur the boundaries between masculinity and femininity, reality and fiction. By staging the <em>same </em>model twice in each photograph, <em>Alone Time </em>resists giving any stable clues about the subjects’ real-life gender identity or expression. This conceptual decision to double the gender presentation of a single body challenges the normative idea that gender presentation is stable or consistent.\r\n\r\nRather, gender expression can be fluid and multiple. As well, through the technical aspects of my work, I challenge representational tropes. While the individual photographs are shot on film, scanned, layered, and digitally collaged to create the final illusion of “two people,” no aspect of the subjects’ genders are digitally altered – the images are successful because they are visually convincing without manipulation of the subjects’ gender traits through means other than makeup, hair, prosthetics, costume, and pose. This choice further emphasizes the notion that gender is malleable. <em>Alone Time </em>is intended to be visually confusing and amusing, thought provoking, and challenging to the boundaries of the photographic medium.\r\n\r\nFor my residency I plan to create new images for <em>Alone Time. </em>I will spend time building a set and preparing all costumes and planning for two shoots. One will involve a “mother” and “father” with their “fraternal twin” babies, actually composed of one parent and one child, together embodying four characters. The parent and child who have agreed to participate as models for this photograph are friends of mine who recently relocated from Montreal to Quebec City. I will use the space and photographic equipment provided by VU, including the digital Hasselblad camera, to help with precision during my shoot. I will also print a smaller format of my series using the printing facilities and work on a mock-up for a future book project of this series.”','Alone Time','','publish','closed','closed','','alone-time-2','','','2020-09-16 10:48:46','2020-09-16 14:48:46','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/alone-time-2/',0,'museo_calendar_event','',0),(6815,4,'2020-09-16 10:47:50','2020-09-16 14:47:50','<em>“Alone Time</em> is an ongoing series of manipulated images that push corporeal gender presentation into the realm of the uncanny. Artifice meets naturalism in this project, which is made up of brightly colored photographs of fictional couples sharing quotidian intimacies; upon closer examination, these “couples” prove to comprise a single model – appearing as both the man and the woman in the frame. These constructed moments and relationships call into question our perception of reality and the assumptions we make regarding gender and identity.\n\nBy demonstrating an individual’s capacity to engagingly and believably embody two different genders, my project questions the mainstream depiction of binary gender roles. I hope for my photographs to blur the boundaries between masculinity and femininity, reality and fiction. By staging the <em>same </em>model twice in each photograph, <em>Alone Time </em>resists giving any stable clues about the subjects’ real-life gender identity or expression. This conceptual decision to double the gender presentation of a single body challenges the normative idea that gender presentation is stable or consistent.\n\nRather, gender expression can be fluid and multiple. As well, through the technical aspects of my work, I challenge representational tropes. While the individual photographs are shot on film, scanned, layered, and digitally collaged to create the final illusion of “two people,” no aspect of the subjects’ genders are digitally altered – the images are successful because they are visually convincing without manipulation of the subjects’ gender traits through means other than makeup, hair, prosthetics, costume, and pose. This choice further emphasizes the notion that gender is malleable. <em>Alone Time </em>is intended to be visually confusing and amusing, thought provoking, and challenging to the boundaries of the photographic medium.\n\nFor my residency I plan to create new images for <em>Alone Time. </em>I will spend time building a set and preparing all costumes and planning for two shoots. One will involve a “mother” and “father” with their “fraternal twin” babies, actually composed of one parent and one child, together embodying four characters. The parent and child who have agreed to participate as models for this photograph are friends of mine who recently relocated from Montreal to Quebec City. I will use the space and photographic equipment provided by VU, including the digital Hasselblad camera, to help with precision during my shoot. I will also print a smaller format of my series using the printing facilities and work on a mock-up for a future book project of this series.”','Alone Time','','inherit','closed','closed','','6814-autosave-v1','','','2020-09-16 10:47:50','2020-09-16 14:47:50','',6814,'http://vuphoto.org/fr/articles/6814-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6816,4,'2020-09-16 10:58:11','2020-09-16 14:58:11','<p class=\"\" data-pm-slice=\"1 1 []\">Since 2016, we at VU have been working on <em>La fête</em>, a collaborative and multidisciplinary publication project that explores the transformative potential of celebration in our interactions with people and spaces. Conceptualized by Jean-François Prost over the course of research in Québec and Brazil, the book brings numerous people and situations together within an imaginary, heterogenous, and undisciplined universe.</p>\n<p class=\"\"><em>La fête</em> includes photographs and sounds from about fifty contributors working with various sources and contexts. As such, the book itself is a space of coming together and expression where we can claim the right to celebration, to the night, to the city. Authors Hélène Matte, Adriana de Oliveira and Bernard Schutze were invited to contribute reflections on censorship and control of celebration, as well as on the acts of resistance and emancipation it catalyzes.</p>\n<p class=\"\">The sound component of the project was produced in collaboration with Avatar.</p>\n&nbsp;\n<p class=\"\" data-pm-slice=\"1 1 []\"><span style=\"color: #000000\"><strong><em>La fête</em> will be released in November 2020. A presale is coming soon!</strong></span></p>\n<p class=\"\" data-pm-slice=\"1 1 []\">Launches are planned for Québec City and Montréal. Dates and venues TBA soon!</p>\n&nbsp;','La fête —collaborative publication','','inherit','closed','closed','','6745-autosave-v1','','','2020-09-16 10:58:11','2020-09-16 14:58:11','',6745,'http://vuphoto.org/fr/articles/6745-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6817,4,'2020-09-10 11:30:52','2020-09-10 15:30:52','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\n« Dans ma série In Country, ma démarche, qui a longtemps été tournée vers le documentaire, ne se veut plus à l’affût d’un instant décisif. Je cherche plutôt une voie menant vers un vaste instant qui inclurait tous les instants possibles, en accumulant et en juxtaposant les secondes, les heures, les jours. L’image devient construction. Tout détail, du plus petit au plus grand, participe à l’élaboration d’un ensemble qui accepte la transition imparfaite, un ciel variable, l’accident gravé au sol.\r\nJe suis à présent devenu chiffonnier de l’espace sauvage en marge de la ville, suivant les traces de mes courageux éclaireurs que sont les sans-abris, que je considère des témoins et acteurs improvisés.\r\nJe cherche à stabiliser une mémoire. »','Postponed —In country','','publish','closed','closed','','in-country-2','','','2020-10-22 14:57:38','2020-10-22 18:57:38','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/in-country-2/',0,'museo_calendar_event','',0),(6819,4,'2020-09-10 10:32:39','2020-09-10 14:32:39','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\n«Dans le cadre de ma recherche sur la contamination des berges maritimes, cette résidence à Vu me permettra de poursuivre l’inventaire photographique entamé à l’été 2018. Ce sera pour moi l’occasion de tenter différents types d’assemblages et compositions numériques.\r\n\r\nParallèlement, je travaillerai à la production d’une maquette de livre d’artiste portant sur les bâtiments hôteliers délaissés.»','Postponed —Joëlle Henry residency','','publish','closed','closed','','residence-de-joelle-henry-2','','','2020-11-05 11:10:57','2020-11-05 16:10:57','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-joelle-henry-2/',0,'museo_calendar_event','',0),(6820,4,'2020-09-10 12:20:07','2020-09-10 16:20:07','<span style=\"color: #000000\"><strong>This content is only available in French.</strong></span>\r\n\r\nLe projet <em>Panorama</em> réunit les œuvres d’une vingtaine d’artistes actifs sur le territoire de la ville de Québec. Cette initiative vise à faire connaître la diversité et la richesse de la création en arts visuels, permettant une brève et inhabituelle incursion dans l’univers de ces artistes. Entourant une partie du chantier du futur CHU, la fresque de quarante images propose des dialogues et des rapprochements entre des pratiques d’artistes issus de différentes générations et communautés, aux sensibilités et parcours diversifiés, proposant ainsi un survol de la création vivante et actuelle qui anime notre territoire.\r\n\r\nPour voir le panorama, rendez-vous sur le boulevard Henri-Bourrassa, près de l\'intersection de la 22e rue!\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nRéalisé grâce au soutien financier de l’Entente de développement culturel entre la Ville de Québec et le ministère de la Culture et des Communications.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;','Panorama','','publish','closed','closed','','panorama','','','2021-05-19 11:34:03','2021-05-19 15:34:03','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/chantier/',0,'museo_calendar_event','',0),(6821,4,'2020-09-10 10:38:07','2020-09-10 14:38:07','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\r\n\r\n« Je me penche actuellement sur les questions entourant le concept de la visibilité et de la disparition de la femme dans le contexte de spectacles, démonstrations, exploits performatifs de magie du 19e siècle. L’objectif étant ici de rendre apparentes les connotations négatives d’ordre politique associées au corps féminin et de jeter un regard critique sur un objet de la culture visuelle de cette époque en faisant un parallèle évident avec le regard que l’on porte sur la femme actuellement.\r\n\r\nL’idée d’escamoter des corps féminins est déconcertante et amène une réflexion critique, lorsque liée aux enjeux actuels voulant faire taire ces femmes qui tentent tant bien que mal d’affirmer leur existence, leur expérience, leur présence, constamment soumises à la violence de se faire soustraire et oublier. Mon intérêt à explorer ce projet repose sur une volonté de contribuer à certains traits qui ont défini la photographie depuis ses débuts, soit la photographie populaire, un souci pour les pratiques narratives et le statut fluctuant de l’image, entre document et fiction. Qui plus est, c’est le sort fait aux femmes à travers une certaine photographie qui est au centre de ce projet, une prise de position qui résonne doublement avec l’actualité, celle de l’image comme preuve et celle de la présence du corps féminin sur la place publique. »','Escamotage d\'une femme / The Vanishing Woman','','publish','closed','closed','','escamotage-dune-femme-the-vanishing-woman','','','2021-05-17 14:29:09','2021-05-17 18:29:09','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/escamotage-dune-femme-the-vanishing-woman/',0,'museo_calendar_event','',0),(6823,4,'2020-09-10 11:15:19','2020-09-10 15:15:19','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nThibaut Ketterer travaille sur un projet photographique autour de son oncle, musicien professionnel de musiques savoyardes et alpines, collecteur de témoignages audio et collectionneur d’instruments traditionnels alpins depuis 1970. Ce projet rassemble des photographies réalisées par l’artiste à l\'été 2019 et des photographies d’archives. À partir de ces images, il explore la matérialité des papiers en expérimentant la broderie ainsi que le découpage, inspiré du découpage traditionnel suisse. Cette résidence lui permet également d’appréhender la dimension installative de son projet en déployant dans l’espace des reproductions d’objets en papier mâché.','Thibaut Ketterer residency','','publish','closed','closed','','thibaut-ketterer-residency','','','2021-02-18 10:55:32','2021-02-18 15:55:32','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-thibaut-ketterer/',0,'museo_calendar_event','',0),(6824,4,'2021-02-18 10:54:41','2021-02-18 15:54:41','This content is only availaible Thibaut Ketterer travaille sur un projet photographique autour de son oncle, musicien professionnel de musiques savoyardes et alpines, collecteur de témoignages audio et collectionneur d’instruments traditionnels alpins depuis 1970. Ce projet rassemble des photographies réalisées par l’artiste à l\'été 2019 et des photographies d’archives. À partir de ces images, il explore la matérialité des papiers en expérimentant la broderie ainsi que le découpage, inspiré du découpage traditionnel suisse. Cette résidence lui permet également d’appréhender la dimension installative de son projet en déployant dans l’espace des reproductions d’objets en papier mâché.','Thibaut Ketterer residency','','inherit','closed','closed','','6823-autosave-v1','','','2021-02-18 10:54:41','2021-02-18 15:54:41','',6823,'http://vuphoto.org/fr/articles/6823-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6827,4,'2020-09-16 11:24:45','2020-09-16 15:24:45','','Capture d’écran 2020-09-09 à 15.51.20 copie','','inherit','open','closed','','capture-decran-2020-09-09-a-15-51-20-copie','','','2020-09-16 11:24:45','2020-09-16 15:24:45','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-09-09-à-15.51.20-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6828,4,'2020-09-16 11:24:45','2020-09-16 15:24:45','','Capture d’écran 2020-09-09 à 15.51.20 copie','','inherit','open','closed','','capture-decran-2020-09-09-a-15-51-20-copie-2','','','2020-09-16 11:24:45','2020-09-16 15:24:45','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-09-09-à-15.51.20-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6829,4,'2020-09-10 10:45:16','2020-09-10 14:45:16','<span style=\"color: #000000\"><em>This content is only available in French.</em></span>\r\n\r\n<em>« Lovesick Boy</em> est né d’un désir de manipuler davantage l’image photographique et d’explorer les interactions entre différents médiums. Cette approche picturale tirée de la technique mixte demeure suggestive et narrative. Les collages, mixés par une variété de trouvailles de brocante comme des ouvrages des années 1800-1900, des partitions de musique antiques et bien d’autres matières hétéroclites, fusionnent ainsi différentes époques. Les photographies, détentrices premières de la facture graphique, sont puisées de sources diverses allant d’archives familiales, de photos sur plaque de verre, de découpures de journaux anciens ou bien de pièces personnelles prises analogiquement et numériquement. Cette alliance, qui marie le passé et le présent, l’oublié et le devenir, compose une narrativité navigante entre l’univers de l’amour et du deuil. »','Lovesick Boy','','publish','closed','closed','','lovesick-boy-2','','','2021-02-26 10:02:19','2021-02-26 15:02:19','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/lovesick-boy-2/',0,'museo_calendar_event','',0),(6830,4,'2020-09-10 11:39:21','2020-09-10 15:39:21','<span style=\"color: #000000\"><em>This content is only available in French.</em></span>\r\n\r\nDe la genèse de l’humanité jusqu\'à l’avènement du christianisme, les écrits judéo-chrétiens considèrent la sexualité comme l’initiatrice de presque tous les maux qui assaillent l’homme dépourvu de volonté et de sens moral (le péché originel, Sodome et Gomorrhe, la femme adultère, etc). Rien de très surprenant que la religion catholique ait démonisé la sexualité, autant dans ses écrits que dans son imagerie pieuse. Depuis des siècles, le péché s’incarne dans la chair (et ses plaisirs), tandis que le chemin de la sainteté passe par la sublimation des pulsions érotiques. L’abstinence et la négation des sens deviennent alors catalyseur de la vocation et de l’état mystique. Comment parler aujourd’hui de ces sujets qui a priori semblent découlé d’un temps révolu, mais dont on voit de plus en plus les séquelles apparaître dans nos sociétés, avec la levée de l’impunité cléricale et sa loi du silence?\r\n\r\n&nbsp;','Extase &amp; sublimation','','publish','closed','closed','','extase-et-sublimation','','','2021-03-15 10:36:36','2021-03-15 14:36:36','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-pierre-blache/',0,'museo_calendar_event','',0),(6832,4,'2020-09-10 11:43:22','2020-09-10 15:43:22','<p class=\"p1\"><span style=\"color: #000000\"><strong>This content is only available in French.</strong></span></p>\r\n<p class=\"p1\">De manière assumée, mon travail renvoie à l’histoire de la photographie. Tant par les procédés techniques utilisés, comme le sténopé, photogramme, polaroid ou appareil ancien, que par les références aux images de photographes qui ont forgé l’histoire du médium.</p>\r\n<p class=\"p1\">Le processus photographique constitue le point de départ de ma démarche. J’utilise autant la technologie numérique que les procédés argentiques, parfois l’un procédé renvoyant à l’autre, ce qui crée un terrain propice à de multiples expérimentations.</p>\r\n<p class=\"p1\">À partir de montages photographiques, je recrée des univers et mets en scène lieux et éléments naturels. C’est dans l’assemblage d’images provenant de divers moments que se retrouve le création de ces nouveaux mondes. Que ce soit à partir de photos de paysages sous-marins, de détails de nature qui m’entoure ou bien d’accidents photographiques.</p>\r\n<p class=\"p1\">S’y dégage un sentiment à la fois de vulnérabilité et de puissance de la nature. De poésie et de mystère également.</p>','Upside and Down','','publish','closed','closed','','upside-and-down','','','2020-09-30 09:54:04','2020-09-30 13:54:04','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-de-eliane-excoffier/',0,'museo_calendar_event','',0),(6833,4,'2020-09-10 11:18:18','2020-09-10 15:18:18','Annual ongoing residency for artists of Québec City.\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French</span>\r\n\r\nOn connaît bien les installations multicouches d’Éloïse Plamondon-Pagé et sa grande sensibilité pour le thème de la mémoire. Pensons simplement à son exposition <em>L’Air du temps</em> présentée à Engramme en 2018, où l’artiste nous livrait à cœur ouvert un important morceau de son histoire familiale. Depuis quelques années, elle cumule les projets de résidences à l’étranger pendant lesquels les différents contextes et cultures modèlent sa perception du monde et la forcent à repenser ses façons de créer. C’est ainsi que, parallèlement à ses recherches en estampe et en installation, elle expérimente la vidéo dans une quête de liberté. Éloïse a accumulé au fil des années des centaines de vidéos, comme autant de fragments de réalité en mouvement, qui représentent pour elle un moyen de s’ouvrir au monde, de comprendre son rapport à celui-ci et de s’ancrer sur le territoire – intime comme extérieur. La vidéo étant concrètement constituée d’une accumulation d’images photographiques, Éloïse profitera de sa résidence annuelle à VU pour enrichir sa réflexion sur le fragment, sur la séquence d’images et sur sa mise en espace, dans l’espoir de nous partager un peu de son amour du monde.\r\n\r\n&nbsp;','Annual residency','','publish','closed','closed','','annuel-residency','','','2020-10-30 11:40:31','2020-10-30 15:40:31','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/residence-annuelle/',0,'museo_calendar_event','',0),(6834,4,'2020-09-16 11:40:20','2020-09-16 15:40:20','Annual ongoing residency for artists of Québec City.','Annual residency','','inherit','closed','closed','','6833-autosave-v1','','','2020-09-16 11:40:20','2020-09-16 15:40:20','',6833,'http://vuphoto.org/fr/articles/6833-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6835,4,'2020-09-10 12:13:41','2020-09-10 16:13:41','<span style=\"color: #000000\"><em>This content is only available in French.</em></span>\r\n\r\n<em>Éclaireurs</em> propose la rencontre d’auteurs et d’artistes en art actuel du Québec autour de pratiques en relation avec le photographique. Cette initiative, en préparation depuis quelques temps, s’est concrétisée en réponse au contexte de la COVID-19 afin de rendre visible des parcours possibles entre les images.\r\n\r\nÀ lire et à voir dans la section <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/\">Pratiques photographiques</a>\r\n\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-7-tabara-korka-ndiaye-et-erika-nimis/\">Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-8-jeanne-mercier-et-emilie-regnier/\">Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-9/\">Éclaireurs 9 —Julien​ St‑Georges Tremblay et David Martineau Lachance</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-10-gilbert-turp-et-david-k-ross/\">Éclaireurs 10 —Gilbert Turp et David K. Ross</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-11-lisanne-nadeau-et-william-legare/\">Éclaireurs 11 —Lisanne Nadeau et William Légaré</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-12-lodoe-laura-and-clare-samuel/\">Éclaireuses 12 —Lodoe Laura + Clare Samuel</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-13-francois-turcot-anahita-norouzi/\">Éclaireurs 13—François Turcot + Anahita Norouzi</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-14-anne-sophie-blanchet-chun-hua-catherine-dong/\">Éclaireuses 14 —Anne-Sophie Blanchet + Chun Hua Catherine Dong</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-15-marie-andree-gill-laurence-hervieux-gosselin/\">Éclaireuses 15 —Marie-Andrée Gill + Laurence Hervieux-Gosselin</a>\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-16-carl-bergamini-jason-hendrickson/\">Éclaireurs 16 —Carl Bergamini + Jason Hendrickson</a>\r\n\r\n&nbsp;','Éclaireurs','','publish','closed','closed','','eclaireurs-2','','','2021-06-25 13:18:28','2021-06-25 17:18:28','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/eclaireurs-2/',0,'museo_calendar_event','',0),(6836,1,'2020-09-21 13:08:08','2020-09-21 17:08:08','','Order &ndash; septembre 21, 2020 @ 01:08 PM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_qA4bujKCSo9fP','commande-sep-21-2020-0508','','','2020-09-22 12:15:29','2020-09-22 16:15:29','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=6836',0,'shop_order','',4),(6837,104,'2020-09-22 11:34:51','2020-09-22 15:34:51','','','','wcm-active','open','closed','um_5f6a199b5cf02','6837','','','2024-09-10 10:35:08','2024-09-10 14:35:08','',2125,'https://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=6837',0,'wc_user_membership','',5),(6840,4,'2020-09-22 13:39:39','2020-09-22 17:39:39','','Extase &amp; sublimation','','inherit','closed','closed','','6787-autosave-v1','','','2020-09-22 13:39:39','2020-09-22 17:39:39','',6787,'http://vuphoto.org/fr/articles/6787-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6841,4,'2020-09-22 13:48:57','2020-09-22 17:48:57','','Hong Kong copie','','inherit','open','closed','','hong-kong-copie','','','2020-09-22 13:48:57','2020-09-22 17:48:57','',6787,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Hong-Kong-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6842,4,'2020-09-22 13:48:57','2020-09-22 17:48:57','','Hong Kong copie','','inherit','open','closed','','hong-kong-copie-2','','','2020-09-22 13:48:57','2020-09-22 17:48:57','',6830,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Hong-Kong-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6843,4,'2020-09-22 13:55:04','2020-09-22 17:55:04','<span style=\"color: #000000\"><em>This content is only available in French.</em></span>\n\n&nbsp;','Pierre Blache residency','','inherit','closed','closed','','6830-autosave-v1','','','2020-09-22 13:55:04','2020-09-22 17:55:04','',6830,'http://vuphoto.org/fr/articles/6830-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6844,4,'2020-09-22 15:04:54','2020-09-22 19:04:54','Des posters ont été affichés un peu partout dans les rues de Québec à l\'occasion de la prévente de la publication La fête!\r\n\r\nS’entremêlent dans la fête des actions, des gestes et des détails qui influent sur notre expérience de l’espace. La fête relève souvent d’une appropriation d’environnements divers – qu’ils soient délaissés, sous-utilisés, indéfinis, banals, domestiques ou strictement fonctionnels – propices à une dérive prospective et émancipatrice, dénuée de finalité connue. Avec tout ce que la nuit et la ville offrent de pouvoir d’exploration, la fête se crée et s’impose, occasionne des rencontres fortuites.\r\n\r\nPour en savoir plus sur la prévente cliquez <a href=\"https://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/la-fete-publication-collaborative/\">ici</a> ou <a href=\"https://vuphoto.squarespace.com/\">là</a>','La fête —affichage dans la ville','','publish','closed','closed','','la-fete-affichage-dans-la-ville','','','2020-09-22 16:51:29','2020-09-22 20:51:29','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6844',0,'museo_calendar_event','',0),(6845,4,'2020-09-22 14:48:53','2020-09-22 18:48:53','','IMG_0839copie','','inherit','open','closed','','img_0839copie','','','2020-09-22 14:48:53','2020-09-22 18:48:53','',6844,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/IMG_0839copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6846,4,'2020-09-22 14:48:53','2020-09-22 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public spaces throughout Québec City!</strong>\r\n\r\nParties are entanglements of actions, gestures, and details that influence our experience of space. The party often arises from the appropriation of various environments—neglected, underutilized, indefinite, banal, domestic, or strictly functional—that lend themselves to an emancipatory drift without a preconceived purpose. From all that night and the city offer to our capacity for exploration, the party rises up and asserts itself, occasioning fortuitous encounters.\r\n\r\nFor more, click <a href=\"https://vuphoto.org/en/calendar/event/la-fete-collaborative-publication/\">here</a> or <a href=\"https://vuphoto.squarespace.com/\">here</a>','La fête —affichage dans la ville','','publish','closed','closed','','la-fete-affichage-dans-la-ville','','','2020-09-22 16:59:02','2020-09-22 20:59:02','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/la-fete-affichage-dans-la-ville/',0,'museo_calendar_event','',0),(6878,4,'2020-09-22 16:56:57','2020-09-22 20:56:57','<strong>Posters have been installed in public spaces throughout Québec City!</strong>\n\nParties are entanglements of actions, gestures, and details that influence our experience of space. The party often arises from the appropriation of various environments—neglected, underutilized, indefinite, banal, domestic, or strictly functional—that lend themselves to an emancipatory drift without a preconceived purpose. From all that night and the city offer to our capacity for exploration, the party rises up and asserts itself, occasioning fortuitous encounters.\n\nFor mor','La fête —affichage dans la ville','','inherit','closed','closed','','6877-autosave-v1','','','2020-09-22 16:56:57','2020-09-22 20:56:57','',6877,'http://vuphoto.org/fr/articles/6877-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6879,4,'2020-09-24 08:00:25','2020-09-24 12:00:25','Retrouver goût à la vie, quand tu batailles avec tes démons. Dans de pareils moments, tu préférerais te réfugier dans ce qu’il y a de plus indiscutablement laid à tes yeux. L’humanité serait ton ennemie ; elle te voudrait le mal absolu. Perdre confiance au monde, à la bonté et à l’ouverture nécessaire à l’expérience de vivre… Heureusement, l’art peut être un levier de réconciliation entre soi et les autres, au sens large du terme. Difficile de savoir à quoi s’attendre, pourtant, lorsqu’on décide d’aller visiter une exposition. Dans un atelier du Village des Arts, à Dakar, salle de taille modeste, au soir du vernissage de l’exposition qui a accueilli la série <em>Gàncah bu naat</em> pour la première fois, je n’avais aucune idée de ce qu’évoqueraient et de ce qu’éveilleraient en moi les images qu’Érika Nimis nous proposait de voir. Tout d’un coup, mes sens se sont comme éveillés. J’ai réalisé que je m’amusais à donner des titres à ces petits tableaux qui m’ouvraient les yeux. Il s’agissait là, pour moi, de porter un nouveau regard sur la vie et sur la ville. Et si la beauté devenait une réponse activiste face à un Dakar en proie à une bétonisation accélérée ? Les arbres, alliés des humain(e)s depuis toujours, méritent aujourd’hui plus que jamais une attention particulière. J’espère que nous ne leur tournerons point le dos tant qu’ils supporteront les nôtres le temps d’une révision pour les examens, comme l’aiment si bien faire les étudiant(e)s de l’Université Cheikh Anta Diop de Dakar.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6897\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/01-3.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6899\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/02-3.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6901\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/03-1.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6903\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/04.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6905\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/05-2.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Tabara Korka Ndiaye est chercheuse indépendante et écrivaine sénégalaise. Pour la 13e biennale des arts de Dakar, elle a travaillé pour la Commission OFF. Elle est assistante en recherche à RAW Material Company. Korka a abordé la ‘présence-absence’ des femmes dans la politique au Sénégal dans l\'ouvrage collectif “Politisez-vous!”, 2017.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n///\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nHow do you find the will to live when demons are at your door? Sometimes, you hide in the places that are ugliest to you. All of humanity is your enemy, and everyone is out to get you. You lose trust in the world, in goodness, in the openness inherent to life itself... Fortunately, art can be a vector of reconciliation between the self and the other, in the broadest sense of the term. However, it’s difficult to know what to expect when we first visit an exhibition. I, for one, had no idea what Érika Nimis had in store for me as a visitor to an early version of <em>Gàncah bu naat</em>, presented in a modest studio in Dakar’s Village des Arts. But all of a sudden, my senses came alive. I realized that I had unconsciously been giving titles to these small, eye-opening images. Indeed, these works made me look at life and the cityscape differently. What if beauty could be a political act, particularly in the face of Dakar becoming a city of cement? Trees, allies of humankind since the beginning of time, now more than ever deserve our attention and love. I hope we won’t turn our backs on those who support these same backs when we are tired, like the students depicted here studying for exams at Dakar’s Cheikh Anta Diop University.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis','','publish','open','open','','eclaireuses-7-tabara-korka-ndiaye-et-erika-nimis','','','2021-09-03 10:56:47','2021-09-03 14:56:47','',0,'http://vuphoto.org/?p=6879',0,'post','',0),(6880,4,'2020-09-22 16:35:55','2020-09-22 20:35:55','','1_É. 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Perdre confiance au monde, à la bonté et à l’ouverture nécessaire à l’expérience de vivre… Heureusement, l’art peut être un levier de réconciliation entre soi et les autres, au sens large du terme. Difficile de savoir à quoi s’attendre, pourtant, lorsqu’on décide d’aller visiter une exposition. Dans un atelier du Village des Arts, à Dakar, salle de taille modeste, au soir du vernissage de l’exposition qui a accueilli la série <em>Gàncah bu naat</em> pour la première fois, je n’avais aucune idée de ce qu’évoqueraient et de ce qu’éveilleraient en moi les images qu’Érika Nimis nous proposait de voir. Tout d’un coup, mes sens se sont comme éveillés. J’ai réalisé que je m’amusais à donner des titres à ces petits tableaux qui m’ouvraient les yeux. Il s’agissait là, pour moi, de porter un nouveau regard sur la vie et sur la ville. Et si la beauté devenait une réponse activiste face à un Dakar en proie à une bétonisation accélérée ? Les arbres, alliés des humain(e)s depuis toujours, méritent aujourd’hui plus que jamais une attention particulière. J’espère que nous ne leur tournerons point le dos tant qu’ils supporteront les nôtres le temps d’une révision pour les examens, comme l’aiment si bien faire les étudiant(e)s de l’Université Cheikh Anta Diop de Dakar.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6880\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/1_É.-Nimis_Crinum_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6882\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2_Érika-Nimis_Sauge-écarlate_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6884\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/3_Érika-Nimis_Boule-de-feu_Gàncah-bu-naat_2019-1.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6886\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/4_É.-Nimis_Kapokier-rouge_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6888\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/5_É.-Nimis_Fourcroya_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Tabara Korka Ndiaye est chercheuse indépendante et écrivaine sénégalaise. Pour la 13e biennale des arts de Dakar, elle a travaillé pour la Commission OFF. Elle est assistante en recherche à RAW Material Company. Korka a abordé la ‘présence-absence’ des femmes dans la politique au Sénégal dans l\'ouvrage collectif “Politisez-vous!”, 2017.</span>','Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis','','inherit','closed','closed','','6879-revision-v1','','','2020-09-22 16:39:25','2020-09-22 20:39:25','',6879,'http://vuphoto.org/fr/articles/6879-revision-v1/',0,'revision','',0),(6891,4,'2020-09-22 16:39:52','2020-09-22 20:39:52','Retrouver goût à la vie, quand tu batailles avec tes démons. Dans de pareils moments, tu préférerais te réfugier dans ce qu’il y a de plus indiscutablement laid à tes yeux. L’humanité serait ton ennemie ; elle te voudrait le mal absolu. Perdre confiance au monde, à la bonté et à l’ouverture nécessaire à l’expérience de vivre… Heureusement, l’art peut être un levier de réconciliation entre soi et les autres, au sens large du terme. Difficile de savoir à quoi s’attendre, pourtant, lorsqu’on décide d’aller visiter une exposition. Dans un atelier du Village des Arts, à Dakar, salle de taille modeste, au soir du vernissage de l’exposition qui a accueilli la série <em>Gàncah bu naat</em> pour la première fois, je n’avais aucune idée de ce qu’évoqueraient et de ce qu’éveilleraient en moi les images qu’Érika Nimis nous proposait de voir. Tout d’un coup, mes sens se sont comme éveillés. J’ai réalisé que je m’amusais à donner des titres à ces petits tableaux qui m’ouvraient les yeux. Il s’agissait là, pour moi, de porter un nouveau regard sur la vie et sur la ville. Et si la beauté devenait une réponse activiste face à un Dakar en proie à une bétonisation accélérée ? Les arbres, alliés des humain(e)s depuis toujours, méritent aujourd’hui plus que jamais une attention particulière. J’espère que nous ne leur tournerons point le dos tant qu’ils supporteront les nôtres le temps d’une révision pour les examens, comme l’aiment si bien faire les étudiant(e)s de l’Université Cheikh Anta Diop de Dakar.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6880\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/1_É.-Nimis_Crinum_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6882\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/2_Érika-Nimis_Sauge-écarlate_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6884\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/3_Érika-Nimis_Boule-de-feu_Gàncah-bu-naat_2019-1.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6886\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/4_É.-Nimis_Kapokier-rouge_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6888\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/5_É.-Nimis_Fourcroya_Gàncah-bu-naat_2019.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Tabara Korka Ndiaye est chercheuse indépendante et écrivaine sénégalaise. Pour la 13e biennale des arts de Dakar, elle a travaillé pour la Commission OFF. Elle est assistante en recherche à RAW Material Company. Korka a abordé la ‘présence-absence’ des femmes dans la politique au Sénégal dans l\'ouvrage collectif “Politisez-vous!”, 2017.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis','','inherit','closed','closed','','6879-revision-v1','','','2020-09-22 16:39:52','2020-09-22 20:39:52','',6879,'http://vuphoto.org/fr/articles/6879-revision-v1/',0,'revision','',0),(6892,4,'2020-09-22 16:50:26','2020-09-22 20:50:26','Des posters ont été affichés un peu partout dans les rues de Québec à l\'occasion de la prévente de la publication La fête!\n\nS’entremêlent dans la fête des actions, des gestes et des détails qui influent sur notre expérience de l’espace.\n\n&nbsp;\n\nPour en savoir plus sur la prévente cliquez <a href=\"https://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/la-fete-publication-collaborative/\">ici</a> ou <a href=\"https://vuphoto.squarespace.com/\">là</a>','La fête —affichage dans la ville','','inherit','closed','closed','','6844-autosave-v1','','','2020-09-22 16:50:26','2020-09-22 20:50:26','',6844,'http://vuphoto.org/fr/articles/6844-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6893,4,'2020-09-23 10:31:12','2020-09-23 14:31:12','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-09-23 10:31:12','2020-09-23 14:31:12','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6894,4,'2020-09-23 10:32:46','2020-09-23 14:32:46','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-09-23 10:32:46','2020-09-23 14:32:46','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6895,4,'2020-09-23 12:23:35','2020-09-23 16:23:35','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-09-23 12:23:35','2020-09-23 16:23:35','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6896,4,'2020-09-23 13:42:45','2020-09-23 17:42:45','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-09-23 13:42:45','2020-09-23 17:42:45','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6897,4,'2020-09-23 14:02:47','2020-09-23 18:02:47','','01','','inherit','open','closed','','01-5','','','2020-09-23 14:02:47','2020-09-23 18:02:47','',6879,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/01-3.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6898,4,'2020-09-23 14:02:47','2020-09-23 18:02:47','','01','','inherit','open','closed','','01-5-2','','','2020-09-23 14:02:47','2020-09-23 18:02:47','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/01-3.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6899,4,'2020-09-23 14:02:51','2020-09-23 18:02:51','','02','','inherit','open','closed','','02-5','','','2020-09-23 14:02:51','2020-09-23 18:02:51','',6879,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/02-3.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6900,4,'2020-09-23 14:02:51','2020-09-23 18:02:51','','02','','inherit','open','closed','','02-5-2','','','2020-09-23 14:02:51','2020-09-23 18:02:51','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/02-3.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6901,4,'2020-09-23 14:02:57','2020-09-23 18:02:57','','03','','inherit','open','closed','','03-3','','','2020-09-23 14:02:57','2020-09-23 18:02:57','',6879,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/03-1.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6902,4,'2020-09-23 14:02:57','2020-09-23 18:02:57','','03','','inherit','open','closed','','03-3-2','','','2020-09-23 14:02:57','2020-09-23 18:02:57','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/03-1.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6903,4,'2020-09-23 14:03:02','2020-09-23 18:03:02','','04','','inherit','open','closed','','04-2','','','2020-09-23 14:03:02','2020-09-23 18:03:02','',6879,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/04.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6904,4,'2020-09-23 14:03:02','2020-09-23 18:03:02','','04','','inherit','open','closed','','04-2-2','','','2020-09-23 14:03:02','2020-09-23 18:03:02','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/04.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6905,4,'2020-09-23 14:03:06','2020-09-23 18:03:06','','05','','inherit','open','closed','','05-4','','','2020-09-23 14:03:06','2020-09-23 18:03:06','',6879,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/05-2.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6906,4,'2020-09-23 14:03:06','2020-09-23 18:03:06','','05','','inherit','open','closed','','05-4-2','','','2020-09-23 14:03:06','2020-09-23 18:03:06','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/05-2.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6907,4,'2020-09-23 14:04:40','2020-09-23 18:04:40','Retrouver goût à la vie, quand tu batailles avec tes démons. 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J’espère que nous ne leur tournerons point le dos tant qu’ils supporteront les nôtres le temps d’une révision pour les examens, comme l’aiment si bien faire les étudiant(e)s de l’Université Cheikh Anta Diop de Dakar.\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6897\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/01-3.jpg\" alt=\"\" />\nÉrika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6899\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/02-3.jpg\" alt=\"\" />\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6884\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/3_Érika-Nimis_Boule-de-feu_Gàncah-bu-naat_2019-1.jpg\" alt=\"\" />\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6903\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/04.jpg\" alt=\"\" />\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6905\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/05-2.jpg\" alt=\"\" />\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">Tabara Korka Ndiaye est chercheuse indépendante et écrivaine sénégalaise. Pour la 13e biennale des arts de Dakar, elle a travaillé pour la Commission OFF. Elle est assistante en recherche à RAW Material Company. Korka a abordé la ‘présence-absence’ des femmes dans la politique au Sénégal dans l\'ouvrage collectif “Politisez-vous!”, 2017.</span>\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis','','inherit','closed','closed','','6879-autosave-v1','','','2020-09-23 14:04:40','2020-09-23 18:04:40','',6879,'http://vuphoto.org/fr/articles/6879-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6908,4,'2020-09-23 14:05:12','2020-09-23 18:05:12','Retrouver goût à la vie, quand tu batailles avec tes démons. Dans de pareils moments, tu préférerais te réfugier dans ce qu’il y a de plus indiscutablement laid à tes yeux. L’humanité serait ton ennemie ; elle te voudrait le mal absolu. Perdre confiance au monde, à la bonté et à l’ouverture nécessaire à l’expérience de vivre… Heureusement, l’art peut être un levier de réconciliation entre soi et les autres, au sens large du terme. Difficile de savoir à quoi s’attendre, pourtant, lorsqu’on décide d’aller visiter une exposition. Dans un atelier du Village des Arts, à Dakar, salle de taille modeste, au soir du vernissage de l’exposition qui a accueilli la série <em>Gàncah bu naat</em> pour la première fois, je n’avais aucune idée de ce qu’évoqueraient et de ce qu’éveilleraient en moi les images qu’Érika Nimis nous proposait de voir. Tout d’un coup, mes sens se sont comme éveillés. J’ai réalisé que je m’amusais à donner des titres à ces petits tableaux qui m’ouvraient les yeux. Il s’agissait là, pour moi, de porter un nouveau regard sur la vie et sur la ville. Et si la beauté devenait une réponse activiste face à un Dakar en proie à une bétonisation accélérée ? Les arbres, alliés des humain(e)s depuis toujours, méritent aujourd’hui plus que jamais une attention particulière. J’espère que nous ne leur tournerons point le dos tant qu’ils supporteront les nôtres le temps d’une révision pour les examens, comme l’aiment si bien faire les étudiant(e)s de l’Université Cheikh Anta Diop de Dakar.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6897\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/01-3.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6899\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/02-3.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6901\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/03-1.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6903\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/04.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6905\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/05-2.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Tabara Korka Ndiaye est chercheuse indépendante et écrivaine sénégalaise. Pour la 13e biennale des arts de Dakar, elle a travaillé pour la Commission OFF. Elle est assistante en recherche à RAW Material Company. Korka a abordé la ‘présence-absence’ des femmes dans la politique au Sénégal dans l\'ouvrage collectif “Politisez-vous!”, 2017.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis','','inherit','closed','closed','','6879-revision-v1','','','2020-09-23 14:05:12','2020-09-23 18:05:12','',6879,'http://vuphoto.org/fr/articles/6879-revision-v1/',0,'revision','',0),(6909,4,'2021-06-25 13:14:34','2021-06-25 17:14:34','<em>Éclaireurs</em> propose la rencontre d’auteurs et d’artistes en art actuel du Québec autour de pratiques en relation avec le photographique. Cette initiative, en préparation depuis quelques temps, s’est concrétisée en réponse au contexte de la COVID-19 afin de rendre visible des parcours possibles entre les images.\n\n<em><span style=\"color: #000000\">De l’éclairage</span></em>\n<span style=\"color: #000000\">Choses rendues plus visibles non par plus </span>\n<span style=\"color: #000000\">de lumière, mais par l’angle neuf sous lequel </span>\n<span style=\"color: #000000\">je les regarde.</span>\n- Robert Bresson\n\n&nbsp;\n\nÀ lire et à voir dans la section <a href=\"http://vuphoto.org/fr/articles/\">Pratiques photographiques</a> :\n\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-7-tabara-korka-ndiaye-et-erika-nimis/\">Éclaireuses 7 —Tabara Korka Ndiaye et Érika Nimis</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-8-jeanne-mercier-et-emilie-regnier/\">Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-9/\">Éclaireurs 9 —Julien​ St‑Georges Tremblay et David Martineau Lachance</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-10-gilbert-turp-et-david-k-ross/\">Éclaireurs 10 —Gilbert Turp et David K. Ross</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-11-lisanne-nadeau-et-william-legare/\">Éclaireurs 11 —Lisanne Nadeau et William Légaré</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-12-lodoe-laura-and-clare-samuel/\">Éclaireuses 12 —Lodoe Laura + Clare Samuel</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-13-francois-turcot-anahita-norouzi/\">Éclaireurs 13 —François Turcot + Anahita Norouzi</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-14-anne-sophie-blanchet-chun-hua-catherine-dong/\">Éclaireuses 14 —Anne-Sophie Blanchet + Chun Hua Catherine Dong</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireuses-15-marie-andree-gill-laurence-hervieux-gosselin/\">Éclaireuses 15 —Marie-Andrée Gill + Laurence Hervieux-Gosselin</a>\n<a href=\"https://vuphoto.org/fr/articles/eclaireurs-16-carl-bergamini-jason-hendrickson/\">Éclaireurs 16 —Carl Bergamini + Jason Hendrickson</a>\n\n&nbsp;\n\nPour consulter les Éclaireurs précédents, <a href=\"https://vuphoto.org/fr/calendrier/evenement/eclaireurs/\">rendez-vous ici </a>','Éclaireurs','','inherit','closed','closed','','6797-autosave-v1','','','2021-06-25 13:14:34','2021-06-25 17:14:34','',6797,'http://vuphoto.org/fr/articles/6797-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6910,4,'2020-09-24 14:19:53','2020-09-24 18:19:53','','nightlife(19.09.2017)_LR copie','','inherit','open','closed','','nightlife19-09-2017_lr-copie','','','2020-09-24 14:19:53','2020-09-24 18:19:53','',6788,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/nightlife19.09.2017_LR-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6911,4,'2020-09-24 14:19:53','2020-09-24 18:19:53','','nightlife(19.09.2017)_LR copie','','inherit','open','closed','','nightlife19-09-2017_lr-copie-2','','','2020-09-24 14:19:53','2020-09-24 18:19:53','',6832,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/nightlife19.09.2017_LR-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6912,4,'2020-09-24 14:20:35','2020-09-24 18:20:35','<p class=\"p1\">De manière assumée, mon travail renvoie à l’histoire de la photographie. Tant par les procédés techniques utilisés, comme le sténopé, photogramme, polaroid ou appareil ancien, que par les références aux images de photographes qui ont forgé l’histoire du médium.</p>\n<p class=\"p1\">Le processus photographique constitue le point de départ de ma démarche. J’utilise autant la technologie numérique que les procédés argentiques, parfois l’un procédé renvoyant à l’autre, ce qui crée un terrain propice à de multiples expérimentations.</p>\n<p class=\"p1\">À partir de montages photographiques, je recrée des univers et mets en scène lieux et éléments naturels. C’est dans l’assemblage d’images provenant de divers moments que se retrouve le création de ces nouveaux mondes. Que ce soit à partir de photos de paysages sous-marins, de détails de nature qui m’entoure ou bien d’accidents photographiques. S’y dégage un sentiment à la fois de vulnérabilité et de puissance de la nature. De poésie et de mystère également.</p>','Résidence de Éliane Excoffier','','inherit','closed','closed','','6788-autosave-v1','','','2020-09-24 14:20:35','2020-09-24 18:20:35','',6788,'http://vuphoto.org/fr/articles/6788-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6913,4,'2020-09-24 14:28:47','2020-09-24 18:28:47','<p class=\"p1\">De manière assumée, mon travail renvoie à l’histoire de la photographie. Tant par les procédés techniques utilisés, comme le sténopé, photogramme, polaroid ou appareil ancien, que par les références aux images de photographes qui ont forgé l’histoire du médium.</p>\n<p class=\"p1\">Le processus photographique constitue le point de départ de ma démarche. J’utilise autant la technologie numérique que les procédés argentiques, parfois l’un procédé renvoyant à l’autre, ce qui crée un terrain propice à de multiples expérimentations.</p>\n<p class=\"p1\">À partir de montages photographiques, je recrée des univers et mets en scène lieux et éléments naturels. 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De poésie et de mystère également.</p>','Éliane Excoffier residency','','inherit','closed','closed','','6832-autosave-v1','','','2020-09-24 14:28:47','2020-09-24 18:28:47','',6832,'http://vuphoto.org/fr/articles/6832-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6914,4,'2020-09-29 10:23:39','2020-09-29 14:23:39','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-09-29 10:23:39','2020-09-29 14:23:39','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6915,4,'2020-09-29 13:39:02','2020-09-29 17:39:02','Le projet <em>Panorama</em> réunit les œuvres d’une vingtaine d’artistes actifs sur le territoire de la ville de Québec. Cette initiative vise à faire connaître la diversité et la richesse de la création en arts visuels, permettant une brève et inhabituelle incursion dans l’univers de ces artistes. Entourant une partie du chantier du futur CHU, la fresque de quarante images propose des dialogues et des rapprochements entre des pratiques d’artistes issus de différentes générations et communautés, aux sensibilités et parcours diversifiés, proposant ainsi un survol de la création vivante et actuelle qui anime notre territoire.\n\nPour voir le panorama, rendez-vous sur le boulevard Henri-Bourrassa, près de l\'intersection de la 22e rue!\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\nRéalisé grâce au soutien financier de l’Entente de développement culturel entre la Ville de Québec et le ministère de la Culture et des Communications.','Panorama','','inherit','closed','closed','','6800-autosave-v1','','','2020-09-29 13:39:02','2020-09-29 17:39:02','',6800,'http://vuphoto.org/fr/articles/6800-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6916,4,'2020-09-29 12:47:40','2020-09-29 16:47:40','','logo monolino','','inherit','open','closed','','logo-monolino','','','2020-09-29 12:47:40','2020-09-29 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Cette initiative vise à faire connaître la diversité et la richesse de la création en arts visuels, permettant une brève et inhabituelle incursion dans l’univers de ces artistes. Entourant une partie du chantier du futur CHU, la fresque de quarante images propose des dialogues et des rapprochements entre des pratiques d’artistes issus de différentes générations et communautés, aux sensibilités et parcours diversifiés, proposant ainsi un survol de la création vivante et actuelle qui anime notre territoire.\n\nPour voir le panorama, rendez-vous sur le boulevard Henri-Bourrassa, près de l\'intersection de la 22e rue!\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\nRéalisé grâce au soutien financier de l’Entente de développement culturel entre la Ville de Québec et le ministère de la Culture et des Communications.\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;','Chantier','','inherit','closed','closed','','6820-autosave-v1','','','2020-09-29 15:39:45','2020-09-29 19:39:45','',6820,'http://vuphoto.org/fr/articles/6820-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6964,4,'2020-09-30 09:57:26','2020-09-30 13:57:26','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-09-30 09:57:26','2020-09-30 13:57:26','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6965,4,'2020-09-30 09:58:34','2020-09-30 13:58:34','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-09-30 09:58:34','2020-09-30 13:58:34','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6966,4,'2020-09-30 09:59:39','2020-09-30 13:59:39','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-09-30 09:59:39','2020-09-30 13:59:39','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6967,4,'2020-09-10 12:05:38','2020-09-10 16:05:38','<span style=\"color: #000000\"><em>This content is only available in French.</em></span>\r\n\r\n<em>Assemblages</em><em> 4</em> est le quatrième atelier collectif de création de maquettes de livres photo.\r\n\r\nPour <em>Assemblages 4</em>, Nathalie Dion et Anahita Norouzi se partageront un espace de création de maquettes de livres photo, où se jouent dans la durée différents processus d’écriture et mises en relation à partir d’images. Leurs recherches individuelles se déploieront autour d’une table et sur les murs, et l’espace partagé leur permettra de dialoguer autour de leurs processus de travail. <em>Assemblages 4</em> souhaite ainsi réfléchir à ce que permet l’échange entre artistes, et sur la façon dont les photographies elles-mêmes se parlent, se contaminent, pour enfin trouver une voix bien à elles.\r\n\r\nÀ l\'occasion d\'Assemblages 4, une formation sur sur la microédition pour petits livres ou petits budgets aura lieu en ligne. La classe de maître avec Emmanuelle Léonard aura quant à elle lieu lorsque les conditions le permettront.\r\nPlus de détails et inscriptions à venir.\r\n\r\n<em>Assemblages</em> est un projet imaginé à partir d’une idée d’Alexandre Berthier.\r\n*La participation de Catherine Canac-Marquis annoncée lors du lancement de notre programmation a été reportée à l\'année prochaine.\r\n\r\n&nbsp;','Assemblages 4','','publish','closed','closed','','assemblages-4','','','2020-11-11 10:33:09','2020-11-11 15:33:09','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/assemblages-4/',0,'museo_calendar_event','',0),(6968,4,'2020-10-01 10:08:23','2020-10-01 14:08:23','<h2><span style=\"color: #000000\">Atelier en argentique avec Charles-Frédérick Ouellet</span></h2>\r\nVU offre dans ses espaces de production un atelier en chambre noire qui sera donné par notre coordonateur artistique de la production, Charles-Frédérick Ouellet, artiste dont les oeuvres font souvent ressortir les caractéristiques matérielles propres à l\'argentique.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>L\'atelier</strong></span>\r\n\r\nCet atelier d\'une durée de 10 heures sera divisée en deux volets de 5 heures chacun et clôturé par un moment d\'échange entre les participants. Lors de ces deux journées seront abordées les différentes étapes depuis la réalisation de planches contacts à l\'impression d\'un tirage de lecture, et aussi d\'autres approches matérielles du médium et d\'autres finalités de l\'image imprimée, différentes des possibilités qu\'offre le numérique. Le but est d\'amener les participants à créer une courte série d\'images.\r\n\r\nLe contenu de l\'atelier comprendra :\r\n\r\n-Introduction à la pratique de la chambre noire à l\'ère du numérique ;\r\n-Présentation de diverses techniques d\'impression en chambre noire ;\r\n-Technique avancée pour la réalisation d\'un tirage argentique ;\r\n-Approches de diverses méthodes expérimentales (surimpression, solarisation, photogramme...) ;\r\n-Expérimentation avec divers papiers.\r\n\r\nCet atelier s\'adresse à un public déjà initié à la chambre noire et qui désire parfaire ses connaissances techniques et historiques du médium. Les participants devront apporter leurs films 35mm, 120mm ou 4x5 déjà développés, en noir et blanc.\r\n\r\nIl se déroulera dans les laboratoires de VU, le vendredi 6 décembre de 12h à 17h et le samedi 7 décembre de 10h à 15h, et sera suivi d\'une discussion et présentation des travaux entre participants à partir de 15h.\r\n\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Tarif et modalités d\'inscription</strong></span>\r\n\r\nLe coût de l\'atelier est de <strong>125 $ </strong>et les participants devront être membres en règle de VU au moment de la l\'atelier.\r\n\r\nÀ noter que les frais d\'inscription incluent :\r\n-le papier photosensible ;\r\n-les chimies ;\r\n-une journée de location du laboratoire argentique, à utiliser suite à la formation, avant le mois de mars 2020.\r\n\r\nPour travailler dans des conditions optimales, l\'atelier est ouvert à 4 personnes maximum.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Pour vous inscrire, merci d\'adresser un courriel à </strong><a style=\"color: #000000\" href=\"http://production@vuphoto.org/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">production</a><a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">@vuphoto.org</a></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;','De la chambre noire à la chambre claire','','publish','closed','closed','','de-la-chambre-noire-a-la-chambre-claire','','','2020-10-01 10:08:23','2020-10-01 14:08:23','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6968',0,'museo_calendar_event','',0),(6969,4,'2020-10-01 10:07:48','2020-10-01 14:07:48','','chambre noire','','inherit','open','closed','','chambre-noire','','','2020-10-01 10:07:48','2020-10-01 14:07:48','',6968,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/chambre-noire.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6970,4,'2020-10-01 10:07:48','2020-10-01 14:07:48','','chambre noire','','inherit','open','closed','','chambre-noire-2','','','2020-10-01 10:07:48','2020-10-01 14:07:48','',6971,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/chambre-noire.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6971,4,'2020-10-01 10:08:23','2020-10-01 14:08:23','<span style=\"color: #000000\"><strong>This content is only available in French.</strong></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n<h2><span style=\"color: #000000\">Atelier en argentique avec Charles-Frédérick Ouellet</span></h2>\r\nVU offre dans ses espaces de production un atelier en chambre noire qui sera donné par notre coordonateur artistique de la production, Charles-Frédérick Ouellet, artiste dont les oeuvres font souvent ressortir les caractéristiques matérielles propres à l\'argentique.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>L\'atelier</strong></span>\r\n\r\nCet atelier d\'une durée de 10 heures sera divisée en deux volets de 5 heures chacun et clôturé par un moment d\'échange entre les participants. Lors de ces deux journées seront abordées les différentes étapes depuis la réalisation de planches contacts à l\'impression d\'un tirage de lecture, et aussi d\'autres approches matérielles du médium et d\'autres finalités de l\'image imprimée, différentes des possibilités qu\'offre le numérique. Le but est d\'amener les participants à créer une courte série d\'images.\r\n\r\nLe contenu de l\'atelier comprendra :\r\n\r\n-Introduction à la pratique de la chambre noire à l\'ère du numérique ;\r\n-Présentation de diverses techniques d\'impression en chambre noire ;\r\n-Technique avancée pour la réalisation d\'un tirage argentique ;\r\n-Approches de diverses méthodes expérimentales (surimpression, solarisation, photogramme...) ;\r\n-Expérimentation avec divers papiers.\r\n\r\nCet atelier s\'adresse à un public déjà initié à la chambre noire et qui désire parfaire ses connaissances techniques et historiques du médium. Les participants devront apporter leurs films 35mm, 120mm ou 4x5 déjà développés, en noir et blanc.\r\n\r\nIl se déroulera dans les laboratoires de VU, le vendredi 6 décembre de 12h à 17h et le samedi 7 décembre de 10h à 15h, et sera suivi d\'une discussion et présentation des travaux entre participants à partir de 15h.\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Tarif et modalités d\'inscription</strong></span>\r\n\r\nLe coût de l\'atelier est de <strong>125 $ </strong>et les participants devront être membres en règle de VU au moment de la l\'atelier.\r\n\r\nÀ noter que les frais d\'inscription incluent :\r\n-le papier photosensible ;\r\n-les chimies ;\r\n-une journée de location du laboratoire argentique, à utiliser suite à la formation, avant le mois de mars 2020.\r\n\r\nPour travailler dans des conditions optimales, l\'atelier est ouvert à 4 personnes maximum.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Pour vous inscrire, merci d\'adresser un courriel à </strong><a style=\"color: #000000\" href=\"http://production@vuphoto.org/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">production</a><a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">@vuphoto.org</a></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;','De la chambre noire à la chambre claire','','publish','closed','closed','','de-la-chambre-noire-a-la-chambre-claire','','','2020-10-01 10:17:58','2020-10-01 14:17:58','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/de-la-chambre-noire-a-la-chambre-claire/',0,'museo_calendar_event','',0),(6972,4,'2020-10-01 10:17:35','2020-10-01 14:17:35','<span style=\"color: #000000\"><strong>This content is only available in French.</strong></span>\n\n&nbsp;\n<h2><span style=\"color: #000000\">Atelier en argentique avec Charles-Frédérick Ouellet</span></h2>\nVU offre dans ses espaces de production un atelier en chambre noire qui sera donné par notre coordonateur artistique de la production, Charles-Frédérick Ouellet, artiste dont les oeuvres font souvent ressortir les caractéristiques matérielles propres à l\'argentique.\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>L\'atelier</strong></span>\n\nCet atelier d\'une durée de 10 heures sera divisée en deux volets de 5 heures chacun et clôturé par un moment d\'échange entre les participants. Lors de ces deux journées seront abordées les différentes étapes depuis la réalisation de planches contacts à l\'impression d\'un tirage de lecture, et aussi d\'autres approches matérielles du médium et d\'autres finalités de l\'image imprimée, différentes des possibilités qu\'offre le numérique. Le but est d\'amener les participants à créer une courte série d\'images.\n\nLe contenu de l\'atelier comprendra :\n\n-Introduction à la pratique de la chambre noire à l\'ère du numérique ;\n-Présentation de diverses techniques d\'impression en chambre noire ;\n-Technique avancée pour la réalisation d\'un tirage argentique ;\n-Approches de diverses méthodes expérimentales (surimpression, solarisation, photogramme...) ;\n-Expérimentation avec divers papiers.\n\nCet atelier s\'adresse à un public déjà initié à la chambre noire et qui désire parfaire ses connaissances techniques et historiques du médium. Les participants devront apporter leurs films 35mm, 120mm ou 4x5 déjà développés, en noir et blanc.\n\nIl se déroulera dans les laboratoires de VU, le vendredi 6 décembre de 12h à 17h et le samedi 7 décembre de 10h à 15h, et sera suivi d\'une discussion et présentation des travaux entre participants à partir de 15h.\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Tarif et modalités d\'inscription</strong></span>\n\nLe coût de l\'atelier est de <strong>125 $ </strong>et les participants devront être membres en règle de VU au moment de la l\'atelier.\n\nÀ noter que les frais d\'inscription incluent :\n-le papier photosensible ;\n-les chimies ;\n-une journée de location du laboratoire argentique, à utiliser suite à la formation, avant le mois de mars 2020.\n\nPour travailler dans des conditions optimales, l\'atelier est ouvert à 4 personnes maximum.\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Pour vous inscrire, merci d\'adresser un courriel à </strong><a style=\"color: #000000\" href=\"http://production@vuphoto.org/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">production</a><a style=\"color: #000000\" href=\"mailto:production@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\">@vuphoto.org</a></span>\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;','De la chambre noire à la chambre claire','','inherit','closed','closed','','6971-autosave-v1','','','2020-10-01 10:17:35','2020-10-01 14:17:35','',6971,'http://vuphoto.org/fr/articles/6971-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6973,4,'2020-10-01 10:34:46','2020-10-01 14:34:46','<span style=\"color: #000000\">—Journée d’échange sur les relations entre photographie et patrimoine</span>\n<span style=\"color: #000000\">Intervenants : Roxanne Arsenault et Caroline Dubuc, Sébastien Hudon, Maxime Coulombe, Maryse Goudreau, Jacynthe Carrier et L\'orchestre d\'hommes-orchestres, Vivian Labrie et Gabrielle Larocque</span>\n<span style=\"color: #000000\">Modérateurs : David N. Bernatchez et Véronique Isabelle</span>\n\nCette journée d’échange coïncide avec le lancement de la publication découlant du projet <em><a href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/residence/topographies/\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\" data-cke-saved-href=\"http://vuphoto.org/fr/calendrier/residence/topographies/\">Topographies</a></em> qui regroupait l’automne dernier sept artistes invités à arpenter différents arrondissements de la ville de Québec. Entre les gens, les lieux et les mémoires, leurs recherches photographiques témoignent d’architectures, d’espaces et de rencontres ; elles évoquent une ville où l’on vivait et vit encore. Pour cette journée d’échange, se joignent à eux différents intervenants dont les réflexions viendront enrichir et alimenter celles soulevées par le projet.\n\n<span style=\"color: #000000\">Programmation complète</span>\n\n12 h 30.  Mot de bienvenue et présentation du projet <em>Topographies\n</em>-David N. Bernatchez (artiste-chercheur invité pour <em>Topographies</em>)\n-Véronique Isabelle (coordonnatrice de <em>Topographies</em>)\n\n13 h. Inventorier, collectionner, archiver\n-Roxanne Arsenault et Caroline Dubuc (instigatrices du répertoire du patrimoine kitch du Québec)\n-Sébastien Hudon (historien de l’art et commissaire indépendant)\n-Maryse Goudreau (artiste, cinéaste et chercheuse indépendante)\n\n15 h. Retracer, raconter, remémorer\n-Maxime Coulombe (sociologue et historien de l\'art, professeur à l’Université Laval)\n-Jacynthe Carrier et L\'orchestre d\'hommes-orchestres\n-Vivian Labrie (chercheure indépendante et militante activiste)\n\n17 h. Lancement de la publication <em>Topographies </em>avec une intervention de Gabrielle Larocque (candidate au doctorat en muséologie, médiation et patrimoine vivant) suivi d’un échange avec les artistes de <em>Topographies</em>\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">—<em>Topographies</em></span>\n<span style=\"color: #000000\">Édition spéciale</span>\n<span style=\"color: #000000\">Guillaume D. Cyr, Simon Elmaleh, Audrey Lahaie, Florence Le Blanc, Renaud Philippe, Michel Teharihulen Savard et David N. Bernatchez</span>\n\nCette édition spéciale <em>Topographies</em> regroupe les investigations photographiques que les artistes ont réalisé dans la ville de Québec à l\'automne 2019. À mi-chemin entre le parcours et le reportage, <em>Topographies</em> est le résultat de leurs passages dans Wendake, Sainte-Foy, Saint-Sauveur, Vanier, Beauport et Val-Bélair. L’artiste-chercheur David N. Bernatchez a quant à lui réalisé une proposition qui a su regrouper et relier toutes ces explorations dans ce journal.\n\n&nbsp;','Cette fragilité qui nous rassemble : journée d’échange et lancement','','inherit','closed','closed','','5922-autosave-v1','','','2020-10-01 10:34:46','2020-10-01 14:34:46','',5922,'http://vuphoto.org/fr/articles/5922-autosave-v1/',0,'revision','',0),(6974,4,'2020-10-01 11:03:36','2020-10-01 15:03:36','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-10-01 11:03:36','2020-10-01 15:03:36','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(6975,4,'2020-10-01 11:34:45','2020-10-01 15:34:45','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-10-01 11:34:45','2020-10-01 15:34:45','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(6976,4,'2020-10-01 16:14:46','0000-00-00 00:00:00','VU lançait ce printemps son second appel de maquettes avec, entre autres, l’objectif d\'offrir deux bourses d’accompagnement pour la réalisation de projets de livres photographiques.\n\nJean-François Hamelin reçoit la bourse de soutien au développement pour son projet Hutton ou la fin des terres, et Mélissa Pilon reçoit la bourse de parrainage pour son projet Foules.\n\n&nbsp;','Bourses en édition','','draft','closed','closed','','','','','2020-10-01 16:14:46','2020-10-01 20:14:46','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6976',0,'museo_calendar_event','',0),(6977,4,'2020-10-01 16:16:19','2020-10-01 20:16:19','','Mélissa Pilon','','publish','closed','closed','','melissa-pilon','','','2020-10-01 16:16:19','2020-10-01 20:16:19','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=6977',0,'museo_artist','',0),(6978,4,'2020-10-01 16:34:04','2020-10-01 20:34:04','VU lançait ce printemps son second appel de maquettes avec, entre autres, l’objectif d\'offrir deux bourses d’accompagnement pour la réalisation de projets de livres photographiques.\r\n\r\nC\'est Jean-François Hamelin reçoit la bourse de soutien au développement pour son projet Hutton ou la fin des terres, et Mélissa Pilon reçoit la bourse de parrainage pour son projet Foules.\r\n\r\n(détails plus bas)\r\n\r\n&nbsp;','Bourses en édition','','publish','closed','closed','','bourses-en-edition','','','2020-10-02 11:40:16','2020-10-02 15:40:16','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6978',0,'museo_calendar_event','',0),(6979,4,'2020-10-01 16:28:05','2020-10-01 20:28:05','','jfhamelin','','inherit','open','closed','','jfhamelin','','','2020-10-01 16:28:05','2020-10-01 20:28:05','',6978,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/jfhamelin.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6980,4,'2020-10-01 16:28:05','2020-10-01 20:28:05','','jfhamelin','','inherit','open','closed','','jfhamelin-2','','','2020-10-01 16:28:05','2020-10-01 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la bourse de parrainage pour son projet Foules.\r\n\r\n(détails plus bas)\r\n\r\n&nbsp;','Bourses en édition','','publish','closed','closed','','bourses-en-edition','','','2020-10-07 17:01:18','2020-10-07 21:01:18','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/bourses-en-edition/',0,'museo_calendar_event','',0),(6994,4,'2020-10-02 14:07:33','2020-10-02 18:07:33','','Jeffrey Poirier','','publish','closed','closed','','jeffrey-poirier','','','2020-10-02 14:07:33','2020-10-02 18:07:33','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_artist&#038;p=6994',0,'museo_artist','',0),(6995,4,'2020-10-07 15:59:50','2020-10-07 19:59:50','Construire des ponts est un projet de médiation qui a impliqué les jeunes (17) de la classe de francisation de l’école Saint-Malo et un groupe d’aînés (12) du centre amical Basse-ville, auquel a collaboré VU, ainsi que La Bande Vidéo, le chef de chorale Ludovic Dubé et le vidéaste Jepherson Guillaume. Idéalisé par l’enseignante Nancy Fall, ce projet souhaite construire des ponts entre les cultures et les générations en initiant des rencontres à partir de la musique, de la danse, de la photographie et aussi de la vidéo, en partant de l’idée que les ainés et les jeunes nouveaux-arrivants avaient beaucoup plus de choses en commun qu’on pourrait le croire… C’est donc avec l’appui de la Ville de Québec que VU a réalisé une série d’ateliers développés avec les artistes médiatrices Débora Flor, ainsi que Caroline Dupont qui est venue en cours de route remplacer Delphine Egesborg. Ce projet a été possible grâce aussi au travail de Marie-Josée Cormier, intervenante sociale au service amical Basse-ville, de Marianne Dubé, enseignante.\r\n\r\nDébutés en janvier 2020, les ateliers offerts par VU ont exploré le médium photographique comme moyen de rencontre et d’échange entre les jeunes et les aînés à travers les portraits, les histoires, les mémoires et les gestes. Suite au confinement, toute l’équipe du projet a réuni ses forces pour retisser les liens qui avaient été coupés brusquement et a su donner au projet diverses formes, telles que la série des portraits métissés et remixés, <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=OJQZocXUgis\">le vidéoclip Toujours Vivant</a> ainsi que <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=hKxmHrNH458&amp;t=28s&amp;fbclid=IwAR0cM8Y4ugxNq66pSnmpZWOliy0wq-8TEaLiV0wLgNd0zhdu_sT9-hkvGxw\">le documentaire Construire des ponts</a>, qui propose une importante réflexion sur la place que nous construisons pour les aînés et les nouveaux arrivants au coeur de notre société.','Construire des ponts','','publish','closed','closed','','construire-des-ponts','','','2020-10-14 15:55:16','2020-10-14 19:55:16','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=6995',0,'museo_calendar_event','',0),(6996,4,'2020-10-07 15:49:11','2020-10-07 19:49:11','','construire des ponts','','inherit','open','closed','','construire-des-ponts','','','2020-10-07 15:49:11','2020-10-07 19:49:11','',6995,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construire-des-ponts-.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6997,4,'2020-10-07 15:49:11','2020-10-07 19:49:11','','construire des ponts','','inherit','open','closed','','construire-des-ponts-2','','','2020-10-07 15:49:11','2020-10-07 19:49:11','',7032,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construire-des-ponts-.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6998,4,'2020-10-07 15:51:38','2020-10-07 19:51:38','','construire des ponts 3','','inherit','open','closed','','construire-des-ponts-3','','','2020-10-07 15:51:38','2020-10-07 19:51:38','',6995,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construire-des-ponts-3.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(6999,4,'2020-10-07 15:51:38','2020-10-07 19:51:38','','construire des ponts 3','','inherit','open','closed','','construire-des-ponts-3-2','','','2020-10-07 15:51:38','2020-10-07 19:51:38','',7032,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construire-des-ponts-3.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7000,4,'2020-10-07 15:51:58','2020-10-07 19:51:58','','construire des ponts 2','','inherit','open','closed','','construire-des-ponts-2','','','2020-10-07 15:51:58','2020-10-07 19:51:58','',6995,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construire-des-ponts-2.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7001,4,'2020-10-07 15:51:58','2020-10-07 19:51:58','','construire des ponts 2','','inherit','open','closed','','construire-des-ponts-2-2','','','2020-10-07 15:51:58','2020-10-07 19:51:58','',7032,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/construire-des-ponts-2.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7002,4,'2020-10-07 15:55:25','2020-10-07 19:55:25','','01 Atelier janvier 2020 centre amical basse-ville - 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Idéalisé par l’enseignante Nancy Fall, ce projet souhaite construire des ponts entre les cultures et les générations en initiant des rencontres à partir de la musique, de la danse, de la photographie et aussi de la vidéo, en partant de l’idée que les ainés et les jeunes nouveaux-arrivants avaient beaucoup plus de choses en commun qu’on pourrait le croire… C’est donc avec l’appui de la Ville de Québec que VU a réalisé une série d’ateliers développés avec les artistes médiatrices Débora Flor, ainsi que Caroline Dupont qui est venue en cours de route remplacer Delphine Egesborg. Ce projet a été possible grâce aussi au travail de Marie-Josée Cormier, intervenante sociale au service amical Basse-ville, de Marianne Dubé, enseignante.\r\n\r\nDébutés en janvier 2020, les ateliers offerts par VU ont exploré le médium photographique comme moyen de rencontre et d’échange entre les jeunes et les aînés à travers les portraits, les histoires, les mémoires et les gestes. Suite au confinement, toute l’équipe du projet a réuni ses forces pour retisser les liens qui avaient été coupés brusquement et a su donner au projet diverses formes, telles que la série des portraits métissés et remixés, <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=OJQZocXUgis\">le vidéoclip Toujours Vivant</a> ainsi que <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=hKxmHrNH458&amp;t=28s&amp;fbclid=IwAR0cM8Y4ugxNq66pSnmpZWOliy0wq-8TEaLiV0wLgNd0zhdu_sT9-hkvGxw\">le documentaire Construire des ponts</a>, qui propose une importante réflexion sur la place que nous construisons pour les aînés et les nouveaux arrivants au coeur de notre société.','Construire des ponts','','publish','closed','closed','','construire-des-ponts','','','2020-10-14 16:04:04','2020-10-14 20:04:04','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/construire-des-ponts/',0,'museo_calendar_event','',0),(7033,4,'2020-10-13 17:03:15','2020-10-13 21:03:15','<span style=\"color: #000000\"><strong>Date de tombée : 15 novembre</strong></span>\r\n\r\nPar ce nouvel appel, VU souhaite soutenir encore davantage la création et les réalisations de ses membres. Le programme de coproduction vise à mettre à disposition les équipements spécialisés du centre de production afin de soutenir les artistes dans l’avancée de leurs projets. Les projets nécessitant l’utilisation du matériel de prise de vue, les numériseurs, les logiciels de post production ou l’accès à un espace de travail peuvent faire l’objet d’une demande de coproduction.  La demande doit faire état des besoins de l’artiste pour bien mener à terme son projet. Une ébauche de calendrier de production doit aussi être inclus dans la proposition. Les membres sont invités à déposer un dossier qui sera évalué par comité interne.  Les projets acceptés vont bénéficier d’un pourcentage de rabais de 95% du tarif de location de l’équipement.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<strong><span style=\"color: #000000\">Date de dépôt</span> </strong>\r\n2 dates de dépôt par année, 15 novembre 2020 et 15 mars 2021\r\n4 projets par année seront acceptés\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Projet</strong></span>\r\nDécrivez votre projet dans les grandes lignes en spécifiant comment le centre peut vous accompagner dans la production de celui-ci. Les projets de nature photographique nécessitant l’utilisation de nos équipements tant de prise de vue que de post production seront favorisés.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Documents requis\r\n</strong></span>Description du projet, maximum 500 mots (précisez vos besoins) ;\r\nDémarche artistique, maximum 500 mots ;\r\nCalendrier de production ;\r\nCurriculum vitae, maximum 3 pages ;\r\nDossier visuel, maximum 25 images.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Pour envoyer vos dossiers :\r\n</strong></span>par voie numérique via courriel ou WeTransfer à l’adresse <a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\" data-cke-saved-href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">appels@vuphoto.org</a>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Matériel disponible </strong></span>\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7039\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.14.33.png\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;','Appel de projets de coproduction ','','publish','closed','closed','','appels-de-projet-de-coproduction','','','2020-10-14 12:03:55','2020-10-14 16:03:55','',0,'http://vuphoto.org/?post_type=museo_calendar_event&#038;p=7033',0,'museo_calendar_event','',0),(7034,4,'2020-10-13 17:02:44','2020-10-13 21:02:44','','normandbertrand copie','','inherit','open','closed','','normandbertrand-copie','','','2020-10-13 17:02:44','2020-10-13 21:02:44','',7033,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/normandbertrand-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7035,4,'2020-10-13 17:02:44','2020-10-13 21:02:44','','normandbertrand copie','','inherit','open','closed','','normandbertrand-copie-2','','','2020-10-13 17:02:44','2020-10-13 21:02:44','',7042,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/normandbertrand-copie.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7036,4,'2020-10-13 17:32:56','2020-10-13 21:32:56','<span style=\"color: #000000\"><strong>Date de tombée : 15 novembre</strong></span>\n\nPar ce nouvel appel, VU souhaite soutenir encore davantage la création et les réalisations de ses membres. Le programme de coproduction vise à mettre à disposition les équipements spécialisés du centre de production afin de soutenir les artistes dans l’avancée de leurs projets. Les projets nécessitant l’utilisation du matériel de prise de vue, les numériseurs, les logiciels de post production ou l’accès à un espace de travail peuvent faire l’objet d’une demande de coproduction.  La demande doit faire état des besoins de l’artiste pour bien mener à terme son projet. Une ébauche de calendrier de production doit aussi être inclus dans la proposition. Les membres sont invités à déposer un dossier qui sera évalué par comité interne.  Les projets acceptés vont bénéficier d’un pourcentage de rabais de 95% du tarif de location de l’équipement.\n\n&nbsp;\n\n<strong><span style=\"color: #000000\">Date de dépôt</span> </strong>\n2 dates de dépôt par année, 15 novembre 2020 et 15 mars 2021\n4 projets par année seront acceptés\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Projet</strong></span>\nDécrivez votre projet dans les grandes lignes en spécifiant comment le centre peut vous accompagner dans la production de celui-ci. Les projets de nature photographique nécessitant l’utilisation de nos équipements tant de prise de vue que de post production seront favorisés.\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Documents requis\n</strong></span>Description du projet, maximum 500 mots (précisez vos besoins) ;\nDémarche artistique, maximum 500 mots ;\nCalendrier de production ;\nCurriculum vitae, maximum 3 pages ;\nDossier visuel, maximum 25 images.\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Pour envoyer vos dossiers :\n</strong></span>par voie numérique via courriel ou WeTransfer à l’adresse <a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\" data-cke-saved-href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">appels@vuphoto.org</a>\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Matériel disponible </strong></span>\n\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7039\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.14.33.png\" alt=\"\" />\n\n&nbsp;','Appel de projets de coproduction ','','inherit','closed','closed','','7033-autosave-v1','','','2020-10-13 17:32:56','2020-10-13 21:32:56','',7033,'http://vuphoto.org/fr/articles/7033-autosave-v1/',0,'revision','',0),(7037,4,'2020-10-13 17:10:30','2020-10-13 21:10:30','','Capture d’écran 2020-10-13 à 17.09.43','','inherit','open','closed','','capture-decran-2020-10-13-a-17-09-43','','','2020-10-13 17:10:30','2020-10-13 21:10:30','',7033,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.09.43.png',0,'attachment','image/png',0),(7038,4,'2020-10-13 17:10:30','2020-10-13 21:10:30','','Capture d’écran 2020-10-13 à 17.09.43','','inherit','open','closed','','capture-decran-2020-10-13-a-17-09-43-2','','','2020-10-13 17:10:30','2020-10-13 21:10:30','',7042,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.09.43.png',0,'attachment','image/png',0),(7039,4,'2020-10-13 17:15:08','2020-10-13 21:15:08','','Capture d’écran 2020-10-13 à 17.14.33','','inherit','open','closed','','capture-decran-2020-10-13-a-17-14-33','','','2020-10-13 17:15:08','2020-10-13 21:15:08','',7033,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.14.33.png',0,'attachment','image/png',0),(7040,4,'2020-10-13 17:15:08','2020-10-13 21:15:08','','Capture d’écran 2020-10-13 à 17.14.33','','inherit','open','closed','','capture-decran-2020-10-13-a-17-14-33-2','','','2020-10-13 17:15:08','2020-10-13 21:15:08','',7042,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.14.33.png',0,'attachment','image/png',0),(7041,4,'2020-10-14 12:56:32','2020-10-14 16:56:32','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-10-14 12:56:32','2020-10-14 16:56:32','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(7042,4,'2020-10-13 17:03:15','2020-10-13 21:03:15','<span style=\"color: #000000\"><strong>This content is only available in French</strong></span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Date de tombée : 15 novembre</strong></span>\r\n\r\nPar ce nouvel appel, VU souhaite soutenir encore davantage la création et les réalisations de ses membres. Le programme de coproduction vise à mettre à disposition les équipements spécialisés du centre de production afin de soutenir les artistes dans l’avancée de leurs projets. Les projets nécessitant l’utilisation du matériel de prise de vue, les numériseurs, les logiciels de post production ou l’accès à un espace de travail peuvent faire l’objet d’une demande de coproduction.  La demande doit faire état des besoins de l’artiste pour bien mener à terme son projet. Une ébauche de calendrier de production doit aussi être inclus dans la proposition. 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Les projets de nature photographique nécessitant l’utilisation de nos équipements tant de prise de vue que de post production seront favorisés.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Documents requis\r\n</strong></span>Description du projet, maximum 500 mots (précisez vos besoins) ;\r\nDémarche artistique, maximum 500 mots ;\r\nCalendrier de production ;\r\nCurriculum vitae, maximum 3 pages ;\r\nDossier visuel, maximum 25 images.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Pour envoyer vos dossiers :\r\n</strong></span>par voie numérique via courriel ou WeTransfer à l’adresse <a href=\"mailto:communications@vuphoto.org\" target=\"_blank\" rel=\"noopener noreferrer\" data-cke-saved-href=\"mailto:communications@vuphoto.org\">appels@vuphoto.org</a>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\"><strong>Matériel disponible </strong></span>\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7039\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Capture-d’écran-2020-10-13-à-17.14.33.png\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;','Appel de projets de coproduction ','','publish','closed','closed','','appels-de-projet-de-coproduction','','','2020-10-14 12:59:53','2020-10-14 16:59:53','',0,'http://vuphoto.org/calendar/%calendar_type%/appels-de-projet-de-coproduction/',0,'museo_calendar_event','',0),(7043,4,'2020-10-14 13:02:14','2020-10-14 17:02:14','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-10-14 13:02:14','2020-10-14 17:02:14','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(7044,4,'2024-05-14 14:39:07','2024-05-14 18:39:07','Construire des ponts est un projet de médiation qui a impliqué les jeunes (17) de la classe de francisation de l’école Saint-Malo et un groupe d’aînés (12) du centre amical Basse-ville, auquel a collaboré VU, ainsi que La Bande Vidéo, le chef de chorale Ludovic Dubé et le vidéaste Jepherson Guillaume. Idéalisé par l’enseignante Nancy Fall, ce projet souhaite construire des ponts entre les cultures et les générations en initiant des rencontres à partir de la musique, de la danse, de la photographie et aussi de la vidéo, en partant de l’idée que les ainés et les jeunes nouveaux-arrivants avaient beaucoup plus de choses en commun qu’on pourrait le croire… C’est donc avec l’appui de la Ville de Québec que VU a réalisé une série d’ateliers développés avec les artistes médiatrices Débora Flor, ainsi que Caroline Dupont qui est venue en cours de route remplacer Delphine Egesborg. Ce projet a été possible grâce aussi au travail de Marie-Josée Cormier, intervenante sociale au service amical Basse-ville, de Marianne Dubé, enseignante.\n\nDébutés en janvier 2020, les ateliers offerts par VU ont exploré le médium photographique comme moyen de rencontre et d’échange entre les jeunes et les aînés à travers les portraits, les histoires, les mémoires et les gestes. Suite au confinement, toute l’équipe du projet a réuni ses forces pour retisser les liens qui avaient été coupés brusquement et a su donner au projet diverses formes, telles que la série des portraits métissés et remixés, <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=OJQZocXUgis\">le vidéoclip Toujours Vivant</a> ainsi que <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=hKxmHrNH458&amp;t=28s&amp;fbclid=IwAR0cM8Y4ugxNq66pSnmpZWOliy0wq-8TEaLiV0wLgNd0zhdu_sT9-hkvGxw\">le documentaire Construire des ponts</a>, qui propose une importante réflexion sur la place que nous construisons pour les aînés et les nouveaux arrivants au coeur de notre société.\n\n&nbsp;','Construire des ponts','','inherit','closed','closed','','6995-autosave-v1','','','2024-05-14 14:39:07','2024-05-14 18:39:07','',6995,'http://vuphoto.org/fr/articles/6995-autosave-v1/',0,'revision','',0),(7045,4,'2020-10-14 15:58:11','2020-10-14 19:58:11','<span style=\"color: #000000\">This content is only available in French.</span>\n\nConstruire des ponts est un projet de médiation qui a impliqué les jeunes (17) de la classe de francisation de l’école Saint-Malo et un groupe d’aînés (12) du centre amical Basse-ville, auquel a collaboré VU, ainsi que La Bande Vidéo, le chef de chorale Ludovic Dubé et le vidéaste Jepherson Guillaume. Idéalisé par l’enseignante Nancy Fall, ce projet souhaite construire des ponts entre les cultures et les générations en initiant des rencontres à partir de la musique, de la danse, de la photographie et aussi de la vidéo, en partant de l’idée que les ainés et les jeunes nouveaux-arrivants avaient beaucoup plus de choses en commun qu’on pourrait le croire… C’est donc avec l’appui de la Ville de Québec que VU a réalisé une série d’ateliers développés avec les artistes médiatrices Débora Flor, ainsi que Caroline Dupont qui est venue en cours de route remplacer Delphine Egesborg. Ce projet a été possible grâce aussi au travail de Marie-Josée Cormier, intervenante sociale au service amical Basse-ville, de Marianne Dubé, enseignante.\n\nDébutés en janvier 2020, les ateliers offerts par VU ont exploré le médium photographique comme moyen de rencontre et d’échange entre les jeunes et les aînés à travers les portraits, les histoires, les mémoires et les gestes. Suite au confinement, toute l’équipe du projet a réuni ses forces pour retisser les liens qui avaient été coupés brusquement et a su donner au projet diverses formes, telles que la série des portraits métissés et remixés, <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=OJQZocXUgis\">le vidéoclip Toujours Vivant</a> ainsi que <a href=\"https://www.youtube.com/watch?v=hKxmHrNH458&amp;t=28s&amp;fbclid=IwAR0cM8Y4ugxNq66pSnmpZWOliy0wq-8TEaLiV0wLgNd0zhdu_sT9-hkvGxw\">le documentaire Construire des ponts</a>, qui propose une importante réflexion sur la place que nous construisons pour les aînés et les nouveaux arrivants au coeur de notre société.','Construire des ponts','','inherit','closed','closed','','7032-autosave-v1','','','2020-10-14 15:58:11','2020-10-14 19:58:11','',7032,'http://vuphoto.org/fr/articles/7032-autosave-v1/',0,'revision','',0),(7046,1,'2020-10-16 11:18:07','2020-10-16 15:18:07','','Order &ndash; octobre 16, 2020 @ 11:18 AM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_krvPVrwxjyluv','commande-oct-16-2020-0318','','','2020-10-16 13:45:41','2020-10-16 17:45:41','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=7046',0,'shop_order','',4),(7047,105,'2020-10-16 13:41:44','2020-10-16 17:41:44','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f89db5888214','7047','','','2024-10-19 10:19:40','2024-10-19 14:19:40','',2125,'https://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=7047',0,'wc_user_membership','',7),(7050,1,'2020-10-21 16:54:49','2020-10-21 20:54:49','','Order &ndash; octobre 21, 2020 @ 04:54 PM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_udDS21BhL33dj','commande-oct-21-2020-0854','','','2020-10-22 09:51:09','2020-10-22 13:51:09','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=7050',0,'shop_order','',2),(7051,106,'2020-10-22 09:51:09','2020-10-22 13:51:09','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f918e4dbed97','7051','','','2021-10-22 09:52:48','2021-10-22 13:52:48','',2125,'http://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=7051',0,'wc_user_membership','',2),(7055,4,'2020-10-23 10:18:18','2020-10-23 14:18:18','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-10-23 10:18:18','2020-10-23 14:18:18','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(7056,4,'2020-10-23 10:18:51','2020-10-23 14:18:51','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-10-23 10:18:51','2020-10-23 14:18:51','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(7057,1,'2020-10-27 10:43:02','2020-10-27 14:43:02','','Order &ndash; octobre 27, 2020 @ 10:43 AM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_NjvdrBfopwkAD','commande-oct-27-2020-0243','','','2020-10-27 10:57:21','2020-10-27 14:57:21','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=7057',0,'shop_order','',4),(7058,107,'2020-10-27 10:56:06','2020-10-27 14:56:06','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f983506a665e','7058','','','2021-10-27 11:04:44','2021-10-27 15:04:44','',2125,'https://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=7058',0,'wc_user_membership','',2),(7061,4,'2020-10-28 13:41:46','2020-10-28 17:41:46','Texte : Jeanne Mercier / Images : Émilie Régnier\r\n(Traduction du texte en anglais plus bas)\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nTous les projets d’Émilie Régnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre>Image ci-haut : Wedding portrait, 2018\r\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. Je l’ai appelé photo de mariage, en mémoire du mariage de mes parents</pre>\r\n<pre>qui a eu lieu dans le quasi-anonymat à New York parce qu’une partie de ma famille maternelle ne pouvait accepter ce mariage.\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Paternal bloodlines, 2017\r\nCette pièce inclut mon père, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\r\nMaternal bloodlines, 2018\r\nCette pièce inclut ma mère, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\r\nUS, 2017\r\nVoici le portrait de familles que nous n’avons jamais eu, moi entre ma mère et mon père.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\r\nGrandmas, 2017 \r\nMa grand-mère Haïtienne et ma grand-mère Canadienne.\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7089\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450002.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>DAD and I, 2017</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\nJeanne Mercier (codirector of Afrique in visu) is a curator and art critic working in Europe and Africa. Her projects focus on changing practices in image-making, and on artworks that propose counter-histories and create new imaginaries. Currently, her exhibition Croyances: faire et défaire l’invisible is showing at Institut des Cultures d’Islam in Paris.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n///\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nÉmilie Régnier’s projects stem from personal stories and anecdotes—she takes the <em>I</em>, and expands it to the <em>we</em>.\r\nLike an endlessly repeating motif, she dons the skin of a leopard, traversing eras, social classes, and continents. In creating her portraits, she uncovers countless stories and symbols. From President Mobutu’s fur hat, the emblem of power in the Congo, to Parisian fashion popularized in the postwar period by Christian Dior, it is universality that truly interests her.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nRégnier’s own genealogy and family background are sources of inspiration and research for her projects. Born of a Canadian mother and Haitian father, she spent a large part of her childhood in Africa. She met her father at the age of 18: “That day, I became a daughter, sister, granddaughter; I learned that I was heir to a family whose destiny was both glorious and tragic. My mother and father’s meeting was the direct result of the decades of dictatorship in Haiti, which drove my father’s family to exile. That day, I understood where this hidden part of myself came from.”\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAfter this meeting, Régnier became interested in her own history, and began developing a complex family photo album. She chose DNA as her point of departure, symbolizing as it does the biological cycle that reproduces and mutates within a group of offspring. In taking a DNA test, Régnier connected with 1,224 relatives. Through this gesture, she was able to reappropriate and consolidate the two branches of her family, Haitian and Canadian. In meeting people who share a small part of her genetic code, Régnier retraces the voluntary and involuntary migration of her ancestors, and paints the portrait of a more nuanced identity than one might expect, even in a world where virtually everyone has a complex family background.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nÉmilie Régnier calls on fiction to recreate the past. Through collage, she developed a portrait gallery of her two families: grandparents, parents, cousins both close and distant. In this fictional album, we discover an image of her parents’ wedding, an event that never actually took place. While identity in our societies is often associated with the idea of belonging to a territory, a social group, or a family, Régnier shows us how personal history can spill over into official history.\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Let us tear ourselves from oblivion\r\n</em><em>From the ashes of the conch shells\r\n</em><em>On the last of our ruins\r\n</em><em>For future memories to remember\r\n</em><em>For future elsewheres to weave\r\n</em><em>For future stories to tell\r\n</em><em>Let us tear ourselves from oblivion\r\n</em><em>Against time let us inscribe\r\n</em><em>Our memories evermore</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, <em>Nous appelons</em>)</p>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','publish','open','open','','eclaireuses-8-jeanne-mercier-et-emilie-regnier','','','2021-09-03 10:26:19','2021-09-03 14:26:19','',0,'http://vuphoto.org/?p=7061',0,'post','',0),(7062,4,'2020-10-28 11:26:00','2020-10-28 15:26:00','Tous les projets d’Émilie Regnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. 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Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. 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Pour la 13e biennale des arts de Dakar, elle a travaillé pour la Commission OFF. Elle est assistante en recherche à RAW Material Company. Korka a abordé la ‘présence-absence’ des femmes dans la politique au Sénégal dans l\'ouvrage collectif “Politisez-vous!”, 2017.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 11:26:00','2020-10-28 15:26:00','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7063,4,'2020-10-28 11:43:33','2020-10-28 15:43:33','Tous les projets d’Émilie Regnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6897\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/01-3.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6899\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/02-3.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6901\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/03-1.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6903\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/04.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-6905\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/05-2.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 11:43:33','2020-10-28 15:43:33','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7064,4,'2020-10-28 11:47:44','2020-10-28 15:47:44','','ED_Yopougon','','inherit','open','closed','','ed_yopougon','','','2020-10-28 11:47:44','2020-10-28 15:47:44','',7061,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/ED_Yopougon.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7065,4,'2020-10-28 11:47:44','2020-10-28 15:47:44','','ED_Yopougon','','inherit','open','closed','','ed_yopougon-2','','','2020-10-28 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À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Érika Nimis, <em>Crinum</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Sauge écarlate</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Boule de feu</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Kapokier rouge</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7066\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450008.jpg\" alt=\"\" />\r\nÉrika Nimis, <em>Fourcroya</em>, Gàncah bu naat, 2019</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7078\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/ED_Unknown_15.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7076\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/ED_Danielle_Babou.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7082\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Regnier_30_full-size.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7080\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Regnier_26_full-size.jpg\" alt=\"\" />\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 11:58:50','2020-10-28 15:58:50','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7085,4,'2020-10-28 13:41:23','2020-10-28 17:41:23','Tous les projets d’Émilie Regnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Paternal bloodlines, 2017\r\nCette pièce inclut mon père, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\r\nMaternal bloodlines, 2018\r\nCette pièce inclut ma mère, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\r\nUS, 2017\r\nVoici le portrait de familles que nous n’avons jamais eu, moi entre ma mère et mon père.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\r\nGrandmas, 2017 \r\nMa grand-mère Haïtienne et ma grand-mère Canadienne.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7066\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450008.jpg\" alt=\"\" />\r\nWedding portrait,\r\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. Je l’ai appelé photo de mariage, en mémoire du mariage de mes parents</pre>\r\n<pre>qui a eu lieu dans le quasi-anonymat à New York parce qu’une partie de ma famille maternelle ne pouvait accepter ce mariage.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 13:41:23','2020-10-28 17:41:23','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7086,4,'2021-09-03 10:25:04','2021-09-03 14:25:04','Tous les projets d’Émilie Régnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\n\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\n\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\n\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\nSous les cendres des conques\nSur le restant de nos ruines\nPour de nouvelles mémoires\nPour nos ailleurs à lier\nPour d’autres histoires à conter\nNous nous arracherons à l’oubli\nEt nous graverons contre temps\nNos souvenirs à jamais</em></p>\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\n&nbsp;\n<pre>Image ci-haut : Wedding portrait, 2018\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. Je l’ai appelé photo de mariage, en mémoire du mariage de mes parents</pre>\n<pre>qui a eu lieu dans le quasi-anonymat à New York parce qu’une partie de ma famille maternelle ne pouvait accepter ce mariage.\n\n\n\n</pre>\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\n<pre>Paternal bloodlines, 2017\nCette pièce inclut mon père, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\nMaternal bloodlines, 2018\nCette pièce inclut ma mère, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.\n\n</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\nUS, 2017\nVoici le portrait de familles que nous n’avons jamais eu, moi entre ma mère et mon père.\n\n</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\nGrandmas, 2017 \nMa grand-mère Haïtienne et ma grand-mère Canadienne.\n</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7089\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450002.jpg\" alt=\"\" /></pre>\n<pre>DAD and I, 2017</pre>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\n\nJeanne Mercier (codirector of Afrique in visu) is a curator and art critic working in Europe and Africa. Her projects focus on changing practices in image-making, and on artworks that propose counter-histories and create new imaginaries. Currently, her exhibition Croyances: faire et défaire l’invisible is showing at Institut des Cultures d’Islam in Paris.\n\n&nbsp;\n\n///\n\n&nbsp;\n\nÉmilie Régnier’s projects stem from personal stories and anecdotes—she takes the <em>I</em>, and expands it to the <em>we</em>.\nLike an endlessly repeating motif, she dons the skin of a leopard, traversing eras, social classes, and continents. In creating her portraits, she uncovers countless stories and symbols. From President Mobutu’s fur hat, the emblem of power in the Congo, to Parisian fashion popularized in the postwar period by Christian Dior, it is universality that truly interests her.\n\n&nbsp;\n\nRégnier’s own genealogy and family background are sources of inspiration and research for her projects. Born of a Canadian mother and Haitian father, she spent a large part of her childhood in Africa. She met her father at the age of 18: “That day, I became a daughter, sister, granddaughter; I learned that I was heir to a family whose destiny was both glorious and tragic. My mother and father’s meeting was the direct result of the decades of dictatorship in Haiti, which drove my father’s family to exile. That day, I understood where this hidden part of myself came from.”\n\n&nbsp;\n\nAfter this meeting, Régnier became interested in her own history, and began developing a complex family photo album. She chose DNA as her point of departure, symbolizing as it does the biological cycle that reproduces and mutates within a group of offspring. In taking a DNA test, Régnier connected with 1,224 relatives. Through this gesture, she was able to reappropriate and consolidate the two branches of her family, Haitian and Canadian. In meeting people who share a small part of her genetic code, Régnier retraces the voluntary and involuntary migration of her ancestors, and paints the portrait of a more nuanced identity than one might expect, even in a world where virtually everyone has a complex family background.\n\n&nbsp;\n\nÉmilie Régnier calls on fiction to recreate the past. Through collage, she developed a portrait gallery of her two families: grandparents, parents, cousins both close and distant. In this fictional album, we discover an image of her parents’ wedding, an event that never actually took place. While identity in our societies is often associated with the idea of belonging to a territory, a social group, or a family, Régnier shows us how personal history can spill over into official history.\n\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n<p style=\"text-align: right\"><em>Let us tear ourselves from oblivion\n</em><em>From the ashes of the conch shells\n</em><em>On the last of our ruins\n</em><em>For future memories to remember\n</em><em>For future elsewheres to weave\n</em><em>For future stories to tell\n</em><em>Let us tear ourselves from oblivion\n</em><em>Against time let us inscribe\n</em><em>Our memories evermore</em></p>\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, <em>Nous appelons</em>)</p>\n&nbsp;\n\n&nbsp;\n\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-autosave-v1','','','2021-09-03 10:25:04','2021-09-03 14:25:04','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-autosave-v1/',0,'revision','',0),(7087,4,'2020-10-28 13:43:49','2020-10-28 17:43:49','Tous les projets d’Émilie Regnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre>Image ci-haut : Wedding portrait,\r\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. Je l’ai appelé photo de mariage, en mémoire du mariage de mes parents</pre>\r\n<pre>qui a eu lieu dans le quasi-anonymat à New York parce qu’une partie de ma famille maternelle ne pouvait accepter ce mariage.\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre>\r\n<img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Paternal bloodlines, 2017\r\nCette pièce inclut mon père, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\r\nMaternal bloodlines, 2018\r\nCette pièce inclut ma mère, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\r\nUS, 2017\r\nVoici le portrait de familles que nous n’avons jamais eu, moi entre ma mère et mon père.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\r\nGrandmas, 2017 \r\nMa grand-mère Haïtienne et ma grand-mère Canadienne.\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 13:43:49','2020-10-28 17:43:49','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7088,4,'2020-10-28 13:49:18','2020-10-28 17:49:18','Tous les projets d’Émilie Regnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre>Image ci-haut : Wedding portrait,\r\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. Je l’ai appelé photo de mariage, en mémoire du mariage de mes parents</pre>\r\n<pre>qui a eu lieu dans le quasi-anonymat à New York parce qu’une partie de ma famille maternelle ne pouvait accepter ce mariage.\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Paternal bloodlines, 2017\r\nCette pièce inclut mon père, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\r\nMaternal bloodlines, 2018\r\nCette pièce inclut ma mère, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\r\nUS, 2017\r\nVoici le portrait de familles que nous n’avons jamais eu, moi entre ma mère et mon père.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\r\nGrandmas, 2017 \r\nMa grand-mère Haïtienne et ma grand-mère Canadienne.\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 13:49:18','2020-10-28 17:49:18','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7089,4,'2020-10-28 15:39:07','2020-10-28 19:39:07','','63450002','','inherit','open','closed','','63450002','','','2020-10-28 15:39:07','2020-10-28 19:39:07','',7061,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450002.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7090,4,'2020-10-28 15:39:07','2020-10-28 19:39:07','','63450002','','inherit','open','closed','','63450002-2','','','2020-10-28 15:39:07','2020-10-28 19:39:07','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450002.jpg',0,'attachment','image/jpeg',0),(7091,4,'2020-10-28 15:41:18','2020-10-28 19:41:18','Tous les projets d’Émilie Régnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre>Image ci-haut : Wedding portrait, 2018\r\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. Je l’ai appelé photo de mariage, en mémoire du mariage de mes parents</pre>\r\n<pre>qui a eu lieu dans le quasi-anonymat à New York parce qu’une partie de ma famille maternelle ne pouvait accepter ce mariage.\r\n\r\n\r\n\r\n</pre>\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7074\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450006.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>Paternal bloodlines, 2017\r\nCette pièce inclut mon père, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7070\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/29012018-DSC_7268.jpg\" alt=\"\" />\r\nMaternal bloodlines, 2018\r\nCette pièce inclut ma mère, mon grand-père, mon arrière-grand-père et moi.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7072\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450005.jpg\" alt=\"\" />\r\nUS, 2017\r\nVoici le portrait de familles que nous n’avons jamais eu, moi entre ma mère et mon père.\r\n\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7068\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/DSC_8963.jpg\" alt=\"\" />\r\nGrandmas, 2017 \r\nMa grand-mère Haïtienne et ma grand-mère Canadienne.\r\n</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n<pre><img class=\"alignnone size-full wp-image-7089\" src=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/63450002.jpg\" alt=\"\" /></pre>\r\n<pre>DAD and I, 2017</pre>\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n<span style=\"color: #000000\">Jeanne Mercier (codirectrice d’Afrique in visu) est commissaire et critique. Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-28 15:41:18','2020-10-28 19:41:18','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7092,4,'2020-10-29 10:49:00','2020-10-29 14:49:00','','Présentation','','inherit','open','closed','','presentation','','','2020-10-29 10:49:00','2020-10-29 14:49:00','',7061,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Présentation.pdf',0,'attachment','application/pdf',0),(7093,4,'2020-10-29 10:49:00','2020-10-29 14:49:00','','Présentation','','inherit','open','closed','','presentation-2','','','2020-10-29 10:49:00','2020-10-29 14:49:00','',0,'https://vuphoto.org/workspace/uploads/Présentation.pdf',0,'attachment','application/pdf',0),(7094,4,'2020-10-29 10:49:30','2020-10-29 14:49:30','Tous les projets d’Émilie Régnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\n<a href=\"https://vuphoto.org/workspace/uploads/Présentation.pdf\">Présentation</a>\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. Alors que, dans nos sociétés, l’identité est souvent rattachée à une notion d’appartenance territoriale, à un groupe social ou familial, l’artiste, par sa démarche, révèle comment chaque trajectoire dépasse la petite histoire personnelle pour déborder sur l’Histoire officielle.\r\n\r\n&nbsp;\r\n<p style=\"text-align: right\"><em>Nous nous arracherons à l’oubli\r\nSous les cendres des conques\r\nSur le restant de nos ruines\r\nPour de nouvelles mémoires\r\nPour nos ailleurs à lier\r\nPour d’autres histoires à conter\r\nNous nous arracherons à l’oubli\r\nEt nous graverons contre temps\r\nNos souvenirs à jamais</em></p>\r\n<p style=\"text-align: right\">(Paul Wamo Taneisi, « Nous appelons »)</p>\r\n&nbsp;\r\n<pre>Image ci-haut : Wedding portrait, 2018\r\nCette pièce inclut mes deux grands-pères, mes arrière-grands-pères et grands-mères, mes oncles, mes tantes, mes cousins les deux familles confondues. 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Elle travaille à ce titre en Europe et en Afrique. Ses projets s’attachent aussi bien aux mutations des pratiques de l’image qu’aux œuvres qui véhiculent des contre-récits et créent de nouveaux imaginaires. Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-29 10:49:30','2020-10-29 14:49:30','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7095,4,'2020-10-29 10:50:17','2020-10-29 14:50:17','Tous les projets d’Émilie Régnier partent de récits ou d’anecdotes personnelles, du je pour s’étendre au nous.\r\nDe la fourrure du léopard qui traverse les époques, les classes sociales et les continents, elle s’empare comme d’un motif qui se répète à l’infini. À travers les portraits qu’elle signe, ce sont des histoires et symboliques que l’artiste révèle : de l’emblème du pouvoir au Congo, avec la fameuse toque du maréchal Mobutu jusqu’à la mode parisienne popularisée dès 1947 par le couturier Christian Dior, c’est l’universalité qui l’intéresse.\r\n\r\nLa généalogie et le métissage d’Émilie Régnier sont sources de recherches dans ses projets. Haïtienne par son père et Canadienne par sa mère, l’artiste a vécu une grande part de son enfance sur le continent africain. À 18 ans, elle rencontre enfin son père « Ce jour-là, je suis devenue fille, sœur, petite-fille ; j’ai appris comment j’étais l’héritière d’une famille qui avait un destin glorieux et tragique. La rencontre de ma mère et de mon père est le résultat direct de la dictature politique qui a saisi Haïti pendant des décennies et qui a amené ma famille paternelle à s’exiler. Ce jour-là, j’ai compris d’où venait cette partie inconnue de moi. »\r\n\r\nDès lors, elle s’intéresse à cette histoire familiale et entreprend la constitution d’un album complexe. Elle prend comme point de départ son ADN, symbole d’un cycle biologique puisqu’il se reproduit et mute au sein des descendances. Après un test d’ADN, l’artiste peut relier 1224 personnes. Par ce geste, elle se réapproprie ses origines et consolide deux branches de ses deux entités polarisantes : le noir et le blanc, ses racines haïtiennes et son ascendance canadienne. Ainsi, par la rencontre de personnes qui partagent même un infime segment de son code génétique, l’artiste trace la migration volontaire ou forcée de ses ancêtres et dresse le portrait d’une identité plus complexe et nuancée que celle du métissage qui s’étend aujourd’hui à tous et chacun.\r\n\r\nL’artiste convoque la fiction pour recréer le passé. Sous la forme de collages, elle élabore une galerie de portraits multiples de ses deux familles avec, à la fois, ses grands-parents, ses parents, ses cousins proches et lointains. Dans son album fictif, on découvre l’image du mariage de ses parents qui n’a jamais eu lieu. 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Actuellement, on peut découvrir à Paris son exposition Croyances : faire et défaire l’invisible à l’Institut des Cultures d’Islam.</span>\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\n&nbsp;\r\n\r\nAvertissement : Le texte et les images sont protégées par le droit d’auteur. Toute reproduction est interdite. / Warning: The text and images are copyrighted. Any reproduction is strictly forbidden.','Éclaireuses 8 —Jeanne Mercier et Émilie Régnier','','inherit','closed','closed','','7061-revision-v1','','','2020-10-29 10:50:17','2020-10-29 14:50:17','',7061,'http://vuphoto.org/fr/articles/7061-revision-v1/',0,'revision','',0),(7096,4,'2020-10-29 15:57:31','2020-10-29 19:57:31','','Home','','inherit','closed','closed','','102-revision-v1','','','2020-10-29 15:57:31','2020-10-29 19:57:31','',102,'http://vuphoto.org/fr/articles/102-revision-v1/',0,'revision','',0),(7097,4,'2020-10-29 15:59:00','2020-10-29 19:59:00','','Accueil','','inherit','closed','closed','','2-revision-v1','','','2020-10-29 15:59:00','2020-10-29 19:59:00','',2,'http://vuphoto.org/fr/articles/2-revision-v1/',0,'revision','',0),(7098,1,'2020-10-29 23:34:44','2020-10-30 03:34:44','','Order &ndash; octobre 29, 2020 @ 11:34 PM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_kGCuuiUeQcN7S','commande-oct-30-2020-0334','','','2020-10-30 09:37:59','2020-10-30 13:37:59','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=7098',0,'shop_order','',4),(7099,108,'2020-10-30 09:36:25','2020-10-30 13:36:25','','','','wcm-expired','open','closed','um_5f9c16d902ece','7099','','','2023-10-30 09:36:59','2023-10-30 13:36:59','',2125,'https://vuphoto.org/?post_type=wc_user_membership&#038;p=7099',0,'wc_user_membership','',4),(7102,4,'2020-10-30 11:28:16','2020-10-30 15:28:16','On connaît bien les installations multicouches d’Éloïse Plamondon-Pagé et sa grande sensibilité pour le thème de la mémoire. Pensons simplement à son exposition <em>L’Air du temps</em> présentée à Engramme en 2018, où l’artiste nous livrait à cœur ouvert un important morceau de son histoire familiale. Depuis quelques années, elle cumule les projets de résidence à l’étranger pendant lesquels les différents contexte et cultures modèlent sa perception du monde et la forcent à repenser ses façons de créer. C’est ainsi que parallèlement à ses recherches en estampe et en installation elle expérimente bien humblement la vidéo dans une grande quête de liberté. Éloïse a accumulé au fil des ans des centaines de vidéos comme autant de fragments de réalité en mouvement, qui représentent pour elle un moyen de s’ouvrir au monde, de comprendre son rapport à celui-ci et de s’ancrer sur le territoire – intime  comme extérieur. La vidéo étant concrètement constituée d’une accumulation d’images photographiques, Éloïse profitera de sa résidence annuelle à VU pour enrichir sa réflexion sur le fragment, sur la séquence d’images et sur sa mise en espace dans l’espoir de nous partager un peu de son amour du monde.','Résidence annuelle','','inherit','closed','closed','','6785-autosave-v1','','','2020-10-30 11:28:16','2020-10-30 15:28:16','',6785,'http://vuphoto.org/fr/articles/6785-autosave-v1/',0,'revision','',0),(7103,1,'2020-10-31 15:45:12','2020-10-31 19:45:12','','Order &ndash; octobre 31, 2020 @ 03:45 PM','','wc-completed','closed','closed','wc_order_QMxV0HsImqWyI','commande-oct-31-2020-0745','','','2020-11-03 09:42:15','2020-11-03 14:42:15','',0,'https://vuphoto.org/fr/?post_type=shop_order&#038;p=7103',0,'shop_order','',2),(7107,1,'2020-11-06 13:09:07','2020-11-06 18:09:07','','Order &ndash; novembre 6, 2020 @ 01:09 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